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Cinemex informa que sí proyectará “La región salvaje”, de Amat Escalante

febrero 1, 2018

La región salvaje Cinemex

Luego de que mediante el servicio de microblogging Twitter, el productor de Mantarraya, Jaime Romandía, denunciara que la cadena Cinemex –la segunda más importante del país– decidió no programar en sus salas el tan esperado estreno de La región salvaje, de Amat Escalante, se generó una cadena de indignación en el medio fílmico, sobre todo por un tuit previo del director Alfonso Cuarón en el que se quejaba de tal decisión, la empresa exhibidora decidió incluir al filme ganador del León de Plata a Mejor Director en el LXXIII Festival de Cine de Venecia. Curiosamente, a las 18:10 horas de ese miércoles 31, en un comunicado de prensa de Cinépolis Distribución se informaba del estreno de la cinta pero sólo mencionaban las 59 pantallas del circuito de Cinépolis en que se estrenaría el viernes 2 de febrero e incluyendo las salas del circuito independiente como la Casa del Cine, el Cine Tonala, Cinema IFAL, Cinemania Loreto, Cineteca Nacional, Cineteca Nuevo León, Cineteca Alameda de San Luis Potosí y Cineteca Tijuana. Pero omitían las 28 salas de Cinemex en que también está programada y sin tocar el tema de la negativa a programarla, y a la fecha no han actualizado su lista de cines en que la cinta será estrenada.

Aquí el tuit de Romandía publicado el miércoles 31 de enero a las 18:30 horas:

A dos dias del estreno nacional nos enteramos de que no programará ni una solo copia de LA REGION SALVAJE de Amat Escalante. Tristes y extrañados por la excelente relación que hay con

Y el de Alfonso Cuarón, publicado a las 17:42 horas de ese mismo miércoles 31:

A dos días de su estreno, eliminó de su programación LA REGION SALVAJE de Amat Escalante, ganador al mejor director en el Festival de Venecia 2016. La excusa, no tener espacio por la cantidad de títulos. Esto es ofensivo e indignante. Espero reconsidere.

El cineasta tapatío Guillermo del Toro los apoyó el 31 de enero, a las 20:26 con un tuit en el que manifestaba, simplemente, su apoyo.

Me sumo a la causa.

Ante la presión de miles de personas mediante las redes sociales, es que Cinemex decidió tomar la película y programarla en sus salas, lo que el propio Cuarón anunció unas horas después, también en Twitter, a las 21:01 horas del miércoles 31.

ha decidido re-programar LA REGION SALVAJE de Amat Escalante. Aplaudo su decisión de exhibir la obra de un gran maestro del cine contemporáneo como se merece.

Por su parte, Cinemex incluso mandó un comunicado por correo electrónico, el jueves primero de febrero de 2018 a las 12:34 horas. Aquí el texto completo de la compañía.

CINEMEX PROYECTARÁ EN SUS SALAS LA PELÍCULA “LA REGIÓN SALVAJE” 

Ciudad de México, 1° de febrero de 2018.- Cinemex proyectará la película “La Región Salvaje”, a partir del viernes 2 de febrero, en diferentes salas del país.

El galardonado largometraje se suma a la gran variedad de películas en cartelera de Cinemex, entre las que destaca un listado importante de reconocidos filmes que se proyectan totalmente en exclusiva y que enriquecen la oferta de opciones para satisfacer los gustos de todos los invitados de Cinemex.

Entre las películas exclusivas que Cinemex proyectará próximamente, se encuentran las nominadas a los Premios de la Academia: The Post, Las Horas más Oscuras, Cartas de Van Gogh, Yo Tonya; además de otras proyecciones como El Último Disparo y El Pájaro Loco.

La cinta “La Región Salvaje”, del director Amat Escalante, ganador del León de Plata como mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Venecia en 2016, será proyectada en 28 complejos Cinemex, en línea con el compromiso de la empresa por impulsar y apoyar al cine mexicano, especialmente en películas que han sido reconocidas a nivel internacional y que elevan el nombre de nuestro país en el tema cinematográfico alrededor del mundo.

Cinemex mantiene como objetivo el llevar a sus invitados lo mejor del séptimo arte con la cartelera más diversa y amplia del mercado.

Un caso similar de defensa en redes sociales al cuarto largometraje de Amat Escalante, ocurrió unos meses atrás, cuando Guillermo del Toro levantó la alerta en Twitter debido a que, por trabas burocráticas, La región salvaje no podría estrenar en México cuando ya había estado en cartelera de otros países. Esto dice el texto publicado por el cineasta tapatío radicado en Toronto, del 2 de julio de 2017, a las 9:59 horas.

de Amat Escalante se va a estrenar en otros países antes que en México- parece que por un tramite oficial. No debe ser.

Tres minutos más tarde, a las 10:02, del Toro amplió su indignación hacia el prejuicio por el cine de género:

A veces pienso que es un asunto de perjuico (sic) de género cinematográfico: Si hay elementos fantásticos, los proyectos se ven con desdén.

Y a las 10:03 continuó su defensa:

Amat es un cineasta valiente y vital. Un director inteligente y arriesgado. Innovador y continuador de una narrativa a veces maldita.

Hubo otro tuit, a las 10:07:

Con “Cronos” vivimos muchos momentos con estos. Pero fue ya hace mucho. Pido a las autoridades ayuden a la exhibición de esta obra.

Uno más, a las 10:08:

Amat es parte de una generación que admiro mucho. Como Michel Franco, Gerardo Naranjo y muchos otros- Su voz es necesaria.

Y a las 10:23, cerró su serie con un lapidario:

Hay que exigir que se estrene

Empero, el 4 de julio, el periódico Reforma publicó una entrevista telefónica de la reportera Fabiola Santiago con el productor de Mantarraya, Jaime Romandía, quien aceptaba que la empresa no entregó los documentos que exige el estímulo fiscal previsto en el artículo 189 de la Ley del Impuesto sobre la Renta, conocido como Eficine distribución:

No hay nadie a quien culpar, más que un tema burocrático de que no se entregaron bien los documentos. Desgraciadamente por esperar esto del EFICINE sí vamos a tener que esperar y va a salir en varios países antes que en México”, señaló en entrevista telefónica el productor y distribuidor del filme, Jaime Romandía.

