Elmer Bäck, protagonista de Eisenstein en Guanajuato, de Peter Greenaway, aparece en la portada del número 44 de la revista Cine Toma, en el inicio de 2016

EROS Y TÁNATOS EN MÉXICO

La visita de Eisenstein y, décadas más tarde, la de Greenaway

• El estreno en México de Eisenstein en Guanajuato, de Peter Greenaway, da pie para profundizar en el viaje al país que el genio soviético del cine hizo hace más de ocho décadas: sus dibujos eróticos; las verdades fílmicas que descubrió durante su periplo; los paralelismos homoeróticos entre su obra y la de Murnau; La huelga, su primer largometraje. Además, Greenaway explica su acercamiento artístico al letón y Luis Alberti la interpretación de Jorge Palomino, además de un ensayo sobre la estética Windows e internáutica del galés.

• Industria: Concentración y exclusión en el apagón analógico; cuatro años de F.I.L.M.E.; las cifras del 2015 de la Canacine. Académicas: La otra virginidad, de Juan Manuel Torres, en la colección Ganadoras del Ariel. Entrecruces: Omar Yñigo, del teatro al cine y viceversa.

• Festivales: 6º Distrital Festival; 6º ficunam; 13º de Cine Judío en México; 63º de San Sebastián. Estrenos: Las elegidas, de David Pablos; Made in Bangkok, de Flavio Florencio; Chronic, de Michel Franco. Entrevista: Lorenzo Vigas, León de Oro en Venecia por Desde allá.

El actor finlandés Elmer Bäck, miembro de la compañía de teatro experimental Teater Nya Rampen, y protagonista de Eisenstein en Guanajuato (Bélgica-Finlandia-Países Bajos-México, 2015), el largometraje más reciente del realizador y artista galés Peter Greenaway, ocupa la portada de Cine Toma en su número 44: Eros y Tánatos en México. El arribo de Eisenstein y, décadas más tarde, el de Greenaway. La revista bimestral de cultura cinematográfica circulará durante enero y febrero de 2016 en locales cerrados, así como en versión electrónica.

Si bien Sergei Mihailovich Eisenstein nunca pisó tierra guanajuatense, sí tuvo una productiva a la vez que frustrante aventura en México, a inicios de la década de los años treinta del siglo anterior, que no sólo le enamoraron del país sobre el que debía hacer un dinámico retrato para un inquisitivo y receloso productor, el escritor estadounidense Upton Sinclair, quien fue su patrono pero también resultó ser el empresario que cortó abruptamente sus días paradisiacos y libérrimos, además que se apropiaría del metraje registrado por el genio soviético.

Por su parte, el galés Peter Greenaway se enamoró de Guanajuato desde que llegó al Festival Cervantino para montar su ópera de utilería 100 objetos para representar al mundo y, luego, regresó a la ciudad para su Festival de Cine a ofrecer sus ideas en torno a la “muerte del cine”. De manera que tomó la decisión de rendir homenaje al cineasta que más le influyó desde sus épocas de estudiante y durante su prolífica carrera artística, al tiempo que utilizaba como locaciones la ciudad mexicana que más le agrada, pues más que faltar a una verdad histórica o a una reconstrucción fidedigna, su versión −o proyección sicológica− es una creación personalísima de los metafóricos diez días que conmovieron al genio letón en su controversial al mismo tiempo confesional nuevo filme.

El estreno significa, además, un pretexto propiciatorio para abordar el asunto de la visita a México de uno de los escasos renovadores reales y legítimos de la gramática cinematográfica mundial, para abordar tópicos diversos, en un dossier concentrado en estudiar algunos aspectos de su figura. Las páginas se inauguran con el profuso ensayo del doctor Eduardo de la Vega Alfaro en torno a los dibujos eróticos y de vanguardias –tanto soviética como mexicana−, de temas demenciales, que el cineasta realizó durante su viaje por el país; en seguida recuperamos una conferencia dictada por el emblemático cinefotógrafo mexicano, Gabriel Figueroa, en la que ofreció una semblanza sobre el director de El acorazado Potemkin, en 1981, para conmemorar medio siglo del arribo del cineasta al país; más adelante, la investigadora Beatriz A. Mendoza Hernández, ofrece un interesante comparativo entre el metraje homoerótico realizado por dos genios del cine europeos: Friedrich Wilhelm Murnau y Eisenstein, en su visita a dos sitios exóticos: Tahití y México, respectivamente, y se ofrece un segundo texto recuperado, la crítica de Emilio García Riera a La huelga, primer largometraje, frecuentemente desdeñado, de Eisenstein.

