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Esteban Arrangoiz, Oso de Plata en la LXVII Berlinale

febrero 18, 2017

Everardo González, Premio Fílmico Amnistía Internacional

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La sexagésima séptima edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, se efectuó entre el 9 y el 19 de febrero de 2016 en la capital de Alemania, organizando por primera vez, dentro del European Film Market (EFM), el programa País en Foco (Country in Focus), para el que fue elegido México, que tuvo una amplia delegación superior a los cuarenta delegados, como parte de las actividades del Año Dual México-Alemania, comenzando por el actor Diego Luna que formó parte del Jurado Internacional y la directora del Festival de Morelia, Daniela Michel, en el jurado de Mejor Documental Original Glassshütte. Además, allá se estrenaron del largometraje Tesoros (México, 2017) , de María Novaro, en la sección infantil Generation KPlus; del cortometraje Libélula (México, 2016), de José Pablo Escamilla en la sección Generation 14Plus; la “transficción” Casa Roshell (Chile-México, 2017), de Camila José Donoso en la sección Forum; Canoa (México, 1976) , de Felipe Cazals, en Berlinale Classics; el largometraje documental La libertad del diablo (México, 2017), de Everardo González, en la Berlinale Specialaspirando al premio Mejor Documental Original Glassshütte y que fue reconocido con el Premio Fílmico Amnistía Internacional, y Ensueño en la pradera (México, 2017), de Esteban Arrangoiz, en Berlinale Shorts, con la que ganó el Premio del Jurado y un Oso de Plata.

Esta es la lista de premios oficiales:

SECCIÓN OFICIAL
Oso de Oro a Mejor Película

Testről és lélekről (Ond Body and Soul, Hungría, 2017), de Ildikó Enyedi.

Gran Premio del Jurado

Félicité (Francia-Senegal-Bélgica-Alemania-Líbano, 2017), de Alain Gomis.

Mejor Dirección

Aki Kaurismäki por Toivon tuolla puolen (The Other Side of HopeFinlandia-Alemania, 2017).

Mejor Actriz

Kim Min-hee, por Bamui haebyun-eoseo honja (On the Beach at Night Alone, Corea, 2017), de Hong Sansoo.

Mejor Actor

Geog Friedrich, por Helle Nächte (Bright Nights, Alemania-Noruega, 2017), de Thomas Arslan.

Mejor Guión

Una mujer fantástica (Chile-Estados Unidos-Alemania, 2017), de Sebastián Lelio y Gonzalo Maza.

Mejor Contribución Artística

Dana Bunescu por la edición Ana, mon amour (Rumania-Alemania-Francia, 2016), de Călin Peter Netzer.

Premio Alfred Bauer

Pokot (Spoor, Polonia-Alemania-República Checa-Suecia-Eslovaquia, 2017), de Agnieszka Holland.

 

Oso de Oro a Mejor Cortometraje

Cidade pequena, de Diogo Costa Amarante.

Oso de Plata Premio del Jurado a Cortometraje

Ensueño en la pradera, de Esteban Arrangoiz Julién.

 

SECCIÓN PANORAMA
Premio del público Ficción

Insyriated, de Philippe Van Leeuw.

Premio del Público Documental

I Am Not Your Negro, de Raoul Peck.

 

GENERACIÓN KPLUS

Oso de Cristal a Mejor Película

Piata loď (Little Harbour, Eslovenia-República Checa), de Iveta Grófová.

Oso de cristal Mejor Cortometraje

Promise (Estados Unidos), de Xie Tan.

 

Premio a Mejor Documental Original Glassshütte

Istiyad Ashbah (Ghost Hunting, Francia-Palestina-Suiza-Katar, 2017), de Raed Andoni.

Premio GWFF Mejor Ópera Prima

Verano 1993, de Carla Simón.

 

Premio Fílmico Amnistía Internacional

La libertad del diablo (México, 2017), de Everardo González.

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La Presea Cervantina para Arturo Ripstein

noviembre 28, 2016

 

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El Centro de Arte y Cultura Museo Iconográfico del Quijote (MIQ), además de impulsar y coleccionar en su acervo obras y reflexiones en torno a la obra de Miguel de Cervantes Saavedra, además  valora y otorga relevancia al fomento de las bellas artes en su acta constitutiva, por ello es que promueve la cultura cinematográfica ofreciendo un cineclub permanente con una programación que integra largometraje, cortometraje y documental: los Lunes de Cine en el MIQ.

Este año, se incluyó la obra de una veintena de directores cinematográficos del Bajío mexicano, que han encontrado un espacio de difusión y proyección de su obra en gran formato, así como la presentación a viva voz ante el público cinéfilo asistente.

Como parte de estas actividades, el Museo Iconográfico del Quijote y la Fundación Cervantina de México A.C. han decidido otorgan la Presea Cervantina Honorífica por trayectoria al cineasta Arturo Ripstein, por su trayectoria en más de medio siglo en la realización fílmica. Además, el mes de noviembre, los Lunes de Cine en el MIQ se dedicaron a repasar su obra.

La medalla se ha otorgado a personalidades como Margo Glantz (2016), Fernando Savater (2015), Manuel Castells (2014), Tzvetan Todorov (2013), Edgar Morín (2012), Jean Canavaggio (2011), Álvaro Mutis (2010), Carlos Fuentes (2000) y Eulalio Ferrer (1998) por citar algunos.

La ceremonia se realizará el lunes 28 de noviembre a las 17:00 horas, al interior del Patio de las Esculturas del MIQ (Manuel Doblado 2, en Guanajuato).

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Preselección de los Premios Fénix 2016

agosto 26, 2016

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La tercera entrega del Premio Iberoamericano de Cine Fénix, organizada por Cinema 23, se realizará el miércoles 7 de diciembre de 2017 en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris” de la Ciudad de México, por lo que se realizó una rueda de prensa en el Museo de la Ciudad de México, el miércoles 24 de agosto, para dar a conocer la preselección de 83 producciones, provenientes de 20 países, de entre casi 800 largometrajes recibidos.

Los Premios Fénix se entregan en 13 categorías competitivas: Largometraje de Ficción, Dirección, Actuación Masculina, Actuación Femenina, Guión, Fotografía, Edición, Diseño de Arte, Sonido, Música, Vestuario además de Largometraje Documental y Fotografía Documental, además de los honoríficos.

