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Ganadores del segundo FIC San Cristobal

diciembre 12, 2016

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En el Teatro Daniel Zebadúa del Barrio de La Merced, en punto de las 13:30 horas, se realizó la ceremonia de clausura de la segunda edición del Festival Internacional de Cine de San Cristóbal de las Casas (FICSC), el pasado domingo 11 de diciembre. Previo a la proyección de la película de clausura, el largometraje de animación La tortuga roja (La tortue rouge, Bélgica-Francia-Japón, 2016), del holandés Michael Dudok de Wit, ganadora del Premio Especial del Jurado en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes, el jurado dio a conocer los Premios Ámbar, un diseño del artista chiapaneco Pedro Agustín Molina Ortega.

Durante los cuatro días de actividades, el festival convocó a 5 mil asistentes en sus 43 proyecciones de cine procedente de 28 países, y ofreció dos talleres de realización y escritura de guión, tres funciones al aire libre y cuatro conversatorios temáticos.

Estos son los ganadores:

Largometraje de Ficción

(con un jurado compuesto por los cineastas Jorge Fons y Ariel Rotter, así como por la actriz Oona Chaplin)

Mejor película

Mimosas (España-Marruecos-Francia-Qatar , 2016), de Oliver Laxé.

Mención Especial

Antes que las calles (Avant les rues, Canadá, 2016), de Chloé Leriche.

Largometraje Documental

(con un jurado integrado por los cineastas Juan Carlos Rulfo y Hubert Sauper, así como por el productor Marc-Benoît Créancier)

Mejor Película

El choque de dos mundos (When Two Worlds Collide, Perú-Estados Unidos-Reino Unido, 2016), de Heidi Brandenburg y Mathhew Orzel.
Mención Especial

Libera Nos (Liberami, Italia-Francia, 2016) de Federica di Giacomo.

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“Desierto”, de Jonás Cuarón, representante mexicana al Oscar

septiembre 14, 2016

Las elegidas, de David Pablos, película seleccionada por la AMACC para el Goya

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Jonás Cuarón. Foto: Sergio Raúl López.

La mañana del miércoles 14 de septiembre, en la Cineteca Nacional, la actriz Dolores Heredia, presidenta de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), realizó el anuncio de que el largometraje Desierto (México-Francia, 2015), de Jonás Cuarón, fue seleccionadas por el organismo para representar a México en la categoría a Mejor Película en Lengua no Inglesa, en la octogésima novena entrega de los Premios Oscar, que entrega la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de los estados Unidos (AMPAS, por sus siglas en inglés), a realizarse el domingo 26 de febrero de 2017.

También informó que el filme Las elegidas (México-Francia, 2015), de David Pablos, fue designada para representar a México en la categoría Mejor Película Iberoamericana para la trigésima primera ceremonia de los premios Goya de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España, que será efectuada en febrero de 2017.

El proceso de elección, realizó del 3 de agosto al 13 de septiembre de 2016, luego que 16 películas se inscribieron para competir por la selección al Oscar y otras 14 por el Goya. El Comité de Elección estuvo integrado por 149 representantes de la comunidad cinematográfica.

La AMACC notificará a sus academias pares sobre esta decisión.

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David Pablos. Foto: Sergio Raúl López.

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“Las búsquedas”, de José Luis Valle, en portada de la revista cine TOMA 40, mayo-junio de 2015

mayo 2, 2015

LEJOS DEL LUJO Y EL DISPENDIO

Relatos desde filmaciones de bajo presupuesto

• Métodos, vías de acción, planeación y ética económica y fílmica de realizadores como Roger Corman y en el sexploitation estadounidense; las opciones de producción fílmica de José Luis Valle, Yulene Olaizola, Ricardo Silva, Inti Cordera, Joshua Gil, Flavio Florencio, Rafael Rangel y Rubén Gámez; además del videohome en Christian González y el mercado de la piratería.

• Industria: El exterminio de la diversidad en México y Argentina; la producción de Spectre en la Ciudad de México. Académicas: Nominados a la lvii entrega del Ariel y ensayo sobre la revista Nuevo Cine, de Eduardo de la Vega. Desde la Filmoteca de la unam: Centenario de Orson Welles. Curso de actuación para cine: Escuchar al director de la película. Libros: El cine actual, confines temáticos, de Jorge Ayala Blanco.

• Festivales: 8º Foro de Animación Contemporánea Animasivo; 7º Festival de Cine Mexicano de Durango, y 7º Festival de Cine en Fresnillo. Estrenos: El gran pequeño, de Alejandro Gómez Monteverde; Eco de la montaña, de Nicolás Echevarría.

• La versión electrónica de la revista puede adquirirse en la página de Internet Revistas Digitales Sanborns.

Portada Toma 40-ChEn el 2014, según datos del Anuario Estadístico de Cine Mexicano 2014 —editado por el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine)—, el precio promedio por película producida en el país fue de 20 millones de pesos —1.5 millones de dólares—, el más bajo de los últimos cinco años —en 2013, por ejemplo, fue de 23 millones de pesos—, para las 130 películas producidas en ese periodo, 35% de las cuales fueron documentales. ¿Es saludable este costo promedio, sobre todo tomando en cuenta la escasa cantidad de cintas rentables comercialmente que, supuestamente, son apoyadas por los fondos mayores; la abundancia de primeras y segundas películas, pero, sobre todo, que somos un país mayoritariamente habitado por personas de bajo nivel adquisitivo y con altos índices de miseria?

El modelo de producción que impera en el cine internacional actual —el de aquellas naciones que no son potencias productoras como India, Estados Unidos o China— de reunir fondos, premios y becas, ha sido replicado en México con una extraordinaria permisividad respecto al encarecimiento de costos y de sueldos, gracias a que se encuentra subsidiado por fondos públicos o estímulos fiscales —que sumados, anualmente superan los mil millones de pesos— y no depende de sus resultados en cartelera pero tampoco de que esa inversión a fondo perdido permita que el público nacional —que es el que cubre esa producción con sus impuestos— tenga un acceso fácil y barato o incuso gratuito a dichas obras.

Llama poderosamente la atención que no exista una diferenciación clara entre el dinero que se invierte para una película con intenciones comerciales y que pretenda la recuperación económica en taquilla, de aquellas otras que se realizan con intenciones autorales, artísticas o de experimentación, cuando en la industria internacional regularmente implican costos distintos. En Estados Unidos, por ejemplo, no es lo mismo invertir 150 millones de dólares en un blockbuster como Mundo jurásico (Jurassic Word, Estados Unidos, 2015, de Colin Trevorrow), que en una película con sello de autor, así sea protagonizada por estrellas como James Franco, Selena Gomez o Vanessa Hudgens, como Spring Breakers: Viviendo al límite (Spring Breakers, Estados Unidos, 2012), de Harmony Korine, que requirió 5 millones. Incluso los fondos europeos de fomento aportan cantidades moderadas de decenas de miles de euros, pese a provenir de países con monedas más fuertes y economías más caras. El programa The Microwave de Film London, por ejemplo, apoya primeros largometrajes con un presupuesto de 150 mil libras —equivalentes a dos millones 825 mil 345 pesos. Esto contrasta contra los criterios locales que dictan que las óperas primas escolares han de contar con un mínimo de 8 o 10 millones de pesos. ¿Por qué pensar que sólo con presupuestos elevados se hace buen cine? ¿Por qué no ofrecer en los fondos y los estímulos fiscales distintas gradaciones presupuestales, flexibles y elásticas, para que los productores y realizadores que requieran presupuestos moderados también puedan tener acceso a las ayudas y apoyos oficiales?