De este modo, el proyecto que fue rechazado en el primer periodo de 2017, abierto entre el primero y el 28 de febrero de 2016 y aprobado en la primera Sesión Ordinaria del Comité Interinstitucional que otorga dicho estímulo el 31 de mayo, pero acabaría siendo aprobado en el segundo periodo, cuyo registro estuvo abierto del 16 de junio al 15 de julio de 2016 –es decir, justo cuando Del Toro realizó la protesta, justo cuando se inscribieron por segunda vez, habiendo sido ya rechazados en mayo–, y cuya segunda Sesión Ordinaria se realizó el 27 de octubre de 2017, por un monto ajustado por la evaluación técnica y/o fiscal, por un millón 500 mil pesos que les entregó Banca Afirme.

La influencia que tienen los cineastas mexicanos en Hollywood ha sido más que notoria en el caso de Escalante, ganador del premio a Mejor Director, primero en el LXVI Festival Internacional de Cine de Cannes, en mayo de 2014, con Heli (México-Francia-Alemania- Países Bajos, 2013), y tres años más tarde en la LXXIII Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, en septiembre de 2016. Pero al ser apoyos apresurados, no siempre cuentan con la información suficiente, misma que ofrecemos al lector para ofrecerle un contexto desde el cual hacerse un juicio.

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Apoyos a investigadores, festivales y muestras, y a la postproducción de largometrajes de Procine en 2018

enero 24, 2018

Dos nuevos concursos de cortometraje: “50 años del 68” y “19S cultura solidaria y reconstrucción”

El Fideicomiso para la Promoción y Desarrollo del Cine Mexicano (Procine), con el propósito de promover el desarrollo de la industria fílmica y la formación audiovisual de los capitalinos, ha lanzado tres convocatorias que ofrecen apoyos económicos en torno al desarrollo de la cultura cinematográfica: Apoyo a la investigación de audiencias de cine mexicano en la Ciudad de México; Apoyo a la promoción y exhibición del cine mexicano en la Ciudad de México a través de festivales y muestras de cine, y Apoyo a la Postproducción de Largometrajes de la Ciudad de México, además de abrir el concurso “19S Cultura Solidaria y Reconstrucción en la Ciudad de México” y “50 años del 68 en la Ciudad de México”.

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Investigación

La convocatoria en Apoyo a la investigación de audiencias de cine mexicano en la Ciudad de México está dirigida a los investigadores especializados en temas de exhibición y audiencias del cine y contenidos audiovisuales, a quienes se ofrece otorgar hasta 450 mil pesos por proyecto de investigación, siempre y cuando contenga un diagnóstico a partir de estudios de caso, así como propuestas claras y viables para mejorar la exhibición del cine mexicano en la Ciudad de México. Se recomienda que se contemplen varias delegaciones políticas, así como distintos espacios que reflejen la diversidad de modalidades y formatos de proyección del cine, además que se recomienda tomar en consideración el Circuito de Exhibición de Cine Mexicano de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, así como los colectivos culturales, cine-móviles y cineclubes apoyados por Procine en la Convocatoria del 2017.

La convocatoria cierra el 9 de marzo de 2018.

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La segunda de ellas, en Apoyo a la promoción y exhibición del cine mexicano en la Ciudad de México a través de festivales y muestras de cine, incluye a festivales y muestras de cine que se lleven a cabo en la Ciudad de México durante el  2018 con un monto de apoyo de hasta 250 mil pesos, determinado en base al presupuesto, plan de trabajo, propuesta de comunicación y número de funciones y actividades de cine mexicano en las sedes elegidas. Este apoyo se dará a aquellas Asociaciones Civiles que presenten un proyecto de festival o muestra de cine que se lleve a cabo en la Ciudad de México durante el 2018 y que incluya producciones nacionales por un mínimo del 20% de su programación total, además que demuestren atender el desarrollo y crecimiento de audiencias en poblaciones vulnerables o especializadas dentro de la urbe.

El plazo para postularse cierra el 28 de febrero de 2018. 

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Respecto al Apoyo a la Postproducción de Largometrajes de la Ciudad de México es para las casas productoras y los productores de cine con residencia legal en la Ciudad de México y tengan largometrajes de ficción, documental o animación –en caso de coproducción tener una participación mínima del 50% en el proyecto– y cuya filmación haya ocurrido un mínimo de 85% en locaciones la Ciudad de México, y que requieran de apoyo para su postproducción. Se ofrecen hasta 850 mil pesos por proyecto.

El cierre de la misma es el 30 de marzo de 2018.

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Además Procine creó el Concurso de Cortometrajes “19S Cultura Solidaria y Reconstrucción en la Ciudad de México” para que los residentes de la Ciudad de México, sin importar la edad inscriban un cortometraje por director con duración mínima de un minuto y máxima de 5 minutos, que aborde los siguientes temas: Respuesta de la sociedad civil después del terremoto; Cambio en el paisaje urbano en la Ciudad de México después del terremoto; Participación de los ciudadanos en las labores de reconstrucción después del terremoto; La cultura solidaria como un motivo de esperanza y cambio, y Memoria y reconstrucción y obviamente deben tener como locación a la Ciudad de México. Se premiará a primer lugar de cada categoría con 100 mil pesos; al segundo con 40 mil pesos, y al tercero con 25 mil pesos.

La fecha límite para inscribir trabajos es el 11 de mayo de 2018.

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El organismo también ofrece, mediante convocatoria, el Apoyo para la Producción y Realización de Cortometrajes con la temática “50 años del 68 en la Ciudad de México” para profesionales de la industria y personas con experiencia fílmica, mayores de edad y residentes en la Ciudad de México, que pueden inscribir, como director, un sólo proyecto de cortometraje de documental, ficción o animación, cuyo argumento se relacione con los sucesos de 1968 y cuya duración máxima sea de 10 minutos. Los ganadores serán incluidos en el ciclo 50 años del 68 en la Ciudad de México, y exhibidos en el circuito de exhibición de cine mexicano de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, además de otros sitios de exhibición apoyados por Procine en su convocatoria de 2017. El apoyo para los proyectos seleccionados será hasta por 600 mil pesos.

La convocatoria concluye el 4 de mayo de 2018.

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Guillermo del Toro, Mejor Director en los 75 Golden Globe Awards

enero 8, 2018

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Guillermo del Toro en la Sala de Prensa tras ganar el Globo de Oro 
al Mejor Director.

Foto: Hollywood Foreign Press Association.

