Everardo González, Premio Fílmico Amnistía Internacional
La sexagésima séptima edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, se efectuó entre el 9 y el 19 de febrero de 2016 en la capital de Alemania, organizando por primera vez, dentro del European Film Market (EFM), el programa País en Foco (Country in Focus), para el que fue elegido México, que tuvo una amplia delegación superior a los cuarenta delegados, como parte de las actividades del Año Dual México-Alemania, comenzando por el actor Diego Luna que formó parte del Jurado Internacional y la directora del Festival de Morelia, Daniela Michel, en el jurado de Mejor Documental Original Glassshütte. Además, allá se estrenaron del largometraje Tesoros (México, 2017) , de María Novaro, en la sección infantil Generation KPlus; del cortometraje Libélula (México, 2016), de José Pablo Escamilla en la sección Generation 14Plus; la “transficción” Casa Roshell (Chile-México, 2017), de Camila José Donoso en la sección Forum; Canoa (México, 1976) , de Felipe Cazals, en Berlinale Classics; el largometraje documental La libertad del diablo (México, 2017), de Everardo González, en la Berlinale Special, aspirando al premio Mejor Documental Original Glassshütte y que fue reconocido con el Premio Fílmico Amnistía Internacional, y Ensueño en la pradera (México, 2017), de Esteban Arrangoiz, en Berlinale Shorts, con la que ganó el Premio del Jurado y un Oso de Plata.
Esta es la lista de premios oficiales:
SECCIÓN OFICIAL Oso de Oro a Mejor Película
Testről és lélekről (Ond Body and Soul, Hungría, 2017), de Ildikó Enyedi.
Gran Premio del Jurado
Félicité (Francia-Senegal-Bélgica-Alemania-Líbano, 2017), de Alain Gomis.
Mejor Dirección
Aki Kaurismäki por Toivon tuolla puolen (The Other Side of Hope, Finlandia-Alemania, 2017).
Mejor Actriz
Kim Min-hee, por Bamui haebyun-eoseo honja (On the Beach at Night Alone, Corea, 2017), de Hong Sansoo.
Mejor Actor
Geog Friedrich, por Helle Nächte (Bright Nights, Alemania-Noruega, 2017), de Thomas Arslan.
Mejor Guión
Una mujer fantástica (Chile-Estados Unidos-Alemania, 2017), de Sebastián Lelio y Gonzalo Maza.
Mejor Contribución Artística
Dana Bunescu por la edición Ana, mon amour (Rumania-Alemania-Francia, 2016), de Călin Peter Netzer.
Premio Alfred Bauer
Pokot (Spoor, Polonia-Alemania-República Checa-Suecia-Eslovaquia, 2017), de Agnieszka Holland.
Oso de Oro a Mejor Cortometraje
Cidade pequena, de Diogo Costa Amarante.
Oso de Plata Premio del Jurado a Cortometraje
Ensueño en la pradera, de Esteban Arrangoiz Julién.
SECCIÓN PANORAMA Premio del público Ficción
Insyriated, de Philippe Van Leeuw.
Premio del Público Documental
I Am Not Your Negro, de Raoul Peck.
GENERACIÓN KPLUS
Oso de Cristal a Mejor Película
Piata loď (Little Harbour, Eslovenia-República Checa), de Iveta Grófová.
Oso de cristal Mejor Cortometraje
Promise (Estados Unidos), de Xie Tan.
Premio a Mejor Documental Original Glassshütte
Istiyad Ashbah (Ghost Hunting, Francia-Palestina-Suiza-Katar, 2017), de Raed Andoni.
Premio GWFF Mejor Ópera Prima
Verano 1993, de Carla Simón.
Premio Fílmico Amnistía Internacional
La libertad del diablo (México, 2017), de Everardo González.
La sexagésima quinta edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, popularmente conocido como Berlinale, se llevó a cabo entre el 5 y el 15 de febrero de 2015, durante pleno invierno, en la capital de Alemania. La ceremonia de clausura se realizó la noche del sábado 14 de febrero de 2015, en el Berlinale Palast. El guionista y director de cine alemán Wim Wenders, recibió un homenaje por su trayectoria así como un Oso de Oro honorífico. El director iraní Jafar Panahi, ganador del Oso de Oro, no pudo asistir a la ceremonia debido a que el gobierno iraní le tiene prohibido tanto filmar como salir del país desde 2009, pero fue su sobrina, la niña Hana Saeidi, que aparece en la película Taxi, quien recogió la escultura en su nombre.