A profundizar en estas discusiones se dedica el dossier principal Lejos del lujo y el dispendio. Relatos desde filmaciones de bajo presupuesto, del cuadragésimo número de la revista cine TOMA, que circulará por toda la República Mexicana en locales cerrados —así como en su versión electrónica en las tiendas Sanborns en Internet—, durante mayo y junio de 2015, al reunir distintos testimonios que dan fe de que las vías presupuestales modestas también permiten hacer buen cine y que los modelos alternativos al imperante pueden dar buenos resultados. Es cuestión de una ética económica además de la fílmica porque al final, de lo que hablamos no es de dinero, sino de cine, de buen cine, de gran cine.

Las páginas inician con algunas reflexiones del Rey del Cine B, el productor y director estadounidense Roger Corman, quien durante su visita al decimonoveno Festival Internacional de Cine Guanajuato (giff) explicó sus métodos para filmar en sólo cinco y hasta en dos días, con muy pocos recursos pero con gran diversión. Complemento del anterior es el ensayo de Pedro Paunero en torno al género barato, comercial y tremendista del sexploitation. Y es el propio José Luis Valle quien nos ofrece sus reflexiones luego de haber filmado el largometraje Las búsquedas con sólo 1 500 dólares, como un experimento de austeridad conceptual, económica y de energía. Espejeando lo anterior, se publica una entrevista de Jorge Luis Tercero con el mismo Valle, en torno a los cruces entre lo onírico y la vigilia en su cinematografía. Autora ya de cuatro largometrajes, Yulene Olaizola explica la operación de los fondos de subsidio al cine en México desde un punto de vista crítico y con ejemplos puntuales, así como su manera de filmar. Más adelante, se encuentra una entrevista con Ricardo Silva y Adrián Durazo, respectivamente director y fotógrafo de Navajazo (México, 2014), una película fronteriza, no sólo por ocurrir en Tijuana sino por lo difuso de los géneros y tipo de narrativas que emplea. En seguida, Inti Cordera, productor de La Maroma Producciones, explica cómo logró distribuir el documental Purgatorio. Un viaje al corazón de la frontera (México-Estados Unidos, 2013), de Rodrigo Reyes, en 107 sedes, con 240 proyecciones y 10 mil espectadores contando solamente con 200 mil pesos. En entrevista con Christian Sida-Valenzuela, se discute qué significa hacer cine independiente en un país como México, mediante los ejemplos de La maldad (México, 2015), de Joshua Gil, producida por Fabiola de la Rosa, y de Made in Bangkok (México-Alemania, 2015), de Flavio Florencio. El documental realizado con equipo barato, recursos mínimos y la urgencia de un viaje presuroso, acorde con el entorno de sus personajes, es explicado por Rafael Rangel, realizador de Un día en Ayotzinapa 43 (México, 2015). Uno de los más prolíficos realizadores de videohome en México, con casi un centenar de cintas, Cristian González, es entrevistado por Fabián de la Cruz. Y la piratería como un fenómeno sí ilegal pero también como una prolífica y diversa forma de distribución es estudiada por Irving Torres Yllán.

En otros contenidos, la sección Fotofijas ofrece un vistazo al trigésimo Festival Internacional de Cine en Guadalajara (ficg), incluyendo la lista ganadores de su Sección Oficial. Más adelante, Ensayo incluye el texto de Jesse Lerner incluido en el libro Rubén Gámez. La fórmula secreta, recién publicado por Alias Editorial como parte de su colección “Antítesis”, en coedición con la Filmoteca de la unam y el Imcine. Luego, en Industria, Víctor Ugalde analiza con cifras y ejemplos precisos, el apabullamiento de la cartelera por parte de los blockbusters de la gran industria estadounidense, que llegan a ocupar hasta el 70% de las pantallas del país —y con dos títulos el 90% o su totalidad—, después Roque González analiza tanto la normativa argentina de cobro para los estrenos extranjeros, el “canon”, así como la medida del dólar importado por dólar exportado; y Octavio Maya analiza la filmación en la Ciudad de México de la película Spectre (Estados Unidos-Reino Unido, 2015), de Sam Mendes, vigesimocuarta entrega de la serie de James Bond.

Académicas reproduce el ensayo de Eduardo de la Vega sobre la revista Nuevo cine, editada a mediados de la década de los sesenta, a propósito de la edición facsimilar del libro publicada por dge Equilibrista y la amacc; además de la lista completa de candidatos a la quincuagésima séptima entrega de los premios Ariel. La sección desde la Filmoteca de la unam aborda el ciclo retrospectivo en torno a la conmemoración del centenario del director, guionista y actor Orson Welles, que se realizará en sus salas. La novena entrega del Curso de Actuación para Cine, de José Sefami, ofrece algunos consejos sobre cómo interactuar con el director ya en el set.

En Libros se presenta un adelanto del libro El cine actual, confines temáticos, de Jorge Ayala Blanco, el más reciente título de su serie sobre cine internacional y con el que conmemora 50 años como profesor del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (cuec) de la unam.

Más adelante, Festivales, ofrece un adelanto del octavo Foro de Animación Contemporánea Animasivo, por parte de su directora Lucía Cavalchini; del séptimo Festival de Cine Mexicano de Durango, por parte de su coordinador adjunto Christian Sida-Valenzuela, y del séptimo Festival de Cine en Fresnillo, por parte de su directora y fundadora Gabriela Marcial Reyes. Finalmente, Estrenos presenta una entrevista de José Juan Reyes con Alejandro Gómez Monteverde, director de El gran pequeño, y otra con Nicolás Echevarría, realizador del documental Eco de la montaña.

Les recordamos que la versión electrónica de Cine Toma se encuentra a la venta en la sección de Revistas Digitales de la tienda electrónica Sólo Sanborns (www.sanborns.com.mx), lo mismo para computadoras que dispositivos digitales.

El cuadragésimo número de cine TOMA. Revista Mexicana de Cinematografíapublicación editada por PasodeGato, Ediciones y Producciones Escénicas, circulará durante mayo y junio de 2015  por todo el país, en locales cerrados: Sanborns, Caffé Caffé, Cineteca Nacional Filmoteca de la UNAM; así como en librerías: Educal, Sótano, FCE, Gandhi, Julio Torri de la UNAM, El Foco, Ceuvoz y Foro Shakespeare. Su edición electrónica se encuentra disponible en Revistas Digitales Sanborns.

Para entrevistas o mayor información, comuníquese a los teléfonos: 56 88 92 32 y 56 88 87 56; al correo electrónico cinetoma@gmail.com, o acuda a las oficinas, ubicadas en el callejón Eleuterio Méndez 11, colonia Churubusco-Coyoacán, C. P. 04120, en la Ciudad de México.

Además, los invitamos a seguirnos por Facebook y Twitter.

Así como la página Internet de Paso de Gato.