En seguida, se ofrece una entrevista con el propio Greenaway en torno a las ideas, a la creación y la ejecución de Eisenstein en México, realizada por Luis Carrasco; una segunda entrevista, ahora con el coprotagonista del filme, el mexicano Luis Alberti, sobre sus hallazgos e inquisiciones alrededor del personaje de Jorge Palomino y Cañedo –hombre sofisticado y de abolengo, que fuera amante del cineasta−, efectuada por la doctora Rosario Vidal Bonifaz y de la Vega Alfaro, y para cerrar, Pedro Paunero nos adentra en el universo erótico de Greenaway, al que califica como una estética “Windows e internáutica”.

En otros contenidos, el apagón digital es abordado, en una segunda entrega, por Tonatiuh Lay, para hablar de la concentración mediática y de la exclusión de audiencias que implica la nueva tecnología; Julio César Durán ofrece un testimonio en torno a los cuatro años de la revista electrónica f.i.l.m.e., y Luis Carrasco nos ofrece un concentrado de las cifras preliminares de industria, durante 2015, ofrecidas por la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica y del Videograma (Canacine). En Académicas, se entrega el ensayo de Nelson Carro a La otra virginidad, de Juan Manuel Torres, película que forma parte de la colección Ganadoras del Ariel, editada por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (amacc) y Alfhaville Cinema. Entrecruces contiene una entrevista con el tijuanense Omar Yñigo, en la que aborda sus nuevos proyectos, uno fílmico y otro teatral, de la autoría de Fabián de la Cruz Polanco.

En Festivales, Paula Astorga nos ofrece adelantos a la sexta edición de Distrital Festival, que se realizará en enero en una decena de sedes de la Ciudad de México y en cuatro plataformas en línea; en seguida, Israel Rodríguez rememora la efímera pero importante carrera de Leobardo López Aretche, quien será objeto de una retrospectiva en el sexto Festival Internacional de Cine unam (ficunam), cuya directora, Eva Sangiorgi, reflexiona sobre la osadía y el sentido del humor de la institución; en tanto que Gina Bardavid Szclar, coordinadora de Comités de Programación, nos adelanta títulos y sedes del decimotercer Festival Internacional de Cine Judío en México, y Gonzalo Hurtado nos comparte una relatoría sobre el sexagésimo tercer Festival de Cine de San Sebastián. Estrenos inicia con Las elegidas, de David Pablos, en charla de Gonzalo Hurtado, y luego aparece otra sobre el documental Made in Bangkok, de Flavio Florencio, en entrevista con Salvador Perches. Finalmente, en Entrevista, el venezolano Lorenzo Vigas habla sobre su ópera prima Desde allá, ganadora del León de Oro en el pasado Festival Internacional de Cine de Venecia.

El número cuadragésimo cuarto de Cine-Toma. Revista Mexicana de Cinematografía, publicación bimestral editada por PasodeGato, Ediciones y Producciones Escénicas, circulará durante enero y febrero de 2016 por todo el país, en locales cerrados como Sanborns, Caffé Caffé, Cineteca Nacional y Filmoteca de la unam; así como en las librerías Educal, Sótano, fce, Gandhi, Julio Torri de la unam, El Foco, Ceuvoz y Foro Shakespeare. Su edición electrónica está disponible en Revistas Digitales Sanborns.

Para entrevistas o mayor información, comuníquese a los teléfonos 56 88 92 32 y 56 88 87 56; al correo electrónico cinetoma@gmail.com, o acuda a las oficinas, ubicadas en el callejón Eleuterio Méndez 11, colonia Churubusco-Coyoacán, C.P. 04120, en la Ciudad de México.

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“La tirisia”, según Jorge Pérez Solano

No hay nada más triste que una madre separada de su hijo

Por Salvador Perches

Enclavada en la mixteca baja, en un pequeño poblado repleto de salinas, órganos y cactus, viento polvoso, silencio y calor canicular, la segunda película de Jorge Pérez Solano es una aproximación preciosista de la tragedia mayúscula: los miles de casos de las mujeres que han de renunciar a los hijos con tal de mantener la estabilidad familiar, rota por la pobreza y por la tumultuosa migración que separa no sólo a las parejas sino a las comunidades. Todo en un entorno que se niega a dejar la magia y el ritual como parte de su cultura profunda y atávica.

El actor Noé Hernández ha sintetizado la larga estancia en Zapotitlán Salinas, un pueblo agreste, situado en la sierra mixteca poblana, de manera sucinta y apabullante: “Ahí, todo te lastima, las espinas, el sol, el aire, el polvo”. Y fue justo en ese lugar, un valle de yeso y caliza, de temperaturas candentes y vista totalmente árida, rodeado justo de las salinas minerales que dan honor a su nombre, con un paisaje fuera de lo convencional: metros y metros de blancos residuos minerales secándose al sol.

