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Cinemex informa que sí proyectará “La región salvaje”, de Amat Escalante

febrero 1, 2018

La región salvaje Cinemex

Luego de que mediante el servicio de microblogging Twitter, el productor de Mantarraya, Jaime Romandía, denunciara que la cadena Cinemex –la segunda más importante del país– decidió no programar en sus salas el tan esperado estreno de La región salvaje, de Amat Escalante, se generó una cadena de indignación en el medio fílmico, sobre todo por un tuit previo del director Alfonso Cuarón en el que se quejaba de tal decisión, la empresa exhibidora decidió incluir al filme ganador del León de Plata a Mejor Director en el LXXIII Festival de Cine de Venecia. Curiosamente, a las 18:10 horas de ese miércoles 31, en un comunicado de prensa de Cinépolis Distribución se informaba del estreno de la cinta pero sólo mencionaban las 59 pantallas del circuito de Cinépolis en que se estrenaría el viernes 2 de febrero e incluyendo las salas del circuito independiente como la Casa del Cine, el Cine Tonala, Cinema IFAL, Cinemania Loreto, Cineteca Nacional, Cineteca Nuevo León, Cineteca Alameda de San Luis Potosí y Cineteca Tijuana. Pero omitían las 28 salas de Cinemex en que también está programada y sin tocar el tema de la negativa a programarla, y a la fecha no han actualizado su lista de cines en que la cinta será estrenada.

Aquí el tuit de Romandía publicado el miércoles 31 de enero a las 18:30 horas:

A dos dias del estreno nacional nos enteramos de que no programará ni una solo copia de LA REGION SALVAJE de Amat Escalante. Tristes y extrañados por la excelente relación que hay con

Y el de Alfonso Cuarón, publicado a las 17:42 horas de ese mismo miércoles 31:

A dos días de su estreno, eliminó de su programación LA REGION SALVAJE de Amat Escalante, ganador al mejor director en el Festival de Venecia 2016. La excusa, no tener espacio por la cantidad de títulos. Esto es ofensivo e indignante. Espero reconsidere.

El cineasta tapatío Guillermo del Toro los apoyó el 31 de enero, a las 20:26 con un tuit en el que manifestaba, simplemente, su apoyo.

Me sumo a la causa.

Ante la presión de miles de personas mediante las redes sociales, es que Cinemex decidió tomar la película y programarla en sus salas, lo que el propio Cuarón anunció unas horas después, también en Twitter, a las 21:01 horas del miércoles 31.

ha decidido re-programar LA REGION SALVAJE de Amat Escalante. Aplaudo su decisión de exhibir la obra de un gran maestro del cine contemporáneo como se merece.

Por su parte, Cinemex incluso mandó un comunicado por correo electrónico, el jueves primero de febrero de 2018 a las 12:34 horas. Aquí el texto completo de la compañía.

CINEMEX PROYECTARÁ EN SUS SALAS LA PELÍCULA “LA REGIÓN SALVAJE” 

Ciudad de México, 1° de febrero de 2018.- Cinemex proyectará la película “La Región Salvaje”, a partir del viernes 2 de febrero, en diferentes salas del país.

El galardonado largometraje se suma a la gran variedad de películas en cartelera de Cinemex, entre las que destaca un listado importante de reconocidos filmes que se proyectan totalmente en exclusiva y que enriquecen la oferta de opciones para satisfacer los gustos de todos los invitados de Cinemex.

Entre las películas exclusivas que Cinemex proyectará próximamente, se encuentran las nominadas a los Premios de la Academia: The Post, Las Horas más Oscuras, Cartas de Van Gogh, Yo Tonya; además de otras proyecciones como El Último Disparo y El Pájaro Loco.

La cinta “La Región Salvaje”, del director Amat Escalante, ganador del León de Plata como mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Venecia en 2016, será proyectada en 28 complejos Cinemex, en línea con el compromiso de la empresa por impulsar y apoyar al cine mexicano, especialmente en películas que han sido reconocidas a nivel internacional y que elevan el nombre de nuestro país en el tema cinematográfico alrededor del mundo.

Cinemex mantiene como objetivo el llevar a sus invitados lo mejor del séptimo arte con la cartelera más diversa y amplia del mercado.

Un caso similar de defensa en redes sociales al cuarto largometraje de Amat Escalante, ocurrió unos meses atrás, cuando Guillermo del Toro levantó la alerta en Twitter debido a que, por trabas burocráticas, La región salvaje no podría estrenar en México cuando ya había estado en cartelera de otros países. Esto dice el texto publicado por el cineasta tapatío radicado en Toronto, del 2 de julio de 2017, a las 9:59 horas.

de Amat Escalante se va a estrenar en otros países antes que en México- parece que por un tramite oficial. No debe ser.

Tres minutos más tarde, a las 10:02, del Toro amplió su indignación hacia el prejuicio por el cine de género:

A veces pienso que es un asunto de perjuico (sic) de género cinematográfico: Si hay elementos fantásticos, los proyectos se ven con desdén.

Y a las 10:03 continuó su defensa:

Amat es un cineasta valiente y vital. Un director inteligente y arriesgado. Innovador y continuador de una narrativa a veces maldita.