Este año, por primera vez, previo a la gala de entrega, se realizará la Semana Fénix, un evento dedicado a los profesionales del cine y al público en general, del primero al 10 de diciembre, en la que se realizarán proyecciones de las películas nominadas, conferencias, talleres y encuentros con los nominados.

De entre la amplia preselección, se encuentran 14 producciones mexicanas.

Alba (Ecuador-México-Grecia, 2016), de Ana Cristina Barragán.

Desde allá (México-Venezuela, 2015), de Lorenzo Vigas.

Desierto (México-Francia, 2015), de Jonás Cuarón.

Epitafio (México, 2015), de Yulene Olaizola y Rubén Imaz.

Maquinaria Panamericana (México-Polonia, 2016), de Joaquín del Paso.

Mr. Pig (México, 2016), de Diego Luna.

Santa Teresa y otras historias (México-República Dominicana-Estados Unidos, 2015), de Nelson Carlo de los Santos Arias.

Tenemos la carne (México-Francia, 2016), de Emiliano Rocha Minter.

Te prometo anarquía (México-Alemania, 2015), de Julio Hernández Cordón.

Un monstruo de mil cabezas (México, 2015), de Rodrigo Plá.

Antes que se tire la sal (Bolivia-Venezuela- México, 2015), de Natalia Armienta Oikawa.

Bellas de noche (México, 2016), de María José Cuevas.

Los ofendidos (El Salvador-México-España, 2016), de Marcela Zamora.

Tempestad (México, 2016), de Tatiana Huezo.

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V edición de MICGenero

agosto 4, 2016

Desacelerar la catástrofe

Por Adán Salinas Alverdi

Teniendo como tema principal el debate en torno a los medios masivos, la democracia y el feminismo, la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género llega a su quinta edición con una selección de 87 películas que podrán verse, a lo largo de tres meses, en once entidades de la República y la Ciudad de México, con un cine comprometido con la realidad social y las discusiones más pertinentes en torno a la época actual, que está pasado de los valores tradicionales a los valores sobre y para el individuo, pero que no se reflejan en la cartelera comercial.

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La situación en México es compleja. Hoy, más que nunca, vivimos una de las peores crisis en nuestra historia como estado nación en materia de derechos humanos, libertad de expresión, seguridad humana y corrupción. Desde nuestro nicho, como agentes culturales, nos dimos a la tarea de crear un espacio, la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGenero), en el que se observan ejemplos internacionales, se discute y se proponen soluciones ante esta crisis. La cultura debe sensibilizar y difundir una cultura por la paz, por la igualdad de género y por los derechos humanos. Debemos de evitar, a toda costa, una transición democrática manchada por la violencia y la barbarie. Éste es nuestro esfuerzo y nuestra lucha.

MICGenero, es un festival de cine que tiene como misión acercar el feminismo, los estudios de género y los derechos humanos a la sociedad en general. Este 2016 arribamos a la quinta edición, titulada vs Media: Democracia, Medios & Feminismo. Del 4 de agosto al 30 de octubre, a través de 12 ciudades de la República Mexicana: Ciudad de México, Puebla, Toluca, Xalapa, Oaxaca, San Cristóbal de las Casas, Playa del Carmen, Tijuana, Monterrey, San Luis Potosí, Cuernavaca y Acapulco.

Sensibilizar en el cine

Vivimos tiempos de cambio de paradigmas. Pasamos de los valores tradicionales a los valores sobre y para el individuo. Nuestro país es un mosaico cultural y debemos tener una política cultural, social y económica a la altura de esta situación. Actualmente, hay pocos espacios de convivencia en donde se fomente y aterrice una cultura por la paz, el respeto al otro, la tolerancia, la crítica a la economía política y el respecto al medio ambiente.

Nos gusta pensar que somos un agente que sensibiliza a través del arte, que afecta emocionalmente a nuestro público a través de las películas y que, a través de un debate, precisamos conceptos, visiones e ideologías al respecto de los derechos humanos. Es decir, pasamos de lo afectivo-estético al concepto, teoría y práctica.

Para lograr esta parte del festival, creamos una plataforma llamada 100 Horas de Activismo, la cual convoca a funcionarios públicos, organizaciones no gubernamentales, activistas y estudiantes de posgrado o de maestrías, a donar una hora de su tiempo para comentar la selección oficial de micgenero 2016. La meta es lograr 100 funciones-debate de las 500 funciones que organizaremos a lo largo y ancho del país. A cambio de esta donación, el festival ofrece acceso libre a estos participantes para asistir a todos los eventos del festival en la región en donde se esté presentando.

Plataformas de profesionalización

micgenero también cuenta con actividades de formación para profesionalizar y fortalecer la industria cinematográfica. Contamos con dos proyectos, a saber: GenderLab y Focus Camp. El primero de ellos es una plataforma de apoyo a la producción y postproducción de proyectos cinematográficos con perspectiva de género que este año celebra su tercera edición, dedicado a proyectos que están en etapa de corte final compitan por un premio de 500 mil pesos en servicios de postproducción otorgado por los Estudios Churubusco para finalizar la película. También contamos con actividades tanto teóricas como prácticas a través de talleres con expertos de la industria y la academia, para reforzar los trabajos que están en desarrollo de carpetas de producción.

Por otro lado, Focus Camp es un Foro de Distribución Independiente que se realiza con la firme intención de convertirse en un mercado de cine sobre derechos humanos. México es el cuarto país que más cine consume en el mundo, contamos con alrededor de seis mil pantallas, de las cuales 5 mil 500 pertenecen a Cinemex y Cinépolis, lo que deja quinientas pantallas disponibles para el cine independiente, distinto y contrario a los intereses comerciales con los que se rige la exhibición en nuestro país. Por otro lado, las 10 películas que más taquilla hicieron el año pasado son estadunidenses, es decir, ninguna nos refleja como pueblo y sociedad. Vemos y pensamos otra realidad social y política. Además, de las cinco películas mexicanas con más asistentes el año pasado en la cartelera nacional, ninguna retrata los problemas sociales que atraviesan al país. Es decir que, de ningún modo, la exhibición de cine abona a la transformación social y al cambio cultural que nos resulta tan urgente en este momento. Recordemos que países como Estados Unidos, Alemania, Francia, Rusia y, recientemente, Suecia, han transformado la realidad social y política a través de este dispositivo. También que una política cultural debe velar por la conservación del patrimonio y una guerra frontal del estado y sus políticas contra sus ciudadanos puede desencadenar aún más violencia, acción que frena la vida cultural, pacífica y de concordia para poder crear y desarrollarnos artísticamente.