Ahí se encontraba el sitio apropiado para que el director oaxaqueño Jorge Pérez Solano rodara su segundo largometraje de ficción, La tirisia (México, 2014), en el que retrata un hecho real y sumamente desgarrador: las historias de cientos de mujeres cuyos maridos partieron como inmigrantes ilegales, y que han debido elegir abandonar a sus hijos, concebidos fuera del matrimonio, cuando sus pareas regresan a casa, para mantener la estabilidad de sus familias. Dos son las mujeres que tomaron tan terrible decisión en la cinta: “Cheba” (Adriana Paz) y “Serafina” (Mercedes Hernández) y que acaban padeciendo la enfermedad de la eterna tristeza, a la que llaman tirisia.

Es el propio Pérez Solano quien define la tirisia como: “una enfermedad que no tiene base científica ni sustento etimológico, por muchos años ha sido asociada a la ictericia, pero sus síntomas tocan más el alma y el espíritu que el páncreas y la bilis. La enfermedad ataca cuando el espíritu huye porque se reciben sustos o sorpresas desagradables, pero en la mayoría de los casos, se presenta por la ausencia de un ser querido.”

Tan desolada y agreste como sea su geografía y abandonado y despoblado sea su entorno, empero, se preserva la cultura tradicional de los pueblos mixtecos y popolucas, sus rituales y formas de curar, sobre todo los varios remedios y fórmulas mágicas y naturales con los que “Canelita” (Noé Hernández) intenta que la tristeza abandone a Cheba; la esquiva manera de expresarse, aún con pocas, contadas palabras y frases una dureza y rudeza transparentes, pero, sobre todo, una muy bella reconstrucción de la tradición de los payasos que hacen maromas mixtecas sobre un trapecio o una cuerda floja, cuya música ha sido grabada en el disco Maroma por Pasatono Orquesta (Discos Corazón), con composiciones del director del grupo, Rubén Luengas.

Con dirección, guión y producción de Pérez Solano, la cinta, que cuenta con fotografía y producción de César Gutiérrez Miranda, y edición de Francisco X. Rivera tuvo su estreno mundial en el vigesimonoveno Festival Internacional de Cine en Guadalajara, donde compitió por el premio Mezcal y Gustavo Sánchez Parra ganó, por su papel de “Silvestre”, el premio a Mejor Actor, luego obtendría los premios el Alejandro de Oro a Mejor Película en Tesalónica, Grecia, y el Roger Ebert en Chicago, Estados Unidos, y el Premio del Jurado y el Público en Fresnillo, y en la quincuagésima séptima entrega del Ariel, recibió los correspondientes a Mejor Actriz para Adriana Paz y Mejor Coactuación Masculina para Noé Hernández. Luego de formar parte de la programación de la quincuagésima octava Muestra Internacional de Cine, La tirisia, recorre desde junio un amplio circuito de cinetecas y salas de exhibición en México.

¿Qué voz es la tirisia, qué lengua, qué significa?

La tirisia es una enfermedad que nos daba de niños cuando se nos escapaba el alma, que nos ponía a todos despasaguados, todos sonsos, decían nuestras mamás. Después, empecé a pensar en esta historia y me puse a investigar un poco de donde venía la palabra tirisia y encontré que se asemeja mucho a la ictericia, la ictericia que es una enfermedad del hígado por la que se pone amarilla la piel, la bilirrubina se sube y tiene una serie de consecuencias físicas parecidas…

… como la hepatitis…

…eso es lo que decían que es la ictericia. Cuando empecé a escribir la historia, me puse a pensar que la enfermedad tiene algo más allá de lo físico, es algo mental, es un estado de ánimo, entonces no necesariamente tiene que ver con la bilirrubina. Por eso mucha gente me dice que tirisia se escribe con “C”, cuando la asocias con la ictericia. Yo la asocie de una manera más mágica, por decirlo de alguna manera, me justifiqué diciendo que es una palabra que no tiene ningún sustento etimológico, ninguna basé científica, si no, se curaría con pastillas y con antidepresivos, pero la tirisia como tal, no se cura.

De ahí que la película sea tan ritual, tan espiritual, pues la cura no es con medicina alópata.

Es con las flores, un poquito con la música, con los colores, todo eso te va a llevar a la alegría, nuestras mamás, nuestros abuelos, nos decían que así se curaba la tirisia. Es coherente, todo aquello que significa alegría; la música, los colores, el vestuario, el maquillaje, cuando Canelita la maquilla es un poco también para cambiarle la cara y todo eso tiene un significado en la película, tú ves este paisaje desolado, lleno de órganos, donde solamente hay polvo.

Inclusive el trabajo sonoro esta ausenté o carente de la mayor parte de la fauna, del canto de las aves que existen en el lugar. Con el diseñador sonoro nos metimos a la tarea de quitar todos esos cantos y solamente dejar algunos cuantos para sentir que ese espacio tan vivo, tan lleno de plantas −porque la planta, a final de cuentas es eso, es la representación de la vida− estaba carente de ese canto.