Hubo otro tuit, a las 10:07:

Con “Cronos” vivimos muchos momentos con estos. Pero fue ya hace mucho. Pido a las autoridades ayuden a la exhibición de esta obra.

Uno más, a las 10:08:

Amat es parte de una generación que admiro mucho. Como Michel Franco, Gerardo Naranjo y muchos otros- Su voz es necesaria.

Y a las 10:23, cerró su serie con un lapidario:

Hay que exigir que se estrene

Empero, el 4 de julio, el periódico Reforma publicó una entrevista telefónica de la reportera Fabiola Santiago con el productor de Mantarraya, Jaime Romandía, quien aceptaba que la empresa no entregó los documentos que exige el estímulo fiscal previsto en el artículo 189 de la Ley del Impuesto sobre la Renta, conocido como Eficine distribución:

No hay nadie a quien culpar, más que un tema burocrático de que no se entregaron bien los documentos. Desgraciadamente por esperar esto del EFICINE sí vamos a tener que esperar y va a salir en varios países antes que en México”, señaló en entrevista telefónica el productor y distribuidor del filme, Jaime Romandía.

De este modo, el proyecto que fue rechazado en el primer periodo de 2017, abierto entre el primero y el 28 de febrero de 2016 y aprobado en la primera Sesión Ordinaria del Comité Interinstitucional que otorga dicho estímulo el 31 de mayo, pero acabaría siendo aprobado en el segundo periodo, cuyo registro estuvo abierto del 16 de junio al 15 de julio de 2016 –es decir, justo cuando Del Toro realizó la protesta, justo cuando se inscribieron por segunda vez, habiendo sido ya rechazados en mayo–, y cuya segunda Sesión Ordinaria se realizó el 27 de octubre de 2017, por un monto ajustado por la evaluación técnica y/o fiscal, por un millón 500 mil pesos que les entregó Banca Afirme.

La influencia que tienen los cineastas mexicanos en Hollywood ha sido más que notoria en el caso de Escalante, ganador del premio a Mejor Director, primero en el LXVI Festival Internacional de Cine de Cannes, en mayo de 2014, con Heli (México-Francia-Alemania- Países Bajos, 2013), y tres años más tarde en la LXXIII Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, en septiembre de 2016. Pero al ser apoyos apresurados, no siempre cuentan con la información suficiente, misma que ofrecemos al lector para ofrecerle un contexto desde el cual hacerse un juicio.

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Todos los que intentaron encontrar ese paraíso terrenal se perdieron en el camino: “Jauja”, de Lisandro Alonso

mayo 16, 2015

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• Con treinta copias, Jauja, de Lisandro Alonso, estrena el 15 de mayo en la cartelera mexicana con distribución de :ND

• El quinto largometraje del autor argentino compitió en la sección Una cierta mirada de Cannes

• En esta coproducción internacional cuenta con participación mexicana de Mantarraya

• El protagonista, Viggo Mortensen, además es productor y musicalizador de la cinta

Hace justo un año, el 18 de mayo de 2014, en la Sala Debussy, tenía lugar el estreno mundial de la coproducción internacional Jauja (Argentina-Estados Unidos-Holanda-Francia-Dinamarca-México-Alemania, 2014), quinto largometraje del autor argentino Lisandro Alonso, como parte de las películas en competencia de la sección Una cierta mirada (Un Certain Regard), del sexagésimo cuarto Festival Internacional de Cine de Cannes, en Francia, en versión de 108 minutos.

De este modo, Alonso, retornaba a la sección y al festival que le dieron renombre mundial, pues su primer largometraje de ficción, La libertad (Argentina, 2001), también se había presentado en la misma sección y dio pie a su carrera internacional con una historia que, al igual que ésta, retrataba los andares de un hombre solitario inmerso en la Pampa sudamericana, enfrentado no sólo al poder de la naturaleza, sino a la propia desolación del espíritu humano. Sólo que, a diferencia de su cinematografía general, el argentino ha recurrido, por primera vez, a los actores profesionales con carreras en teatro, cine y televisión, algo que nunca antes había hecho.

El primero de ellos, y principal protagonista de Jauja, además de productor y musicalizador, es el actor danés Viggo Mortensen (Nueva York, 1958), que además de haber aparecido en cintas de Peter Jackson (El Señor de los Anillos), David Cronenberg (Promesas de Oriente, Una historia violenta y Un método peligroso) y Agustín Díaz Yáñez (Alatriste), realiza su tercera producción en Argentina, un país en el que residió y se educó durante su niñez, entre 1960 y 1969, de donde le nació su afición por el club de futbol San Lorenzo de Almagro y por la que aprendió a hablar en castellano.

De raigambre danesa, argentina, venezolana y estadounidense, Mortensen, interpreta al capitán Gunnar Dinesen, un ingeniero del ejército argentino en la Pampa, en plena campaña de exterminio contra la población indígena de la región, para lo cual imitó el acento español con acento danés de su padre, en un proceso con Alonso que considera “un constante proceso de destilación”.