Cine Toma 40: Lejos del lujo y el dispendio

abril 30, 2015

Relatos de filmaciones de bajo presupuestoPortada Toma 40-Ch

Aquí está la portada del número 40 de Cine Toma, revista bimestral de cultura cinematografía que circulará a nivel nacional, durante mayo y junio, en locales cerrados, con una imagen del actor Gustavo Sánchez Parra, protagonista de la película Las búsquedas (México, 2014), de José Luis Valle, un drama en torno a la soledad y a los seres queridos perdidos en circunstancias terribles, cuya filmación tuvo un costo de apenas mil quinientos dólares.
El dossier principal: “LEJOS DEL LUJO Y EL DISPENDIO. Relatos desde filmaciones de bajo presupuesto”, aborda los métodos, las vías de acción, la forma de planear, la crítica al sistema actual de subsidios en México y la ética económica y fílmica de distintos realizadores que han encontrado . Abre las páginas un extracto de las conferencias dictadas por el Rey del cine B, el estadounidense Roger Corman, durante su visita al decimonoveno Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF). Complemento del anterior es el ensayo de Pedro Paunero en torno al género barato, comercial y tremendista del sexploitation. Y es el propio José Luis Valle quien nos ofrece sus reflexiones luego de haber filmado Las búsquedas como un experimento de austeridad conceptual, económica y de energía. Espejeando lo anterior, se publica una entrevista de Jorge Luis Tercero con el mismo Valle, en torno a los cruces entre lo onírico y la vigilia. Autora ya de cuatro largometrajes, Yulene Olaizola explica la operación de los fondos de subsidio al cine en México desde un punto de vista crítico con ejemplos puntuales. Adelante, se encuentra una entrevista con Ricardo Silva y Adrián Durazo, director y fotógrafo de Navajazo,  una película fronteriza, no sólo por ocurrir en Tijuana sino por el género y el tipo de narrativa que emplea. En seguida, Inti Cordera, de La Maroma Producciones, explica cómo logró distribuir el documental Purgatorio, con 200 mil pesos, en 107 sedes, con 240 proyecciones y 10 mil espectadores. En entrevista con Christian Sida, se discute el cine independiente a través de La maldad, de Joshua Gil, producida por Fabiola de la Rosa, y de Made in Bangkok, de Flavio Florencio. El documental realizado con equipo barato, acorde con la economía de sus personajes, es explicado por Rafael Rangel, director de Un día en Ayotzinapa 43. Uno de los más prolíficos realizadores de videohome en México, Cristian González, es entrevistado por Fabián de la Cruz. Y la piratería como un fenómeno sí ilegal pero también como una prolífica forma de distribución fílmica es estudiada por Irving Torres Yllán.
En otros contenidos, Fotofijas ofrece un vistazo al trigésimo Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG). Ensayo incluye el texto de Jesse Lerner incluido en el libro Rubén Gámez. La fórmula secreta.  En Industria, Víctor Ugalde analiza el apabullamiento de la cartelera por parte de los blockbusters estadounidenses, que llegan a ocupar hasta el 70% de las pantallas, y Roque González analiza la normativa argentina para los estrenos extranjeros, y Octavio Maya aborda la filmación en la Ciudad de México de la película Spectre, vigésimo cuarta entrega de la serie de James Bond. Académicas reproduce el ensayo de Eduardo de la Vega sobre la edición facsimilar del libro Nuevo cine, además de la lista completa de candidatos a la quincuagésima séptima entrega de los premios Ariel. Desde la Filmoteca de la UNAM aborda el ciclo conmemorativo en torno al centenario de Orson Welles. La novena entrega del Curso de Actuación para Cine, de José Sefami, ofrece algunos consejos sobre cómo interactuar con el director ya en el set. Libros presenta un adelanto del libro El cine actual, confines temáticos, de Jorge Ayala Blanco. En Festivales, se da un adelanto del octavo Foro de Animación Contemporánea Animasivo, por parte de su directora, Lucía Cavalchini; del séptimo Festival de Cine Mexicano de Durango, por parte de Christian Sida, y del séptimo Festival de Cine en Fresnillo, por parte de su directora, Gabriela Marcial Reyes. Estrenos presenta El gran pequeño, de Alejandro Gómez Monteverde y con Eco de la montaña, de Nicolás Echevarría

“Chronic”, de Michel Franco y “Las elegidas”, de David Pablos, en competencia del LXVIII Festival de Cannes

abril 17, 2015

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La mañana del jueves 16 de abril de 2015, se dio a conocer en París, la Selección Oficial del sexagésimo octavo Festival Internacional de Cine de Cannes, que se realizará del 13 al 24 de mayo en dicha esa ciudad balnearia de la Costa Azul francesa, por parte de su nuevo presidente, Pierre Lescure –en sustitución de Gilles Jacob–, y de su actual director, Thierry Fremaux. Este año habrá dos presidentes del Jurado de la Competencia, los hermanos Joel y Ethan Coen, cineastas estadounidenses; en tanto que la actriz y directora italo-estadunidense Isabella Rossellini, presidirá el Jurado de la Sección Una cierta mirada (Un Certain Regard), y el director mauritano Abderrahmane Sissako, será la cabeza del Jurado de la Cinéfondation y de los cortometrajes. El cartel oficial de este año rinde homenaje a la actriz danesa Ingrid Bergman –madre de Isabella Rossellini–, en su centenario natalicio, quien fuera presidenta del Jurado de Cannes en 1973,  y representa apenas la primera de las múltiples celebraciones en torno a su figura, que se extenderán hasta septiembre, con el espectáculo Ingrid Bergman Tribute, de Guido Torlonia y Ludovica Damiani, que se presentará en Estocolmo, Roma, París, Londres y Nueva York, con la presencia de Isabella Rossellini, Jeremy Irons, Fanny Ardant y Christian De Sica, entre otros . El documental Ingrid Bergman, In Her Own Words, de Stig Björkman, se proyectará en Cannes Classics.

La producción mexicana Las elegidas, de David Pablos, de Canana, fue seleccionada para integrar la sección Una cierta mirada, convirtiéndose en el único largometraje iberoamericano en competencia esta edición, pues ninguna película española, argentina ni brasileña, que suelen aspirar a algún premio en Cannes, fueron seleccionados este 2015. En la competencia de cortometrajes, hay un trabajo argentino, Presente imperfecto, de  Iair Said, en tanto que en la sección de Cinefondatión aparecen tres cortometrajes más de la región: Locas perdidas (Chile), de Ignacio Juricic Merillán; Víctor XXX (España), de Ian Garrido López, y Anfibio (Cuba), de Héctor Silva Núñez.

Unos días más tarde, el 23 de abril, se anunciaron un par de películas que complementarían la sección principal por la Palma de Oro y una de ellas es la producción estadounidense Chronic, tercer largometraje del productor y director mexicano Michel Franco, además que se anunció que el director tapatío Guillermo del Toro se integraba al Jurado de la Competencia. Además, a la sección Una Cierta Mirada, se sumaron los filmes más recientes del colombiano José Luis Rugeles Gracia; del filipino Brillante Mendoza, del etiope Yared Zeleke, y del tailandés Apichatpong Weerasethakul. Además de que Love (Francia), de Gaspar Noé, será estrenada en una proyección de medianoche.

Estas son las cintas que competirán este año en Cannes:

Película de inauguración (fuera de competencia):

La Tête haute (Francia), de Emmanuelle Bercot.

Selección Oficial en Competencia

Dheepan (Francia), de Jacques Audiard

La loi du Marché (Francia), de Stéphane Brizé.

Marguerite et Julien (Francia), de Valérie Donzelli.

Il racconto dei racconti (Italia-Francia-Reino Unido), de Matteo Garrone.

Carol (Reino Unido-Estados Unidos), de Todd Haynes.