La septuagésima quinta ceremonia de entrega de los Golden Globe Awards, que entrega la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés) –integrada en la actualidad por 93 miembros–, que reconocen la excelencia en cine y televisión tanto de la producción estadounidense como la internacional, se realizó la tarde-noche del domingo 7 de enero en el hotel The Beverly Hilton, en Beverly Hills, California, en una ceremonia conducida por el guionista y conductor Seth Meyers. La cinta ganadora de la noche fue 3 Anuncios por un crimen (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, Estados Unidos, 2017), de Martin McDonagh, que se alzó como Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Actriz (para Frances McDonald) y Mejor Actor (Sam Rockwell), mientras que el premio a Mejor Largometraje de Comedia fue para Lady Bird (Estados Unidos, 2017), de Greta Gerwig. La actriz y conductora Oprah Winfrey recibió el premio por trayectoria Cecil B. DeMille. La película con más nominaciones, La forma del agua (The Shape of Water, Estados Unidos-Canadá, 2017), de Guillermo del Toro, que tuvo siete nominaciones, de las que finalmente ganó las categorías de Mejor Música Original para el compositor francés Alexandre Desplat y Mejor Director, para el realizador tapatío –donde competía junto a Steven Spielberg, Ridley Scott, Christopher Nolan y Martin McDonagh–, un galardón que ya habían conseguido Alejandro González Iñárritu en 2016 por El renacido (The Revenant, Estados Unidos-Hong Kong-Taiwan, 2015) y Alfonso Cuarón, en 2014, por Gravedad (Gravity, Estados Unidos, Reino Unido-Estados Unidos, 2013). De esta manera, los “Three Amigos” ya han sido reconocidos como Mejor Director en los Golden Globes.

A continuación, les compartimos el discurso completo de Guillermo del Toro:

¡Oh, guau! Yo esperaba limpiarme la nariz con esto (el papel en que anotó su discurso). Desde la niñez he sido fiel a los monstruos. He sido salvado y absuelto por ellos. Porque los monstruos, lo creo firmemente, son los santos patrones de nuestra feliz imperfección porque nos permiten y encarnan la posibilidad de fallar y vivir con ello. A lo largo de 25 años he construido artesanalmente muchos cuentos breves y extraños hechos de movimiento, color, vida y sombras. Y en muchas de estas instancias, en tres de ellas precisamente, estas historias extrañas, estas fábulas me han salvado la vida, una vez con El espinazo del Diablo (España-México-Francia-Argentina, 2001), otra vez con El laberinto del Fauno (España-México-Estados Unidos, 2006) y ahora con La forma del agua. Porque como directores, estas cosas no sólo entran en nuestra filmografía, sino que hemos hecho un trato con un diablo particularmente incapaz que nos negocia tres años de nuestras vidas a cambio de una entrada en el Internet Movie Database (IMDb) y estas cosas son biografía, y también son vida.

Quiero agradecer a la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood, Fox Searchlight, y no estaría aquí –bajen la música, esto me tomó 25 años, denme un minuto– sin mi elenco, sin mi equipo y quiero mencionar a dos mujeres fantásticas sentadas en esta mesa: Sharon, Nancy, Octavia (Spencer), Sally (Hawkins), Kimmy y Vanessa (Taylor). Sin ellas, yo no estaría aquí. Les agradezco, mis monstruos les agradecen y en algún sitio, Lon Chaney se está riendo de todos nosotros. ¡Muchas gracias!

Con los Golden Globes inicia la temporada de premios en Hollywood, que continuarán con los Producers Guilds of América Awards, el 20 de enero, en la que compite en la categoría de Productor Destacado de Largometraje de Ficción. Luego, en los premios de la Academia Británica de Cine (BAFTA, por sus siglas en inglés), que se realizarán el 18 de febrero y en los que La forma del agua, es favorita con 12 nominaciones (Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actriz, Actriz Secundaria, Música Original, Mejor Fotografía, Diseño de Producción, Vestuario, Sonido, Efectos Visuales) y los premios Oscar, de la Academia de Hollywood, que se darán a conocer el 21 de enero.

Nominados y premios especiales de la cuarta entrega de los Premios Iberoamericanos de Cine Fénix

diciembre 6, 2017

Isaac León Frías

El crítico y académico peruano Isaac León Frías, 
Premio Fénix de la Crítica 2017.Foto: Sergio Raúl López.

 

PREMIOS ESPECIALES

Premio Fénix al Trabajo Crítico

Al académico y crítico peruano Isaac “Chacho” León Frías.

Premio Fénix de los Exhibidores (decicido por el voto del público)

Os Dez Mandamentos (Brasil, 2016), de Alexandre Avancini.

Julieta (España, 2016), de Pedro Almodóvar.

Me casé con un boludo (Argentina, 2016),de Juan Taratuto.

Un monstruo viene a verme (Estados Unidos-España, 2016), de J.A. Bayona.

¿Qué culpa tiene el niño? (México, 2016), de Gustavo Loza. .

Premio Fénix a la Trayectoria

Para la actriz argentina Norma Aleandro.

LARGOMETRAJES

Largometraje de ficción

El ciudadano ilustre (Argentina-España, 2016), de Mariano Cohn y Gastón Duprat. Productores: Arco Libre, Televisión

Abierta, Magma Cine, A Contracorriente Film, Aleph Media.

Estiu 1993 (España, 2017), de Carla Simón.Productor: Inicia Films.

A fábrica de nada (Portugal 2017), de Pedro Pinho. Productor: Terratreme Filmes.

Una mujer fantástica (Chile-Alemania-Estados Unidos-España, 2017), deSebastián Lelio. Productores: Fábula, Participant Media, Komplizen Film, Muchas gracias, Setembro Cine.

O ornitólogo (Portugal-Francia-Brasil, 2016), de João Pedro Rodrigues. Productores: Blackmaria, House on Fire, Ítaca Filmes.

La región salvaje (México-Dinamarca-Francia-Alemania-Noruega-Suiza, 2016), de Amat Escalante. Productores: Mantarraya Producciones, Tres Tunas, Adomeit Film, Bord Cadre Films, Le Pacte, Match Factory Productions, Mer Films.

Viejo Calavera (Bolivia-Qatar, 2016), de Kiro Russo. Productores: Socavón Cine, Arco Libre, Televisión

Dirección

Mariano Cohn y Gastón Duprat por El ciudadano ilustre (Argentina-España).

Carla Simón por Estiu 1993 (España).

Sebastián Lelio por Una mujer fantástica (Chile-Alemania-Estados Unidos-España).

