El Centro de Arte y Cultura Museo Iconográfico del Quijote (MIQ), además de impulsar y coleccionar en su acervo obras y reflexiones en torno a la obra de Miguel de Cervantes Saavedra, además valora y otorga relevancia al fomento de las bellas artes en su acta constitutiva, por ello es que promueve la cultura cinematográfica ofreciendo un cineclub permanente con una programación que integra largometraje, cortometraje y documental: los Lunes de Cine en el MIQ.
Este año, se incluyó la obra de una veintena de directores cinematográficos del Bajío mexicano, que han encontrado un espacio de difusión y proyección de su obra en gran formato, así como la presentación a viva voz ante el público cinéfilo asistente.
Como parte de estas actividades, el Museo Iconográfico del Quijote y la Fundación Cervantina de México A.C. han decidido otorgan la Presea Cervantina Honorífica por trayectoria al cineasta Arturo Ripstein, por su trayectoria en más de medio siglo en la realización fílmica. Además, el mes de noviembre, los Lunes de Cine en el MIQ se dedicaron a repasar su obra.
La medalla se ha otorgado a personalidades como Margo Glantz (2016), Fernando Savater (2015), Manuel Castells (2014), Tzvetan Todorov (2013), Edgar Morín (2012), Jean Canavaggio (2011), Álvaro Mutis (2010), Carlos Fuentes (2000) y Eulalio Ferrer (1998) por citar algunos.
La ceremonia se realizará el lunes 28 de noviembre a las 17:00 horas, al interior del Patio de las Esculturas del MIQ (Manuel Doblado 2, en Guanajuato).
La primera edición del Foro de distribución audiovisual Focus Camp se realizará entre el 28 de septiembre y el primero de octubre, en el Museo del Chopo , con mesas redondas, conferencias y proyecciones. Este foro y mercado de cine tiene como misión fomentar la distribución exitosa de proyectos audiovisuales de calidad enfocados a los derechos humanos desde la perspectiva de género, además de abrir la discusión acerca de las dificultades que enfrenta la distribución de películas en México, el papel de los medios en este proceso y los contenidos que se desarrollan actualmente en los materiales audiovisuales.
Además, se ha programado una función especial del documental The Occupation Of The American Mind: Israel’s Public Relations War in the United States(Estados Unidos, 2016) de Loretta Alper y Jeremy Earp, narrado por el músico Roger Waters, el próximo 30 de septiembre a las 20:00 horas en la Sala 2, Salvador Toscano de la Cineteca Nacional. La cinta será presentada por su productor ejecutivo Sut Jhally y el propio Waters.
Este es el programa:
Miércoles 28 de septiembre
Inauguración
10:00 a 10:15 horas
Mesa redonda: Panorama de los medios de comunicación y la (des)igualdad de género.
Participan: Katya Vera (Conavim), María Soledad Jarquín (Inmujeres), Lucía Lagunes (CIMAC), Karla Ramírez (CDHDF).
Modera: Lurdes Barbosa.
10:15 a 11:45 horas
Mesa Redonda: El papel de los medios de comunicación en la distribución de cine.
Mesa Redonda: Escribir y producir con perspectiva de género.
Participan: Eleane Oropeza (IMCINE), Adán Salinas (GenderLab – MICGénero), Verónica Navarro (The Women’s Project); Alejandra Márquez Abella, Lurdes Barbosa (Consejo Ciudadano por la equidad de genero en los medios de comunicación)
Mesa Redonda: Masculinidades y roles en los medios.
Participan: Sut Jhally (Media Education Foundation/ UMass), Mauro Antonio Vargas (GENDES), Pablo Navarrete Gutiérrez (Inmujeres), Verónica Navarro (The Women’s Project).
Es difícil poner en duda el hecho que Nicolás Echevarría muy probablemente sea el documentalista que más profunda y profusamente se ha sumergido en la cosmogonía y tradiciones de los pueblos originarios de México, lo que reafirma, tras una larga ausencia cinematográfica, con su nuevo trabajo, Eco de la montaña, premiado y reconocido filme sobre el muralista Santos de la Torre y las vicisitudes que ha enfrentado en su doble condición de artista, en el sentido occidental, y de chamán, para los usos y costumbres de su comunidad.