¿En donde encontraste ese paisaje tan inhóspito?

La filmé en Zapotitlán Salinas, cerca de Tehuacán, en Puebla, está de camino para llegar a Huajuapan de León, que es donde filmé Espiral (México, 2008). Y es otra preocupación que tengo, la cuestión de la identidad. A final de cuentas vivimos en estados, como Puebla o Oaxaca, que se fundaron con la llegada de los conquistadores. Antes esos territorios estaban divididos por zonas culturales, tanto Zapotitlán como Huajuapan forman parte de la mixteca baja, dicen en Zapotitlán que ellos son popolocas, una cultura de la que poco sabemos pero que, a final de cuentas, fueron dominados por los mixtecos. Entonces por eso me atrajo, porque también está enmarcada dentro de lo que fue el territorio de la mixteca baja.

Aunque se trata de dos historias diferentes, Espiral y La tirisia tienen puntos de conexión, como el severo problema de que muchas comunidades se están acabando por la migración, las mujeres se quedan solas o se quedan viejos y niños, y terminan siendo pueblos fantasmas.

Siempre dije que La tirisia es el lado B de Espiral, pues mientras ésta termina en una fiesta, las mujeres solucionan sus problemas con los hombres, no tanto de la sexualidad ni vericuetos más personales, sino la situación social de la mujer que se está quedando sola dentro de un pueblo. Aquí, en La tirisia, sí me meto en la cuestión que ocurre más seguido: las mujeres obviamente tienen necesidades, igual que los hombres, y de alguna manera tienen que satisfacerlas. A veces, la ingenuidad en que se encuentran hace que no midan las consecuencias de sus actos.

En el momento que estaba levantando Espiral, una persona en Oaxaca me dijo que cuando sus sobrinas descubrieron el poder anticonceptivo de la Coca-Cola empezaron a ser felices. Y eso es lo que es Cheba, ella piensa que la gaseosa también la va ayudar a ser un poco feliz cuando ves estos lavados después del coito con Silvestre.

La película trata también el tema de la maternidad y a partir de ahí Cheba se enferma.

También es una posición personal. Yo creo que no hay nada más triste que la separación de una madre de su hijo, lo hacen por ciertos condicionamientos sociales que les exigen que siempre tengan la compañía de un hombre. Ellas buscan tener un hombre, un esposo que las apoye y las ayude y en la ausencia del hombre, ella satisface esta necesidad pero ve en peligro su estabilidad social. Eso para mí es bien triste, que tenga que deshacerse del hijo para poder continuar con su vida, mientras ves al esposo que acaba de pasar por un bar de mala muerte, le paga dinero a una chava para que le de unas cuantas caricias. Llega al día siguiente y nadie le dice nada y no va tener ninguna consecuencia de sus actos, en cambio la mujer sí.

Canelita, ese personaje hermoso, le dice: hay necesidades y ella no fue la que se fue.

Si, Canelita es un personaje que está entre ambos, porque también le dice a Cheba: “no te juzgo lo cusca, sino lo pendeja”. O sea, todos podemos andar cusqueando pero tampoco andes exhibiéndote, en esta doble moral que vivimos de señalar las cosas sin asumir que nosotros también estamos cometiendo las mismas equivocaciones. Canelita era el punto brillante dentro de toda esta historia de tristeza y me dio mucho gusto que un actor como Noé Hernández, que de pronto estaba cayendo en el estereotipo del hombre rudo, fuerte, matón, del indio malo, aceptara hacer este papel, lo afrontara. Nos costó un poco de trabajo a los dos, en primera a mí por aceptarlo físicamente y luego a él por aceptarlo dentro de la construcción del personaje, pero creo que fue un experimento que salió bastante bien.

Definitivamente, es un personaje muy humano, no es la loca desmecatada, además tiene su galán, un soldado. Es muy consentidor con Cheba, pero también la pone quieta, igual que al marido.

Es muy claro, él no quiere ser una mujer, no quiere ser un hombre, quiere ser un gay o, diríamos, un puto. Él quiere ser eso, no hay ni siquiera necesidad de decirlo, no quiero transgredir aquello que físicamente me está impedido, quiero ser lo que soy más lo que me permito ser. Eso es lo que yo buscaba en ese personaje, no renegar de mi hombría, ni aspirar a ser mujer. Cuando le dice: “¿dónde me ves las chichis para ser mamá? Yo no aspiro tener un hijo”. Ella o él, no sé cómo decirle, es feliz, es feliz como es.

Además está en feliz concubinato con su milico.