João Pedro Rodrigues por O ornitólogo (Portugal-Francia-Brasil).

Amat Escalante por La región salvaje (México-Dinamarca-Francia-Alemania-Noruega-Suiza).

Actuación femenina

Bárbara Lennie por María (y los demás) (España).

Liliana Biamonte por Medea (Costa Rica-Chile-Argentina).

Daniela Vega por Una mujer fantástica (Chile-Alemania-Estados Unidos-España).

Paulina García por La novia del desierto (Argentina-Chile).

Antonia Zegers por Los perros (Chile-Francia).

Actuación masculina

Óscar Martínez por El ciudadano ilustre (Argentina-España).

Ricardo Darín por La cordillera (Argentina-España-Francia).

Eduard Fernández por El hombre de las mil caras (España).

Leonardo Sbaraglia por El otro hermano (Argentina-Uruguay-España-Francia).

Eduardo Martínez por Santa y Andrés (Cub-Francia-Colombia).

Guión

Andrés Duprat por El ciudadano ilustre (Argentina-España).

Carla Simón por Estiu 1993 (España).

Pedro Pinho, Luisa Homem, Leonor Noivo y Tiago Hespanha por A fábrica de nada (Portugal).

Amat Escalante y Gibrán Portela por La región salvaje (México-Dinamarca-Francia-Alemania-Noruega-Suiza).

Raúl Arévalo y David Pulido por Tarde para la ira (España).

Fotografía de ficción

Javier Juliá por La cordillera (Argentina-España-Francia).

Ramiro Civita por El invierno (Argentina-Francia).

Benjamín Echazarreta por Una mujer fantástica (Chile-Alemania-Estados Unidos-España).

Manuel Alberto Claro por La región salvaje (México-Dinamarca-Francia-Alemania-Noruega-Suiza).

Pablo Paniagua por Viejo calavera (Bolivia-Qatar).

Diseño de arte

Sebastián Orgambide y Micaela Saiegh por L a cordillera (Argentina / España / Francia).

Fernanda Carlucci por A s duas Irenes (Brasil).

Pepe Domínguez del Olmo por E l hombre de las mil caras (España).

Eugenio Caballero por U n monstruo viene a verme (Estados Unidos / España).

Estefanía Larraín por Una mujer fantástica (Chile-Alemania-Estados Unidos-España).

Vestuario

Anne Cerutti por As duas Irenes (Brasil).

Anna Aguilà por Estiu 1993 (España).

Rô Nascimento por Joaquim (Brasil-Portugal).

Muriel Parra por Una mujer fantástica (Chile-Alemania-Estados Unidos-España).

Laura Donari por El ciudadano ilustre (Argentina-España).

Sonido

Santiago Fumagalli y Federico Esquerro por La cordillera (Argentina-España-Francia).

Santiago Fumagalli, Pierre-Yves Lavoué y Federico Esquerro por El invierno (Argentina-Francia).

Marc Orts, Oriol Tarragó y Peter Glossop por Un monstruo viene a verme (Estados Unidos-España).

Nuno Carvalho por O ornitólogo (Portugal-Francia–Brasil).

Sergio Díaz, Vincent Arnardi y Raúl Locatelli por La región salvaje (México.-Dinamarca-Francia-Alemania-Noruega-Suiza).

Edición

Ana Pfaff y Dídac Palou por Estiu 1993 (España).

Cláudia Oliveira, Edgar Feldman y Luisa Homem por A fábrica de nada (Portugal).

Jaume Martí y Bernat Vilaplana por Un monstruo viene a verme (Estados Unidos, España).

Soledad Salfate por Una mujer fantástica (Chile-Alemania-Estados Unidos-España).

Música original

Camilo Sanabria por Amazona (Colombia).

Alberto Iglesias por La cordillera (Argentina-España-Francia).

Quincas Moreira por La libertad del diablo (México).

Fernando Velázquez por Un monstruo viene a verme (España).

Rodrigo Leão por No intenso agora (Brasil).

Largometraje documental

Como me da la gana II (Chile, 2016), deIgnacio Agüero.

Cuatreros (Argentina 2016), de Albertina Carri.

La libertad del diablo (México 2017), de Everardo González.

No intenso agora (Brasil, 2017), de João Moreira Salles.

El pacto de Adriana (Chile, 2017), de Lissette Orozco.

Fotografía documental

Nicolas Van Hemelryck por Amazona (Colombia).

Matías Mesa por Ejercicios de memoria (Paraguay-Francia-Alemania-Qatar).

María Secco por La libertad del diablo (México).

Adrián Orr por Niñato (España).

Mario Caporali por El teatro de la desaparición (Argentina).

 

SERIES 

Drama

3% (Temporada 1, Brasil).

Las chicas del cable (Temporada 1, España).

Cuatro estaciones en La Habana (Temporada 1, España-Cuba-Alemania).

Estocolmo (Temporada 1, Argentina).

Narcos (Temporada 2, Colombia-Estados Unidos).

Comedia

Club de Cuervos (Temporada 2, México).

Feriados (Temporada 1, Uruguay).

Nafta Súper (Temporada 1, Argentina).

Prata da Casa (Temporada 1, Brasil).

Run Coyote Run (Temporada 1, México).

Ensamble actoral

Bala loca (Temporada 1, Chile).

Cuatro estaciones en La Habana (Temporada 1, España-Cuba-Alemania).

El marginal (Temporada 1, Argentina).

Narcos (Temporada 2., Colombia-Estados Unidos).

Vis a vis (Temporada 2, España).

Nueve años de Cine Toma, número 52: El nutricio sustrato de la pantalla

octubre 10, 2017

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Cine Toma 49: El bolígrafo audiovisual

noviembre 5, 2016

La educación de y en lo cinematográfico

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Candidatos a la tercera edición del Premio Iberoamericano de Cine Fénix

septiembre 27, 2016

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La tercera edición del Premio iberoamericano de cine Fénix se efectuará el  7 de diciembre de 2016 en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”, en la Ciudad de México, por lo que el miércoles 26 de septiembre, en el Museo de Memoria y Tolerancia, se realizó el anuncio de la lista de candidatos en las trece categorías competitivas (Largometraje de ficción, Dirección, Actuación masculina, Actuación femenina, Guion, Fotografía, Edición,Diseño de arte, Sonido, Música, Vestuario y Largometraje documental y Fotografía documental), que fueron dados a conocer por la actriz mexicana Ilse Salas; el actor y productor colombiano Manolo Cardona; el director de Cinema23, Ricardo Giraldo, y el presidente de los Premios Fénix, Rodrigo Peñafiel.
De la preselección que incluyó 58 largometrajes de ficción y 25 documentales por el Comité de selección y nominación, un Comité técnico, conformado por directores, guionistas, actores, fotógrafos, diseñadores de arte, sonidistas, editores y músicos, seleccionó 18 ficciones y ocho documentales en las distintas categorías.

