La Sociedad General de Escritores de México, Namaste Teatro, Cine Toma y Paso de Gato
Invitan al:
Conversatorio cinematográfico
Ganadores actorales del LIX Ariel
Martes 5 de septiembre de 2017.
19:00 horas.
Con:
José Carlos Ruiz
Adriana Paz,
Verónica Langer y
Hoze Meléndez.
Modera:
Sergio Raúl López
Desde su primera entrega, en 1947 –sí, hace 70 años–, el trofeo Ariel es entregado por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas A.C. a lo más destacado de la producción anual en el medio nacional. La categoría actoral ha sido, sin lugar a dudas, una de las más destacadas y glamorosas. Sirva decir que en la primera entrega fueron Dolores del Río y Domingo Soler los designados como Mejor Actriz y Mejor Actor, y en 1948 serían Blanca Estela Pavón y Pedro Armendáriz los galardonados. Esta tradición de premiar actores eminentemente dramáticos de formación seria, académica, persiste hasta nuestros días. La quincuagésima novena ceremonia de entrega tuvo como Mejor Actriz a la actriz de origen argentino Verónica Langer por La caridad (México, 2016), de Marcelino Islas y reconoció a su compañera de elenco, la capitalina Adriana Paz, en Coactuación Femenina. Asimismo, Hoze Meléndez, oriundo de Mexicali, fue reconocido en la categoría de Coactuación Masculina por Almacenados (México, 2015), de Jack Zagha, en la que comparte créditos con el primer actor José Carlos Ruiz.
Ellos abordarán su formación actoral, su experiencia en los escenarios, su entrada a la industria fílmica nacional y sus próximos proyectos en un conversatorio sobre cine y sobre el arte de la personificación frente a la cámara.
La cita es en el Foro Rodolfo Usigli (cerrada de Eleuterio Méndez 11, colonia San Mateo Churubusco, en Coyoacán, entre Héroes del 47, División del Norte y Avenida del Convento).
La sexta edición de Festival de Cine México-Alemania CineMA, “Dos visiones una mirada”, se llevará a cabo en la ciudad de San Luis Potosí, México del 7 al 10 de septiembre de 2017 por lo que se convoca a inscribir películas en sus dos secciones competitivas: Competencia Oficial de Cortometrajes Mexicanos y Alemanes (Ficción, animación y documental) y el Premio San Luis para cortometrajes de directores potosinos o filmados en la entidad en cualquiera de las anteriores categorías (estos trabajos se subirán a la página electrónica del festival y podrán ser votados por los usuarios); así como en sus secciones no competitivas: México contemporáneo, Alemania contemporánea y Cine itinerante (plazas, escuelas y municipios).
Las inscripciones podrán realizarse hasta el primero de julio de 2017.
La cuarta edición del Tur de Cine Mexicano (TCM) se efectuará durante el mes de septiembre de 2017 en 13 estados de la República en salas de la cadena Cinemex por lo que se convoca a productores y directores nacionales a inscribir sus películas de ficción, animación y documental, de duración mínima de 60 minutos en largometraje y máximo de 15 minutos en cortometraje, sin importar su fecha de realización y con temática libre. Los trabajos seleccionados serán dados a conocer el lunes 3 de julio en la página electrónica: turdecinemexicano.com.
La Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero) efectuará su sexta edición del 3 de agosto al 10 de septiembre de 2017, en México, y del 14 de septiembre al 1 de octubre de 2017, en Argentina por lo que abrió su convocatoria a largometrajes de ficción o documental –mínimo 50 minutos– y cortometrajes de cualquier género y país, relacionados con las secciones: vs. media; Democracia, medios & feminismo; Derechos sexuales y reproductivos; Etarismo y relaciones intergeneracionales; Ecofeminismos; Queer y postporno; Encierros y reclusión; Disonancias; Cuerpo atlético; Resiliencia; Movilidad humana y migración; Minoridades en foco; Niñez y Derechos Humanos.
Hay tres periodos de inscripción, la temprana, al 24 de febrero, gratuita; la regular, al 31 de marzo, con un costo de 15 dólares, y la tardía, al 30 de abril, por 30 dólares.
La primera edición del Foro de distribución audiovisual Focus Camp se realizará entre el 28 de septiembre y el primero de octubre, en el Museo del Chopo , con mesas redondas, conferencias y proyecciones. Este foro y mercado de cine tiene como misión fomentar la distribución exitosa de proyectos audiovisuales de calidad enfocados a los derechos humanos desde la perspectiva de género, además de abrir la discusión acerca de las dificultades que enfrenta la distribución de películas en México, el papel de los medios en este proceso y los contenidos que se desarrollan actualmente en los materiales audiovisuales.
Además, se ha programado una función especial del documental The Occupation Of The American Mind: Israel’s Public Relations War in the United States(Estados Unidos, 2016) de Loretta Alper y Jeremy Earp, narrado por el músico Roger Waters, el próximo 30 de septiembre a las 20:00 horas en la Sala 2, Salvador Toscano de la Cineteca Nacional. La cinta será presentada por su productor ejecutivo Sut Jhally y el propio Waters.
Este es el programa:
Miércoles 28 de septiembre
Inauguración
10:00 a 10:15 horas
Mesa redonda: Panorama de los medios de comunicación y la (des)igualdad de género.