Intentamos generar, a través del Focus Camp, redes de comunicación entre productoras y cineastas con distribuidores independientes: plataformas digitales (vod), canales locales de televisión en el país, festivales de cine, cines alternativos, periódicos y medios de comunicación para poder exhibir esas otras películas que sí dan cuenta de nuestra realidad social y desde donde es urgente pensarnos.

Tanto GenderLab como Focus Camp son proyectos de formación profesional en el ámbito de la industria cinematográfica. El primero sucede en la Ciudad de México del 8 al 12 de agosto, en el Centro Cultural de España en México y el Goethe Institut Mexiko. Mientras que Focus Camp, tendrá lugar en Tijuana, Baja California, en las instalaciones del Centro Cultural Tijuana (Cecut), del 28 de septiembre al primero de octubre.

El anónimo Banksy

Respecto a la imagen de micgenero, de este año, al ser el tema vs Media: Democracia, Medios & Feminismo, decidimos que la mejor manera de darle identidad sería a través de la obra de un artista conceptual como el inglés Banksy. La obra de este artista ha tenido como escenario muchas de las ciudades más importantes del mundo. Su obra se compone de grafitti, murales, intervenciones de obras artísticas y de espacios públicos, en su mayoría bajo la técnica de stencil, y cuya temática se concentra en la crítica a la posmodernidad, al consumismo, al hiperindividualismo, a la cultura de masas, a los mass media, al ocio, a lo efímero, fruto de la ideología y valores de la política mundial y las sociedades actuales. Banksy trabaja en el anonimato y presenta sus obras de manera clandestina pues, en más de una vez, ha burlado los sistemas de seguridad de algunos de los museos más importantes del Reino Unido y Estados Unidos, para introducir varias de sus piezas.

Banksy llega a micgenero para denunciar las injusticias que se comenten en nombre del progreso y la globalización, y cuyo sufrimiento se vende como entretenimiento en los medios de comunicación masiva para mantener a las sociedades adormecidas, bajo el yugo de la opresión.

Es urgente la transformación social. Hay una verdadera voluntad por parte del gobierno de callar al pueblo. El gobierno ha implementado la violencia por vía de la fuerza pública –ejército, policía–. Se ha vuelto un peligro mortal contestar, protestar y manifestarse. Aunada a esta situación, es claro que no existe voluntad por parte de la mayoría de las instituciones por implementar sistemas de anticorrupción, elevar las reformas e iniciativas a cambios sustanciales en materia de salud, educación, trabajo, energía y economía. Nuestro futuro es desolador y cada vez se sale más de control. Las situaciones se vuelven día a día más de confrontación y peligra la paz.

Ojalá MICGenero abone a la reflexión y podamos desacelerar la catástrofe.

Bernardette Lafont

Selección Oficial 2016

La quinta edición del festival micgenero tendrá como tema principal VS. MEDIA. Democracia, medios & feminismo y se llevará a cabo del 4 de agosto al 30 de octubre en Ciudad de México y 11 estados de la República. En total, a su convocatoria respondieron más de 400 películas de medio centenar de países de todos los continentes. Al final, la selección oficial consta de 87 películas (51 largometrajes y 36 cortometrajes provenientes de 30 países representados), veinte de ellas de producción mexicana, entre los que se ubican 55 documentales, 27 ficciones, tres experimentales y dos animaciones, realizados por 42 directoras y 45 directores. Habrá un ciclo realizado en colaboración con la asociación neoyorquina Women Makes Movies.

Las secciones que conforman esta edición son vs Media. Democracia, Medios & Feminismo; Movilidad Humana y Migración; Derechos Sexuales y Reproductivos; Queer y Postporno; Minoridades en foco; Encierros y reclusión; Resiliencia; Ecofeminismo; Etarismo y relaciones intergeneracionales, y Disonancias.

Las películas que conforman vs Media. Democracia, Medios & Feminismo son:

She s beautiful when she’s angry (Estados Unidos, 2014), de Mary Dore y Nancy Kennedy.

Guido Models (Argentina, 2016), de Julieta Sans.

Federica Montseny, l’indomptable (Francia-España, 2016), de Jean-Michel Rodrigo.

The Free Voice of Egypt-Nawal El Saadawi (Alemania, 2015), de. Konstanze Burkard.

Bernadette Lafont, et Dieu créa la femme libre (Francia, 2016), de Esther Hoffenberg.

Callas Reloaded (Francia, 2015), de Fred Morin (cortometraje).

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XXIV Expo Cine Video Televisión

junio 28, 2016

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Del martes 28 de junio al viernes 1 de julio 2016 se realizará la vigesimo cuarta edición de la Gran Expo Cine Video Televisión, Ciudad Pantalla, un evento creado y organizado por la Revista Telemundo y Canal100.com.mx. Realizada de manera consecutiva por vigésimo cuarto año, ofrece stand con expositores relacionados con el mercado profesional con el objetivo de que los profesionales del cine, el video y la televisión tengan la oportunidad de ver juntos, una vez al año, a las mejores marcas con los mejores equipos, lo que la mantiene como la mejor de América Latina.

La XXIV Expo Cine Video Televisión se realizará del martes 28 de junio al viernes 1 de julio de 2016, de las 14:00 a las 20:00 horas, en los salones Maya 1, 2 y 3 del World Trade Center (WTC), sito en Montecito 38, en la colonia Nápoles de la Ciudad de México.

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XX Mix México: Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video

mayo 27, 2016

Intacta, el ansia del escándalo

Por Arturo Castelán

Imperceptible pero imparablemente, aquella cartelera mexicana que mostraba cada vez mayor apertura en los años setenta y ochenta, fue clarificando una necesidad en el espectador fílmico mexicano: las películas de nicho, es decir, aquellas que pertenecen, a veces involuntariamente, a géneros como el New Queer Cinema o el cine gay, un cine sobre sexualidad que se rebela, se atreve, incomoda y se enorgullece de su diferencia. El mixxx Aniversario alcanza dos décadas de existencia apuntalando ese cine de escasa o nula presencia en la cartelera mexicana.