Además, el actor demuestra ser un artista polivalente, pues además de actuar y fungir como productor de la película, es el responsable de la banda sonora junto con una de las mayores leyendas de la escena musical independiente del rock estadounidense, el guitarrista y multi instrumentista Buckethead, con quien ya había lanzado, en 2011, el álbum Reunion (tdrs Music), y con el que ahora compuso algunos temas en conjunto, que sirven para complementar los momentos de transición en el filme, de extraños tintes históricos –ocurre en pleno ocaso decimonónico, en la Argentina de1888–, pero al mismo tiempo otorgan el suficiente aroma de misterio y de inexactitud en la época de la ubicación sonora que acompaña al relato fílmico.

Pues Jauja es una cinta que refleja, y no, una época, un momento, un territorio austral en el que los aventureros solían aventurarse en pos de la promesa dorada de la riqueza y la abundancia inagotable, pero, a diferencia de El Dorado, lo que el aventurero encontraba no era una fuente interminable de oro, sino de placeres, de sibaritas que hallaban, completada, su perfecta ambición de la abundancia y la vida fácil, reunidas en un solo lugar.

Es el propio Lisandro Alonso quien lo explica en el argumento oficial del filme: “Los Antiguos decían que Jauja era una tierra mitológica llena de abundancia y felicidad. Muchas expediciones buscaron el lugar para corroborarlo. Con el tiempo, la leyenda creció de manera desproporcionada. Sin duda la gente exageraba, como siempre. Lo único que se sabe con certeza es que todos los que intentaron encontrar ese paraíso terrenal se perdieron en el camino.”

Pero esta Jauja no se encuentra geográficamente en la región de Junín, en el Perú central, como ocurre con la ciudad real que lleva tal nombre, sino que se halla muy ubicuamente en un muy lejano punto de la Pampa argentina, esa región propia de gauchos y de aventureros que se hallan a la búsqueda de su destino, de su fortuna en el Nuevo Mundo, que todavía significaba la parte final del sueño de riquezas inagotables que se creó con las guerras de Conquista en América, resumido en el mito de El Dorado, ubicado en la amazonia, tal y como lo han reflejado varias películas, como el western El Dorado (Estados Unidos, 1966), de Howard West, ubicado en el Viejo Oeste y protagonizada por John Wayne y Robert Mitchum, o la animación de Dreamworks El camino hacia El Dorado (The Road to El Dorado, Estados Unidos, 2000), de Eric Bibo Bergeron y Don Paul, pero especialmente en Aguirre, la ira de dios (Aguirre, der Zorn Gottes, Alemania Occidental, 1982), de Werner Herzog, otra oda a la soledad y al abandono humano que ocurre tras la ambición desmedida.

Filmada en extraordinarios escenarios naturales y con vestuarios de época, Jauja se convierte, asimismo, en un catálogo de las posibilidades técnicas del estudio Splendor Omnia, que Carlos Reygadas mantiene en el estado mexicano de Morelos, pues los colores brillantes y muy contrastados son fruto del colorista Ernie Schaeffer, que trabaja en esa empresa y hacen que la magnífica fotografía de Timo Salminen, la vuelva una intrigante propuesta en formato cuadrado, cuyas puntas aparecen redondeadas, justo a la manera de los viejos formatos de cine casero –con los colores de la vieja película fotográfica de diapositivas en color Kodachrome, cuya producción cesó en 2009−, pues justamente fue filmada con película Kodak y tratada de una manera que ofrece imágenes absolutamente radiantes e incluso más allá de toda percepción natural, en una saturación absoluta que le da a los paisajes un tinte exótico, mágico y misterioso. También en ese estudio se realizó el diseño de audio, ámbito en el que se han convertido en líderes en Latinoamérica.

Pues al final, los valores cinematográficos de Alonso se encuentran, más allá de en una historia convencional, de narrativa cuadrada y directa, en la exploración íntima de los personajes, abandonados de sí mismos, incluso torpes a la hora de escalar montañas empedradas, encontrar agua en riachuelos o, simplemente, avanzar entre la agreste vegetación de la zona, en la inmensidad inabarcable de las grandes extensiones al norte de la capital bonaerense, con la historia de un inmigrante, como la mayoría de los actuales habitantes de la Argentina, que atraviesa un extraordinariamente largo periplo, en el que sufre la cárcel, transita las grandes regiones acampando con el regimiento, con su hija quinceañera al lado, la que acaba por huir, enamorada, con un soldado natural de la región, para luego extraviarse en una región indómita. Para ambos daneses, padre e hija, no le resultan útiles ni el uniforme ni los vestidos, ni las malas tretas de los habitantes originarios, ni sus caballos criollos y mucho menos su mentalidad nórdica. Y el capitán Gunnar Dinesen acabará por hacer de la búsqueda de su hija una empresa no sólo imposible sino fantástica, que acabará por hacerle enfrentar a personajes encantados y fuera del tiempo, en grutas solitarias; acompañarse de un perro herido durante buena parte de su búsqueda para finalmente trasladar el relato a la Dinamarca actual, en una historia de narrativa no convencional que perturbará al público al no ofrecer explicaciones ni resoluciones convencionales.

El origen de tan compleja historia, en realidad, es muy simple: “Hace algunos años, recibí un correo electrónico para contarme que una amiga había sido asesinada lejos del lugar donde había nacido. Esta historia fue el punto de partida de toda la película”: la escritura de Jauja, la historia de la búsqueda solitaria de un hombre para encontrar a su hija, perdida en las lejanas estepas de la Patagonia, parte de este drama vivido por el autor. “Siguiendo los consejos de mi amiga, concedo un poco más de lugar a las palabras y a mi propio deseo”.