Participan: Katya Vera (Conavim), María Soledad Jarquín (Inmujeres), Lucía Lagunes (CIMAC), Karla Ramírez (CDHDF).
Modera: Lurdes Barbosa.
10:15 a 11:45 horas
Mesa Redonda: El papel de los medios de comunicación en la distribución de cine.
Mesa Redonda: Escribir y producir con perspectiva de género.
Participan: Eleane Oropeza (IMCINE), Adán Salinas (GenderLab – MICGénero), Verónica Navarro (The Women’s Project); Alejandra Márquez Abella, Lurdes Barbosa (Consejo Ciudadano por la equidad de genero en los medios de comunicación)
Mesa Redonda: Masculinidades y roles en los medios.
Participan: Sut Jhally (Media Education Foundation/ UMass), Mauro Antonio Vargas (GENDES), Pablo Navarrete Gutiérrez (Inmujeres), Verónica Navarro (The Women’s Project).
Ante lo competitivo e incluso celoso que llega a ser el ambiente de buena parte del centenar de festivales fílmicos que se realizan anualmente en México, en San Luis Potosí se proyecta hacer, en su lugar, un gran festejo que no programe películas en exclusiva, realice actividades de industria ni glamorosos encuentros para pocos invitados. En la segunda quincena de septiembre, la Fiesta Internacional del Cine ofrecerá proyecciones gratuitas, charlas de cultura cinematográfica, talleres y residencias para ampliar el público posible para la producción nacional.
Hacer un festival más resulta ilógico. México es un país de grandes festivales como el de Morelia, Los Cabos o Guadalajara, que resuelven muy bien el tema de industria. Nosotros lo que intentamos con la Fiesta Internacional del Cine en San Luis Potosí no es necesariamente hacer un festival con todo lo que conlleva, con las partes vip, las alfombras rojas etcétera. Lo que para nosotros es muy importante es acercar el cine al público, es decir, muchas veces se dice que la gente no quiere ir al cine o que la gente no ve el cine nacional, pero tenemos el firme convencimiento de que, más bien, a la gente no le alcanza para ir al cine. Entonces, partiendo del hecho de que la mayoría de las películas en éste país se producen a partir de incentivos fiscales y de fondos públicos, nos parecía una excelente idea regresar a devolver a la gente lo que le ha dado, mediante recursos públicos, es decir con sus impuestos, al cine. Si la gente no puede ir a las salas entonces las salas deben salir a la gente.
Así es como nace la Fiesta del Cine, un espacio para festejar a la cinematografía y también a diversas disciplinas que van alrededor de la cinematografía, como la música y la poesía. Vamos a llevar a muchos talentos, creadores y público espectador para que juntos podamos por fin crear un entendimiento directo, además de que la gente se acerque y vea qué es lo que se está haciendo en el cine nacional. A pesar de que México sea el cuarto país que más boletos de cine vende en el mundo, dicha cantidad de espectadores sigue representando solamente al 12% de la población, que es la que en realidad asiste al cine, mientras que el otro 88% no tiene las posibilidades económicas.
Lo que tenemos claro es que nosotros tenemos que salir a buscar al público, no esperar a que venga a buscarnos. Mostrar qué es lo que estamos haciendo y así empezar a generar esta formación de audiencias que tanto hemos esperado para que desde jóvenes y niños vean que a través de la cultura se puede llegar a un ser un país mejor. Ese es el espíritu de la Fiesta del Cine y así es como nace la primera edición.
Estamos programando películas de diversos géneros sin que, necesariamente, esperemos que sean sólo los más recientes estrenos. Repito, es una fiesta donde vamos a festejar a la cinematografía y en la que queremos que la gente festeje las películas, es por eso que estamos programando películas que han pasado por numerosos festivales y ese hecho no nos limita para seleccionarlas. En su mayoría son mexicanas, con diversos contenidos y diversos géneros. Hay documentales, ficciones y comedia. Tenemos también películas españolas.
Nuestra oferta es diversa, queremos darle una probadita del cine de todo tipo a todo el público para que se empiecen a familiarizar y encantar con todo esto, esa es la línea de la Fiesta: ofrecer un panorama abierto de lo que se está haciendo en el país. Para ser universales es urgente conocer lo particular de las historias.
Todos los días, en el Centro de las Artes, ofreceremos conferencias para todos los estudiantes que quieran venir. Todas las actividades serán gratis, el programa se definirá en estos días, pero básicamente se puede adelantar que habrá conversaciones formativas que retroalimenten a todo aquel que traiga inquietudes acerca del cine. Seis guionistas trascendentes y directores mexicanos hablarán sobre la importancia de pensar y construir al personaje desde la estructura del guión.
Por otro lado, Matt Dillon, nos hablará acerca de su experiencia en el cine y en las series de televisión.
Finalmente haremos una conversación con Pablo Hernando, uno de los directores de la película Esa sensación (España, 2016), quien nos visita desde la península ibérica.
Trataremos de que todos los directores, productores y algunos actores que participaron en las cintas seleccionadas, vengan durante los cuatro días que dura la Fiesta para poder convivir con el público. Además habrá algunos invitados extras que, aunque no vengan a presentar una película, vale la pena que convivan con el público potosino. También haremos dos residencias como parte de la Fiesta Internacional del Cine.