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A finales de los años setenta, el que aquí les narra su historia apenas estaba aprendiendo a escribir y compraba cuadernos de hoja blanca donde dibujaba entradas de cine con marquesinas a las que le cambiaba títulos todos los jueves para anunciar las películas que quería ver, pero a las que, por su edad, aún le impedían la entrada –sobre todo su padre y su tía, quienes eran los que le llevaban más. Recuerda, lejanamente, haber jugado a programar algunas joyas del sexploitation: Verano Salvaje (México, 1980), del cineasta gay Enrique Gómez Vadillo; Dulces navajas (o Navajeros, España, 1980), de otro cineasta gay ibérico Eloy De la Iglesia; Él sabe que estás sola (He Knows you are Alone, Estados Unidos, 1980, de Armand Mastroianni), y Nacidos para perder (Estados Unidos, 1967, de Tom Laughlin).

Y apenas aprendiendo a leer, unas cuantas idas con su madre al recién construido Cine Piscis –a unas cuatro cuadras de su casa en la colonia Romero Rubio– le revelarían una nueva fijación: el cuerpo masculino desnudo. En la película juvenil Roller Boogie (Estados Unidos, 1979, de Mark L. Lester), Linda Blair enamorada de Jim Allen y sus jeans entallados, encueraba a su novio para escapar con el patinador. Otro hombre desnudo corría aterrado en medio del violento desierto en Mad Max (Australia, 1979), de George Miller. En El legado (The Legacy, Reino Unido-Estados Unidos, 1978, de Richard Marquand), de, Sam Elliot aparecía espectacular saliendo de la regadera y lastimado con vidrios embrujados frente a Katherine Ross. Y luego, en La chica del adiós (The Goodbye Girl, Estados Unidos, 1977, de Herbert Ross), Richard Dreyfuss interpretaba a un actor que mostraba la homosexualidad de un personaje de Shakespeare, lo que provocaba el fracaso de su obra.

La gradual apertura

Y así, este chamaco fan del Cine Guía –la revista de Carlos Amador que duró apenas un par de años y en la que se publicaban entrevistas y carteleras con los filmes que exhibían Organización Ramírez, la Compañía Operadora de Teatros (cotsa), los cines de Gustavo Alatriste y su propia compañía, Telecines casa), quedaba atónito ante un periódico que se llamaba Cine Mundial –que publicaba muchas noticias de cine para el apetito voraz de este cinéfilo en formación– y amante de los anuncios de cine que aparecían en los periódicos Excélsior y El Heraldo –a los que estaban suscritas su abuela y su tía respectivamente– que le parecían cada vez más atrevidos y audaces… Si bien ya estaba acostumbrado a ver de manera natural las sinuosidades de Christie Brinkley, Rene Russo y Gia Carangi –impresionado aún– en las portadas de Francesco Scavullo para Cosmopolitan –“Cuñada, estas modelos están mejores que las de las revistas que compro” le decía un tío–, las carteleras cinematográficas le resultaban aún más atrevidas porque las estrellas del cine nacional aparecían desnudas mostrando los senos cuyo pezón era más o menos escondido por una estrellita –para filmes como Bellas de noche (México, 1975, de Miguel M. Delgado) o Emmanuelle (Francia, 1974), de Just Jaeckin–, haciendo un striptease de manera repetida en un par de filmes –Alma Muriel en las fotos de Cuando tejen las arañas (México, 1977, de Roberto Gavaldón) y Burlesque (México, 1980, de René Cardona)– o restregándose encima de otros hombres desnudos –Isela Vega encima de Gonzalo Vega en Las apariencias engañan (México, 1978), del director gay Jaime Humberto Hermosillo.

El caldo de cultivo para fundar Mix México: Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video se fue engrosando en la mente de este chamaco, quien años después lograría armarlo… La Jaula de las Locas (La cage aux folles, Francia, 1978, de Édouard Molinaro) y luego Víctor Victoria (Victor Victoria, Reino Unido-Estados Unidos, 1982), de Blake Edwards, se eternizaron en el cine María Isabel del Hotel Sheraton. Una historia diferente (A Different Story, Estados Unidos, 1978), de Paul Aaron, y Maurice (Reino Unido, 1987), de James Ivory, logran algo similar en el Cine Paseo y el Cine París. Jóvenes corazones gay (Torch Song Trilogy, Estados Unidos, 1978), de Paul Bogart, se estrena en una sala en plena y conservadora Plaza Satélite, donde ahora este chamaco pasaba su adolescencia. Esa fue la primera película gay a la que asistió en su recién adquirida mayoría de edad. Después vería Atracción Fatal (Fatal Attraction, Estados Unidos, 1987), de Adrian Lyne, y Coctel (Coktail, Estados Unidos, 1988, de Roger Donaldson).

Cuando la Muestra Internacional de Cine llegó al Apolo Satélite, a este niño se le abrió otra caja de dulces: en esa primera edición a la que asistí apareció Reacción en cadena (Kopytem Sem, Kopytem Tam, Checoslovaquia, 1988, de Vera Chytilová), era una historia soviética sobre el sida, mientras que Rudolf Tome, María Novaro y Eliseo Subiela exploraban el desnudo masculino en El filósofo (Der Philosoph, Alemania Occidental, 1989), Lola (México-España, 1989) y Hombre mirando al sudeste (Argentina, 1986). Ya después lo gay será tema frecuente –Gerardo Salcedo, ex programador de la Cineteca Nacional me contó que el año en que se presentó Henry y June (Henry & June, Estados Unidos, 1990), de Phillipe Kauffman, en la Muestra, fue uno en el que casi todos los filmes presentaron un subtema gay.

Pero la Semana Cultural Lésbica Gay, con su revisión de materiales ya estrenados –¡cuántas veces no habrá visto ahí, repetidas anualmente, Las noches salvajes (Le nuits fauves, Francia-Italia, 1992), de Cyril Collard; Mi camino de sueños (My Own Private Idaho, Estados Unidos, 1991), de Gus Van Sant; La ley del deseo (España, 1987), de Pedro Almodóvar; Maurice!–, y la apertura del Cinemanía Loreto con Desmayo (Swoon, Estados Unidos, 1992), de Tom Kalin; Arde París (Paris is Burning, Estados Unidos, 1990), de Jennie Livingstone, y Las horas y los tiempos (The Hours and Times, Estados Unidos, 1991), de Christopher Munch, que nos hicieron voltear a un género que apenas conocíamos algunos en México: el New Queer Cinema –un movimiento así bautizado por la crítica estadounidense B. Ruby Rich para referirse al cine con personajes gays nacido para rescatar las estéticas de la diversidad sexual ante la epidemia del sida y en cuyo libro, Chick Flicks: Theories and Memories of the Feminist Film Movement (Duke University Press Books, 1998), se publicaría justo en el nacimiento de Mix México–; no hicieron más que subrayar, de manera obvia e inminente, la necesidad de un evento fílmico que mostrara de manera digna y en una sala de cine, tanto estrenos como materiales que no podíamos ver con facilidad en el país.