Esta es la lista completa:

Largometraje de ficción

Aquarius (Dir. Kleber Mendoça. Brasil – Francia, 2016 – Cinemascópio Produções, SBS Productions)

Boi Neon (Dir. Gabriel Mascaro. Brasil – Uruguay – Países Bajos, 2015 – Desvia Filmes, Malbicho Cine, Viking Film.

El Clan (Argentina-España, 2015), de Pablo Trapero. Kramer & Sigman Films, Matanza Cine, El Deseo)

Desde allá  (México-Venezuela. 2015), deLorenzo Vigas.  Factor RH Producciones, Lucía Films, Malandro Films.

Neruda (Chile-Francia-España-Argentina, 2016), dePablo Larraín. Fábula, AZ Films, Funny Balloons, Setembro Cine.

La muerte de Luis XIV (Francia-España-Portugal, 2016), de Albert Serra. Capricci Production, Andergraun Films, Rosa Filmes, Bobi Lux.

Te prometo anarquía (México-Alemania, 2015), de Julio Hernández Cordón. Interior XIII, FOPROCINE, World Cinema Fund, Rohfilm GMBH.

Dirección

Kleber Mendoça por Aquarius (Brasil-Francia, 2016).

Gabriel Mascaro por Boi Neon (Brasil-Uruguay-Países Bajos, 2015).

Pablo Trapero por El clan (Argentina-España, 2015).

Albert Serra por La muerte de Luis XIV (Francia-España-Portugal, 2016).

Pablo Larraín por Neruda (Chile-Francia-España-Argentina, 2016).

Actuación femenina

Sonia Braga por Aquarius  (Dir. Kleber Mendoça. Brasil – Francia, 2016)

Juana Acosta por Anna (Dir. Jacques Toulemonde. Colombia – Francia, 2015)ç

Érica Rivas por La luz incidente (Dir. Ariel Rotter. Argentina – Francia – Uruguay, 2015)

Magaly Solier por Magallanes (Dir. Salvador del Solar. Argentina – Colombia – Perú – España, 2015)

Jana Raluy por Un monstruo de mil cabezas (Dir. Rodrigo Plá. México, 2015)

Actuación masculina

Guillermo Francella por El clan (Dir. Pablo Trapero. Argentina – España, 2015)

Alfredo Castro por Desde allá  (Dir. Lorenzo Vigas. México – Venezuela. 2015)

Gael García Bernal por Neruda (Dir. Pablo Larraín. Chile – Francia – España – Argentina, 2016)

Luis Gnecco por Neruda (Dir. Pablo Larraín. Chile – Francia – España – Argentina, 2016)

Ricardo Darín por Truman (Dir. Ces Gay. Argentina – España, 2015)

Guión

José Luis Guerín por La academia de las musas (Dir. José Luis Guerín. España, 2015)

Gabriel Mascaro por Boi Neon (Dir. Gabriel Mascaro. Brasil – Uruguay – Países Bajos, 2015)

Julián Loyola, Esteban Student y Pablo Trapero por El clan (Dir. Pablo Trapero. Argentina – España, 2015)

Lorenzo Vigas por Desde allá  (Dir. Lorenzo Vigas. México – Venezuela. 2015)

Laura Santullo por Un monstruo de mil cabezas (Dir. Rodrigo Plá. México, 2015)

Fotografía de ficción

Diego García por Boi Neon (Dir. Gabriel Mascaro. Brasil – Uruguay – Países Bajos, 2015)

João Ribeiro por Cartas da guerra (Dir. Ivo Ferreira. Portugal, 2016)

Iván Gierasinchuk por Eva no duerme (Dir. Pablo Agüero. Francia – Argentina – España, 2015)

Sergio Armstrong por Neruda (Dir. Pablo Larraín. Chile – Francia – España – Argentina, 2016)

Fernando Lockett por Oscuro animal  (Dir. Felipe Guerrero. Colombia – Argentina – Países Bajos – Alemania – Grecia, 2016)

Diseño de arte

Maira Mesquita por Boi Neon (Dir. Gabriel Mascaro. Brasil – Uruguay – Países Bajos, 2015)

Sebastián Orgambide por El clan (Dir. Pablo Trapero. Argentina – España, 2015)

Aili Chen por La luz incidente (Dir. Ariel Rotter. Argentina – Francia – Uruguay, 2015)

Sebastián Vogler por La muerte de Luis XIV (Dir. Albert Serra. Francia – España – Portugal, 2016)

Estefanía Larraín por Neruda (Dir. Pablo Larraín. Chile – Francia – España – Argentina, 2016)

Vestuario

Flora Rabello por Boi Neon (Dir. Gabriel Mascaro. Brasil – Uruguay – Países Bajos, 2015)

Julio Suárez por El clan (Dir. Pablo Trapero. Argentina – España, 2015)

Mónica Toschi por La luz incidente (Dir. Ariel Rotter. Argentina – Francia – Uruguay, 2015)

Nina Avramovic por La muerte de Luis XIV (Dir. Albert Serra. Francia – España – Portugal, 2016)

Muriel Parra por Neruda (Dir. Pablo Larraín. Chile – Francia – España – Argentina, 2016)

Sonido

Ricardo Cutz y Nicolas Hallet por Aquarius  (Dir. Kleber Mendoça. Brasil – Francia, 2016)

Vicente D’Elia y Leandro de Loredo por El clan (Dir. Pablo Trapero. Argentina – España, 2015)

Sergio Díaz, Raúl Locatelli, Vincent Arnardi por Desierto (Dir. Jonás Cuarón. México – Francia, 2015)

Miguel Hormazábal, Roberto Zúñiga, Ivo Moraga y Rubén Piputto por Neruda (Dir. Pablo Larraín. Chile – Francia – España – Argentina, 2016)

César Salazar y Roberta Ainstein por Oscuro animal  (Dir. Felipe Guerrero. Colombia – Argentina – Países Bajos – Alemania – Grecia, 2016)