Con distribución de :nd Mantarraya, Jauja se estrenará el 15 de mayo de 2015 en la cartelera mexicana con 30 copias.

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Jauja (Argentina-Estados Unidos-Holanda-Francia-Dinamarca-México-Alemania, 2014). Director: Lisandro Alonso. Guión: Lisandro Alonso y Fabián Casas. Director de Fotografía: Timo Salminen. Sonido: Catriel Vildosola. Decorado: Sebastian Roses. Reparto: Viggo Mortensen (Capitán Dinesen), Ghita Nørby (Mujer en la cueva), Viilbjork Malling Agge (Ingeborg),Adrian Fondari (Pittaluga), Esteban Bigliardi (Angel Milkibar), Brian Patterson (Hombre del perro). Producida por: 4L/Massive Inc./Perceval Films/Mantarraya Producciones/Fortuna Films/Kamoli Films/The Match Factory/Wanka. Jefa de producción: Micaela Buye. Director de Arte: Sebastián Roses. Diseño de Vestuario: Gabriela Aurora Fernández. Música original: Viggo Mortensen y Buckethead. Sonido: Catriel Vildosa.

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Segunda convocatoria del Taller Cinematográfico de Mantarraya

noviembre 8, 2014

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Mantarraya Producciones abrió la segunda convocatoria para su Taller Cinematográfico 2014, un espacio de creación y desarrollo interdisciplinario que busca ser una plataforma de nuevos talentos de la cinematografía, con talleres y clases magistrales impartidas por cineastas de prestigio. El plan de trabajo de 15 meses incluye 320 horas de distintas materias y dos clases magistrales al semestre. Los talleres inician el 2 de febrero de 2015.

La recepción de documentos en línea cierra en diciembre de 2014.

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Abierta, la convocatoria al Taller Cinematográfico 2014 de Mantarraya

diciembre 19, 2013

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Mantarraya Producciones abrió la segunda convocatoria para su Taller Cinematográfico 2014, un espacio de creación y desarrollo interdisciplinario que busca ser una plataforma de nuevos talentos de la cinematografía, con talleres y clases magistrales impartidas por reconocidos cineastas. El plan de trabajo de dos años tendrá como eje las siguientes temáticas: Composición dramática, Escritura de guión cinematográfica, Historia y apreciación cinematográfica, Historia del arte, El cine relacionado a otras disciplinas, Dirección, Producción, Montaje, Fotografía, Sonido, Postproducción, Distribución y ventas, y Prácticas. Los talleres inician el 20 de enero de 2014.

La fecha límite para inscribirse es el 31 de diciembre de 2013.

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Ganadores del segundo Baja International Film Festival

noviembre 26, 2013

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La segunda edición del Baja International Film Festival (BIFF) de Los Cabos, realizado del 13 al 16 de noviembre en Baja California Sur culminó con el anuncio de los ganadores, luego de la realización de 80 funciones de cine, además de las proyecciones de 35 películas, de seis estrenos mundiales, 14 estrenos en México y un estreno en América Latina. En la Competencia Los Cabos participaron ocho cintas, seis más en Competencia México Primero. En Industria participaron nueve películas, tres ya terminadas y seis más en Work In Progress México. Asistieron 80 de países como Canadá, Estados Unidos, Chile, Colombia, España, Francia, Alemania, México, Reino Unido, México, Suiza, Argentina y Brasil. Se rindió homenaje al actor mexicano Gael García Bernal; se llevó a cabo la celebración de los XV años de Mantarraya festejo al que asistieron los directores Carlos Reygadas y Amat Escalante, además del productor Jaime Romandía, y se contó con la asistencia del director británico Peter Geenaway.

Esta es la lista de ganadores.

SELECCIÓN OFICIAL

Competencia Los Cabos:

Sarah Prefers to run (Canadá 2013), de Chloé Robichaud.

Mención especial 

Alphée Des Étoiles (Canadá 2012), de Hugo Latulippe. 

México Primero

Los Insólitos Peces Gato (México, 2013), de Claudia Sainte- Luce.

México Primero Moviecity

La vida después (México, 2013), de David Pablos.

SECCIÓN INDUSTRIA

Work In Progress México

El comienzo del Tiempo, de Bernardo Arellano.

Mención especial 

Los Bañistas, de Max Zunino.

Work In Progress Moviecity

Asteroide, de Marcelo Tovar

Work In Progress Splendor Omnia Mantarraya

El regreso del muerto, de Gustavo Gamou.

Premio Gabriel Figueroa Fund en Desarrollo

Epitafio, de Yuleine Olaizola.
Operación baby, de José Luis Valle.
Irekani, de Gabriel Mariño.
Semana Santa, de Alejandra Márquez.
Lisboa, de Pablo Delgado Sánchez.
La Raya, de Yolanda Cruz.
La Tempestad, de Tatiana Huezo.

Premio Gabriel Figueroa Fund en Postproducción

El comienzo del tiempo, de Bernardo Arellano.