Sí, su historia es más fuerte. Algún día la escribiré. En mi cine las historias se van concatenando, de pronto eso está pasando. Ahorita tengo claro cuál es el nuevo proyecto que voy escribir, pero también ya está la historia de Canelita, que es un personaje que no terminó de ser todo lo redondo que debía de ser, porque no era su historia sino la de Cheba, un poco la de de Ángeles Miguel, era todavía un poquito aderezada con la mamá, que es Serafina, que me parece un personaje monstruoso, pero que la sociedad está llena de esas mujeres. Cuando estaba escribiendo esa historia, de pronto hablaba con muchas mujeres y se quedaban calladas. Pensaba: algo pasó y había situaciones muy parecidas: Mi hermano me toqueteo y mi mamá no dijo nada. Mi primo anduvo tras de mí, yo le dije mi mamá y no me creyó. ¿Qué tantas historias estamos ocultando en una familia que creemos que es decente o normal?

¿Por qué hay tan pocos diálogos?

¿Has estado en provincia? ¿Has hablado con la gente? Son de pocas palabras. También fue una cuestión de platicar con el editor y con el fotógrafo para utilizar un estilo más lento −a veces acelerábamos un poco más−, pero en general era así. Así es en provincia, de pronto podemos estar sentados, platicar o no decir nada: “bueno nos vemos”, “bueno nos vemos”. Sabemos lo que está pasando, son espacios tan pequeños que conocemos nuestras historias, son familias tan cercanas que también sabemos lo que está pasando uno con otro, por eso luego las cosas no se dicen tan directamente. La película está llena de eso, de espacios que el público o el espectador va a tener que llenar, de pronto el primer acto terminó en donde ves un padre muerto y no vuelvo a tocar ese tema, el público habitual se preguntará quién lo mató, ¿vino un asaltante? Eso no es lo importante, sino el significado de lo que está pasando. El segundo acto termina con el pinche político. ¿Qué pasó con el político? No nos importa todo lo que hay alrededor, sino lo que está pasando en esas pequeñas historias, en esas pequeñas vidas, que aparentemente son desechables, deleznables, nadie las pela, nadie las ve, pero están ahí recordándonos lo que somos, no porque para mí eso es lo que somos.

La película es absolutamente intimista en un paisaje hermoso y tan desértico como los personajes que lo habitan, casi no hablan y el contacto con la naturaleza es tan silente como lo es con sus congéneres.

Sí, así es, así debe haber sido todo el tiempo. De pronto no tenemos espacios urbanos, hay poquitos. ¿Cuántas camionetas ves?, ¿cuántos vehículos vez? Sólo Silvestre y su camioneta que anda por todos lados, los demás van caminando. Era recuperar la esencia de la naturaleza del ser humano, a mí me parece −no sé si lo leí o si llegué a la conclusión, ya no quiero ser tan pretencioso−, que de pronto nosotros estamos todo el tiempo luchando contra nuestra naturaleza brutal, que es Silvestre, que cando tiene una necesidad, va y la satisface con quien cree que debe hacerlo, que en este caso es el espécimen más joven, Cheba. Y ella, a su vez, satisface su necesidad con quizás el único espécimen pero que por lo menos lo ve fuerte. O sea, estamos satisfaciendo todo el tiempo nuestras necesidades, cuando creo que la función del ser humano es otra, es crear otro tipo de cosas.

Me parece una película redonda, y no pensé que hubieran pasado seis años entre Espiral y La tirisia, qué bueno ya hay otro proyecto en puerta.

Sí, lo que intento es acortar esos tiempos de producción. Después de Espiral deje año y medio sin escribir nada, ya sabes esta cuestión de los festivales, de ir a intentar vender la película, ir a presentarla y uno se queda medio pasmado. Ahora no quiero dejar pasar tanto tiempo, de por sí tenemos poca vida creativa y luego gastarla en flojeras como que no va.

“El cine en la cumbre” y Ambulante más allá, en la XV Cumbre Tajín

Fotografía: Ambulante Más Allá.

Como parte del décimo quinto Festival Cumbre Tajín, que se realizará del 20 al 24 de marzo de 2014 se realizará la segunda Muestra Internacional “El Cine en la Cumbre”, basada en tres ejes temáticos: Cine de México, Cine del Mundo y Raíces, además de conferencias y películas invitadas, junto con la colaboración de colectivos de videoastas y la participación de cinco países. El programa fue curado por la chilena Francisca Cabral Quidel, fundadora y directora del Festival de Cine Indígena de Buenos Aires (BAIn-Argentina); el realizador mexicano Ricardo Benet, docente de cortometrajes en la Escuela de Cine del Totonacapan, y por la documentalista mexicana Blanca X. Aguerre.