Es en este punto donde buscamos especial trascendencia. Serán dos residencias, una de actuación coordinada por Úrsula Pruneda, en Xilitla, que tendrá varios mentores, todo enfocado a la actuación en cine. Alejandro Gerber dará un taller de dirección para actores; Marc Bellver tratará de mostrar cómo funciona la relación entre la cámara y el actor; Axel Muñoz hablará del sonido y la voz, la modulación y entonación de la voz en cine; en tanto que Úrsula Pruneda, Cecilia Suarez, Luis Gerardo Méndez e Irene Azuela darán un taller con técnicas de actuación para cine.
Esta primera edición está destinada a los artistas potosinos. Pensamos que para las siguientes ediciones tendríamos que ampliar el espectro hacia el resto del país.
Por otro lado, en Real de Catorce tendremos una residencia dedicada a la escritura de guión, este año tendremos como mentores a tres escritores imperdibles: Ana Katz nos visita desde Argentina, ella es directora y escritora de cine; Ray Lóriga, prestigiado guionista y escritor de cine, que ha trabajado para Carlos Saura y Pedro Almodóvar; por último, Gibrán Portela es uno de los mayores talentos que tenemos en México.
Los seleccionados para la residencia de guión van a ser seis, entre ellos directores, escritores profesionales del cine que al menos hayan hecho un largometraje, puesto que ésta residencia sí tiene un carácter especialmente profesional.
Durante nuestra primera edición de la Fiesta pretendemos que esta residencia tome un valor muy importante y se convierta en un referente en México. Que la Residencia Catorce gane prestigio y sea única en su naturaleza, peculiar del lugar, queremos hacerla un símbolo de la Fiesta.
Esta es una fiesta, no es un festival, lo hemos dicho muchas veces y se integrará al talento potosino. No solamente servirá para proyectar películas y ver algunos otros proyectos, sino para festejar también a los talentos potosinos, a los gestores culturales y a la gente que, con mucho esfuerzo, ha realizado otros festivales en la localidad que sin duda tienen un valor importantísimo para la comunidad y la cultura. Nos estamos aliando y los estamos invitando a participar con nosotros para que justo podamos ayudar y dejar un grano de arena en San Luis Potosí para todos estos festivales y todos estos esfuerzos en conjunto. Cabe mencionar que la idea es que tenga una trascendencia mayor y que se convierta en un evento anual que suceda año con año en el mes de septiembre.
Con respecto a la gran diversidad de festivales que hay en el país, creo que es un crisol interesante de intenciones y carácter que se complementan unos con otros, es un fenómeno inclusivo y no excluyente. La diversidad es esencial en un país tan extenso y multicultural como lo es México, mientras más festivales haya y más películas pasen en los festivales, mayor es la repercusión que va a tener el cine. Cada festival tiene su identidad y público.
Los festivales sirven para acercar al público a la cinematografía y para acercar nuestras películas al público. Toda película tiene un público y hay que salir a buscarlo. Yo pienso que no tiene gran sentido la discusión de las identidades y, mucho menos, evitar repetir filmes en un festival. Lo mejor es que las películas puedan tener la mayor exhibición posible y dejar la competencia a un lado.
Esperamos que al público potosino les guste lo que estamos haciendo: un trabajo con mucho cariño y muchísimo corazón. Trataremos de que este evento se disfrute gradualmente más año con año y que se difunda con el boca a boca, así, nuestras películas tendrán mayor trascendencia.
Ya tenemos títulos programados. Hemos creado una sección mexicana llamada Liga Nacional. Entre ellos se encuentran Sopladora de Hojas (México, 2015), de Alejandro Iglesias Mendizabal; Los herederos (México, 2015), de Jorge Hernández Aldana; Semana Santa (México, 2015), de Alejandra Márquez; Tempestad (México, 2016), de Tatiana Huezo; Maquinaria Panamericana (México, 2016), de Joaquín del Paso; Un monstruo de mil cabezas (México, 2015), de Rodrigo Plá, que son películas que han tenido éxito durante todo el año y que han pasado por diversos festivales. Inauguraremos con la película 7:19. La hora del temblor (México, 2016), de Jorge Michel Grau, justo antes de su estreno en salas comerciales y la clausura será con la película Desde allá (Venezuela-México, 2015), de Lorenzo Vigas, que ganó el León de Oro en el Festival de Venecia el año pasado, y tendremos algún otro par de películas extranjeras con presencia de los directores. Así como una función especial de El Puño de Hierro (México, 1927), de Gabriel García Moreno, así como un concierto de Presidente, la banda de Quique Rangel, bajista de Café Tacvba, que ha elegido una película sorpresa para presentar antes del concierto.
Esta primera edición se llevará a cabo del 21 al 25 de septiembre y durante esos cinco días habrá proyecciones, conciertos, lecturas y cine nacional e internacional de la más alta calidad, en plazas y calles, en los barrios de San Miguelito y San Sebastián, la plaza Aranzazú y en su sede, el Centro de las Artes de San Luis Potosí.
La décima edición de Shorts México, Festival Internacional de Cortometrajes de México se llevará a cabo del 3 al 10 de septiembre del 2015, en la Ciudad de México, por lo que se ha abierto su convocatoria para inscribir trabajos en sus diez secciones, tanto nacionales como internacionales en competencia de ficción: Mejor cortometraje ficción, Mejor director, Mejor productor, Mejor Actor, Mejor Actriz, Mejor guión, Mejor fotografía, Mejor sonido, Mejor edición, Mejor arte. Además de la Competencia de animación mexicana, documental mexicano, Neomex (amateur mexicano), Competencia de ficción Iberoamericana, Competencia de ficción, animación, documental internacional y la Guión de cortometraje. También se crean las categorías de Crítica cinematográfica, Videoclip musical y Vine.