Perfecto relato de la exclusión, práctica tan extendida en México, es el mural El pensamiento y alma huicholes, compleja pieza mural ensamblada con casi un centenar de páneles cuadrados −de 30 centímetros de lado− y elaborado con alrededor de dos millones de chaquiras multicolores, colocado en uno de los accesos de la estación Palais Royale-Musée du Louvre. Inaugurado en 1997, para conmemorar tres décadas del convenio entre los sistemas del Metro de París y el de la Ciudad de México –a cambio, en una entrada de la estación Bellas Artes se reprodujo el estilo arquitectónico francés de Hector Guimard−, por los presidentes de ambas naciones, Jacques Chirac y Ernesto Zedillo, y un séquito de funcionarios y notables. Un gentío en el que no se encontraba el artista wixárica de Santa Catarina, Jalisco, Santos de la Torre Santiago, pese a ser el autor de la pieza –montada de cabeza, como nos enteraremos más tarde.
Especialista en el relato cinematográfico del mundo indígena, Nicolás Echevarría (Tepic, 1947), ya no había entregado ningún trabajo fílmico desde su última producción de ficción, la comedia Vivir mata (México, 2001), un género que no le resulta ajeno y en el que ya había entregado un clásico del Nuevo Cine Mexicano, Cabeza de Vaca (México, 1990), en torno a la conversión de un conquistador español a la cosmogonía de los pueblos originarios de Mesoamérica. Aunque proseguía su carrera elaborando trabajos audiovisuales como la serie televisiva sobre Maximiliano y Carlota para Clío o Memorial del 68, ambiciosa instalación en video con casi 60 entrevistas y cientos de objetos para el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, el realizador se había alejado de las salas de cine.
Pero la historia del artista indígena vilipendiado por el poder –posteriormente Zedillo visitaría a Santos en helicóptero en su rancho serrano para felicitarle, mientras su familia huía y se escondía en las barrancas, ante tan violenta intrusión–, le resultó lo suficientemente irresistible como para convencerle de regresar al cine documental en torno a los indígenas, línea en la que se cuentan trabajos suyos tan emblemáticos como Judea, Semana Santa entre los coras (México, 1973); Hikure Tame, peregrinación del peyote entre los huicholes (México, 1975); María Sabina, mujer espíritu (México, 1979); Teshuinada, Semana Santa tarahumara (1979); Poetas campesinos (México, 1980), o Niño Fidencio, el taumaturgo de Espinazo (México, 1981) y que lo han vuelto una referencia indispensable en las últimas cuatro décadas.
La comisión de un mural de gran formato a Santos –similar al del Louvre–, para el Museo Zacatecano, fue la oportunidad perfecta para que Echevarría pudiera adentrarse y registrar el proceso completo de creación artística, desde la peregrinación a la zona sagrada del cerro del Quemado, el Wirikuta, en San Luis Potosí, para solicitar permiso divino para encarar la tarea, hasta su estancia en Zacatecas capital, donde permaneció largos meses en un taller, trabajando la pieza, aunque nostálgico por su rancho, y le permite profundizar en la cosmogonía no sólo de Santos, que es un chamán peyotero en su comunidad, sino del pueblo wixárica en su conjunto, justo en una época en la que diversas mineras amenazan con explotar justo la región umbilical y corazón del pueblo huichol –el referido Wirikuta.
El resultado es Eco de la montaña (México, 2013), un multipremiado documental sobre la cultura y ritualidad de un pueblo atávico como es el wixarica, a través de Santos, uno de sus artistas más reconocidos. Es decir que de tradición con contemporaneidad lo que se refuerza con la música incidental, tanto la tradicional huichola como la del compositor de música de concierto Mario Lavista. Estrenado en el xxix Festival Internacional Internacional de Cine en Guadalajara, donde ganó el premio Mezcal al Mejor Largometraje Mexicano, y luego reconocido como Mejor Largometraje Mexicano en el ix Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF); el documental ha recibido galardones internacionales como el Hugo de Oro en Chicago y Mejor Documental en Lima, además de ser seleccionado al Cinéma du Reel e inaugurar la sección native de la lxv Berlinale. Tras formar parte del xxxiv Foro Internacional de la Cineteca Nacional, Eco de la montaña, de la productora Cuadro negro, llegará a la cartelera mexicana el 12 de junio, con diez copias y distribución de Cinépolis, a propósito de lo cual ocurrió la siguiente entrevista con Echevarría.