Además, entre la Casa de Medios de Comunicación y Difusión del Centro de las Artes Indígenas (CAI), el Festival Cumbre Tajín y Ambulante. Gira de Documentales, han implementado el proyecto de capacitación en producción documental para formar nuevos realizadores Ambulante Más Allá en las comunidades del Totonacapan. Las producciones seleccionadas serán exhibidas en el Nicho de la Universidad Veracruzana del Parque Takilhsukut, así como en distintos espacios públicos de Papantla.

“FICM en tu casa” por Cinépolis Klic

Cinépolis Klic, la nueva plataforma de servicio de películas en línea de la cadena exhibidora líder en el país, Cinépolis, para clientes con servicio de Internet de banda ancha ha lanzado la página FICM en tu casa, un proyecto digital que presenta algunas películas de la competencia de Largometraje de Ficción y Documental Mexicano del décimo primer Festival Internacional de Cine de Morelia. Además, los clientes que participen formarán parte del premio Klic al Largometraje Documental y de Ficción más vistos durante la semana que dura el festival. Este servicio estará disponible del 18 de octubre al 7 de noviembre en la página www.cinepolisklic.com.

La revista cine TOMA alcanza cinco años de existencia en su número 30, correspondiente a septiembre y octubre de 2013

LUCES, CÁMARA… Y MÁS LUZ

La fértil imaginería: del cinefotógrafo al director

• Aproximaciones a la creación de imágenes en equipo, así como a la relación del cinefotógrafo con el director, mediante cuatro casos de estudio: Everardo Gout con Luis Sansans, María Secco con Rodrigo Plá, Armando Casas con Aram Díaz, además de Eugenio Polgovsky.

• También se incluyen testimonios de Guillermo del Toro, Rodrigo Prieto, Alexis Zabé, “Batán” Silva, Toni Kuhn, Rafael Corkidi, Guillermo Granillo, Ángel Goded, Gabriel Figueroa y Nacho López. Los pioneros cinefotógrafos de la Revolución.

• Fotofijas: Héctor García en el cine. Entrevista con Blanca Guerra, presidenta de la AMACC. Industria: el circuito de salas independientes.

• Festivales: 11º Festival de Morelia, 8º docsdf, 17º de Lima. Estrenos: Besos de azúcar, de Carlos Cuarón; Tercera llamada, de Francisco Franco. Intérpretes: Damián Alcázar.

Como creación audiovisual, en la que imagen y sonido poseen casi el mismo peso en el espectáculo cinematográfico, mucho depende de la estética de lo fotografiado para que un relato fílmico nos arrobe, nos conmueva, nos atraiga, nos cautive y embelese. Además de hallarse en la imaginación personal y en el talento artístico del director de fotografía, que debe ser capaz de gobernar un conjunto de maquinarias, desde los lentes con media docena de elementos ópticos, los filtros adecuados, la apertura de la lente, la velocidad a la que corre la película y su sensibilidad, el tipo de cámara y las ventajas que posee por sobre otras, su oficio también implica el sitio dónde se instala, las luces con que se iluminará cada escena lo mismo que otros aditamentos añadidos, los momentos del día en que se rueda y, en fin, el complejo universo que implica la captura del entorno en un cuadro que muestra imágenes que corren. Todo ello requiere de mezclas y equilibrios, tan frágiles, que sólo una mano experta, sensible, puede sacarles el mayor provecho posible.

Son esos artistas, los cinefotógrafos, quienes no refulgen en su fama como las estrellas de la actuación ni cargan el crédito como creadores de una cinta, como sí ocurre con los directores, sino que resultan figuras más ocultas respecto al glamour, pero fundamentales, sin duda, en la industria fílmica. Justo a revisar este oficio mediante distintos casos ejemplares, está dedicado dossier del trigésimo número de la revista cine TOMA, que circulará por la República Mexicana durante septiembre y octubre de 2013, en establecimientos cerrados y con el que celebra cinco años de existencia.

Las paginas inician con cuatro casos de estudio: una charla entre el director Everardo Gout y el cinefotógrafo Luis Sansans, productores y responsables de la película Días de gracia (México-Francia, 2011), filmada en tres formatos de cine: 35mm, 16mm y 8mm, y rememoran el proceso de creación de un proyecto tan ambicioso. Les sigue el testimonio de la directora de fotografía uruguaya María José Secco, en torno a la filmación en Montevideo de La demora (Uruguay-México-Francia, 2012), filme dirigido por Rodrigo Plá. Más adelante, se aborda el caso de Familia Gang, proyecto recién filmado por Armando Casas y el fotógrafo Aram Díaz que llegará a las pantallas en 2014, en una entrevista de Salvador Perches. Finalmente, el documentalista Eugenio Polgovsky reflexiona su doble labor como director y camarógrafo en Mitote (México, 2012), su trabajo más reciente.