El cierre de esta convocatoria es el 31 de mayo de 2015.
Fiel a lo acostumbrado, el último viernes de septiembre se realizará el Maratón Nocturno de Cine Alternativo del Martí, que esta ocasión estará dedicado a Aurora Martínez, “La dama peligrosa del videohome”, con cinco títulos de su autoría, que serán proyectados a partir de las 21:00 horas del viernes 26 de septiembre y hasta las 6:30 horas del sábado 27 de septiembre, en el Centro Cultural José Martí (Doctor Mora 1, Centro Histórico). Tanto la programación del ciclo como los comentarios correrán a cargo de Jorge Grajales. El donativo es de 31 pesos y los boletos se venden entre las 20:00 y las 21:30 horas.
Es el propio Grajales, el autor del siguiente comentario: “Si bien la presencia de mujeres como directoras de cine en nuestro país se ha incrementando en años recientes, el caso de Aurora Martínez es único en el ámbito donde se desempeña: el videohome, ese otro cine mexicano ninguneado y despreciado por la crítica especializada. Allí, entre películas de narcos y cholos, de judiciales y traficantes, cuyas historias están tomadas principalmente de las noticias relacionadas ya sea con la nota roja o con historias de narcos, la obra de Aurora Martínez se distingue al ser la única mujer que funge como actriz, guionista y directora en una industria eminentemente dominada por el género masculino.
“Trabajando en el medio desde fines de los 80, la videografía de Aurora Martínez como realizadora (que casi llega a los cien títulos, en los cuales hay también cabida para el horror, la comedia y el thriller) puede interpretarse como una radiografía de las tendencias de la industria del videohome hecho en México y en donde aparecen sus estrellas más representativas: desde Mario Almada a Jorge Reynoso, pasando por Eleazar García, Miguel Ángel Rodríguez, Sebastián Ligarde y Roberto Ballesteros.
“Sirva pues este maratón nocturno de cine septembrino, mes de la patria, como un pequeño homenaje a una realizadora que ha podido imprimir un sello personal dentro del videohome, brindando un toque desparpajado al llamado narcocinema en donde parece desmontar gozosamente sus componentes al tiempo que sigue con los requerimientos del género como en El Mariachi Narcotraficante y El Fantasma de la Coca. En Tumbas Abiertas apuesta por el humor negro en una trama en la cual varios cadáveres se van apilando imposiblemente en la cajuela de un auto, mientras que en El Reflejo en el Espejo es un thriller con tintes del género fantástico. Y en Hay Amores que Matan se da el lujo de reelaborar la premisa de Misery de Stephen King para conseguir una delirante versión videhomera protagonizada por Guillermo Quintanilla y Amaranta Ruiz en algo que ya hubiera querido hacer Takashi Miike.
Y es que Aurora Martínez no es una directora más del cine mexicano, ella es “La Dama Peligrosa del Videohome”.
Estás son las cintas programadas:
El Mariachi Narcotraficante (México, 1996), de Aurora Martínez.
El Fantasma de la Coca (México, 1999), de Aurora Martínez.
Tumbas Abiertas (México, 2003), de Aurora Martínez.
El Reflejo en el Espejo (México, 2013), de Aurora Martínez.
Hay Amores Que Matan (México, 2006), de Aurora Martínez.
El cine y las figuras de la Época de Oro del cine mexicano persisten no sólo en la memoria, sino que se mantienen en el gusto del público contemporáneo. Prueba de ello es la figura de Mario Moreno Reyes, “Cantinflas”, el popular cómico surgido de las carpas, protagonista de medio centenar de exitosos títulos de innegable vigencia, y del cual, luego de varios intentos inconclusos, se estrenará una cinta triunfalista y épica, que celebra sus triunfos y buscará consolidarse como un hito de taquilla, tal y como ocurre con las producciones en que intervino.
El primer sueldo que Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes recibió del teatro Follies Bergere, propiedad del empresario Pepe Fustemberg –tras su paso por las carpas como La Valentina, El Salón Rojo o El Mayab −, ya con su personaje de “Cantinflas” totalmente desarrollado, consistió en una pila de tostones de plata que el propio cómico había solicitado. Acto seguido, salió a la calle y los repartió personalmente entre los boleros y los voceadores de la zona, en la glorieta de Santa María la Redonda, en un acto que recuerda la parte central del mural ejecutado por Diego Rivera en el Teatro de los Insurgentes.
Ahí, en el justo medio de la composición, Cantinflas toma el dinero de la oligarquía, de los militares y del clero, para repartirlo entre los menesterosos y los desvalidos, si bien es una obra inaugurada en abril de 1953, una época ya muy lejana del año 1935 en que su popular figura debutara en el teatro de la zona de Garibaldi, sobre el actual Eje Central “Lázaro Cárdenas”, en la zona donde nació y creció el histrión. Acaso se referirá a las fundaciones filantrópicas que Mario Moreno Reyes dirigía, una vez encumbrado como una de las principales figuras del cine mexicano y y asociado con el productor y coleccionista de arte, de origen ruso, Jacques Gelman.