La entrada del Elektra

Todavía recuerdo la mini entrada del Cine Elektra (Hoy Cinemex Reforma) en donde una audiencia de empleados y burócratas formaban parte de la audiencia que acudía, de manera asidua, a ver las joyas del cine mundial. En la década de los ochenta aún programaban de manera diaria un filme distinto y, más o menos, buscaban coincidir con las efemérides para lograr un gran efecto de taquilla –como los llenos totales para ver el Jesús de Nazaret (Jesus of Nazareth, Italia-Reino Unido, 1977), del cineasta gay Franco Zefirelli en plena Semana Santa–. Pero igual se lograban ver filmes de conciencia política-ecológica como El Síndrome de China (The China Syndrome, Estados Unidos, 1979, de James Bridges), producida por su protagonista, el actor Michael Douglas, a la par que filmes que, entonces, se entendían como familiares, como el musical La Novicia Rebelde (The Sound of Music, Estados Unidos, 1965) de Robert Wise; documentales de conciertos como los que registraban los espectáculos de The Beatles o The Rolling Stones, e incluso películas atrevidas como las exploraciones nazi-sadomasoquistas-eróticas de El portero de noche (Il portiere di notte, Italia-Estados Unidos, 1974), de Liliana Cavanni, o cintas de culto bautizadas estimulantemente como Orgía de horror y locura (que tal fue el nombre con que llegó a México The Rocky Horror Picture Show, Estados Unidos-Reino Unido, 1975, de Jim Sharman), lograban ver la luz en tan deliciosa programación. Pero fue ahí, en esa pequeña sala de Río Guadalquivir, a media cuadra de Reforma, que hace veinte años nació el Festival Mix, poniendo en jaque la definición –o la falta de definición– sexual de las películas.

El festival se fundó en una época en la que, planteándose la necesidad de producir cine mexicano que lograra recuperar su inversión –como ocurría en la Época de Oro o en nuestra época de Cine de Ficheras–, apareció el término de nicho, que empezó a aplicarse a los filmes que estaban por producirse. Y el nicho del cine gay empezó a utilizarse de manera renuente por parte de los distribuidores y muchas veces en contra de directores acostumbrados a decir que su trabajo es universal, enfrentados de manera sorpresiva a la realidad de un negocio que se llama cine.

El ligue en el Cine Elektra desapareció una vez que cambió de dueño; el de los cines sobre Reforma desapareció ante la quiebra de cotsa y el subsecuente cierre de sus salas, pero la organización formada por los grupos Lésbicos Gay Bisexual y Transgénero (lgbt), ante la tibia respuesta del gobierno para combatir el sida y los avances de la derecha contra la cultura, generó un renacimiento en el tejido social de la comunidad gay y el nacimiento del Festival Mix, junto a la resistencia de la Semana Cultural Gay, que se convirtieron en bastiones imposibles de negar y cuya presencia inspiraría réplicas en toda la República Mexicana.

En nuestro país aún hay que recuperarse de filmes y visiones no sólo negativas, sino incluso difamatorias, que infaman a grupos gays ya despiertos al cine que reciben, quienes para defenderse piensan en todo: desde tácticas de boicot mercantil hasta censura abierta y aberrante.

El espíritu del Mix

Pero el niño cinéfilo, ahora cuarentón, flipa cuando el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine) apoya al Mix produciendo los guiones que ganan en su concurso; cuando Levi’s le imprime publicaciones para celebrar el arte del festival construido en imágenes por el fotógrafo Celadón y el actor del momento, quien modela reinterpretaciones fílmicas; cuando el Instituto de la Juventud (Injuve) de la Ciudad de México premia a menores de 30 años que buscan reinterpretar la realidad gay con sus cámaras; cuando llegan los invitados internacionales; cuando se exhiben películas en más y nuevos foros de la Ciudad de México, y más aún cuando escucha títulos de nuevos filmes, que le estremecen a la locura, aún sin conocer sus contenidos. Pero es que apenas nos enteramos de filmes sobre sexualidad llamados Te prometo anarquía (México-Alemania, 2015, de Julio Hernández Cordón); Me quedo contigo (México, 2014, de Artemio Narro); El placer es mío (México, 2015, de Elisa Miller); Bellas de noche (México, 2016, de María José Cuevas), –previo shock imaginativo estimulado por la belleza de sus títulos y premisas–, va, los anota en la compu y se pone a perseguir en los catálogos de los festivales en que han participado, sus cambios de teléfonos de contacto para poder invitarlos al festival anual que dirige.

Y también cuando ve que el filme de inauguración, el de clausura y los cortometrajes que presentó en la edición anterior están nominados a algún premio, va y comparte la noticia con otros niños cinéfilos sensualistas –gays o no gays– que conforman su comunidad en las redes sociales. Qué digo comparte la noticia. Comparte el impacto: la Academia que otorga el Ariel este año ha nominado a Made in Bangkok (México-Alemania, 2015, de Flavio Florencio), documental sobre una bellísima transexual y el milagro de su vida; el registro de vida de un prostituto respetuoso de Muchacho en la barra se masturba con rabia y osadía (México, 2015), de Julián Hernández, y el cuento de hadas Trémulo (México, 2015), de Roberto Fiesco, estos dos últimos presentados por primera vez en la Ciudad de México en Mix México: Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video, y ahora nominados a Mejor Cortometraje Documental y Mejor Cortometraje de Ficción, respectivamente.

A 20 años de inaugurar el primero, Arturo Castelán, director de Mix México: Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video, le cuenta en la noche a un actor, que está harto del cine mercantilista, hipócrita y retrógrado, y que aún se siente con el deseo firme de celebrar el trabajo de los protagonistas de un cine que se rebela, se atreve, incomoda y se enorgullece de su diferencia. “Ese es el espíritu de Mix”, le explica. Siempre insatisfecho, pero con el ansia intacta del escándalo.