Edición

José Luis Guerín por La academia de las musas  (Dir. José Luis Guerín. España, 2015)

Fernando Epstein y Eduardo Serrano por Boi Neon (Dir. Gabriel Mascaro. Brasil – Uruguay – Países Bajos, 2015)

Alejandro Carrillo Penovi y Pablo Trapero por El clan (Dir. Pablo Trapero. Argentina – España, 2015)

Isabela Monteiro de Castro por Desde allá  (Dir. Lorenzo Vigas. México – Venezuela. 2015)

Hervé Schneid por Neruda (Dir. Pablo Larraín. Chile – Francia – España – Argentina, 2016)

Música original

Otávio Santos, Cláudio N. y Carlos Montenegro por Boi Neon (Dir. Gabriel Mascaro. Brasil – Uruguay – Países Bajos, 2015)

Sebastián Escofet por El clan (Dir. Pablo Trapero. Argentina – España, 2015)

João Lobo por John From  (Dir. João Nicolau, Portugal – Francia, 2015)

Oleg Karavaichuk por Oleg y las raras artes  (Dir. Andrés Duque. España, 2016)

Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman por Tempestad (Dir. Tatiana Huezo. México, 2015)

Fotografía documental

Luis Armando Arteaga por Eldorado XXI (Dir. Salomé Lamas. Portugal – Francia, 2016)

Carmen Torres por Oleg y las raras artes  (Dir. Andrés Duque. España, 2016)

Ernesto Pardo por Tempestad (Dir. Tatiana Huezo. México, 2015)

João Ribeiro por Treblinka  (Dir. Sérgio Tréfaut. Portugal, 2016)

Cristian Soto por El viento sabe que vuelvo a casa (Dir. José Luis Torres Leiva. Chile, 2016)

Largometraje documental

327 cuadernos (Dir. Andrés di Tella. Argentina – Chile, 2016 – Gema Films, Lupe Films)

Cinema Novo (Dir. Eryk Rocha. Brasil, 2016 – Coqueirão Pictures, Aruac Filmes Production)

Tempestad (Dir. Tatiana Huezo. México, 2015 – Pimienta Films, Cactus Films, Terminal)

Todo comenzó por el fin (Dir. Luis Ospina. Colombia, 2016 – Luis Ospina)

El viento sabe que vuelvo a casa (Dir. José Luis Torres Leiva. Chile, 2016 – Globo Rojo Producciones Limitada)

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El infierno de dos hombres atrapados en “7:19. La Hora del Temblor”, de Jorge Michel Grau

septiembre 27, 2016

El verdadero horror de estar enterrados

Por Irving Torres Yllán

Pese a que los terremotos que destruyeron extensas porciones de la Ciudad de México en 1985 fueron, indudablemente, la gran tragedia del siglo xx en la capital del país, la cinematografía mexicana se ha ocupado muy poco de retratar el horror y la destrucción que provocaron. Ahora, treinta y un años luego de los sismos, el realizador Jorge Michel Grau, afecto al género de terror, narra el claustrofóbico encierro de dos sobrevivientes atrapados por los escombros en 7:19. La Hora del Temblor.

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La fecha del 19 de septiembre de 1985 difícilmente se olvidará en el Distrito Federal. Ese día, la urbe se vio sacudida por uno de los fenómenos naturales más intensos que la hayan asolado: un sismo de tipo trepidatorio, a la vez que oscilatorio, que sacudió al país, alcanzando su punto de mayor destrucción en la capital de México, con una duración de casi dos minutos y una magnitud de 8.1 grados en escala de Richter. La cantidad de muertos aun es desconocida así como la de desaparecidos, aunque oficialmente se habla de 10 mil.

El tema ha sido tocado en diversas ocasiones por el cine mexicano, aunque el único largometraje de ficción dedicado enteramente a ello ha sido Trágico terremoto en México (México, 1987), de Francisco Guerrero y guión de Reyes Bercini, que aprovechaba los estragos que aún se veían en la ciudad unos meses después. Fuera de ello se le ha aludido en diversas películas como Mariana, Mariana (México, 1987, de Alberto Isaac), El día de los albañiles 3 (Y dónde te agarró el temblor) (México, 1987, de Gilberto Martínez Solares) o en Ciudad de ciegos (México, 1989, de Alberto Cortés).

Ahora, en 2016, se produjo una película que se adentra completamente en la situación al instalarnos al interior de un edificio que se derrumba durante el sismo, 7:19. La Hora del Temblor (México, 2016), dirigida por Jorge Michel Grau, quien en el 2010 sorprendiera con su debut cinematográfico Somos lo que hay (México, 2010) y ahora muestra un gran crecimiento y madurez como realizador.

Luego de estudiar Comunicación en la unam y realización por el Centro de Capacitación Cinematográfica (ccc), Grau se graduó en España, en la Escola Superior de Cinema I Audivisuals de Cataluya (escad) en la especialización de dirección cinematográfica. De regreso a México estudió en la escuela de teatro de la Universidad Nacional (cut), con Raúl Quintanilla, y dirección de arte en el ccc, con Alejandro Luna.

Destaca, en la cinta un extraordinario plano secuencia inicial que nos permite seguir a los personajes no sólo para presentarlos sino para que, de alguna forma, podamos ubicarles en el espacio físico y saber dónde están cuando la oscuridad les cubra. Luego de que ocurre el sismo y se desploma el edificio, es una genialidad la forma en que el director nos va abriendo el mundo, sacándonos de lo claustrofóbico del momento para dejarnos respirar cada vez un poco más. Pocas veces los directores mexicanos se atreven a jugar con los diferentes formatos en pantalla para crear sensaciones y, en esta ocasión, el resultado es impactante.

Producida por Alameda Films, Alebrije Cine y Video y Velarium Arts, 7:19 fue la película inaugural del xix Festival Internacional de Cine Guanajuato (giff). Rodada en los Estudios Churubusco y protagonizada por Damián Bichir y Héctor Bonilla, estrenará en la cartelera nacional el 23 de septiembre, con 250 copias de Cinépolis Distribución.

Por este motivo, les presentamos una entrevista con Jorge Michel Grau.

Podría parecer una película atípica respecto del cine de género que venías haciendo, pero que en realidad se inscribe muy bien dentro en tu trabajo, al abordar un tema social que roza el horror de muchas formas y que es sumamente actual, con ecos que nos alcanzan hasta este 2016.