La anécdota, empero, resulta un claro ejemplo del proceso por el cual Mario Moreno Reyes se fue alejando a sí mismo, lo mismo que al personaje de Cantinflas, de los entornos barriales, de las zonas periféricas y del habla y las costumbres populares, para insertarse poco a poco en un discurso oficialista, plagado de moralejas y de códigos de buena conducta, muy a tono con los controles sociales del Estado, para acabar convertido, él mismo, en una institución respetable, lejos ya de la picaresca del peladito, del doble sentido de las clases bajas y de la sobrevivencia del día a día muy lejana de la legalidad.
Una transformación que no se retrata en Cantinflas (México, 2014), el laudatorio largometraje biográfico dirigido por Sebastián del Amo (El fantástico mundo de Juan Orol, México, 2012), sobre un guión de Edui Tijerina y de él mismo, pues hay más preocupación por relatar el imparable ascenso del cómico de orígenes humildes y habla enrevesada, que tras frustrados intentos de convertirse en boxeador y torero, acabaría protagonizando, junto a David Niven, La vuelta al mundo en 80 días (Around the World in 80 Days, Estados Unidos, 1957, de Michael Anderson), gracias a la ambición y a la tremenda bocaza del productor Mike Todd, pero sin mover un ápice a Mario Moreno del pedestal broncíneo en que acabó trepado.
Interpretado de manera convincente por el actor catalán Óscar Jaenada, aparecen una larga lista de personajes que incluye al estadounidense Michael Imperioli (Mike Todd); Luis Gerardo Méndez (Estanislao Shilinsky); Ilse Salas (Valentina Ivanova); Ana Layevska (Miroslava Stern); Ximena González-Rubio (María Félix); Julio Bracho (Jorge Negrete); Barbara Mori (Elizabeth Taylor); Roberto Cobo (Agustín Lara); José Sefami (Diego Rivera), y Adal Ramones (Fernando Soto “Mantequilla”), entre muchas otras breves apariciones de figuras mediáticas intentando cubrir los zapatos de estos mitos del cine clásico.
Si bien esta visión acrítica se cuida de no abordar los aspectos más controversiales de Mario Moreno, como su corporativismo al pelear por la dirigencia de la Asociación Nacional de Actores (anda) o que su cine fuera distribuido por la Columbia Pictures –y no por Películas Nacionales− un importante engrane para la vuelta de Hollywood en Latinoamérica, entre otros puntos críticos, resulta una colorida fábula triunfalista que, más que intentar convertirse en una biografía épica, retrata con nostalgia el sabor de aquella época en la que el cine mexicano conectaba de manera natural con su público.
Producida sin fondos cinematográficos ni subsidios estatales por Kenio Films –con una meritoria inversión de riesgo de capitales privados–, Cantinflas estrenó el 29 de agosto en Estados Unidos y el 18 de septiembre lo hará en la cartelera mexicana con distribución de Videocine, en mil 250 pantallas.
En un lapso relativamente breve, has estrenado dos películas al hilo no sólo biográficas sino sobre el cine de la Época de Oro y en torno a dos de sus figuras emblemáticas, primero Orol y luego Cantinflas.
Fue un poco una coincidencia. La verdad es que el proyecto de Cantinflas llegó a mis manos de una manera un tanto azarosa: yo me encontraba promocionando El fantástico mundo de Juan Orol, y me entrevistaron de un portal de Internet, luego resultó que los productores de Kenio Films la leyeron, algo habré dicho que les hizo algún sentido y me llamaron para ofrecerme el proyecto. Ya tenía noticia de los dos intentos previos que hubo para llevar al cine la vida de Cantinflas y que se habían caído por diferentes razones, pero cuando pregunté, me dijeron que este era un proyecto nuevo, que ya tenían un guión de Edui Tijerina. Es de Monterrey y fue quien llevó el peso de la investigación, no sé cuánto tiempo se habrá demorado en hacerlo, porque el guión era más largo, iba desde la niñez de Mario Moreno hasta su muerte, implicaba una película de cuatro horas. Al final, por criterios de producción, decidieron condensarlo a este periodo y a esta anécdota completa. Lo leí y me pareció muy atinada toda la curva dramática, la manera en que se hilaban las dos historias, al final les hice algunas sugerencias, algunos cambios y adaptaciones ligeras, pero fue un proceso realmente bastante rápido. Habrá pasado apenas un año de que el proyecto llegó a mis manos a que ya lo estábamos preproduciendo e incluso presentando. Haber tropezado con Cantinflas fue un gran regalo por parte de Orol, estábamos colados en la fiesta y la verdad ahora estoy ansioso del estreno y de ver qué posibles regalos nos puede traer.
Es que Cantinflas es una de las figuras mediáticas más importantes de la América Latina. ¿Qué era para ti antes de la película?