Nie yin niang (Taiwán), de Hou Hsiao-Hsien.

Shan He Gu Ren (China-Japón), de Jia Zhang-Ke

Umimachi Diary (Japón), de Hirokazu Koreeda.

Macbeth (Reino Unido-Francia-Estados Unidos), de Justin Kurzel.

The Lobster (Grecia-Reino Unido-Irlanda-Países Bajos-Francia), de Yorgos Lanthimos.

Mon Roi (Francia), de Maïwenn.

Mia Madre (Italia-Francia), de Nanni Moretti.

Saul fia (Hungría), de László Nemes.

La giovinezza (Italia-Francia-Suiza-Reino Unido), de Paolo Sorrentino.

Louder Than Bombs (Noruega-Francia-Dinamarca-Estados Unidos), de Joachim Trier.

The Sea of Trees (Estados Unidos), de Gus Van Sant.

Sicario (Francia), de Denis Villeneuve.

Chronic (Estados Unidos-México), de Michel Franco.

Valley of Love (Francia), de Guillaume Nicloux.

Una cierta mirada

An (Japón), de Naomi Kawase (película inaugural).

Masaan (India), de Neeraj Ghaywan.

Hrútar (Islandia), de Grímur Hákonarson.

Kishibe no tabi (Japón), de Kiyoshi Kurosawa.

Je suis un soldat (Francia-Bélgica), de Laurent Larivière.

Zvizdan (Croacia-Serbia-Eslovenia), de Dalibor Matanic.

The Other Side (Italia-Estados Unidos), de Roberto Minervini.

Un etaj mai jos (Francia-Rumania-Alemania-Suecia), de Radu Muntean.

Mu-roe-han (Corea del Sur), de Oh Seung-euk.

Las elegidas (México), de David Pablos.

Nahid (Irán), de Ida Panahandeh.

Comoara (Rumania), de Corneliu Porumboiu.

Chauthi Koot (India), de Gurvinder Singh.

Madonna (Corea del Sur), de Shin Su-won.

Maryland (Francia), de Alice Winocour.

Alias María (Colombia-Argentina), de José Luis Rugeles Gracia.

Taklub (Filipinas), de Brillante Mendoza.

Lamb (Etiopía), de Yared Zeleke.

Cemetery of Splendour (Rak Ti Khon Kaen, Tailandia), de Apichatpong Weerasethakul.
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Ernesto Contreras explora el deseo y la culpa en “Las oscuras primaveras”

febrero 9, 2015

Cruda, emocionalmente hablando

Por Salvador Perches

Época de renacimiento, de vitalidad y de fertilidad, la primavera suele ser representada de manera alegre, colorida y abundante. Pero rompiendo con esa costumbre, el veracruzano Ernesto Contreras nos entrega un relato en el que la sexualidad contenida de dos seres atados familiarmente explota justamente en esta temporada, poniendo a prueba los límites entre la libertad, la responsabilidad y la culpa.

Las Oscuras Primaveras

La representación no sólo cinematográfica sino pictórica, literaria y hasta fotográfica de la estación primaveral no sólo se asocia con el reverdecimiento, la vuelta de los colores y de la activa vida silvestre tras la crudeza del invierno, sino incluso con sentimientos de alegría, abundancia y un frondoso desbordamiento de los sentidos. Pero la pulsión sexual que se experimenta en el mundo fílmico creado por Ernesto Contreras, desmitifica absolutamente la versión luminosa de la época que inicia con el primer equinoccio, despojándolo de flores coloridas, abejas laboriosas y aves canoras, para dar paso a la fuerza de la naturaleza, la lucha por la supervivencia y la perpetuación.

Tras una profusa trayectoria como cortometrajista con los títulos Sueño polaroid (México, 1997); Gente pequeña (México, 1999); Sombras que pasan (México, 1999); Ondas hertzianas (México, 2000); Tardes (México, 2000); El milagro (México, 2000), y Los no invitados (México, 2003), Ariel al Mejor Cortometraje de Ficción, el veracruzano Ernesto Contreras, egresado de Realización Cinematográfica en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (cuec) de la unam, logró una alabada ópera prima, Párpados azules (México, 2007), un intimista drama –con guión de su hermano Carlos Contreras− sobre una empleada de una fábrica de telas (Cecilia Suárez) en conflicto por no tener a quien invitar a un viaje a la playa para dos personas que ganó en una rifa, lo que la acerca a un ex compañero de secundaria que ya no recuerda (Enrique Arreola). La cinta obtuvo el Premio Horizontes en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián; el Premio Especial del Jurado en Sundance, y compitió por la Cámara de Oro y el Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes, además del Mayahuel a Largometraje Iberoamericano de Ficción y Mejor Guión, lo mismo que el Premio Mezcal en el xxii Festival Internacional de Cine de Guadalajara, así como Ariel a Mejor Ópera Prima.

Luego de codirigir con José Manuel Cravioto el exitoso documental Café Tacvba: Seguir Siendo (México, 2010), sobre la popular banda musical mexicana, Contreras ahora entrega su segundo largometraje de ficción, Las oscuras primaveras (México, 2014), de nuevo una historia de dos personajes solitarios, que se desean profundamente pero no son libres, por lo que, para librarse de la tensión, la repartidora de café, Pina (Irene Azuela), decidirá hacerle un disfraz de león a su pequeño hijo, mientras que el plomero, Igor (José María Yázpik), comprará una fotocopiadora para su mujer (Cecilia Suárez), empero, la llegada de la primavera será un tiempo para liberarlos, llenando sus vidas de pasión y culpa.

Con guión de Carlos Contreras; fotografía de Tonatiuh Martínez; edición de Valentina Leduc; sonido de Enrique Ojeda y música de Emmanuel “Meme” del Real −integrante de Café Tacvba−, Las oscuras primaveras, compitió en la Sección de Largometraje Mexicano del xii Festival Internacional de Cine de Morelia, fue producida por Alebrije Cine y Video y la Agencia Sha, se estrenará en cartelera en enero de 2015 con distribución de Dragon Films México.

 

Luego de unos siete años de pausa en tu cine de ficción, tras Párpados azules, creaste muchísima expectativa. ¿Cómo te sientes con los resultados de Las oscuras primaveras? ¿Por qué esta pausa? ¿El tema nuevamente es tuyo?

¿Cómo me siento?, pues muy feliz de presentar en el Festival de Cine de Morelia esta película Las oscuras primaveras. En realidad no lo considero una pausa, la verdad es que nunca he parado, no hay un sólo día en que no esté haciendo algo relacionado con las películas, los proyectos y demás.

Como director, efectivamente, sólo he estrenado Párpados azules, en 2008, después codirigí con José Manuel Cravioto el documental Seguir siendo: Café Tacuva, en el 2010, y ahora Las oscuras primaveras, ya en 2014, pero además produje Los últimos héroes de la península (México, 2008), de José Manuel Cravioto, y Un mundo secreto (México, 2012), de Gabriel Mariño; y también edité el documental El paciente interno (México, 2012), de Alejandro Solar Luna. En realidad, todo el tiempo estoy con proyectos.

 

Desenganchado no estabas. Pero en esta cinta regresas al retrato de ficción de personajes grises, poco luminosos.