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MIXXX Aniversario, Festival de Diversidad Sexual en Cine y Video, se celebrará, a partir del 28 de mayo, en la Ciudad de México, en las siguientes sedes: Universidad Autónoma de la Ciudad de México, Centro Cultural José Martí, Cinematógrafo del Chopo, Cinépolis Diana, Cineteca Nacional y el Centro de Cultura Digital. Mayor información en la página electrónica: http://www.elfestivalmix.com.

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Convocatoria abierta al quinto Festival Internacional de Cine de Los Cabos

mayo 14, 2016

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La quinta edición del Festival Internacional de Cine de Los Cabos se realizará del 9 al 13 de noviembre de 2016, por lo que lanzó su convocatoria para realizadores y productores de largometrajes de ficción y documental para inscribir sus trabajos en las secciones Competencia Los Cabos –producidos o coproducidos en México, Estados Unidos o Canadá en 2016–y México Primero –para producciones mexicanas realizadas en 2016– con duración mayor a 60 minutos.

En cada sección la película ganadora obtendrá un premio de 250 mil pesos y un sólo incentivo a la distribución para ambas secciones de 15 mil dólares.

También se abre la convocatoria para el Gabriel Figueroa Film Fund en sus modalidades de Work in Progress para proyectos en postproducción tanto de cine como de televisión en desarrollo.

La convocatoria cierra el 19 de agosto de 2016.

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Convocatoria abierta al undécimo DocsDF

marzo 1, 2016

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El Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF), realizará su decimoprimera edición entre el 13 y el 22 de octubre de 2016 por lo que abrió su convocatoria para inscribir, de manera gratuita, películas de no ficción en todos los formatos y temáticas, posteriores al primero de enero de 2015, en las siguientes categorías competitivas: Largometrajes internacionales, Largometrajes mexicanos, Cortometrajes internacionales y Cortometrajes mexicanos –se considera cortometraje a los que duren hasta 30 minutos−, incluso en proceso de postproducción.

La fecha límite es el viernes 20 de mayo para los trabajos extranjeros y el primero de julio para las producciones mexicanas.

DocsDF

Convocatoria abierta al undécimo Shorts México

febrero 23, 2016

Convocatoria Shorts México 2016

La undécima edición del Shorts México, Festival Internacional de Cortometrajes de México a celebrarse del primero al 8 de septiembre del 2016, por lo que abrió la convocatoria para inscribir producciones realizadas entre 2015 y 2016, con una duración máxima de 30 minutos para competir en las categorías de Competencias mexicanas: de ficción, animación, documental y Neomex (amateur mexicano); Competencias Iberoamericanas: ficción, animación y documental; Competencias internacionales: ficción, animación y documental. Además, se entregan premios a Mejor Cortometraje Ficción, Mejor Director, Mejor Productor, Mejor Actor, Mejor Actriz, Mejor Guión, Mejor Fotografía, Mejor Sonido, Mejor Edición y Mejor Arte. 

La fecha límite es el 15 de mayo de 2015.

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El libérrimo y aventurero Eisenstein en Guanajuato, de Peter Greenaway

enero 22, 2016

La posibilidad de convertirse en sí mismo

Por Luis Carrasco García

Libérrimo es el acercamiento del galés Peter Greenaway a la muy cinematografiable figura del letón Sergei Eisenstein, en una obra que, más que ofrecer un acercamiento histórico, teórico o verista, recrea con gran permisividad artística la estancia del gran genio del cine en México, para filmar la inconclusa ¡Que Viva México!, así como para explorar sus inquietudes artísticas, intelectuales y sexuales, en un Guanajuato tropicalizable y folclorizable.

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Dos fijaciones bastante formativas se cruzan en el filme más reciente del cineasta galés Peter Greenaway: su absoluto interés en torno a la figura del realizador soviético Sergei M. Eisenstein, el gran teórico del montaje cinematográfico y uno de sus pensadores más acuciosos, mismo que aplicó a su propia obra cinematográfica –en la medida de lo posible, dadas las restricciones dictatoriales del régimen estalinista soviético hacia los artistas y a la población en general−, legando un catálogo breve pero fundamental para la historia del arte universal.

La segunda es su deslumbramiento por la barroca, empedrada y laberíntica ciudad de Guanajuato, misma que ha visitado ya en varias ocasiones, la primera de ellas para ofrecer el montaje de su ópera de utilería −prop-opera−, codirigida junto con la artista y directora de escena holandesa Saskia Boddeke, 100 Objetos para representar al mundo, en el Auditorio del Estado, como parte de la programación del vigésimo octavo Festival Internacional Cervantino, en octubre del año 2000 y, posteriormente, visitaría ese mismo recinto para dictar una larga conferencia sobre la muerte del cine en el décimo Festival Internacional de Cine “Expresión en Corto” y luego presentar el espectáculo The Tulse Lupper vj Performance, en el verano del 2009.

El año pasado volvería pero ahora al Teatro Juárez, para utilizarlo como locación principal de su filme más reciente, Eisenstein en Guanajuato (Bélgica-Finlandia-Países Bajos-México, 2015), en el que recrea fantasiosamente la visita del cineasta soviético al país en los años treinta, pues si bien nunca pisó esa ciudad minera del Bajío mexicano –sino la Ciudad de México, Colima, Oaxaca, Hidalgo−, en ese entorno, y realizando un muy libre símil con la gran crónica de John Reed sobre la Revolución Rusa, instala los “diez días que conmovieron a Eisenstein (Elmer Bäck)”, en los cuales el realizador filma, pasea, dibuja, discute, cena, observa, vomita en un túnel, realiza llamadas bajo el chorro de la ducha y, finalmente, es iniciado homosexualmente por un intelectual mexicano, Jorge Palomino y Cañedo (Luis Alberti, robándole protagonismo), quien lo seduce filosófica y dialécticamente para luego hacerlo carnalmente y “a la azteca” –pese a estar en tierra chichimeca.

La sinopsis oficial de la cinta reza lo siguiente: “En 1931, en el momento más alto y poderoso de su carrera, el celebrado cineasta soviético Sergei Eisenstein viaja a México para filmar una nueva película financiada con fondos privados provenientes de simpatizantes procomunistas estadunidenses, llamada ¡Que viva México! Rechazado por Hollywood y bajo presión para volver a la Rusia estalinista, Eisenstein llega a Guanajuato, donde vive diez días apasionados que cambian y dan forma al resto de su carrera.”