¿Cómo ha logrado acercarse a una cultura tan cerrada y recelosa como la wixárica y hacerlo con una cámara de cine?
En las películas que he realizado he querido acercarme, cada vez más, a la idea de que le voy a dar al sujeto el micrófono y las maneras de expresarse a sí mismo. Y Eco de la montaña quizás sea lo más cercano a lo que he llegado con esta idea. Que Santos de la Torre narre su documental, que yo trate de ser lo más invisible, en la medida de lo posible, porque en este caso está el truco de la música que ya es un elemento de subjetividad. El hecho de escoger no la música huichola, sino la de Mario Lavista para expresar ciertos momentos medio de alucine, de introspección, de cómo en un momento dado puedo llegarme a sentir en el desierto después de haber comido peyote o para crear una atmósfera extraña, misteriosa, que nos permita y facilite entrar en otro mundo. Lo que siempre me ha atraído de las películas que he hecho, desde la primera, es penetrar en un mundo muy ajeno, a pesar de que está muy cerca de nosotros. Desde niño vi a los huicholes y a los coras en las plazas y siempre tuve la certeza de que había un mundo paralelo, otra realidad detrás de estos personajes. Eso fue lo que me atrajo, desde el principio, a dedicarme a hacer documentales con temas indígenas y explorando este mundo religioso y ritual, no el folklórico, no el etnográfico, no el antropológico, sino utilizar los medios e instrumentos del cine para crear una atmósfera mística y, odio decir esto, pero cerca de lo poético, más que explicar o de ser didáctico, aunque también he caído en eso. Pero digamos que mis primeras películas, mis mejores películas creo yo. son aquellas en las cuales evito, en un momento dado, ser explicativo.
Este documental posee, más bien, un impulso artístico, de autor, por eso recurre a otros autores como Mario Lavista, un gran clásico de la música contemporánea mexicana, y al propio Santos, no sólo como un huichol sino alguien cuya obra se traslada a los museos. ¿Cuál es la relación entre el arte contemporáneo y este documental?
Empezando porque los huicholes son, básicamente, una sociedad comunitaria en la que lo individualista no se ve con buenos ojos y la característica de un artista es tener una visión individual del mundo, de las cosas. Entonces, en ese sentido, el mismo Santos ha tenido problemas con su comunidad, porque un poco se sale del huacal en el que todo mundo tiene que rendir cuentas de todo lo que hace. Él ha roto esas reglas al convertirse en un artista y son pocos los huicholes que han sido reconocidos como artistas, el otro ha sido el finado José Benítez Sánchez, reconocido por los grandes cuadros y murales de estambre. Después de él, Santos es el más importante artista huichol que ha destacado individualmente. Yo no sé que efectos vaya a tener esto en Santos mismo y en su comunidad cuando la película sea exhibida en sus comunidades, vayan los huicholes a verla y algunos, obviamente, le van pedir que rinda cuentas de cuánto ganó o por qué no les informó de ciertas cosas, por qué no pidió permiso. Cosa que en nuestro mundo no existe: un artista no tiene que pedirle permiso a nadie, al contrario, es un ser que tiene que romper reglas y esquemas para crear su trabajo, porque de lo contrario deja de ser un artista.
Y esto plantea temas bien interesantes. Cuando vi el diseño del mural, de pronto me asusté por la nubecita y la imagen que tiene del viento, que refiere a los antiguos mapas occidentales que indican dónde sopla el viento, pero me dije que Santos en un artista y no tengo ningún derecho de preguntarle sobre la estética del tigre, del toro o de la nube, que no tienen estética tradicional huichola. Ese era el mural que quería hacer y ni modo. Y ahora que lo veo terminado lo entiendo mejor y la película me ayudó a entender el mural porque no hablo huichol. Por ejemplo, hay una escena en el desierto, en la ceremonia del peyote, en la que el chamán llora y pide un perdón a los dioses primero por no saber traducir sus palabras a su gente y segundo por habernos permitido estar ahí.