Edén, de Elise DuRant.

Premio BajaFilmFest-DocsForum

La plaza de la soledad, de Martha Sosa y Maya Goded.

Premio Casete

Los Insólitos Peces Gato, de Claudia Sainte- Luce.

LuTo, de Katina Medina Mora.

Bering, equilibrio y resistencia, de Lourdes Grobet.

Premio Bengala-UANL

Fernando Frías.

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Taller Cinematográfico de Mantarraya Producciones

junio 18, 2013

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En la imagen, los productores Gabriel Martínez y Jaime Romandía; el escritor
Philippe Olle-Laprune, y el productor Miguel Bonilla. Foto: Sergio Raúl López.

Tras quince años operando como una de las más importantes productoras cinematográficas en México, Mantarraya Producciones convoca al Taller Cinenematográfico, un espacio de creación y desarrollo interdisciplinario, que busca ser una plataforma de nuevos talentos en la cinematografía, quienes tendrán la posibilidad de involucrarse en los procesos creativos de cada una de las áreas que requiere el oficio cinematográfico y asimilarlos desde la teoría y la práctica.

Y es que, en su opinión, muchos de los alumnos egresados de las universidades y escuelas de cine viven en un “limbo productivo y laboral” que los orilla a involucrarse a otros ámbitos alejados de la creación, además que muchos de ellos carecen de las herramientas necesarias para llevar a cabo sus proyectos personales de una manera eficaz o, en su defecto, para relacionarse profesionalmente en la industria.

Una de las directrices del Taller Cinematográfico es generar las metodologías y vínculos en la industria para gestionar eficazmente los proyectos, además de la implementación de un modelo teórico-práctico, fundamental para el aprendizaje de los procesos que requiere la creación cinematográfica.

Los talleres serán impartidos por Michel Lipkes, Julio Hernández Cordón, Regina Tattersfield y Miguel Bonilla Schnaas,  y se han confirmado clases magistrales, en el primer módulo, del francés Bruno Dumont y del mexicano Carlos Reygadas. En esta primera etapa Mantarraya trabaja en alianza con Casa Refugio Citlaltépetl (Citlaltépetl 25, entre Ámsterdam y Campeche, en la colonia Condesa de la Ciudad de México).

Los solicitantes deben registrarse en la página electrónica http://www.tallercinematografico.com, donde deberán adjuntar la documentación requerida y una carta de motivos, los seleccionados serán citados para una entrevista. La inscripción costará cinco mil pesos por dos años, y el cinco mensualidades de ocho mil pesos por los cuatro semestres. Estos estudios no cuentan con validez oficial.

Entre las producciones de Mantarraya se encuentran las cintas de Carlos Reygadas: Japón, Batalla en el Cielo, Luz Silenciosa y Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas; Sangre, Los Bastardos y Heli, de Amat Escalante; Rio de Oro, de Pablo Aldrete; Alamar, de Pedro González Rubio; Halley, de Sebastián Hofmann, entre otras.

La convocatoria cierra el 20 de junio y los talleres inician en agosto de 2013.

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Tres cintas mexicanas seleccionadas para el 66 Festival de Cannes

abril 19, 2013

Heli, de Amat Escalante, competirá por

la Palma de Oro en la Sección Oficial 2013

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Thierry Fremaux y Gilles Jacob, Delegado General y Presidente,
respectivamente, del Festival de Cannes.  © AFFIF / Clotilde Richalet

Este jueves 18 de abril, se dio a conocer la Selección Oficial 2013 del Festival Internacional de Cine de Cannes, cuya  edición sexagésima sexta se realizará del 15 al 26 de mayo. En rueda de prensa, el director del festival, Gilles Jacob, y su delegado general, Thierry Fremaux, revelaron la lista de 21 largometrajes que competirán por la Palma de Oro, y entre ellos destaca Heli (México, 2013), del guanajuatense Amat Escalante, no sólo como la única cinta nacional sino hispanoamericana de la lista.

Este es el tercer largometraje en fila de Escalante seleccionado en el festival, luego de participar con Sangre (México, 2005, que ganó el premio FIPRESCI de la crítica internacional) y Los Bastardos (México, 2008), ambas en la Sección Una Cierta Mirada. La película es producida por ND: Mantarraya, empresa de Jaime Romandia y de Carlos Reygadas, ganador del premio a Mejor Director por Post Tenebras Lux (México, 2012)

También se dio a conocer la selección que compondrá la sección oficial Una Cierta Mirada (Un Certain Regard), y entre las 15 cintas que competirán este año aparece otra producción mexicana, La Jaula de Oro (México, 2013), del realizador español Diego Quemada-Díez, de Machete Producciones (productora mexicana que ya conquistó la Cámara de Oro con Año bisiesto, de Michael Rowe). Además, en la sección escolar Cinefondation, que seleccionó 18 cintas (14 de ficción y cuatro de animación), de entre mil 550 procedentes de 277 escuelas de cine de todo el mundo, también se seleccionó un filme nacional, el cortometraje Contrafábula de una niña disecada (México, 2013), de Alejandro Iglesias Mendizabal, producido por el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC).