Desde luego, era un personaje entrañable. Yo soy muy fan del cine de esta época, crecí viendo Cine Permanencia Voluntaria y uno de mis canales, de cajón, es De película. De niño todavía me tocó ir a las salas de cine de cotsa a ver El patrullero 777 (México, 1978) y El barrendero (México, 1981) −ambas de Miguel M. Delgado−, que no son películas muy afortunadas, pero alcancé a vivir parte del fenómeno al final y eran películas realmente muy vistas. El mérito histórico que tuvo Cantinflas es que fue el actor mexicano más conocido, que traspasó fronteras y logró imponerse al paso del tiempo, porque sigue vigente en toda América Latina y en España y Portugal. Nada más por darse una idea, si Cantinflas logró hacer dinero, su productor, Jack Gelman, logró ser uno de los principales coleccionistas de arte, tiene un ala completa en el Museo Metropolitano de Nueva York, con su colección personal. Nada más para darse una idea, porque de pronto perdemos la perspectiva de quienes llegaron a ser Cantinflas, María Félix o Agustín Lara en el mundo.
La verdad, revisar este periodo y este personaje fue una cosa muy gozosa. Es un honor tener la oportunidad de hacer la película, meterse un poco con el icono. La intención, desde antes que yo llegara, fue hacerle un homenaje desde el cariño y desde el respeto. En esos términos, y al ser una película de encargo, con capital cien por ciento de riesgo y sin ningún fondo público, ni incentivo fiscal, ni ninguno de los mecanismos de subsidio con los cuales se está produciendo la gran mayoría del cine mexicano, es una película que implicaba retos en muchos niveles. El primero, desde luego, es técnico, el tema del actor, de la época. Luego un tema logístico para llevar toda esta gran producción y hacer lucir este presupuesto en cuadro, el reto de presentar la película ante el público, y ahora viene la corrida comercial, estamos esperanzados de que la película funcione en medida de la respuesta que tuvimos en los festivales de Guadalajara y de Guanajuato, ojalá sea un estímulo para los empresarios de este país, para realmente empezar a invertir en el cine mexicano, para que esta industria no sea tan dependiente de los fondos públicos y de los estímulos fiscales.
Además de homenaje a Cantinflas, la cinta es un acercamiento a La vuelta al mundo en 80 días, con la que ganó el Globo de Oro.
Exacto, se utiliza como anécdota la preproducción de esa película de la United Artists, en la que Mike Todd, que era este productor enloquecido, blofea con los productores del estudio que ya consiguió al actorcito mexicano realmente sin saber quién es, y la usamos como excusa para contar toda la historia de Mario, hasta que luego se vuelven a cruzar los caminos de ambos. En su día fue un proyecto un tanto descabellado, en el que el productor quería meter a 45 actores de primer nivel haciendo extras y bits, un poco siguiendo este espíritu la intención de esta película.
Y un poco siguiendo el espíritu de esa película, y en la medida que estamos haciendo un homenaje a un icono del cine mexicano, la idea es que los papeles de todas las grandes estrellas que se codeaban con Mario lo hagan personajes icónicos o grandes actores del cine nacional. Era un poco un juego de espejos para intentar que entrara a esta convención, luego, cuando surgieron críticas a la nacionalidad de Óscar Jaenada, también hubo críticas a la elección de algunos actores para ciertos personajes, pero creo que era parte del juego, de esta convención, porque se trata un poco no sólo de un homenaje a Mario sino a todo el momento y al entorno del cine mexicano.
México ha estado y está plagado de imitadores de Cantinflas, lo mismo niños que cómicos albureros, pero eso no significan que sean intérpretes capaces para un filme. ¿Cómo te planteaste este problema?
Cuando el proyecto cayó en mis manos nos dimos a la tarea, nada fácil, de encontrar al actor protagónico. Empezamos a hacerle casting a varios actores mexicanos e incluso hubo amagos de acercarnos a actores muy conocidos y estuvimos a punto de decidirnos por uno no muy conocido y justo estábamos en ese proceso cuando apareció Óscar Jaenada, y lo encomiable del caso es que realmente se ganó el papel. Primero nos mando unas fotos, caracterizado de Cantinflas, porque había estado asociado a los dos proyectos anteriores que se cayeron, y realmente el parecido físico es realmente asombroso. Ya tenía esta inquietud muy grande y se agarró un avión, vino a México y la verdad hizo el mejor casting de todos, la verdad se ganó el papel a pulso por sus dotes actorales. Evidentemente todos tuvimos la preocupación del acento, pero cuando vimos lo que nos podía entregar y el momento que vive en su carrera, que sin duda es el actor español con más proyección internacional y estoy seguro que se va a consolidar. Entonces la decisión fue muy fácil, porque lo hizo muy bien y nos enamoró. Entonces, el tema de su nacionalidad realmente pasó a un segundo plano, asumimos la controversia como algo muy natural, pero nos sorprendieron tantas protestas y desplegados, que no las hubo ni cuando Antonio Banderas hizo a Pancho Villa ni cuando Marlon Brando hizo a Emiliano Zapata o Alfred Molina a Diego Rivera. Pero muchos detractores se van a terminar convenciendo porque hizo un trabajo espectacular.
Otra complicación, me imagino, fue ir sumando esa numerosa cantidad de personajes de la época que aparecen reatados en el filme.
El resto de la gente se fue sumando de una manera generosa, los actores entendieron muy bien este juego y muchos querían estar simplemente por estar, por el hecho de cruzar cuadro y yo estoy infinitamente agradecido con todos los que estuvieron. Tuvimos muchas complicaciones de logística como el día de la manifestación de las estrellas en la explanada del Palacio de Bellas Artes que sólo teníamos permiso para esa locación tal día y nada más, muchos no pudieron estar porque se nos cayeron de último momento y al final se nos sumaron otros, pero creo que fue uno de los momentos más entrañables de la película, sin duda, y tuvimos la suerte de tener 25 actores en 20 segundos de película, lo que es también increíble.