Entonces, hay un doble conflicto aquí: Santos, como artista huichol, frente a su comunidad, y yo imponiendo una música contemporánea con un instrumento rarísimo, que es la armónica de cristal, que suena pachecón, como si uno estuviera medio alucinando en el desierto, haciendo una interpretación de cómo podría haberme sentido al comer peyote y estando en esa atmósfera.
¿Cómo atravesó la frontera entre este México contemporáneo para regresar a estos seres atávicos que son los huicholes y mostrar estos dos mundos que coexisten?
Siempre he pensado que la Ciudad de México es un ejemplo que funciona muy bien como metáfora: está sobre un lago y tiene el recuerdo del agua, pero se nos olvida hasta que tiembla y nos recuerda que estamos cimentados sobre el agua. También he pensado que existe una capa inconsciente, en la que el mundo indígena está ahí, y eso nos hace a los mexicanos muy diferentes de los europeos, y que el germen de todo ese mundo es el mismo de Cabeza de Vaca, son los frailes que al principio destruyeron los ídolos, los códices y después se arrepienten y se dedican a rescatar lo más que pueden de eso que destruyeron. Nunca terminé ninguna carrera, pero la que más o menos terminé −pero todavía no acabo−, es lo que me ha enseñado el mundo indígena y eso está en mi acercamiento al cine, al mundo indígena, aunque siempre lo he mezclado con otros elementos, pero ya no niego mi subjetividad. Creo que todos los mexicanos tenemos parte indígena en el inconsciente y digamos que Eco de la montaña está en el inconsciente de todos los mexicanos.
La representación huichola, revelada con estambritos o chaquiras, uno junto al otro, van mostrando dimensiones más allá de la percepción común. ¿Cómo empatar esta percepción en una película?
Yo creo que el peyote y los alucinógenos tienen mucho que ver con eso, les otorga esta natural inclinación por la simetría y el color. Y no es un tabú el hecho de penetrar en otro estado de conciencia, para ellos es algo natural y no le tienen el pavor o la prohibición que existe en nuestro mundo, en el que prohibimos y castigamos los alucinógenos. Para ellos es algo absolutamente natural. Desde el primer viaje que hice con los huicholes y los coras, fui testigo de cómo a los niños de pecho se les dan sus trocitos de peyote. ¿Qué puede imaginar un niño de pecho? ¿Cómo alucina? ¡Imagínate, va más allá de cualquier idea!
Y estos estados de conciencia se relacionan con estados de percepción estética, presente ahí en el desierto y en sus comunidades, ¿cómo volver eso cine?
Ha sido una de las tentaciones que hemos tenido todos los que nos dedicamos a representar el mundo de los alucinógenos. Y creo que uno de los mejores logros en ese terreno está en Cabeza de Vaca, cuando Alvar Núñez cura al gigante en la choza y bebe una sustancia alucinógena para luego comprender, por primera vez en su vida, que es un curandero y que tiene la capacidad de sanar. Pero siempre hay esta tentación de representar el mundo de los alucinógenos visualmente, sin tener que recurrir a los estereotipos del cine más industrial.
Este artículo forma parte de los contenidos del número 40de la revista cine TOMA, de mayo-junio de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.
La actriz italiana Sophia Loren celebró su octogésimo aniversario en México, con la apertura de la exposición Sophia Loren. Ayer, hoy y mañana, en el Museo Soumaya en Plaza Carso, además de con una retrospectiva con algunos de sus trabajos emblemáticos tanto en la Cineteca Nacional como en una sala provisional instalada en el Atrio en el Corredor Peatonal Madero, en el Centro Histórico, y con la entrega del Ariel de Oro de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.