El Jurado Internacional, presidido porl el director estadounidense Darren Aronofsky, en integrado también por el actor alemán Daniel Brühl; el director coreano Bong Joon-ho; la productora estadounidense Martha De Laurentiis; la directora peruana Claudia Llosa; la actriz francesa Audrey Tautou, y el guionista y productor de series televisivas estadounidense Matthew Weiner, otorgaron los siguientes premios:
Oso de Oro a Mejor Película
Taxi, de Jafar Panahi.
Oso de Plata Gran Premio del Jurado
El Club, de Pablo Larraín.
Oso de Plata Premio Alfred Bauer
Ixcanul, de Jayro Bustamante.
Oso de Plata a Mejor Director
(Ex Aequo)
Radu Jude por Aferim y Malgorzata Szumowska por Body.
Oso de Plata a Mejor Actriz y Mejor Actor
Tom Courtenay y Charlotte Rampling por 45 millas, de Andrew Haigh.
Oso de Plata a Mejor Guión
El botón de nácar, de Patricio Guzmán.
Oso de Plata por Logros Artísticos Sobresalientes
Evgeniy Privin y Sergey Mikhalchuk por la fotografía en Pod electricheskimi oblakami.
La sonrisa casi magnética y los ojos deslumbradoramente alegres incluso detrás de unos anteojos demasiado grandes, hacen de Gloria una mujer tremendamente atractiva a sus casi sesenta años, especialmente cuando acude a clubes de baile para adultos solteros. Pero detrás de sus bailes, bromas y charlas superficiales, se halla la brutal fragilidad humana, tan de todos.
Pareciera que las rabietas, los descontrolados estados de ánimo y la indecisión frente al enamoramiento pertenecieran, únicamente, al exacerbado reino de los adolescentes, siempre de carácter cambiante y propensos a la indecisión. Sin embargo, en un personaje cincuentón o sexagenario, cabría suponer la mesura y, sobre todo, la contención, a la hora de elegir una nueva pareja y de introducirlo a su vida privada, con familia, hijos e incluso nietos.
Pero en el caso de Gloria (Chile-España, 2012), cuarto largometraje de Sebastián Lelio, pareciera ser un signo más de la condición frágil, aparentemente de gran estabilidad pero repleta de pequeñas craqueladuras, que rodean a esta profesionista de 58 años, que vive sola en su departamento, tras largos años divorciada y con su par de hijos ya independientes, evitando la soledad en bares y clubes nocturnos para adultos solteros, presa de vaivenes emocionales e imposibilitada de hallar una paz en el exterior que reiteradamente se niega para su mismo interior.
Y es que en su primer protagónico, la actriz Paulina García se transforma ante nuestros ojos, envejeciendo y arrugándose cuando se halla deprimida, pero también irradiando belleza y alegría en sus momentos de euforia, especialmente junto a Rodolfo (Sergio Hernández), un empresario recién separado que aparentemente podría convertirse fácilmente en su nuevo cónyuge.
Reconocida con el Oso de Plata a la Mejor Actriz en la sexagésima tercera edición de la Berlinale –además del Premio del Jurado Ecuménico–, pareciera que la complejidad de las reacciones emocionales de esta mujer no son sino reflejo de las de su propia familia, pero también las de una sociedad chilena que, en su estabilidad, acaba por despojarse de toda certeza ante un pasado dictatorial y militar, y un presente de aparente prosperidad, entre movimientos estudiantiles y sociales crecientes.
La película, con guión de Gonzalo Maza y el propio Lelio, producida por Fábula, compañía de los hermanos Pablo y Juan de Dios Larraín, asesorada por Pedro Peirano, resulta una buena muestra del cine chileno actual, lejos de la denuncia y del panfleto simplones, pero siempre con un discurso que articula lo político y lo social dentro del relato, se presentó en el undécimo Festival Internacional de Cine de Morelia y se estrena en la cartelera mexicana en enero de 2014, con distribución de Canana.
¿No te fue difícil como director de cine ya con premios y trayectoria, cambiar de pronto de apellido, de Campos a Lelio?
No, bueno. Si uno fuera un político, claro. Pero yo primero soy una persona y, en realidad, lo que yo hice fue recuperar mi verdadero apellido, el que tuve hasta los diez años. A mí me cambiaron el apellido por el de mi segundo papá, pero después mi mamá se separó de él y me quedé con este apellido, que no era el mío, luego me reencontré con mi padre, entonces me parecía lógico recuperar el nombre de mi familia. Después de eso viene el cálculo: si fue bueno o fue malo, da lo mismo. Lo hice justo después de filmar La sagrada familia (Chile, 2005), entonces me resultaba muy coherente hacerlo y muy importante personalmente.
El tema conecta con la propia película y con cómo se concibe la familia en este mundo contemporáneo. De pronto surgen estas complejidades.