Justo la urgencia de escribir un guión así fue lo que me movió a buscar un tema que pudiera, de alguna manera, mostrarnos lo que está sucediendo hoy en día en México. De lo que 7:19 va, a grosso modo, es sobre dos personas atrapadas en un edificio que se colapsa en el terremoto. Haciendo el símil con lo que está pasando ahora, un poco es esta tragedia que nos está aplastando, en este desorden de país que tenemos ahora, en este tiradero, es una tragedia que tiene a todos los mexicanos atrapados. Un poco por ahí fue por donde comenzamos a escribir esta historia. La primera motivación era recuperar este hecho de 1985 que tiene un largo aliento con lo que está pasando hoy en día y creo que funciona muy bien porque tiene unos símiles muy exactos con lo que estamos viviendo.

La cinta empieza con un largo travelling que muestra la interacción de todos los personajes y acabamos con dos protagonistas sin sentir nunca que sea teatral, ¿cómo llegaste a esto?

La apuesta era tratar de explorar lo que sucedía debajo de los escombros. Se ha visto mucho documental sobre el terremoto de 1985, hay muchos expertos –tanto cronistas, como historiadores, como gente que participó directamente en el rescate o en la posterior planificación de la ciudad–, pero todo eso sucedía afuera, en todo lo visible, y yo quería irme a este espacio invisible del que casi nadie habla, del que casi nadie sabe, el que era adentro de los escombros, el universo de las víctimas. ¿Qué pasaba con las personas adentro de los edificios mientras esperaba el rescate? En buena medida la gente podía creer que el gobierno estaba increíblemente movilizado para rescatarlos y conforme fue avanzando el tiempo nos dimos cuenta de que no era así, lo que sucedió fue que la sociedad civil tuvo que responder y reaccionar ante la tragedia, organizarse y rescatar a la gente. La apuesta era partir de las preguntas: ¿Qué pasa adentro de la tragedia? ¿Cómo la vive la gente?

Otro de los pretextos que buscábamos era esta exploración de las clases sociales: ¿qué pasa si uno de ellos es un político de alta alcurnia, que está en un puesto muy importante, del cual se beneficia, y el otro es un velador, una persona a pie, del pueblo, un trabajador que necesita largas jornadas de trabajo para poder sobrevivir? ¿Qué pasa cuando estos dos universos se enfrentan en un mismo espacio?

El reto, como lo planteamos desde el inicio, era hacer que estos dos personajes nos guíen por esta exploración. Ver esta situación a través de estos dos personajes completamente inmóviles, que no tienen espacio porque el edificio que los aplasta no sólo los confina a un sitio reducido, sino que los atrapa. Era simplemente ver una interpretación actoral que a través de los ojos, de una intimidad de ese tamaño, nos pudiera transportar a estos dos universos. El riesgo se tomó pensando en dos grandes actores que pudieran hacernos viajar a través de su interpretación y, la puesta en cámara trataba de romper con los planos convencionales, tratar de hacer una puesta en cámara que satisficiera al público y que no se aburriera, y que al final estuviera viendo una puesta en escena con dos personajes hablando toda la película.

En las tomas del edificio colapsado sorprendes con algo inusual en el cine mexicano: jugar con diferentes formatos de la cámara y la vas abriendo poco a poco conforme los personajes van descubriendo más de su entorno. ¿Por qué llegaste a esta decisión técnica?

Decidimos que esa era la mejor manera de hacer entrar al público al espacio. Primero, yo no quería mostrar todo de un jalón, quería mostrar este choque sorpresivo para todos, porque en 1985 nadie le tenía miedo a los temblores, por lo menos no a que se derrumbara la ciudad. La gente no salía de los edificios, se quedaba en el marco de la puerta, esperando a que pasara y ya. Toda la gente que se queda atrapada en este edificio en el filme es sorprendida por el terremoto. Ese era nuestro punto de partida, ¿cómo vamos a hacer que el público se sienta también encerrado y vaya conociendo el espacio? Jugamos con la imagen del iris del ojo, el cual, conforme se va acostumbrando a la oscuridad, tiene una mejor percepción del espacio, puede ver un poco más. Al principio cuando abres el ojo en la obscuridad absoluta no ves nada y conforme pasa el tiempo puedes ver un poco más y más hasta que tu ojo se acostumbra a la obscuridad y tienes una clara visión de lo que está sucediendo en el espacio en el que estas encerrado y por ahí nos fuimos, en generar esta claustrofobia, esta sensación de angustia de que al abrir el ojo no ves absolutamente nada y, conforme avanza el tiempo, vas descubriendo más cosas.

El segundo arranque era ir introduciendo ciertos elementos dentro de la narración que a lo largo de la película van a ir cobrando mucha importancia. No sólo el descubrimiento de Martín Soriano (Héctor Bonilla), el velador, que está a un lado del licenciado Fernando Pellicer (Demián Bichir), sino de los otros personajes que hablan durante la película y otros elementos como la radio, que son los que provocan que el aspecto de la película se abra, dándole al espectador la posibilidad de ver más allá de lo que está sucediendo, aunque estén en ese espacio tan confinado y tan pequeño. La percepción se va ampliando porque van entrando elementos narrativos importantes.

Creí esa era la mejor manera de plantearle al público la apertura de percepción.

En el cine mexicano no se le da tanta importancia al diseño sonoro pero en tu película es muy interesante y nos lleva a distintas profundidades, a diferentes capas del edificio.

Es un punto muy importante. Nosotros estábamos haciendo la apuesta del diseño sonoro, pues era el 50 por ciento de la narración. Nosotros estamos viendo a dos personas encerradas pero no sabemos lo que está sucediendo afuera. El camino que seguimos fue que al momento que Alberto Chimal y yo escribimos el guión, hicimos la línea de tiempo de la ficción que sucedía dentro de los escombros, pero estaba sujeta a la línea de tiempo del suceso real, a lo que estaba sucediendo afuera del cuadro, entonces el diseño sonoro atendía a esa necesidad. ¿Cómo vamos a hacer para que el hecho de ficción se ligue al hecho histórico? A través del diseño sonoro. Las cosas que van sucediendo en sonido, como la llegada de los primeros voluntarios, la llegada de los rescatistas, los perros que ladran justo antes del temblor, nos iban marcando esta veracidad de la historia y todo eso sucede en el diseño sonoro.