No, para nada. Y el tema, es nuevamente una historia de mi hermano Carlos, que es el guionista y, básicamente, es una exploración a cierto tipo de relaciones humanas, que tiene que ver con personajes que están frustrados, atrapados, asfixiados, buscando la forma de liberarse todo ello enmarcado por las estaciones, por la primavera… la película realmente comienza en invierno y narra el encuentro de un hombre y una mujer que se desean profundamente, pero no son libres: ella tiene un hijo y él está casado. Entonces, la película va de eso, todo lo que tiene que suceder para ver si esa relación se puede consumar o no.

 

En efecto, son dos seres profundamente frustrados, con un profundo deseo sexual, que no hablan mucho ni se comunican. ¿Hay cierta conexión entre estos personajes con los de Párpados azules? ¿Ambas películas reflejan la visión que tienes de la sociedad actual?

Siempre considero que es un reto comunicar mucho más a través de las imágenes que a través de los diálogos y por eso me encantan, de pronto, estas situaciones en las que no necesitamos escucharlos para entender lo que está pasando entre ellos. Yo diría que están frustrados pero, a final de cuentas, creo que más bien no se dan cuenta de la situación en la que viven, simplemente están acostumbrados, pero de pronto hay una situación que los despierta y los saca de este letargo. Entonces comienza toda esta obsesión, esta necesidad.

 

La rutina y la inercia es lo que los mueve.

Pues como muchos nos movemos, a veces.  Me parece que, de pronto, podemos estar muy recargados en nuestro trabajo o en nuestras relaciones y, de pronto, puede presentarse algo que nos despierte o nos cambie la visión y que nos genere cosas. Entonces, esa parte me gustaba mucho de esta propuesta de guión.

 

Y hay otros dos personajes que representan justamente el obstáculo para que ellos estén juntos.

Sí, digamos que cada uno de los personajes tiene ciertas dificultades, compromisos, que se convierten en lastres y tienen que encontrar la forma de liberarse. Y, bueno, no me gusta usar el término de que quiero que los espectadores se identifiquen con la película. No. Lo que pretendo es que la película los confronte, que nos haga pensar y, quizá, ver qué pasa con nuestras propias vidas también.

 

Uno puede verse retratado, al menos parcialmente, en cada de uno de los personajes o armar su propio rompecabezas a través esas piezas. Pero me parece una historia muy dolorosa, tampoco es que ellos se quieran deshacer de sus obstáculos, porque son una esposa y un hijo que también los aman.

Sí, yo creo que hay mucho amor, simplemente ante la situación, de pronto necesitan tomar decisiones y cambiar el escenario. Por otro lado, respecto a identificarnos de alguna forma, creo que hay algo de los cuatro personajes con lo que nos podemos conectar. Me parece que la madre o el esposo o el hijo parecen algo por ahí hemos pasado en algún momento, de alguna forma y parte de la intención de la película siempre fue hacer una historia de adultos para adultos, una historia que no hiciera concesiones, muy cruda si quieres, cruda que no sórdida, que es diferente. Cruda, emocionalmente hablando.

 

La escena de la fotocopiadora reproduciendo el texto del festival de primavera a la que se le va acabando el tóner se va diluyendo y se empata con la despedida del personaje de Irene, que el niño se va con su papá, que también se va desdibujando. Es una metáfora magnífica porque los personajes se van desdibujando.

Se están diluyendo. Finalmente, es una despedida. Hay un juego como de cruce de realidades, lo que tenía que ver con la fotocopiadora, lo que tiene que ver con la primavera en sí, con el disfraz del niño. Hay elementos con los que quisimos jugar para que todas estas historias se cruzaran, realidades y personajes.

 

Tu elenco es de primera. En tus películas hay muy buenos actores pero tú le sacas todo el jugo posible.

Es una de las partes que mas me gusta del proceso, justamente el trabajo con los actores, la construcción de los personajes, la construcción de este universo en que suceden las historias y, bueno, me gusta trabajar con los mejores actores posibles. En este caso tuve el privilegio de contar con José María Yázpik, Irene Azuela y Cecilia Suárez, pero también están Margarita Sanz, Hayden Meyenberg, el niño Fernando Becerril, Flavio Medina, actores que confiaron en el proyecto y se sumaron a él.

 

Chema Yázpik también aparece como productor.

Así es. José María Yazpik junto con su hermano, Carlos Meza, y su empresa Tintorera, también son productores de la película y, bueno, es un poco de lo que va el cine en este momento: crear alianzas y ver la forma de producir, buscar apoyos, inversiones y demás. En este caso, ellos, muy generosamente, desearon participar y, bueno, ahí están.

 

Aunque hay situaciones poco amables, la película no es desalentadora.

Es verdad, para mi hay una parte de la película muy esperanzadora, muy liberadora, parece que esa es la lucha que emprenden los dos, que es la de liberarse y, bueno, a algunos les va mejor que a otros, pero finalmente hay esa necesidad de lograrlo y esa energía para conseguir esa liberación.

 

Ninguno de los personajes manifiesta, abiertamente, sus sentimientos, pues la única que grita y se enoja es Irene, todos los demás tienen una gran contención. ¿Qué tan difícil fue lograr que manifiesten algo que no aflora?

El trabajo con los actores, como construir un tono y ver que todos puedan sintonizarse, sincronizarse y creo que la película requería de un tono a veces muy contenido, a veces un poco más exacerbado, por llamarlo de alguna forma, pero definitivamente tiene que ver, por un lado, con el talento de los actores, su capacidad, su formación de interpretación y, por otro lado, también con su generosidad para confiar y aventarse el clavado conmigo.

 

Un toque de tu personalidad, con la que tú firmas tus películas es el sexo. Creo que lo sexual mueve a tus personajes tanto de Párpados azules como de Las oscuras primaveras, estoy hablando de la ficción, por supuesto. ¿Estoy errado?

Yo creo que la sexualidad es parte de nosotros y creo que como seres humanos el aspecto sexual es muy importante, por supuesto que nos mueve, por supuesto que puede ser un motor, para unos más que para otros y en estas historias ha coincidido que exista ese elemento, pero tampoco creo que en mis siguientes películas tenga necesariamente que firmar con ese aspecto, no. Me parece que siempre depende del cuento quieras contar y lo qué necesita. Lo que sí puedo decirte es que nunca habido censura o pudor, al contrario, son retos, qué necesita cada película y hacerlo con todo.

 

¿Tienes alguna constante temática o formal en tu filmografía?

Pues mira, a lo largo de estos años, desde mis primeros cortometrajes hasta ahora con mis largometrajes, ha habido distintos temas, siempre son las relaciones humanas pero con diferentes aspectos: la soledad, de pronto es el amor, de pronto es la manipulación, de pronto los instintos. Hubo un tiempo en los cortometrajes en que me interesaba mucho el asunto de la fe, por ejemplo. Entonces, en el futuro, pues no sé. La verdad es que me gusta más bien estar muy abierto y ver que se va presentando, que me voy encontrando, porque creo que de eso también va ser director: probar diferentes cosas, diferentes géneros, diferentes tipos de historia. Entonces, a ver qué pasa.

 

¿En qué género prefieres moverte?

Hablando de géneros, creo que, en términos de ficción, hasta ahorita ha sido el drama lo que he explorado, sin embargo, bueno, Párpados azules es un híbrido, porque era drama pero había cierto humor, entonces era una cosa muy agridulce.

 

En términos dramatúrgicos sería una pieza.