En el artículo La vuelta a la lix Muestra en 14 mundos, publicado en el suplemento Confabulario, de El Universal, el 21 de noviembre de 2015, el crítico fílmico Jorge Ayala Blanco, publicó una consistente, sintética y lúcida opinión sobre la cinta: “El mundo de Eisenstein en Guanajuato, de Peter Greenaway es el mundo congestionado de un ¡Qué viva Eisenstein! chocarrero y jodorowskiano desatado al incitante calor del pintoresco trópico mexicano ebrio de culto funeral, mundo del bombardeo de un dropping names a pantalla triple y subliminalidades exacerbadas entre cierto sordiciego campanero aborigen con plumas e inquietas momias ¿ya autobiográficas?, mundo paródico del exotismo hastiante con gratuita vomitona en la calle subterránea y desvirgación homosexual como rito azteca y magno desfile disminuido del otrora Día de Muertos −ahora Día de San Spectre− y supercursi renuncia al triángulo amoroso con Maya Zapata y Carmín tropical en persona.”

Luego de tener su estreno mundial durante la sexagésima edición del Festival Internacional de Cine de Berlín (la Berlinale), de tener su estreno en México durante el décimo tercer Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) y de formar parte de la programación de la quincuagésima novena Muestra Internacional de Cine, Eisenstein en Guanajuato, producida por Edith Film Oy, Fu Works, Paloma Negra Films, Potemkino y Submarine, estrenará en la cartelera mexicana el viernes 22 de enero, con distribución de Piano, por lo que reproducimos esta entrevista con Greenaway, realizada en Morelia.

¿Cuándo le surgió la idea de filmar una película sobre Sergei Eisenstein?

La idea surgió cuando visité la ciudad de Guanajuato hace aproximadamente diez años, durante la primavera: estaba cubierta de un color extraordinario y una cantidad de flores impresionante, todo era resplandeciente. Entonces pensé que, tarde o temprano, regresaría a hacer una película. En primera instancia, pensé que iba a realizar un documental de la visita de Eisenstein en México, con la investigación que he realizado durante gran parte de mi vida sobre el cineasta soviético, lo que además coincidió con el hecho de que se abrieron los archivos de Rusia para estudiar su vida.

Descubrí el cine de Eisenstein en la preparatoria, cuando era un estudiante en Londres, pero la verdadera inspiración fue estar en esa ciudad (en Guanajuato), así comenzó todo. Al final, lo que resultó fue, más bien, algo basado en el hombre, dejando a un lado la idea del gran director, claro, sin olvidar el gran realizador que era.

¿Por qué se interesó en realizar una cinta en la que no necesariamente se abordara las aportaciones de Eisenstein como cineasta?

La película no está muy relacionada con su trabajo como director de cine en Rusia, sino de esos metafóricos diez días fuera de su hogar, de esos días discretos que pasó fuera de Rusia, lejos del seno del Estado Soviético, lejos de Stalin, lejos del materialismo dialéctico, que era tan cercano para él, lo que lo convirtió en alguien vulnerable; lo relajó y lo convirtió en una persona distinta.

De cierto modo, cuando estás fuera de tu país, puedes relajarte y convertirte en una persona distinta; así que esta situación era un ejemplo de libertad para viajar, para comunicarse, de alejarse de las raíces, el encuentro con otra cultura; deberíamos valorar la idea de que México le dio a Eisenstein la posibilidad de convertirse en sí mismo.

¿En qué libros se basó? ¿Consultó historiadores para abordar al personaje?

No existe la historia. Existen los historiadores y los historiadores son mentirosos. La apertura de los archivos de Sergei Eisenstein en Rusia permitió obtener la información para hacer la cinta, pero el hecho de que presente abiertamente la relación con (Jorge Palomino y) Cañedo, hizo que tuviera una mala recepción entre las autoridades de ese país.

Recordarán la postura del presidente de Rusia, Vladimir Putin, sobre la homofobia, él no quería que fuera un filme gay; entiendo que era un intento suyo por disociar el tejido moral del mundo occidental. Piotr Ilich Chaikovski y otros grandes iconos culturales rusos también fueron gays. Creo que para ellos la mayor preocupación fue que un extranjero, un inglés, y no un ruso, tratara de hacer un retrato de su máximo héroe.

¿Qué opinión le merecen aquellos que no quieren desmitificar a los grandes personajes del arte o de la historia, como es el caso de Eisenstein, y verlos como meros seres humanos?

Esta es una pregunta que me hicieron los rusos, porque están muy molestos conmigo por haber hecho esta película. Ellos creen que los grandes héroes rusos no pueden ser posiblemente gays. Tengo muchos amigos en Rusia y en ese país muchos creen que Rusia no se relaciona con lo que consideran el colapso moral del mundo occidental, lo cual es muy, muy tonto, demasiado retrógrada, y llevan a Rusia de vuelta a la época de los zares, otra vez.

Así que, en resumen, la provocación se trata más bien de ir en contra de las estupideces de la Rusia contemporánea, de lo que es acerca de una persona o de este director en específico. Yo he recibido muchas muestras de odio a través de las redes sociales y la gente ha adoptado una actitud muy antagonista, no nada más por el asunto de la homosexualidad, sino por el hecho de que un extranjero haya podido hacer un filme sobre los héroes nacionales rusos.

Y otra cosa que les molesta es cómo me atreví a hacer filme sobre Eisenstein que no ocurre en Rusia. Hay muchas razones de ello. ¿Tú sabes que cuando vives en un país que no es el tuyo te comportas como una persona totalmente distinta, no? Te liberas, te alejas de los amigos y de tu madre, de tus parientes, de tus críticos y tienes una habilidad para expandir tu personalidad.

Eisenstein siempre fue muy curioso acerca de su propia sexualidad, no le fue bien con las mujeres; dijo que era virgen, se lo dio a entender a la gente cuando se trataba de hablar sobre su intimidad sexual, pero, para propósitos del filme, el personaje se presenta como ingenuo a veces; también es misógino, y se dedica a rebotar de cama en cama, corriendo alrededor de los cuartos, casi como un niño feliz.

Esa era su personalidad pero no se comporta como un payaso; en el filme dice: “mi cabeza es tan grande, mis brazos son tan cortos”. Es como una actitud defensiva, porque en su vida fue muy tímido e introvertido.