Páginas adelante, Guillermo del Toro explica los avatares que enfrentó, junto con el director de fotografía Guillermo Navarro, de la cinta que marcó su regreso a la realización, Titanes del Pacífico (Pacific Rim, Estados Unidos, 2013). En seguida, Octavio Maya aborda la complejidad de la creación de imágenes en boca del documentalista Ken Burns; de los directores Sebastián “Batán” Silva, Alfonso Cuarón y Martin Scorsese, y de los cinefotógrafos William Fraker, Michael Chapman, Vittorio Storaro y Michael Balhaus. Junto, se reproduce la interesante conversación del director de fotografía Rodrigo Prieto con el iluminador escénico Víctor Zapatero, incluida en el libro Diálogos de luz (Fundación Expresión En Corto, 2013). Adelante, Elisa Lozano entrega un ensayo en el que aborda la colaboración entre el director Carlos Reygadas, el fotógrafo Alexis Zabé y a la directora de arte Nohemí González para conformar el triángulo perfecto para la internacionalmente premiada Luz silenciosa (México-Francia-Países Bajos-Alemania, 2007). Un ensayo del documentalista Jesse Lerner nos desvela los proyectos fílmicos y las cintas de Nacho López, uno de los más importantes fotógrafos de México en el siglo xx, parte del catálogo Nacho López. Ideas y visualidad (INAH-UV-FCE-Parametría, 2012).

En seguida, se recuperan tres momentos clave del director de fotografía más emblemático del cine mexicano, Gabriel Figueroa, en una entrevista recuperada por el investigador Hugo Lara Chávez, quien también ofrece un recorrido por la generación de cinefotógrafos de los años setenta: Rafael Corkidi, Toni Kuhn, Alexis Grivas, Ariel Zúñiga, Arturo de la Rosa y Ángel Goded, entre otros. Otro testimonio es el de Víctor Ugalde, quien explora la cerrazón tanto del sindicato de trabajadores del cine como de los productores privados para permitir laborar a los cinefotógrafos de esa generación. Y se reproduce una ponencia ofrecida por Guillermo Granillo, en torno a las razones por las cuales filmar con película cinematográfica, ofrecida junto con Luis Chávez, de Kodak, en el reciente Festival Internacional de Cine Guanajuato.

En otros contenidos, la sección Fotofijas ofrece un acercamiento inédito al fondo fotográfico de cine de la Fundación y Archivo Héctor García, con un ensayo de la investigadora Mayra Citlalli Rojo Gómez. En la sección Desde la Filmoteca de la unam, el maestro Aurelio de los Reyes repasa a los cinefotógrafos pioneros de la Revolución Mexicana, y Karla Calviño adelanta los dos programas de cine mexicano –los primeros fuera de Europa–, que se presentarán en el Festival de Cine Silente de Pordenone, en Italia, en octubre de este año y del siguiente, por parte de la institución universitaria.

En Industria, Mariana Cerrilla ofrece un estudio en torno al circuito de salas de exhibición que podríamos llamar independientes, sin las cuales, no podrían estrenarse buena parte de los títulos tanto mexicanos como internacionales que no pertenecen a Hollywood. En Académicas se ofrece una entrevista con la nueva presidenta de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (amacc), la actriz Blanca Guerra, en entrevista con el periodista Luis Carrasco, y se incluye su discurso de presentación En defensa de la Academia y de nuestro cine.

En Festivales, se incluyen adelantos del XI Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), con un texto de su productora, Daniela Alatorre. Sobre el VIII Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DOCSDF), Alejandro Morales nos ofrece algunos adelantos. Y desde Perú, se incluye una relatoría del XVII Festival de Cine de Lima escrito por nuestro corresponsal Gonzalo Hurtado. En Estrenos, se incluye una entrevista con Francisco Franco, director de la multi estelar comedia teatral Tercera Llamada, mientras que Carlos Cuarón aborda el segundo largometraje que ha dirigido, Besos de azúcar. Y para finalizar, en Intérpretes, el actor Damián Alcázar habla de su trayectoria y de su cuarto protagónico bajo la dirección de Luis Estrada, La verdad sospechosa, a estrenarse en el primer semestre de 2014.

El trigésimo número de cine TOMA, editada por PasodeGato, Ediciones y Producciones Escénicas, circulará durante septiembre y octubre de 2013 por todo el país en locales cerrados como Sanborns, Caffé Caffé, librerías Educal y Gandhi.

Para entrevistas o mayor información, comunicarse a los teléfonos 56 88 92 32 y 56 88 87 56; al correo electrónico cinetoma@gmail.com, o a las oficinas ubicadas en callejón de Eleuterio Méndez 11, 

Colonia Churubusco-Coyoacán, C. P. 04120 en la ciudad de México.