Sí, lo que pasa es que, cinematográficamente hablando, no vas al Blockbuster y buscas el apartado de piezas. Entonces, eso va mas en el teatro, pero sí, efectivamente, creo que podríamos decir que son una especie de piezas. El caso de Las oscuras primaveras es un drama mucho mas denso, oscuro y retorcido, pero bueno, la verdad es que se me antojaría hacer un musical, se me antojaría hacer una comedia… estoy abierto a experimentarlo todo.

Las Oscuras Primaveras

 

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 38 de la revista cine TOMAde septiembre-octubre de 2014. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

 

La familia en femenino de Catalina Aguilar Mastretta en “Las horas contigo”

febrero 6, 2015

Es muy mexicano pero también universal

Por José Juan Reyes

La vuelta a la casa en la que transcurrió la niñez, en Puebla, para acompañar los últimos días de la querida abuela que la crió −pues la carrera artística de la madre, una famosa cantante, le impidió que ella lo hiciera−, hará que una joven mujer se replantee sus relaciones familiares e incluso su porvenir. Tal es la clave del agridulce relato, en clave femenina, que marca el debut de Catalina Aguilar Mastretta.

 

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La crisis social, la económica y el estado de violencia por los que atraviesa el país son, sin duda, los temas más recurrentes en la producción cinematográfica nacional de los años recientes. Y las razones para hacerlo son obvias, comenzando por la reflexión necesaria, entre una larga lista. Pero en ese contexto, resaltar los aspectos más emotivos de la vida así como la necesidad de establecer vínculos profundos con nuestros familiares, amigos, conocidos e incluso con las personas en general, se convierten en una propuesta fílmica original, al tiempo que divertida.

Eso es lo que hizo la debutante Catalina Aguilar Mastretta (Ciudad de México, 1984), quizá por la herencia literaria que posee –es hija de los escritores Héctor Aguilar Camín y Ángeles Mastretta−, nos conduce a un relato que se mueve esos terrenos con la cinta dramática en tono de comedia Las horas contigo (México, 2014), una emotiva historia sobre el reencuentro de tres personajes femeninos de distintas generaciones, las que descubren el valor de la vida cotidiana al enfrentar un problema familiar que los une y confronta al mismo tiempo.

La joven “Ema” (Cassandra Ciangherotti), de clase acomodada, ve trastocada su vida cuando, en el mismo día en que decide mudarse a casa de su abuela, a quien llama cariñosamente “Abu” (Isela Vega), para acompañarla en sus últimos días, víctima de una enfermedad terminal, descubre que está embarazada. Su madre, con quien prácticamente rompió relaciones, es la popular cantante vernácula “Julieta” (María Rojo), quien adquirió la casona años atrás. Al encontrarse súbitamente compartiendo el mismo espacio, las tres mujeres han de enfrentar las situaciones que han separado y distanciado a madre e hija, pues resolver su conflicto parece ser el único faltante para que la anciana pueda morir en paz.

El filme, producido por Cuévano Films y La Banda Films, fue seleccionado para competir por el Premio Mezcal en el xxix Festival Internacional de Cine en Guadalajara (ficg), se estrenó con 200 copias en la cartelera nacional a mediados de febrero, con distribución de Videocine.

La joven actriz Cassandra Ciangherotti, explica su mirada sobre este largometraje: “Esta película es un retrato contemporáneo de cómo son las relaciones al interior de una familia mexicana, lo cual significa que pueden ser muy extremas, que van del rechazo a la aceptación total, de la fraternidad a la desconfianza… todo visto de un modo irónico, un tanto dramático también. Desde luego que tiene que ser así, pero sin que ese sea el centro de la propuesta de la directora sino, más bien una manera de reflexionar acerca de las cosas más valiosas de nuestra existencia: el amor a nuestra familia, a pesar de las diferencias que puedan existir, y la solidaridad que surge cuando enfrentamos una crisis que nos afecta a todos”.

En esta historia que reúne a tres generaciones, Ema es la protagonista, no sólo por ser la nieta que regresa a la casa familiar sino porque también tiene una relación muy intensa con su abuela, ya que durante su niñez pasó mucho tiempo con ella, debido a las actividades artísticas de su madre divorciada, cuyas ausencias terminaron por arruinar su relación, pues siempre prefirió a su profesión a la maternidad. No es sino hasta la enfermedad de la “Abue”, cuando las tres tienen que pasar mucho tiempo juntas.

En este parteaguas dentro de su vida personal, pareciera que lo único que queda a Ema es resignarse, esperar y despedirse, pero la crisis familiar le hará enfrentar no sólo a la distante relación con su madre, sino con su hermano “Pablo” (Julio Bracho), su mujer estadounidense “Amanda” (Isabella Camil) y su hijos, más estadounidenses que mexicanos.

Además de tener que enfrentar y quizás resolver la conflictiva relación con su mamá; al mismo tiempo Ema se encuentra indecisa respecto a continuar su embarazo, e incluso si quiere seguir con su novio “Manuel” (Pablo Cruz). La reflexión entonces se vuelve emotiva, adquiere tintes dramáticos, pero es un emotivo y bello cuadro costumbrista sobre las relaciones humanas.

Catalina Aguilar Mastretta, quien en los apellidos lleva la fama, retoma en esta historia su propia experiencia de lidiar con la muerte de su abuela para narrar cómo estas tres mujeres atraviesan por una situación similar, no para superar su propio duelo, sino para generar una reflexión profunda y divertida sobre el tema. De hecho, la locación principal es la casa que fuera de su propia abuela, en Puebla.

Pero aunque Las horas contigo es claramente una película femenina, la propuesta está dirigida a todo público, pues enfrentar el fallecimiento de un familiar, es algo que nos toca a todos. Curiosamente y sin proponérselo, ensambló un equipo de mujeres para esta filmación, ” fueron mujeres: Berenice Eveno como directora de fotografía, Ana Solares, en el departamento de diseño de producción; Joceline Hernández, como coproductora; Vivan Brown, asistente de dirección; Brenda Gómez, encargada de vestuario, y Sandra Miguelli, responsable de maquillaje.

Al respecto, explica Catalina Aguilar Mastretta: “Contar historias es un valor familiar. El medio del cine es, finalmente, el que vi de niña. A pesar de que mis papás eran escritores, vimos mucho más cine que los libros que leímos. Supongo que no hay demasiada diferencia entre una cosa y otra. Lo que me gusta mucho del cine es que es muy colaborativo, es de mucha gente. Se crea entre muchas personas, es la mejor parte de la creatividad de mucha gente puesta al servicio de una misma cosa y eso es muy mágico. Me emociona mucho ver cómo reacciona el público con esta historia, pues me doy cuenta de que en verdad les toca el corazón, lo cual es el propósito central de la película. Nos asomamos al interior de una familia, vemos cómo se saludan y se despiden, y en el medio ocurren cosas muy divertidas, pues entre ellos se critican mucho, pero si alguien de fuera lo hace, todos enfurecen… como ocurre en todas nuestras familias. Además, la presencia de la abuela y la proximidad de su muerte, hacen que todo se vuelva algo más universal, sí, muy mexicano, pero también universal”.