Y era, ciertamente, muy capaz de ser sociable. Hablaba ocho idiomas, podía decir bromas en un idioma que no fuera el suyo, lo que siempre resulta muy difícil de hacer. Podía estar en la Sorbona de París, frente a 3 mil estudiantes y hacerlos reír. Tenía esa habilidad cuando estaba en compañía y era bueno para entretener a su audiencia.

¿Siente que existe alguna relación de la figura de Eisenstein respecto a su propia persona, tanto como directores o como individuos?

Lo que vas a encontrar en la película es que está editada artificialmente. Hallé que la gran inteligencia cinematográfica de Eisenstein fue inhibida. La tragedia es que cuando Eisenstein vino a México, filmó gran cantidad de escenas y no se le permitió editar. Esa es la tragedia de su paso por México; así que en un sentido, nosotros −es decir yo−, quería hacer un filme que advirtiera sobre su habilidad para editar, así que es como un homenaje.

¿Cuál de sus filmes cree que esté más presente en la cinta de Eisenstein en Guanajuato?

Para mí, el primero es el más instintivo. Alguien expresaba que “todo director de cine dice todo en su primer película y luego sólo hace la misma película una y otra vez con distintos propósitos”. Yo creo que, en mi caso, es un filme que hice llamado El Contrato del Dibujante (The Draughtsman’s Contract, Reino Unido, 1982) y creo que Eisenstein hizo lo mismo con La huelga (Stachka, Unión Soviética, 1925), pero su filme más conocido, como quizá lo sepan, es El acorazado Potemkim (Bronenosets Potemkin, Unión Soviética, 1925), en la que perfeccionó el estilo que le había sido tan relevante en La huelga.

Pero creo que lo que más resalta de Eisenstein, de alguna manera, es su seriedad, pero sepan que la mayoría del cine que se hace no es muy serio. No muchos cineastas son muy serios y Eisenstein lo era; hay muy pocos cineastas que realmente tomaron el hacer películas con esa seriedad de Eisenstein.

Usted mencionó que piensa seguir abordando su vida en otras películas, ¿Qué es lo que sigue?

Esta es la primera película de una trilogía que planeo rodar sobre la historia de Eisenstein, que también habrá de incluir su trabajo en Europa y en Hollywood: Eisenstein en Suiza será el nombre de la siguiente película y abordará el paso del cineasta ruso en el primer festival de cine, el de Larraz, que tuvo lugar en Suiza, y a la vez sirva para abordar esa vieja discusión acerca de que si el cine es arte o meramente entretenimiento.

Ya desde 1983 usted ha venido declarando que el cine está muerto. Sin embargo, ahora afirma que con esta película está renaciendo. ¿Qué fue lo que sucedió en torno a esta convicción?

Bueno, sigo creyendo que está muriendo. Cuando hice el comentario del cine, más bien sobre la industria del cine, bastaba ver a Hollywood para saber lo que está pasando; Variety, que muy probablemente sea la revista de Hollywood que más noción tiene de lo que es el cine en las calles, publicó el dato que sólo el 5% de las personas ve películas en las salas de cine, y eso no me parece muy saludable porque significa que el 95% de la gente ve las películas en sus teléfonos inteligentes o en la televisión, y eso ya no es cine. Para mí, ese es un indicio muy claro de que algo está muy mal, porque cuando tú ves las películas en estas cosas, probablemente lo haces por tu cuenta o sólo con una o dos personas. Es decir, la noción del Cine de ser un arte público, se acabó demasiado pronto. ¡Incluso Variety lo dice!, o sea no se trata de una revista de vanguardia francesa; incluso, un idiota como Quentin Tarantino dice que el arte de hacer cine se acabó y cuando Tarantino lo dice, debe ser verdad.

¿Qué es, entonces, lo que ha cambiado, la narrativa del lenguaje audiovisual o la estructura del mensaje?

Creo que ahora es muy sofisticado, principalmente, porque ya no se hacía de la manera presente. Muchos de los realizadores cinematográficos perdían las cosas rodadas, porque las metían al periódico, al laboratorio, al celuloide. Ahora todo es digital y la edición se puede hacer con mucha delicadeza, ya no se hace como en el pasado y eso es maravilloso. El lenguaje se ha vuelto muy sofisticado.

En ese sentido, ¿considera que la teoría de Sergei Eisenstein sobre el montaje ya no es vigente?

Si Eisenstein estuviera vivo hoy en día sería muy ingenioso con las formas de lenguaje que tenemos; probablemente, estaría haciendo cine 3D o gramático, porque fue un gran inventor.

Usted ha trabajado tanto los terrenos de la ficción, como documental y audiovisual para televisión. ¿En cuál de los tres formatos se siente cómodo? ¿Algún día piensa que estos tres lenguajes puedan llegar a confluir?

Estamos de acuerdo que la mejor forma de cinematografía son los largometrajes de 100 minutos y las películas que yo hago son un poco más largas, pero la idea es que se mantengan en un promedio de 120 minutos. Esto tiene que ver más con nuestros cuerpos que con nuestras mentes.

Si dejas alguien sentado por más de 100 minutos es cuando te sientes incómodo, quizá vayamos a ver el cine de pie en algún momento. Si hacemos cine tridimensional, es importante que puedas moverte, porque sólo hay un asiento bueno en los cines y ese es el asiento de la fila G, en el número 12. Esta es la posición a partir de la cual el camarógrafo filmó.

En los teatros europeos tanto como en los mexicanos, el asiento más importante del teatro era donde se sentaba el rey, ese era el mejor, y cuando se piensa en las artes escénicas y en la perspectiva que se tenía, él era el que tenía el mejor asiento, ni la reina que estaba al lado, pues ya se había movido un poco del lugar óptimo.

Entonces, el asiento en la fila G y en el número 12 es lo que se llama ahora “el trono del rey”.

Si tuviera que hacer un balance de lo que le ha pasado al cine a largo de su historia, ¿cuál sería su perspectiva?

Lo que sucede es que, conforme transcurren los años, el cine se ha olvidado, lo que nos compromete a que lo recuperemos para que no le pase lo del cine mudo, que ya nadie ve. Eso es lo mismo que le sucederá al cine de la actualidad, aunque quizás nos quede el consuelo de que el que venga podría ser mejor.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 44 de la revista cine TOMAde julio-agosto de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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