Sí, yo pienso que hay un cliché muy grande respecto a lo que es la familia y lo que debería ser. Ya es suficientemente complejo que un ser humano, en sí mismo, sea armonioso, por decirlo así. Pedirle que lo sea a un grupo humano es imposible. Siempre me dicen que filmo a estas familias disfuncionales y les contesto que no hay que hacer redundancias, decir familia disfuncional es repetir dos veces lo mismo. Una familia debe ser disfuncional, a no ser que nos iluminemos todos y consigamos una sociedad iluminada producto de que los individuos están iluminados. Pero todavía no estamos ahí.¿Qué esperamos, que las familias sean perfectas cuando los individuos no lo son? No. Y hay una belleza en esa complejidad, hay una formación única que cada familia tiene y que habla de cómo vibran y quiénes son. Y es muy fascinante observar eso a través del cine.
Me da la imagen de un árbol genealógico, donde los nombres están fijos, pero detrás de eso hay capas y capas de complejidades.
Son fundaciones orgánicas, como los árboles o como las plantas, que tienen su propia lógica. Habrá familias que se parecen más a un cactus, otras que son más rizomaticas, qué se yo.
En este retrato femenino aparece el tema de los movimientos civiles y políticos, de los jóvenes saliendo a la calle, de las privatizaciones salvajes que han afectado a Chile, quizá como en ninguna otra parte de Latinoamérica. En fin, a partir de la familia realizas el retrato de una sociedad, de un país.
Sí, es un poco el tema de los fractales. Si uno entiende que un sistema social es producto de la suma de muchos componentes, entonces uno puede revisar una de las partes y hacer comentarios o descubrir propiedades sobre el sistema completo. Entonces, es la parte por el todo. Explorando un campo de batalla determinado, puedes descubrir propiedades del sistema general. Es como cambiar el foco, quizás, de una lógica más general como era el cine militante, y mirar la parte para ver el todo, porque es dialéctico. Es necesario entrar en la paradoja para poder abrazar las complejidades. Si no se cae en la simplificación.
Recuerdo ahora la película de Patricio Guzmán sobre el desierto de Atacama, sobre el telescopio milimétrico, pero también sobre los cadáveres abandonados por la dictadura de Pinochet.
Esos huesos lo son todo, son una galaxia y es la historia política chilena. Para mí esa película, Nostalgia de la luz (Francia-Alemania-Chile-España-Estados Unidos, 2010), es una de las grandes películas chilenas y latinoamericanas de los últimos años, es La batalla de Chile mezclada con Cosmos, de Carl Sagan, es una obra maestra. Además, muestra cómo el cine funciona a partir de la paradoja, la necesita para poder hablar. El cine, digamos, es una proyección de luces y de sombra, en sí mismo es una proyección continua a partir de una interrupción, está en su esencia esta condición flip-flop, de no ser ni lo uno ni lo otro, pero ambas cosas al mismo tiempo. Es contradictorio.
Pero esto que suena tan complejo en palabras, cinematográficamente se resuelve con estos elementos que vas intuyendo.
Es lo bello que tiene, que en el fondo, en el cine se pueden abrazar ideas de alta complejidad filosófica a través de formas expresivas que son muy simples.
Sí, porque la película habla de la liberación de una mujer, que a una edad madura quiere volver a sentir el amor, disfrutar su sexualidad. Esos son prejuicios sociales, claro que lo hacen, pero sucede que en pantalla se muestran, regularmente, los cuerpos de las estrellas hollywoodenses jóvenes y no personas de sesenta años.
Sí, yo creo que al irse haciendo, la película fue descubriendo una de sus misiones, que era justamente ofrecer una representación de la edad adulta o de la entrada a los últimos episodios, menos infantil, menos eufemística, que ojalá sea capaz de encontrar cierta belleza ahí donde no debería estar, según el cliché social, que es infantilista, que además está obsesionado con la juventud y que niega la muerte. Eso es lo que pasa, a mí me parece que la obsesión con la juventud es una negación de la muerte: no queremos ver los cuerpos viejos porque no queremos enfrentar la muerte. Pero nadie que no enfrente la muerte puede, realmente, vivir, que es una de las cosas que la película propone por debajo.
Además existe una sensación de fragilidad absoluta en el personaje de Gloria. No es una mujer que se libera, sino con episodios de violencia y contradicciones, a quien el enamoramiento, hace perder la cabeza. ¿Cómo planteas este asunto del amor?
Yo creo que hay ahí algo tan humano, que somos frágiles y no sabemos, nadie sabe nada. Estamos instalados en una incertidumbre tan gigante y vivimos inventándonos que somos grandes y maduros, pero en realidad estamos flotando en una roca, en medio de la nada, que si no existiera alguno de los planetas del sistema solar desapareceríamos. Es muy fuerte, es muy tremendo y poner esa fragilidad en pantalla es bello porque es cierta, creo yo.