La experiencia de filmar su primera película ha enfrentado a la realizadora con una serie de situaciones que la han confrontado, también, con su propia vida. “Mis apellidos son conocidos, pero en verdad eso no han ayuda a hacer las cosas, a filmar o a conseguir financiamientos. Yo misma me sentiría muy mal si así fuera, pues lo que quiero es abrirme paso en este medio, que en México es adverso, complicado y dominado por hombres. No quiero sonar quejumbrosa, pues mi intención es la de señalar el contexto en que desarrollamos nuestro trabajo las mujeres cineastas en el país. Así que me siento particularmente afortunada de poder filmar, de contar con apoyos estatales para el financiamiento –el filme recibió el estímulo fiscal del Eficine, previsto en el artículo 189 de la Ley del Impuesto sobre la Renta– aunque me parece que no es sano que el Estado sea el único que apoye al cine, pero no hay de otra, es eso o quedarnos con las ganas de hacer una película-, de estrenar y desde luego, de que al público le interese la película”.

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Primer Festival Internacional de Cine en San Cristóbal de Las Casas

enero 17, 2015

Una ventana al mundo

Por Iliana Pichardo Urrutia

Un nuevo festival, de entre el centenar que se organizan en México anualmente, surgirá en San Cristóbal de Las Casas, en Chiapas, en la segunda mitad de enero. Pero este Festival Internacional de Cine no buscará fortalecerse en la parte de industria ni de mercado, sino ser un espacio emblemático y propicio para el encuentro cosmopolita, para la discusión, el análisis y, sobre todo, la conformación de una comunidad reunida por su afecto al cine.

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San Cristóbal de Las Casas ha sido un escenario activo de movimientos sociales trascendentes. Un lugar con identidad y tradiciones fuertes, gracias a la presencia de grupos étnicos de legado maya −como los tzotziles y tzeltales−, que en gran medida han mantenido sus comunidades, su historia, su lengua y su cosmovisión. También ha sido una ciudad percibida internacionalmente como un centro de trabajo en materia de derechos humanos, además de un lugar pluricultural.

Es ahí, en esta ciudad pequeña pero cosmopolita, con todos los atributos necesarios para organizar eventos culturales de trascendencia internacional, donde, del 16 al 24 de enero de 2015, se efectuará la primera edición del Festival Internacional de Cine de San Cristóbal de Las Casas, que busca convertirse en un espacio de encuentro anual para propiciar la participación cultural y artística entre cineastas, académicos, artistas audiovisuales, intelectuales, estudiantes y público en general; un espacio de intercambio de ideas y reflexión sobre grandes temas de interés mundial, a través del cine; además de contribuir a proyectar a la entidad como uno de los más ricos y vastos destinos turísticos. También, involucrará de forma directa al público local.

Como en la mayor parte del mundo, el número de festivales fílmicos en México resulta exagerado si todos siguen el mismo formato, por eso elegimos una fórmula distinta en San Cristóbal de Las Casas: trabajar en ejes temáticos específicos Identidad, Sociedad y Medio Ambiente y, sobretodo, utilizarlo para reflexionar juntos para, además de obtener un disfrute como espectador, recibir un gozo de ser humano, y el gusto de ser miembro de una comunidad.

El cine que proponemos enriquece a cada uno de los espectadores quienes se ven reflejados a través de personas muy distintas, que viven en lugares muy lejanos; la universalidad de las emociones humanas, de los problemas sociales. Es cine para dialogar juntos, espectadores, artistas e invitados del festival.

Tres ejes de programación

En esta primera edición tendremos competencia de ficción, de documental y de cortometraje, misma que reúne películas con menos de un año de haberse exhibido en su país de origen, muchas de ellas inéditas en México, pero otras no y no importa, no queremos construir un festival importante a nivel de industria, para esto hay muchos otros. Aquí lo importante es saber quiénes somos y quiénes compartimos la película, es decir, los autores que la hacen y los espectadores que la ven. El objetivo es dar a conocer la situación de la sociedad humana en los cinco continentes. En la Competencia vamos a visitar alrededor de 40 países.

Cada categoría será reconocida con el premio Ámbar, mismo que será realizado por el artista plástico Pedro Agustín Molina Ortega, originario del municipio La Libertad, quien ha sido distinguido como Gran Maestro Artesano de Chiapas y ha obtenido más de veinte premios en el Concurso Estatal de Ámbar.

Como complemento, propusimos una sección que se llama Tiempo y Memoria, una reflexión más etnográfica y arqueológica, de la sociedad humana, de la cultura. Esta primera edición estará concentrada en Chiapas, con filmes de hace 30 o 40 años y otros producidos este año. Cada película será presentada por sociólogos y otros expertos universitarios. Los largometrajes que se presentarán son: Chac: el dios de la lluvia (México, 1974), de Rolando Klein; Cascabel (México-Panamá, 1976), de Raúl Araiza; La danza del hipocampo (México, 2014), de Gabriela Ruvalcaba, y Un lugar llamado Chiapas (A Place Called Chiapas, Canadá, 1998), de Nettie Wild, además de nueve cortometrajes más.

Tendremos también la sección Pulso del Mundo, con temas que mueven a la sociedad actualmente. Desde mexicano, sentimos que había dos temas muy fuertes: el caso de Wirikuta, no con un mensaje político sino para cuestionar y entender lo que ocurre y cuáles son los desafíos; el otro va sobre una actualidad muy candente en México: el luto personal y a nivel de sociedad, a través de dos documentales mexicanos conmovedores, por un lado Retratos de una búsqueda (México, 2014), de Alicia Calderón, que retrata a cuatro madres que sufrieron la desaparición de un hijo y, el otro, La hora de la siesta (México, 2014, de Carolina Platt con testimonios de tres familias que perdieron un niño en el incendio de la guardería ABC. Lo importante no es apuntar responsabilidades políticas, sino cuestionar cuál tendría que ser la respuesta de una sociedad humana digna frente a situaciones inaceptables e imposibles de mantener en el corazón y en la mente.

También veremos filmes con situaciones comparables en Colombia, Argentina. Marruecos e Irak y la lucha de los seres humanos para proteger un patrimonio cultural y un modo de vida.

 

Funciones gratuitas y especiales

Dialogaremos de muchas maneras. Es un festival gratuito, en el que todo el mundo puede venir a encontrarse y debatir con los creadores. Vendrán muchos directores o actores a acompañar su película desde China, Australia, Europa, África, América del Norte y del Sur. Otra cosa importante es que cada día, durante el festival, una película será presentada al aire libre, doblada al tzotzil en la Plaza Central de San Cristóbal de Las Casas, este hecho permitirá el acceso a otro público de un cine que se preocupa por atestiguar el estado de la sociedad humana.

En colaboración con la Filmoteca de la UNAM, se proyectará una selección de ¡Qué viva México! (Da zdravstvuyet Meksika!, Unión Soviética-Estados Unidos-México, 1931), basada en las imágenes que Sergei Eisenstein filmó en México, musicalizada en vivo por el Ensamble Cine Mudo, dirigido por José María Serralde Ruiz. Y se proyectará el documental Bering, equilibrio y resistencia (Estados Unidos-México, 2013), de la fotógrafa y cineasta Lourdes Grobet, quién además montará la instalación fotográfica y de video titulada Flujos.

Y cada noche, habrá una función al aire libre en la Plaza Cívica de San Cristóbal de Las Casas, con películas internacionales traducidas al tzotzil, entre las que se cuentan Guten Tag, Ramón (México-Alemania, 2013), de Jorge Ramírez Suárez; El Niño y el mundo (O menino e o mundo, Brasil, 2013), de Alê Abreu; White Moss (Rusia), de Vladimir Tumaev, y  Gone Wild (Rumania), de Dan Curean. El baterista Billy Martin, del trío Medeski, Martin and Wood, también ofrecerá un concierto.