La escena del Teatro de los Insurgentes también fue complicada porque teníamos que esperar a que terminara de funcionar el Metrobús porque un emplazamiento era justo en el camellón de Insurgentes y el otro lado, lo hicimos un lunes en la madrugada, cuando pudiéramos controlar y limpiar un poco el cuadro de la modernidad que lo ensucia. Parte de la historia es que la Ciudad de México es otro personaje, aparece la Santa María La Redonda, que es donde nació; sale el Teatro de los Insurgentes que él inauguró –con la obra Yo Colón, de Alfredo Robledo y Carlos León–; sale Bellas Artes; recreamos los estudios de la United Artists en la Universidad Autónoma de Chapingo; recreamos Veracruz en el centro de la Ciudad de México, en fin, por temas ya de producción.
Es una producción abundante de actores, de vestuario, de locaciones. ¿Qué tantos lujos se permitieron con un proyecto tan grande?
A pesar de que contábamos con una producción importante, tomando en cuenta el promedio que lo se gasta en una película mexicana, que fue de 44 millones de pesos, la intención era intentar mantener un balance, no gastarse mucho pero hacerlo lucir, siempre tuvimos muchas limitaciones para el tipo de historia que estábamos queriendo contar, porque es multitudinaria, Mario siempre estaba rodeado de multitudes. Por ejemplo, la Plaza México la llenamos con 50 extras nada más, clonándolos y clonándonos. O la escena en el teatro con su discurso de “Si yo fuera diputado”, se veía la silueta de Óscar en los asientos del teatro Coyoacán de lo que no habíamos podido llenar de extras.
Fue un rodaje muy acotado, sólo tuvimos seis semanas y media para hacerlo, lo que fue una complicación añadida, por eso estoy muy contento con el resultado y con la manera como mi equipo de trabajo reaccionó. Fue una súper producción guerrillera, por decirlo de alguna manera.
Este artículo forma parte de los contenidos del número 36de la revista cine TOMA, de septiembre-octubre de 2014. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.
• De la comedia ranchera a los charros cantores; de las ficheras de Bellas de noche a la sexycomedia nacional; del cine de luchadores y las batallas campales en las salas viejas, al bizarro mexicano gourmet; la falsa identidad de Los Chidos; la influencia del cine soviético de vanguardia. La metamorfosis de María Félix.
• Académicas: La elección de los representantes mexicanos al Oscar y al Goya en la amacc. Desde la Filmoteca de la unam: Historia del cine chino de animación. Cátedra Bergman: Hacia un cine 3D latinoamericano. Industria: La difusión y apoyo al cine colombiano; la próxima discusión de la Ley del Cine y el Audiovisual; el tercer encuentro de la RedMexFest. Curso de actuación para cine: Robar todo lo que puedas. In Memoriam: Columba Domínguez.
• Festivales: 12º Festival Internacional de Cine de Morelia y una década del Morelia Lab; 9º Short Shorts Film Festival México; 3er mic Género. Estrenos: Cantinflas, de Sebastián del Amo; La dictadura perfecta, de Luis Estrada; Amor de mis amores, de Manolo Caro.
Una profunda paradoja ha irrumpido la noción histórica del cine nacional: la gran identidad —casi de marquesina y con mayúsculas— del cine mexicano, ha reposado en las películas atávicas, con un artificial sabor originario, un indigenismo de postal y un sentido urbano modernista más allá del progreso real. La industria fílmica nacional se erigió en torno al cine de fórmula, a los géneros básicos adaptados al imaginario local, y a la buena taquilla, tanto local como internacional, de las producciones baratas, rápidas y hechas en serie.
Así aparecieron en la gran pantalla los charros cantores, de pistola al cinto, botella de mezcal en la mano, traje con lujosas botonaduras de plata y machismo obediente de la autoridad materna, en un panorama campirano idílico. Y a esta invención, pronto siguieron otros iconos fílmicos Made in Mexico: rumberas de piernas torneadas y vaporosas prendas de chaquiras; justicieros ídolos de la lucha libre que devenían, fuera del cuadrilátero, en agentes secretos y vencedores de toda invasión diabólica-exótica-extraterrestre; cómicos besucones y casquivanos, con picarescas cuan amorales formas de sobrevivir el día al día; pobres, feos y panzones maestros del albur que logran acabar en la cama, inopinadamente, con las más ubérrimas ficheras, entre compases tropicales; protagonistas de narcocorridos imbatibles en las peores balaceras de AK-47, en adarga y Chrysler 300 corredor… una lista que prosigue casi interminablemente.
Largamente vilipendiadas e incluso exiliadas al videohome, las películas mexicanas originadas en la industria no subsidiada, repletan las páginas del dossier principal del trigésimo sexto número de la revista cine TOMA, que circulará por la República Mexicana durante septiembre y octubre de 2014, en establecimientos cerrados.
Las reflexiones abren con la reproducción del ensayo histórico sobre las fuentes de las que abrevó la comedia ranchera, publicado por el crítico e historiador Jorge Ayala Blanco en el fundacional volumen La aventura del cine mexicano (Editorial Era, 1968), y prosiguen con un repaso a la creación del estereotipo del charro cantor por parte del investigador Eduardo de la Vega Alfaro; para completarse con el testimonio en primera voz de uno de los últimos cultores de las artes de la charrería en el cine nacional, el zacatecano Hernando Name.