El Presidente del Jurado de la Sección Oficial de esta edición es el productor, director y guionista estadounidense Steven Spielberg (quien ha estrenado en Cannes cintas como Loca evasión, La rosa púrpura y E.T.). En tanto, el presidente del Jurado de la sección Una cierta mirada (Un certain regard), será el director y guionista danés Thomas Vintenberg (Festen, Submarino, La caza). Y la directora neozelandeza Jane Campion, sera presidenta del jurado de cortometrajes y de Cinefondation.

Esta es la lista de películas 2013 de Cannes:
Filme inaugural (fuera de competencia)
The great Gatsby, de Baz Lhuhrmann.
Sección Oficial

Un château en Italie, de Valeria Bruni-Tedeschi

Inside llewyn Davis, de Ethan y Joel Coen

Michael Kohlhaas, de Arnaud des Pallières

Jimmy P. (Psychotherapy of a Plains Indian), de Arnaud Desplechin

Heli, de Amat Escalante

Le passé (The Past), de Asghar Farhadi.

The Immigrant, de James Gray

Grigris, de Mahamat-Saleh Haroun

Tian zhu ding (A Touch of Sin), de Jia Zhangke.

Soshite Chichi ni Naru (Like Father, Like Son), de Kore-Eda Hirokazu

La vie d’Adѐle, de Abdellatif Kechiche

Wara No Tate (Shield Of Straw), de Takashi Miike

Jeune Et Jolie (Young And Beautiful), de François Ozon

Nebraska, de Alexander Payne

La Vénus Àla Fourrure, de Roman Polanski

Behind The Candelabra, de Steven Soderbergh

La Grande Bellezza (The Great Beauty), de Paolo Sorrentino

Borgman, de Alex Van Warmerdam

Only God Forgives, de Nicolas Winding Refn

Película de clausura (fuera de competencia):

Zulu, de Jérôme Salle

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Fotograma de Heli, de Amat Escalante. Al fondo,
el cerro del Cubilete en Guanajuato. Foto: ND: Mantarraya.

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Sección Una Cierta Mirada (Un Certain Regard)

Película inaugural

The Bling Ring, de Sofia Coppola

Anonymous

Omar, de Hany Abu-Assad

Death March, de Adolfo Alix Jr.

Fruitvale Station, de Ryan Coogler

Les Salauds (Bastards), de Claire Denis

Norte, Hangganan Ng Kasaysayan (Norte, The End Of History), de Lav Diaz

As I Lay Dying, de James Franco

Miele, de Valeria Golino

L’inconnu Du Lac, de Alain Guiraudie

Bends, de Flora Lau

L’image Manquante, de Rithy Panh

La Jaula De Oro, de Diego Quemada-Diez

Sarah Préfère La Course (Sarah Would Rather Run), de Chloé Robichaud

Grand Central, de Rebecca Zlotowski

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Cartel de La jaula de Oro, de Diego Quemada-Díez. 
Foto: Machete Producciones.

Selección Cinefundación

The Norm Of Life (Rusia), de Evgeny Byalo

The Magnificent Lion Boy (Reino Unido), de Ana Caro

O Šunce (Ham Story, República Checa), de Eliška Chytková

Duet (Irán), de Navid Danesh

Babaga (Israel), de Gan De Lange

Needle (USA), de Anahita Ghazvinizadeh

En Attendant Le Dégel (Waiting For The Thaw, Bélgica), de Sarah Hirtt

Contrafábula de una niña disecada (México), de Alejandro Iglesias Mendizábal

Stepsister (Estados Unidos), de Joey Izzo

Au-Delà De L’hiver (After The Winter, Francia), de Jow Zhi Wei

În Acvariu (In The Fishbowl, Rumania), de Tudor Cristian Jurgiu

Seon (The Line, Corea del Sur), de Kim Soo-Jin

Asunción (Chile), de Camila Luna Toledo

Going South (Estados Unidos), de Jefferson Moneo

Danse Macabre (Polonia), de Malgorzata Rzanek

Mañana Todas Las Cosas (Argentina), de Sebastián Schjaer

Exil (Exile, Francia), de Vladilen Vierny

Pandy (Pandas, República Checa), de Matúš Vizár

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Fotograma de Contrafábula para una niña disecada, 
de Alejandro Iglesias Mendizábal. Foto: CCC.


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Primeras imágenes de “Post Tenebras Lux”, de Carlos Reygadas

mayo 23, 2012

La nueva película del director mexicano Carlos Reygadas (Ciudad de México, 1971), Post Tenebras Lux, será estrenada este jueves 24 de mayo, como parte de la Selección Oficial en competencia, en la sexagésima quinta edición del Festival Internacional de Cine de Cannes, en Francia, en el Grand Théâtre Lumière, a las 16:00 y a las 22:30 horas.

Post Tenebras Lux (México-Francia-Paises Bajos-Alemania, 2012). Dirección, guión y diálogos: Carlos Reygadas. Imágenes: Alexis Zabe. Decorados: Nohemi Gonzalez. Montaje: Natalia Lopez. Sonido: Gilles Laurent. Actores: Adolfo Jimenez Castro, Nathalia Acevedo, Willebaldo Torres, Rut Reygadas, Eleazar Reygadas. Producción: Mantarraya Producciones.