El viernes 19 de septiembre, Sophia Loren acudió a la inauguración de su retrospectiva en la Cineteca Nacional, donde el director Felipe Cazals, en representación de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), le hizo entrega de un Ariel de Oro por su trayectoria. Es la primera vez que dicho reconocimiento -creado en 1986 y otorgado a María Félix en la vigésimo octava entrega- se entrega fuera de la ceremonia del Ariel así como a una figura que no ha trabajado nunca en el cine mexicano.
La muestra Sophia Loren. Ayer, hoy y mañana, abrió el 21 de septiembre en la Sala 5 del Museo Soumaya en Plaza Carso (boulevard Miguel de Cervantes Saavedra 303, colonia Ampliación Granada), y se integra por la colección personal de la actriz y abarca más de seis décadas en el cine, con guiones de sus películas, fotografías, vestuario, accesorios, como sombreros y joyas, además de portadas de revistas y varios de sus premios, como los dos Oscar, el Oso de Plata de la Berlinale y la Palma de Oro de Cannes.
El ciclo Sofía Loren en México, en la Cineteca Nacional se integra por las siguientes películas que se proyectarán en la sala 9 “Juan Bustillo Oro”, a las 20:00 horas:
Ayer, hoy y mañana (Ieri, oggi, domani, Italia-Francia, 1963), de Vittorio De Sica. Sala 8 “Hermanos Rodríguez”.
Arabesque (Estados Unidos, 1966), de Stanley Donen. Jueves 25 de septiembre.
Carichos de la moda (Prêt-à-Porter, Estados Unidos, 1994), de Robert Altman. Viernes 26 de septiembre.
Lástima que sea una canalla (Peccato che sia una canaglia, Italia, 1954), de Alessandro Blasetti. Sábado 27 de septiembre.
Matrimonio a la italiana (Matrimonio all’italiana, Italia-Francia, 1964), de Vittorio De Sica. Domingo 28 de septiembre. Sala 1 “Jorge Stahl”.
Fallecido el 19 de septiembre de 2010 –justo un cuarto de siglo después del terremoto que azotó la Ciudad de México y que él filmó–, el cineasta Sergio García Michel (1945-2010), realizó un pertinaz registro de la escena roquera y contracultural nacional, además de los movimientos sociales ocurridos en México durante más de cuatro décadas, siempre con formatos alternativos, desde el Super8 hasta el videocassette y el cine digital. Su cámara documentó lo mismo el festival de Rock & Ruedas de Avándaro, que el rock urbano en la Ciudad de México y los cantautores llamados Rupestres, a la que pertenecía el tamaulipeco Rockdrigo González.
Para recordarlo y dar a conocer su archivo, recientemente donado por su familia a la Filmoteca de la UNAM, instución que restauró y digitalizó las cuatro decenas de filmes que realizó, se ha organizado un homenaje póstumo durante enero y febrero de 2014, organizado por la Cineteca Nacional, la Filmoteca de la UNAM, el Sistema de Transporte Colectivo Metro, el Museo de Arte Carrillo Gil, la Delegación Coyoacán, la Delegación Gustavo A. Madero, la Asociación Civil Asamblea para la Cultura y la Democracia, con apoyo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.
En diversas sedes se realizará este ciclo fílmico con comentarios de músicos, especialistas y amigos del cineasta.
Cinematógrafo del Chopo. Dr. Enrique González Martínez núm. 10. Col. Santa María la Ribera.
Viernes a las 19:30 horas.
10 de enero: Las clínicas del rock (1992). Comenta: Jorge García (del grupo Follaje).
17 de enero: ¿Por qué no me las prestas?(1996). Comenta: Fausto Arrellín.
24 de enero: El cantar de los cantores (2010). Comenta: Armando Rosas.
31 de enero: Un toke de roc (1988). Comenta: Carlos Alvarado (Chac-Mool).
Museo de Arte Carrillo Gil. Revolución 1608, esquina Altavista. San Ángel.
Domingos, 13:00 horas.
12 de enero: Un toke de roc (1988). Comenta: Víctor Roura
19 de enero: El cantar de los cantores (2010), Comenta: Sergio Raúl López.
26 de enero: ¿Por qué no me las prestas? (1996). Comenta: Roberto Ponce.
Tianguis Cultural del Chopo. Aldama entre Sol y Luna. Colonia Guerrero.