La historia en torno al gran taquillazo que fue Bellas de noche (México, 1975, de Miguel M. Delgado), y que marcó la irrupción del soft porn en el cine mexicano —popularmente conocido como ficheras—, es abordado por el escritor Pedro Paunero; en tanto que el crítico Irving Torres Yllán aborda el género maldito de la sexycomedia y estudia cómo los directores y productores de la Época de Oro eran los mismos que realizaban estos exitosos filmes.
Pero quizá el género nacional que más influencia ha tenido a nivel internacional es el de luchadores, pues los enmascarados se han multiplicado en producciones de todo el mundo, tal como lo demuestra el artículo del escritor Raúl Criollo; mientras que el crítico y programador Gerardo Salcedo, rememora cómo eran las funciones de las cintas de El Santo, en las grandes salas de antaño, como el Cine Fausto Vega; en tanto que el periodista José Xavier Návar define el amplio catálogo de lo que bautizó como cine bizarro mexicano gourmet —motivo de un libro enciclopédico que prepara junto con Criollo.
Otro crítico, Ricardo Pohlenz, da ejemplos de la falsa identidad mexicana que intenta crearse en el filme Los Chidos, del rockero Omar Rodríguez-López. Se incluye, además, una reflexión del crítico y programador David Ramón sobre la influencia de la súper vanguardia rusa, en torno al libro La difusión e influencia del cine vanguardista soviético en México, de Eduardo de la Vega Alfaro. Se ofrece un adelanto de la novela Acuérdate María, de Sergio Almazán, publicado recientemente por Editorial Planeta, sobre la gran diva del cine mexicano, María Félix. Y la sección In Memoriam, reproduce el texto leído en el homenaje a Columba Domínguez, en el Día de la Academia, por el actor Raúl Adalid.
La sección Académicas reporta el proceso mediante el cual se eligen, en el seno de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), los largometrajes que representarán a México en las ceremonias de entrega de los premios Oscar, por parte de la Academia de los Estados Unidos, y el Goya, de la Academia Española.
En otros contenidos, la sección Desde la Filmoteca de la unam ofrece un ensayo del investigador Li Zhen en torno a la historia del cine de animación de China, y otro sobre el desarrollo tecnológico bélico en la i Guerra Mundial, del investigador Juan Manuel García Ortega. La sección Enseñanzas de la Cátedra Bergman aborda la posibilidad de generar un cine latinoamericano 3D, en texto de Gabriel Rodríguez Álvarez y de Víctor Fajnzylber. La quinta entrega de la sección Curso de actuación para cine, del actor José Sefami, incluye un consejo de Michael Cane: “Robar todo lo que puedas”.
La sección Industria aborda los fondos, estímulos y difusión que se hace al cine nacional en Colombia, en una investigación del periodista Luis Carrasco; además, el académico Tonatiuh Lay, aborda la discusión cameral que se avecina de la Ley de Cinematografía y el Audiovisual, mientras que el director de programación del Festival de Cine en Guadalajara, Gerardo Salcedo, relata el tercer encuentro de la Red Mexicana de Festivales Cinematográficos (RedMexFest), realizada en San Luis Potosí hace algunas semanas.
Además, en Festivales se incluye un artículo sobre el duodécimo Festival Internacional de Cine de Morelia (ficm), por parte de su asesora y coordinadora de Producción, Daniela Alatorre; de su asesor, Alejandro Lubezki y de su coordinadora de Difusión, Paula Amor, junto a un artículo sobre los diez años de existencia del Morelia Lab, por parte de su coordinadora, Andrea Stavenhagen; se ofrecen adelantos del noveno Short Shorts Film Festival México (ssff), por parte de Alexis Aguilar, su encargado de contenidos, mientras que sobre la tercera Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (mic Género), lo hace Gonzalo Lira, su coordinador de Medios y Difusión. En Estrenos se incluyen dos entrevistas: una con el realizador Sebastián del Amo, por su biografía fílmica Canfinflas (México, 2014); y otra más con Manolo Caro, por su segunda cinta romántica, Amor de mis amores (México, 2014), realizada por el periodista José Juan Reyes; la sección finaliza con los apuntes del realizador y productor Luis Estrada, en torno a su reciente película, La dictadura perfecta (México, 2014).
En su sexto aniversario, el número trigésimo sexto de cine TOMA. Revista Mexicana de Cinematografía, publicación editada por PasodeGato, Ediciones y Producciones Escénicas, circulará durante septiembre y octubre de 2014 por todo el país, en locales cerrados: Sanborns, Caffé Caffé, Cineteca Nacional y Filmoteca de la UNAM; así como en librerías:Educal, Sótano, FCE, Gandhi, Julio Torri de la UNAM, El Foco, Ceuvoz y Foro Shakespeare.
Para entrevistas o mayor información, comuníquese a los teléfonos: 56 88 92 32 y 56 88 87 56; al correo electrónico cinetoma@gmail.com, o acuda a las oficinas, ubicadas en el callejón Eleuterio Méndez 11, colonia Churubusco-Coyoacán, C. P. 04120, en la Ciudad de México.