Sinopsis: Juan y su familia citadina viven en el campo mexicano, donde disfrutan y sufren un mundo diferente. Y nadie sabe si estos dos mundos son complementarios o si luchan por eliminarse uno al otro.


“Le Havre: El puerto de la esperanza”, de Aki Kaurismaki, estrena en cartelera

febrero 18, 2012

Kaurismäki realiza, una comedia negra de la Francia de los años 50,  una historia sencilla que no se desborda en ningún momento y que nos conduce serenamente hacia el final. Una bella película que aborda un tema complejo y duro como lo es la migración africana en Europa; pero se detiene en la belleza de la condición humana. Un film lleno de ternura que también integra el cinismo y la ironía del director escandinavo: llorar no sirve de nada, lo que sirve es la acción en el mundo, hacer el bien.

“Le Havre envía un claro mensaje al público que fue la génesis del filme: Europa no está reaccionando a un problema gigantesco, que es la inmigración y que no sólo afecta a zonas más obvias como Italia, Grecia o España. Estamos atontados. África está marcada con unas fronteras falsas gracias al Reino Unido, y de aquellos polvos vienen estos lodos.” Aki Kaurismäki

Le Havre: El puerto de la esperanza (Finlandia-Francia-Alemania, 2011). Dirección y guión: Aki Kaurismäki. Fotografía: Timo Salminen. Edición: Timo Salminen. Con: André Wilms (Marcel Marx), Kati Outinen (Arletty), Jean-Pierre Darrousin (Monet), Blondin Miguel (Idrissa), Elina Salo (Claire), Evelyne Didi (Yvette), Quoc Dung Nguyen (Chang).  103 mins. Distribución: ND Mantarraya. Clasificación: A.


Bruno Dumont y la santidad campirana fuera de Satán

diciembre 20, 2011

El cine puede ser un medio para la sacralidad

Por Sergio Raúl López

Un individuo enclenque, chueco de rostro y permanentemente inexpresivo, que vaga a la deriva por la campiña francesa haciendo milagros incógnitos en un permanente estado contemplativo, es el nuevo héroe místico del realizador francés Bruno Dumont, uno tan misterioso e incógnito como los amorales hechos extraordinarios que realiza, tan aparentemente sin sentido.

 

 

Y es que si podemos hallar una pregunta recurrente en la breve pero consistente filmografía de este director de cine bretón podría ser la siguiente: ¿cómo sería Jesús en el mundo actual? La respuesta que halló en su anterior filme Hadewijch (Francia, 2009) fue el enigmático David Dewaele, un musulmán de vida tan agitada que llega a ausentarse de las filmaciones pero que representó el papel de un albañil recién liberado de la cárcel que accidentalmente representaba el mesías que tan frenéticamente buscaba la católica protagonista Céline (Julie Sokolowski) en la escena final del filme. Y que ya había capturado el interés del realizador des- de que lo retrató en un pequeñísimo papel de Flandres (2006).
Ahora, convertido en figura principalísima de la representación sacra que es su nuevo filme Fuera de Satán (Hors Satan, Francia, 2011), presentado como “Le gars” (apócope de “el muchacho”), un vagabundo cuya principal actividad es habitar en descampado y realizar largas caminatas en compañía de “Elle” (“ella”, Alexandra Lemaitre), una joven irremediablemente atraída por este santón apocado, que prefiere alimentarlo y acompañarle que pasar las horas en casa con la madre que odia.
Filmada en el pequeño poblado de Ambleteuse, en la región norteña francesa de Nord-Pas-de-Calais, casi en la frontera con Bélgica, la cinta retrata nuevamente la sencilla vida aldeana a la que Dumont es tan afecto desde su primera película: La vida de Jesús (La vie de Jésus, 1997), que rodó justo en su poblado natal, Bailleul, en la región bretona. Dos veces ganador del Gran Premio del Jurado en Cannes por La humanidad (L’humanité, 1999) y por Flandres, y del Fipresci en Toronto por Hadewijch, el realizador, nacido en 1958 y dedicado largos años a la enseñanza de filosofía, visitó México para promover el estreno en cartelera de Fuera de Satán, bajo distribución de ND Mantarraya.

-Encuentro vasos comunicantes entre su Hadewijch y Fuera de Satán no sólo porque reaparece un actor, sino por el sentido místico relacionado con el bosque y la naturaleza.
-Yo pienso que Fuera de Satán termina y comienza con lo que Bresson llamaba “un mundo nuevo”. Si el sentido de Hadewijch era el fin de la creencia en Dios, en esta nueva película el sentido de lo sagrado se renueva a través de la naturaleza y eso es algo en lo que creo profundamente: en la posibilidad de una experiencia sagrada hallada no tanto en la naturaleza como en el cine. La experiencia de ver Fuera de Satán es una experiencia mística.

-Sin embargo, esa experiencia mística no sólo es interiorizada por el personaje, sino es exteriorizada para el cine mediante sucesos extraordinarios, casi milagrosos.
-Completamente: hay que bajar el nivel del cine donde el espectador es el equivalente de la película; es decir, que el espectador tiene una potencia de interpretación, de comprensión que es igual al filme. No es una película hollywoodense con muchos sentidos que enajena al espectador.