¿Cómo lograste dirigir a Paulina García en una interpretación tan contundente, por lo que carga a sus espaldas, que es la película entera, que además está escrita para ella? ¿Por qué te atrajo tanto como actriz?
Bueno, siempre la admiré y siempre me sorprendió mucho que nadie la llamara para hacer un protagónico en el cine. Ella siempre hizo papeles menores y muy pocos, tiene una carrera notable en teatro, genial, muy respetada, pero en cine, teniendo esa presencia que tiene, me da la sensación como de que nadie la había descubierto, ¿te fijas? Y entonces ahí hay una reivindicación para con ella y también darse el lujo de trabajar con un artista que está en el pico, en el dominio casi absoluto de sus herramientas expresivas. Y lo ves, el rango que usa, cómo se mueve, ella está en estado de gracia y lo mantiene y lo cuela y contamina todo, pero porque la película es eso, es esa actuación, es un dispositivo para disparar ese talento y es una apuesta a todo o nada: si ella fallaba la película fallaba con ella porque son una y la misma cosa. Por algo se llama Gloria y no Los misterios de la edad.
Este artículo forma parte de los contenidos del número 32de la revista cine TOMA, de enero-febrero de 2014. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.
Al concluir la sexagésima tercera edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, conocido popularmente como la Berlinale, el domingo 17 de febrero, el productor y documentalista francés Claude Lanzmann, de 87 años, recibió el Oso de Oro Honorario por el conjunto de su trayectoria que incluye el filme de nueve y media horas Shoah (Francia, 1985). En tanto, la actriz italiano-estadounidense Isabella Rossellini (hija del director italiano Roberto Rossellini y de la actriz sueca Ingrid Bergman), fue galardonada con el trofeo de la Cámara Berlinesa.
Más tarde, los miembros del Jurado Internacional, presidido por el director de cine hongkonés Wong Kar Wai; junto con la directora, guionista y productora danesa Susanne Bier; el actor y guionista estadounidense Tim Robbins; el artista y director iraní Shirin Neshat, la directora y productora griega Athina Rachel Tsangari; el director alemán Andreas Dresen, y la fotógrafa estadounidense Ellen Kuras, otorgaron los siguientes galardones en el Berlinale Palast:
Oso de Oro a Mejor Película
Pozitia Copilului (Child’s Pose, Rumanía), de Calin Peter Netzer.
Gran Premio del Jurado (Oso de Plata)
Epizoda u Zivotuberaca Zeljeza (An Episode in the Life of an Iron Picker, Bosnia), de Danis Tanovic.
Premio Alfred Bauer (Oso de Plata)
Vic+Flo Ont vu un Ours (Canadá), de Denis Côté.
Premio al Mejor director (Oso de Plata)
David Gordon Green, por Prince Avalanche (Estados Unidos).
Premio a la Mejor Actriz (Oso de Plata)
Paulina García, por Gloria (Chile-España), de Sebastián Lelio.
Premio al Mejor Actor (Oso de Plata)
Nazif Mujic, por Epizoda u Zivotuberaca Zeljeza (An Episode in the Life of an Iron Picker, Bosnia).
Premio al Mejor Guión (Oso de Plata)
Pardé (Cloused Cortain, Irán), de Jafar Panahi.
Premio a la Mejor Contribución Artística (Oso de Plata)
Aziz Zhambakiyev por la fotografía en Uroki Garmonii (Harmony Lessons, Kazajistán-Alemania), de Von Emir Baigazin.
Menciones Especiales
Promised Land (Tierra prometida, Estados Unidos), de Gus Van Sant.
Layla Furie, de Pia Marais.
Oso de Oro a Mejor Cortometraje
La Fugue (The Runnaway, Francia), de Jean Bernard Martin.
Premio del Jurado a Mejor Cortometraje (Oso de Plata)
Die Ruhe Bleibt (Alemania), de Stephan Kreighaus
Premio a Mejor Ópera Prima
The Rocket (Australia), de Kim Mordaunt.
Premio de la Crítica Internacional FIPRESCI Sección Oficial
Pozitia Copilului (Child’s Pose, Rumania), de Calin Peter Netzer.
Premio de la Crítica Internacional FIPRESCI Sección Panorama
Inch’Allah (Canadá), de Anais Barbeau-Lavalette.
Premio de la Crítica Internacional FIPRESCI Sección Forum
Hélio Oiticica (Brasil), de Cesar Oiticica Filho.
Premio Caligari
Hélio Oiticica (Brasil), de Cesar Oiticica Filho.
Premio de los Jurados Ecuménicos
Gloria (Chile-España), Sebastián Lelio.
Premio Gilde de la Asociación de Salas de Arte y Ensayo de Alemania