Sábados, 13:00 horas.
Sábado 18: Rock sin fresas (1996).
25 de enero: Las clínicas del rock (1992).
S.T.C. Metro
Proyeccion de cine-minutos de documentales de García Michel
Miércoles, 16:00 horas.
15 de enero.Metro Copilco.
22 de enero. Metro La Raza.
29 de enero. Metro Zapata.
Centro Cultural Benemérito de las Américas. Jardín Centenario. Coyoacán.
2 de febrero, de 16:00 a 20:00 horas.
Estreno del documental Imágenes inéditas del Festival de Avándaro (). Musicalización en vivo de los grupos Estación Jamaica, Avandarock, Julio’s Band, La Komuna, Tapa Groove, Grupo Granuja, y Alba Sound System, entre otros.
Cineteca Nacional
4 de febrero
Acción, corte y queda. El legado del súper 8 rupestroso. Presentan: la cantante de blues Nina Galindo y la cineasta estadounidense Jennifer Boles (realizadora de Prohibido prohibir, documental sobre la vida y obra de Sergio García Michel).
Más información en Facebook.com: culturaindependiente.mx
Luego de los largos diez meses en que permaneció cerrada al público –desde el 16 de enero de 2012– debido a los trabajos de remodelación que sufrió, la Cineteca Nacional de México, el espacio emblemático de la cinefilia mexicana, reabrirá gradualmente sus puertas a partir del miércoles 7 de noviembre próximo, cuando se estrene la pieza orquestal Devoción, homenaje del compositor y pianista Michael Nyman a los más de cien años del cine mexicano, junto con la Orquesta Juvenil Carlos Chávez, con la proyección de un collage realizado con fragmentos de 85 cintas mexicanas, realizado por el director Emilio Maillé, además de la exposición fotográfica Macario en el Foro “Gabriel Figueroa” al aire libre. Posteriormente, el resto de sus instalaciones irán siendo entregadas para su uso, durante todo el mes, previo al cambio de gobierno federal el primero de diciembre.
En dicho foro abierto se proyectará el clásico Tiburón (Estados Unidos, 1976), de Steven Spielberg y se realizará la inauguración de la 54 Muestra Internacional de Cine con Macario, (1966)m de Roberto Gavaldón, el viernes 9 de noviembre.
El Laboratorio de Restauración Digital “Elena Sánchez Valenzuela”, la Ludoteca “Salvador Pruneda” y la Sala de Lectura “Luz Alba” abrirán el sábado 10 de noviembre. En tanto, que el miércoles 14 de noviembre se entregará la medalla Salvador Toscano al actor Ignacio López Tarso (protagonista de Macario), y un día más tarde, el jueves 15, se ofrecerá un homenaje a la actriz Lupita Tovar (que encarnara a Santa, la primera cinta con sonido sincrónico en el cine mexicano), tras lo cual se inaugurará la cuarta Feria del Libro Cinematográfico y dvd, con la participación de 24 editoriales. Ese mismo día se prevé que comiencen a funcionar la seis salas originales de la Cineteca Nacional, que han sido rehechas, reabrirán hasta el 15 de noviembre, tras las pruebas de sus proyectores digitales. Las cuatro nuevas estarán listas antes.
El jueves 29 de noviembre, a las 19 horas, se inaugurará la exposición Bitácora Abierta, con que el Museo del Cine inicia actividades, así como la Videoteca Digital, primer punto de consulta del Cerebro Digital de la Imagen.
El proyecto de reconstrucción entregará además, un estacionamiento de siete niveles, amplias áreas verdes cubiertas por un techo de 5 mil metros cuadrados. ¿Será, como predice su directora, Paula Astorga, un renovado campus cinematográfico o, acabará siendo uno más de los costosos remozamientos ordenados por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a fines de sexenio? El público asiduo a la Cineteca Nacional podrá juzgar muy pronto si el gasto de 540 millones de pesos valió la pena a costa de perder, durante casi un año, ese vital centro cultural, cuyo circuito externo no logró atraer espectadores en las cantidades acostumbradas.