-En esta película el montaje se compone de escenas que se van fundiendo a negro para seguir con el siguiente cuadro.
-La primera vez hice el montaje yo mismo y, justamente al renovar el hábito del fundido a negro, reencontré una nueva escritura en el montaje. Es una manera de escribirlo, de mostrar las alegrías, las fallas, las decepciones.

-¿Cuándo pensó que el mismo actor que en Hadewijch hace de albañil, David Dewaele, podría ser el protagonista de este nuevo filme, ahora como un místico vagabundo?
-Esto viene tras haberlo visto en Flandres, donde tenía un papel menor, pero tiene una manera de ser que me conmueve mucho y tiene mucha potencia. Muy rápidamente demostró su capacidad para ser protagonista. Se siente su capacidad cinematográfica y usted puede verla.

-Construir un héroe a partir de un vagabundo es una idea bastante anticonsumista.
-Claramente, porque Hollywood todavía se sitúa en la pintura italiana y sus personajes son ideales, mientras yo me encuentro en la tradición flamenca y por eso mis personajes son así. Es un problema cultural. En Hollywood los héroes son ideales, son guapos, fuertes, son puros principios morales, cuando para mí es el hombre mismo, en su condición primordial, en sus debilidades. La devoción moderna consiste en dejar el cielo y afirmar que la realidad está aquí, que lo sagrado debe ascender desde lo terrenal. El cine puede ser un medio para la sacralidad, porque filma lo real y puede trascenderlo y extraer lo sagrado.

-Me parece muy importante que la película, si bien tiene que ver con hechos milagrosos o al menos extraordinarios, se haya hecho sin efectos especiales.
-Estoy completamente de acuerdo. Acabo de ver El planeta de los simios en el avión y me pareció muy pobre. Es espectacular, pero es pobre lo que queda tras los efectos especiales. Lo que pasa con mis películas es que no son espectaculares, pero lo que queda en el espectador es mucho más rico, y por eso los efectos especiales son vanos. El efecto especial es la alegría del espectador, es su felicidad, pero debe ocurrir adentro y no hacia afuera. Puede ver películas muy sencillas pero que transforman como si fueran un efecto especial. Cada vez vemos más películas en 3D y nos aburrimos: es porque el 3D está adentro de nosotros y no afuera, y eso es lo raro. Hollywood se está dando cuenta de esto, que el 3D no es la receta. El 3D en manos de Rosellini seguramente sería formidable. Lo que se nos dice es que el 3D es formidable, cuando lo formidable es el autor; pero confundimos el fin con los medios y hacemos de los medios la finalidad. Se filma en digital y en 3D, pero eso no importa si no está la magia de la visión del autor no hay milagro.

FILOSOFÍA
No intelectual 
Fue hasta los 38 años cuando Bruno Dumont apareció en el horizonte fílmico internacional con la contundencia de La vida de Jesús (Francia, 1997), que aborda la cotianidad de un puñado de muchachos desempleados que pierden el tiempo vagando en motocicleta y cometiendo abusos criminales contra musulmanes y mujeres. Previamente, además de realizar audiovisuales institucionales, se había especializado en las filosofías griega y alemana, y esa formación se manifiesta en los seis largometrajes que ha dirigido hasta la fecha, en los que realiza exploraciones del sentido de lo humano en la vida común y corriente.

-Usted comenzó a filmar a una edad madura tras dedicarse largos años a la disciplina de la filosofía. ¿Podría afirmarse que cada película suya es una exploración humana distinta proveniente de esa formación?
-Totalmente. Se trata de una experiencia filosófica que yo he tenido e intento encontrar expresiones nuevas en el cine, pero con relación a una filosofía que ya no es intelectual sino que justamente es una aproximación a la realidad del mundo mediante historias sencillas. Son medios de acceso a lo que la filosofía o la religión o la mística intentan entender y el cine deviene realmente en un medio de meditación para el espectador. El espectador se eleva. Y es importante ahora que el cine se ha vuelto un medio de entretenimiento, de distracción. Está bien que haya comedias, pero no solamente eso: creo que es algo embrutecedor, se requieren ambas cosas. Justo como en la Grecia antigua en cuyo teatro se tenían obras trágicas y obras cómicas, y eso es el equilibrio. Hoy en día ningún actor puede llamarse de tragedia: todos son de comedia.

-Al ver la película pienso que el arrebato místico no radica en los milagros ni en los hechos extraordinarios, sino en los largos recorridos de los personajes, siempre contemplativos.
-Sí, pero la mística está sobre todo en la retrospección del espectador que acude a ver la película. Y no se dará cuenta durante la película, pero la experiencia que le deja hace la mística. Es el fruto de lo que ha sido irradiado durante hora y media, y la modificación radica en él, no en la película.

-El sol intenso, que quema, está presente en la cinta como personaje.
-El sol es la potencia natural, es un medio muy fuerte para evocar las expresiones más oscuras e inaccesibles de nuestro ser, que sólo pueden alcanzarse al filmarse. El problema no es filmar un estanque sino arreglar la mirada del espectador, que al ver un estanque pueda, a la vez, ver otra cosa y ese es el milagro.

Este artículo se publicó originalmente en la sección de cultura del diario El Financiero (19/XII/2011).