Homenajes a Gavras y a Fons

El Festival de cine de San Cristóbal dedicará su Retrospectiva al realizador greco-francés Costa Gavras, un ser humano muy comprometido con su arte, con su postura social, no es un hombre politizado sino que es un ciudadano comprometido en mejorar su sociedad y la condición de vida de los seres humanos que la componen. Él recibirá la primera edición de un nuevo reconocimiento que prepara la Cineteca Nacional junto con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), que será entregada por el presidente de este último organismo, Rafael Tovar. Además impartirá, naturalmente, una master class, además de su participación en debates y diversos encuentros con el público y con jóvenes artistas de Chiapas.

De su vasta filmografía se seleccionaron las películas Z (Francia-Argelia, 1969); La Confesión (L’aveu, Francia-Italia, 1970); Estado de sitio (État de siège, Francia-Italia-Alemania Occidental); Desaparecido (Missing, Estados Unidos, 1972); La caja de música (Music Box, Estados Unidos, 1989), y El capital (Le capital, Francia, 2012).

Por otro lado, el director veracruzano Jorge Fons, también será motivo de una retrospectiva, al ser uno de los cineastas más importantes de su generación. En el festival se proyectarán las películas “Caridad”, de Fe, Esperanza y Caridad (México, 1972); Los albañiles (México, 1976); Rojo amanecer (México, 1989); El callejón de los milagros (México, 1994) y el cortometraje La cumbre (México, 2003). También impartirá un taller “De director a director”, en el que jóvenes directores se reapropiarán y trabajarán una secuencia del clásico Rojo amanecer (México, 1989). El maestro irá a comentar su obra, a buscar la esencia misma de su trabajo y del trabajo de las investigaciones de los jóvenes. Por supuesto, también recibirá un homenaje de manos de uno de sus intérpretes más simbólicos y representativos.

Habrá otro par de talleres, el llamado “Historias de Cine”, que será impartido por la reconocida guionista Beatriz Novaro y “Diálogo Creativo”, a cargo de la cineasta y fotógrafa Lourdes Grobet.

Un lugar y una audiencia

La festivalitis es una enfermedad que afecta a muchos países. Pero sólo si los festivales programan no en favor de la audiencia sino en contra de los demás festivales. Nuestro festival se construye de otra manera, en una singularidad total, al ofrecer un material que no busca ser mejor que él de los demás, sino que es específicamente para este lugar y esta audiencia. Hay estrenos pero no fueron programados por ser estrenos, vinieron a nosotros en la lógica de lo que tenemos que presentar, que cuestionar. Esperamos que los adictos de la festivalitis no descarten San Cristóbal porque no vienen los vendedores y distribuidores, los “profesionales de la profesión”, como dice Jean-Luc Godard, de manera muy cínica y provocativa.

El Festival de Cine de San Cristóbal, es un festival en el que se reúnen seres humanos, todos al mismo nivel, ya sean artistas, intelectuales o habitantes de la localidad, que hablen tzotzil o cualquier otro idioma de esta tierra. Por ello esperamos, durante enero, convertir a San Cristóbal de Las Casas en una ventana al mundo. Una semana para vivir el cine en los espacios públicos disfrutando de la arquitectura, la gastronomía y las tradiciones de la ciudad. El Festival de cine de San Cristóbal será el sitio de convergencia del cine nacional e internacional en esta ciudad que descansa en un escenario impresionante rodeado por los bosques de los Altos de Chiapas.

Nota bene: El presente artículo surge de una conversación entre Iliana Pichardo Urrutia y Jean-Christophe Berjon, asesor del primer Festival Internacional de Cine de San Cristóbal de Las Casas.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 38 de la revista cine TOMAde septiembre-octubre de 2014. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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Homenaje a Alberto Isaac en el Día de la Academia

septiembre 24, 2014

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El Día de la Academia, que mensualmente realiza la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) en la La Cineteca Nacional, estará dedicado al cineasta Alberto Isaac (Ciudad de México, 1925-1998), este miércoles 24 de septiembre, en la sala 9 “Juan Bustillo Oro”.

A las 17:00 horas el homenaje inicia con la exhibición de la cinta El rincón de las vírgenes (México, 1972).

Después, a las 19:00 horas, proseguirá con una mesa redonda en la que participarán el director y actor Julián Pastor; el actor Raúl Adalid ; el historiador Antonio Avitia; el actor y director Mario Casillas; teniendo como moderador al realizador Juan Antonio de la Riva.

Y a las 21:00 horas, las actividades cerrarán con la proyección de Tívoli (México, 1974).

Alberto Isaac fue maestro normalista, pero sólo ejerció dos años. Luego fue nadador y participó en los Juegos Olímpicos de Londres (1948) y Helsinki (1952). Fue caricaturista en publicaciones como Don Timorato, El Universal, El Universal Gráfico, Atisbos, El Sol de México y Novedades. Fue editor de la sección de espectáculos del Esto, durante 25 años y director de la Asociación de Periodistas Cinematográficos de México (Pecime). En 1981, recibió el Premio Nacional de Periodismo. Fue Director de Cinematografía en 1982 y, luego, primer director del Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine]), entre 1983 y 1986.

Dirigió las películas En este pueblo no hay ladrones (México, 1964), sobre un cuento homónimo de Gabriel García Márquez, ganador del primer Concurso de Cine Experimental del STPC y de La Vela de Plata en el Festival de Locarno; Las visitaciones del diablo (México, 1967); Olimpiada en México (México, 1968); Futbol México 70 (México, 1970); El pueblo del Sol (México, 1980); Los días del amor/Gabriel (México, 1971); El rincón de las vírgenes (México, 1972), basada en dos relatos de Juan Rulfo; Tívoli (México, 1974); Cuartelazo (México, 1976); Las noches de paloma (México, 1977); Tiempos de lobos (México, 1981), por la que ganó el Ariel a Guión Cinematográfico; Mariana, Mariana (México, 1987); Maten a Chinto (México, 1989), y Mujeres insumisas (México, 1993).

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Le cinéma IFAL inicia actividades en septiembre

septiembre 5, 2014

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Una nueva sala de exhibiciones se abrirá en la Ciudad de México, se trata de Le cinéma IFAL, que funcionará en la antigua Sala Molière del Instituto Francés de América Latina (IFAL), ubicado en Río Nazas 43, en la colonia Cuauhtémoc, que recibirá al público los siete días a la semana con funciones de películas de estreno, ciclos temáticos, homenajes y charlas sobre cine.

Este miércoles 10 de septiembre, a las 19:30 horas, se realizará la función inaugural, con la proyección del largometraje musical Las señoritas de Rochefort (Les demoiselles de Rochefort, Francia, 1967), de Jacques Demy, con Catherine Deneuve y su hermana Françoise Dorléac, Jacques Perrin, Michel Piccoli, Danielle Darrieux, George Chakiris, Grover Dale y Gene Kelly, y música de Michel Legrand, ganó e lPremio Max Ophüls y fue nominada Oscar en las categorías de Mejor Banda Sonora, Mejor Música y Mejor Musical. Además, se proyectará previamente el cortometraje ganador del premio La Palmita 2014, del XVIII Tour de Cine Francés, Ramona (México, 2014), de Giovanna Zacarías, protagonizado por la actriz Columba Domínguez, fallecida el 13 de agosto anterior.

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