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cine TOMA 30: Luces, cámara… y más luz

La fértil imaginería: del cinefotógrafo al director

Esta es la portada del trigésimo número de la revista bimestral cine TOMA que circulará por todo el país durante septiembre y octubre de 2013. Y que en su quinto aniversario ofrece un dossier que realiza un acercamiento a la fotografía en el cine y a la relación creativa entre el director y el cinefotógrafro, en sus propias palabras. Se presentan, primero, algunos casos de estudio: el de Everardo Gout y Luis Sansans, respecto a su experiencia en la producción de Días de gracia; María Secco y Rodrigo Plá, en torno a la filmación de La demora; Armando Casas y Aram Díaz, respecto a la reciente filmación de Familia Gang,  y, finalmente, Eugenio Polgovsky como fotógrafo y director de sus propias cintas, Mitote, la más reciente de ellas.

Además se incluyen testimonios de Guillermo del Toro respecto a su incursión, junto con Guillermo Navarro, en el cine en 3D con Titanes del Pacífico; de Gabriel Figueroa sobre tres momentos claves de su trayectoria; de la generación intermedia de cinefotógrafos (Toni Kuhn, Ángel Goded, Rafael Corkidi, Arturo de la Rosa), y la cerrazón del sindicato que les impidió desarrollar su carrera; las experiencias con la luz Rodrigo García; la manera de integrar la imagen de Luz Silenciosa entre el director, Carlos Reygadas, el fotógrafo Alexis Zabé, y la directora de arte Nohemí González, además de la faceta como cineasta de Nacho López.

En otras secciones, Fotofijas ofrece un acercamiento al archivo de cine del gran maestro Héctor García; Desde la Filmoteca de la UNAM, aborda a los cinefotógrafos de la Revolución Mexicana y los programas de cine mexicano que la institución presentará en el Festival de Cine Silente de Pordenone, Italia. En Industria, se realiza da un vistazo a circuito de salas independientes de cine. Festivales brinda adelantos a los de Morelia, DOCSDF y cronica el recién terminado de Lima. En Estrenos se ofrecen entrevistas con Carlos Cuarón por Besos de azúcar y a Francisco Franco por Tercera Llamada. Finalmente, en Intérpretes se incluye una entrevista con el actor michoacano Damián Alcázar, respecto a su cuarto protagónico con Luis Estrada, La verdad sospechosa.

Cine TOMA 30, publicación especializada en el análisis, la reflexión, la crítica y la información cinematográfica de México, Iberoamérica y el mundo, circulará durante septiembre y octubre de 2013 en locales cerrados de todo el país.

cine TOMA 28: Cincuentenario del CUEC

La escuela de cine más antigua de Latinoamérica

Esta es la portada del vigésimo octavo número de la revista bimestral cine TOMA, que circulará por toda la República Mexicana durante mayo y junio de 2012, dedicada a la conmemoración del medio siglo de existencia que el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), alcanzará en unas semanas, pues no existe una fecha precisa de su fundación sólo el mes y el año: junio de 1963. Este número conmemorativo incluye testimonios de su actual director José Felipe Coria, así como de sus ex directores Armando Casas, Mitl Valdez, Marcela Fernández Violante y Alfredo Joskowicz, además de su fundador, don Manuel González Casanova y su profesor decano, el maestro Jorge Ayala Blanco. Los festejos incluyen la mudanza de la vieja casona de la colonia Del Valle que el CUEC  ocupa desde 1975 a un nuevo edificio ubicado en el Circuito Mario de la Cueva de Ciudad Universitaria, conformando un corredor audiovisual que también integran la Filmoteca de la UNAM y TV UNAM, además del paso de Centro de Estudios a Escuela Nacional de Cinematografía, que ofrecerá, por fin, estudios reconocidos con nivel de licenciatura, amén de instalaciones amplias y construidas ex profeso, equipadas con tecnología de punta. Y se buscará abrir clases virtuales on line así como un canal digital.

En otros contenidos, se ofrece el listado de todos los candidatos a obtener el premio Ariel en su quincuagésima quinta entrega. Se aborda el duopolio de la exhibición de cine en México y Felipe Cazals denuncia las inequidades de ese mercado para con los productores nacionales.

En estrenos se ofrecen entrevistas con Rafa Lara por Cinco de Mayo; Enrique Rivero por Mai morire; Pablo Delgado por Las lágrimas, y Pablo Berger por Blancanieves, además de una entrevista con el realizador chicano Gregory Nava (El Norte, Mi Familia, Selena y Ciudad del silencio)

Cine TOMA 28, publicación especializada en el análisis, la reflexión, la crítica y la información cinematográfica de México, Iberoamérica y el mundo, circulará durante mayo y junio de 2013 por todo el país en locales cerrados.