Como parte de las actividades en torno a la exposición Surrealismo, vasos comunicantes, que se presenta en el Museo Nacional de Arte (Munal), hasta el 15 de septiembre, este viernes 14 de septiembre, en la Plaza Tolsa, es decir, a la entrada del museo, se realizará una proyección de cine al aire libre a partir de las 20:00 horas, con las cintas Estrella de mar (L’etoile de mer, Francia, 1928), de Man Ray y Fantasmas antes del desayuno(Vormittagsspuk, Alemania, 1927), de Hans Richter, con los compositores Paul Hindemith, Darius Milhaud.
El Museo Nacional de Arte (Munal) y el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine) se han unido para elaborar la monografía El ojo y sus narrativas. Cine surrealista desde México,dedicada al estudio de la correspondencia entre el cine mexicano y el surrealismo. El libro se publica con motivo del ciclo cinematográfico del mismo título que se exhibe en las salas del Munal en el marco de la exposición Surrealismo. Vasos comunicantes, y deja constancia del fructífero diálogo establecido entre obra plástica y obra fílmica, revelando al espectador los vasos comunicantes de la propuesta surrealista: películas que se atrevieron a explorar el universo de los sueños y la imaginación, que propusieron mundos fantásticos, que jugaron al borde del abismo de la locura y lo irreal. Muchas de las piezas cuyo estudio se aborda en esta publicación, y que están ampliamente ilustradas, son obras fundamentales de la filmografía mundial, como Un perro andaluz, de Luis Buñuel; Orphée, de Jean Cocteau; Ballet Mécanique,de Fernand Léger; Le retour a la raison, de Man Ray, entre más de cuarenta cintas nacionales e internacionales.
La publicación reúne ensayos de renombrados especialistas en la cinematografía y las artes plásticas. Así, Javier Espada, director del Centro Buñuel de Calanda, España, se acerca a los protagonistas del cine surrealista hecho en México –Man Ray, Antonin Artaud, Luis Buñuel–, y Volker Rivinius escribe sobre el cine de vanguardia explorando sus derredores y analizando sus intenciones. El académico y erudito Aurelio de los Reyes hace un repaso preciso de la expresión fílmica surrealista, mientras que Gustavo García y Carlos Bonfil, críticos de cine y estudiosos, muestran el impacto surrealista, su tránsito por el éxito y la censura, así como su desarrollo y evolución. Por último, Alicia Sánchez Mejorada y Olga Saénz escriben desde el punto de vista plástico, sobre el vínculo entre la pintura y el cine, trazando el recorrido artístico que va de una disciplina a otra.
La presentación de este volumen se realizará el sábado primero de septiembre de 2012 en el auditorio Adolfo Best Maugard del Museo Nacional de Arte (Tacuba 8, Centro Histórico de la Ciudad de México), con los comentarios del crítico cinematográfico Gustavo García, la investigadora Alicia Sánchez Mejorada y el coordinador del volumen, Volker Rivinius, con moderación de Pablo Martínez.
Las obras de remodelación que mantienen cerradas al público no sólo las salas sino prácticamente la totalidad de las instalaciones de la Cineteca Nacional, serán acompañadas por una Videoteca Digital y el Museo del Cine, que se promete, serán entregadas en noviembre.
El Museo del Cine, contará con cuatro salas de exhibición en una superficie total de mil 512 metros cuadrados, ofrecerá tres grandes muestras al año y contará con cuatro pisos, Ludoteca, Sala de Lectura, tienda y terraza, además montará exhibiciones fotográficas sobre las rejas de la calle de Mayorazgo. Por apertura, su entrada será gratuita hasta el 31 de diciembre.
Por su parte, la Videoteca tendrá 25 cabinas de revisión en tres niveles con películas digitalizadas disponibles para investigadores y público en general, desde las cuales se tendrá acceso a las diversas colecciones de su acervo fílmico, integrado por más de 35 mil títulos y una superficie total de 286 metros cuadrados. También se podrá consultar el Cerebro Digital de la Imagen, con fotografías, documentos, carteles y películas.
A propósito de la exposición Surrealismo. Vasos comunicantes, que se exhibe en el Museo Nacional de Arte (Munal), desde el 5 de julio y hasta el 15 de septiembre, se ha preparado un ciclo cinematográfico con el mismo nombre, mismo que se proyectará los sábados y domingos hasta el 9 de septiembre, a las 16:00 horas, en el auditorio Adolfo Best Maugard del recinto.
Jueves 5 de julio Le retour a la raíson (Francia, 1923), de Man Ray. Ballet Mécanique (Francia, 1924), de Fernand Léger y Dudley Murphy. Entr’acte (Francia, 1924), de René Clair. Anémic Cinéma (Francia, 1926), de Marcel Duchamp. Emak-Bakia (Francia, 1926), de Man Ray. Les Mystéres du cháteau de Dé (Francia, 1929), de Man Ray.
Con Javier Espada, director del Centro Buñuel de Calanda (España), en conversación sobre los horizontes cinematográficos del surrealismo.
Sábado 7 Un perro andaluz (Un chien andalou, Francia, 1929), de Luis Buñuel. La edad de oro (L’ áge d’or, Francia, 1930), de Luis Buñuel.
Domingo 8 La sangre de un poeta (Le sang d‘ un poète, Francia, 1930), Jean Coucteau.
Sábado 14 Orfeo (Orphée, Francia, 1950), de Jean Coucteau.
Domingo 15 La fórmula secreta (México, 1965), de Rubén Gámez. Poetas campesinos (México, 1980), de Nicolás Echevarría.
Sábado 21 El año pasado en Marienbad (L‘Année derniáre à Marienbad, Francia, 1961), de Alain Reisnais.
Domingo 22 El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie, Francia, 1972), de Luis Buñuel.
Sábado 28 El fantasma de la libertad (Le fantóme de la liberté, Francia) de Luis Buñuel.
Domingo 29 Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir, Francia, 1977), de Luis Buñuel.
Además se ofrecerán las siguientes actividades:
5 de julio
Conferencia: Los días de la calle de Gabino Barreda.El Dr. Salomon Grimberg comentará la obra de Gunther Gerzso para abrir una ventana hacia el desfile del Surrealismo francés a México. 18:00 horas.
Presentación de Libro:A mano alzada. Apuntes de Raúl Anguiano. Compilación e introducción de Jorge Asbun. 19:00 horas.
12 de julio Conferencia:André Breton, Wifredo Lam y Pierre Mabille en Haití. El maestro Sergio Méndez Moissen hablará de la llegada de los surrealistas André Breton, Wifredo Lam y Aimé Césaire a Haití en un época en la cual, según Gerald Bloncourt, entre el 7 y el 11 de enero de 1946, son conocidos en la historia de Haití como “los cinco gloriosos días en el que el pueblo haitiano terminó derribando la dictadura retrograda de Elie Lescot”. 17:00 horas,
18 de julio
Conferencia: Los años que vivimos en Paris. El músico y arquitecto Adolfo Cantú Elizarrarás relata el tránsito de nuestros artistas y hombres de letras en el París de 1920 a 1939, abordando los antecedentes de La Escuela Mexicana en París: Barbizon, las Escuelas al Aire Libre, Grande Chaumier, Academia Colarossi – los Ateliers y algunas galerías de la época. 17:00 horas,
La muestra busca presentar una crítica lectura de los alcances de esta tendencia artística en México; a propósito de señalar que el Surrealismo pudo fugarse de Europa y permanecer vivo y renovado en aquellas ciudades que acogieron a sus representantes en condiciones de exiliados.
Esta exposición contará con obras de artistas como Yves Tanguy, Man Ray, Max Ernst, Victor Brauner, André Masson, René Magritte, Joan Miró, Salvador Dalí, Jean Marcel, Luis Buñuel, Gunther Gerzso, Manuel Álvarez Bravo, Leonora Carrington, Diego Rivera, Frida Kahlo, Remedios Varo, Antonio Ruiz “El Corcito”, María Izquierdo, Carlos Mérida, Juan Soriano, Dorothea Tanning, Wifredo Lam; entre otros.
Sala de exposiciones temporales del Munal. Tacuba 8, Centro Histórico de la Ciudad de México.