Por otro lado tenemos al otro gran personaje que es el edificio. El edificio tiene sometidos a estos personajes y está activo en la película, todo el tiempo se sigue comprimiendo y reacomodando, y conforme los personajes hablan o están dialogando ciertos temas, el edificio contesta, hay acentos dramáticos que da el mismo edificio. La película no tiene nada de música, nada de score, la apuesta era que fueran los sonidos del edificio: los rechinidos, el reacomodo, las piedras cayendo. El edificio está vivo junto con ellos. Christian Giraud, el diseñador sonoro, se fue a meter a cuevas para poder grabar esos silencios que tienen una característica muy especial… dejaba caer piedras para poder repetir esos sonidos en el edificio y tratar de inventar que pasa adentro porque hay poca documentación de momentos dentro de los edificios, hay mucha del exterior pero poca de adentro, nosotros sólo pudimos ver dos videos y son muy cortos, entonces tuvimos que inventar todos estos sonidos dentro de los escombros.

La gente podría pensar que 7:19 es uno de estos grandes dramas del cine mexicano, pero es una película con un humor negro demasiado fino, por momentos, una apuesta muy arriesgada. ¿Cómo fue la creación de este guión con Alberto Chimal, para llegar a los puntos dramáticos bien estructurados y, a la vez, tener humor para que el espectador se relaje y siga viendo el horror en pantalla?

Yo creo que es sintomático, está en nuestro gen, por eso Alberto y yo lo platicamos tanto. ¿Qué pasaría si una persona está en esa situación después de tantas horas? Y los dos llegamos a la conclusión de que seguramente haría un chiste sobre su propia situación. Los mexicanos nos reímos de la muerte, de nuestra situación, cuando no entendemos algo que está cerca de nosotros le inventamos un chiste, somos los reyes del meme, entonces era como adentrarnos en este universo real del mexicano. Estas contestaciones que salen del alma, que salen de la piel, cuando hay una situación incómoda y la única manera de relajarnos o perder un poco la ansiedad o el estrés es contando un pequeño chiste.

Era un riesgo. Recuerdo perfectamente las primeras lecturas con Demián Bichir, él me decía que le preocupaba un poco estos como cierres de comedia, esta comicidad negra, ácida, dolorosa, de esos chistes dolorosos de los que te ríes y luego dices “¡ouch!”. Buscamos estos momentos adecuados para que la gente se enganchara con esta sensación de la necesidad de contar un chiste, porque estas en una situación extrema que te está lastimando y jugar luego un poco con eso, dejarlos reír e ir por un área más ligera donde están sucediendo un par de chistes muy oscuros y después viene un cachetadón que te hace abrir los ojos y recibir esa realidad de una manera mucho más profunda y dolorosa. Era jugar un poco con ambas situaciones.

El riesgo siempre está en cualquier película cuando uno toma una decisión dramática, siempre se corre el riesgo de que se desbalague un poco el discurso o la puesta en escena, pero aquí se asumió y creo hay momentos donde esta comicidad negra funciona muy bien.

Uno de los grandes méritos de la película es la escenografía, afortunadamente no es el cachirulazo al que estamos acostumbrados a ver en este tipo de cine mexicano, pues es muy real. ¿Cuáles fueron los riesgos de tener siempre la misma escenografía en los Estudios Churubusco?

El riesgo era altísimo, hasta cierto punto pecamos en el reto, era poner muy elevado el listón, no conformarnos con lo fácil. Para ejemplificar, estuvimos viendo una película española, Enterrado (Buried, España-Estados Unidos-Francia, 2010), de Rodrigo Cortés, que cuenta la historia de un secuestrado que está dentro de un ataúd. La puesta en cámara era muy pegadita al personaje pero de pronto rompía la pared del ataúd y veíamos planos muy abiertos, donde quedaba en el centro y había un limbo oscuro alrededor y yo sentía que eso rompía mucho con la película.

Entonces, cuando hablaba con el diseñador de producción, Alejandro García, yo le hacía mucho hincapié en eso: nunca vamos a romper la pared del set. La cámara siempre va a estar en el mismo espacio donde ellos estén, no quiero que las paredes se muevan para poder poner cámara. Quiero que se muevan para seguridad de los actores, que estén protegidos y que no haya ningún atentado contra el actor, someterlos a una tortura física con tal de llegar a un resultado me parecía totalmente absurdo teniendo dos grandes intérpretes. Mi apuesta era protegerlos, pero la cámara tiene que estar en un espacio donde nos sintamos enterrados.

Además, yo sufro un poco de claustrofobia. No me subo a elevadores, Metro o Metrobús, y quería sentir miedo del encierro, por lo que era un trabajo constante con Alex y su equipo de estar metiéndome en ese espacio y decirles que necesitaba más opresión, más gris, más estilos. Quería que los fierros retorcidos me hicieran sentir vulnerable y con riesgo de picarme, de cortarme. Yo no quería una escenografía de una película de Capulina, sino que la gente se sintiera aterrada con el verdadero horror de estar encerrados, aunque nunca lo hubieran estado y la única manera era conseguir algo increíblemente verídico que te hiciera aceptar la convención y decir que así se ven los escombros, aunque nunca hayas estado adentro.

Fue un trabajo muy minucioso de cuatro semanas de construcción, primero hicimos pequeñas maquetas, definimos las posiciones de los personajes y, a partir de ahí, se empezaron a hacer maquetas tamaño natural. Luego el equipo de Alex entró a la construcción y los carpinteros medio se volvían locos porque están acostumbrados a hacer escenografías rectas, con ángulos, con piezas de madera bien cortadas y aquí era todo lo contrario, había que meter desastre, caos, nada podía ser geométrico, tenía que ser muy espontáneo y espantoso. Fue un reto que fueron resolviendo conforme avanzábamos.

Al final, pocos días antes de filmar, le pedimos asesoría a un topo que estuvo involucrado en los rescates del 85 y lo metimos al espacio y dijo: “¡Así, así es como se ve!” y eso nos dio la garantía de empezar a rodar.

Otro elemento del que se ha hablado poco es la iluminación, el ejercicio que hace Juan Pablo Ramírez (director de fotografía) con la luz ahí adentro, también ayuda y aporta mucho para dar la sensación de claustrofobia extrema.

¿Qué tal fue trabajar con Héctor Bonilla, nos regresas al gran actor que hacía mucho no veíamos así en cine?

Estoy muy contento con lo que pudimos hacer juntos. Yo tenía una lista de opciones para ese personaje y él estaba ahí pero yo tenía cierta inclinación por otro actor. Pero cuando Demián se suma al proyecto y empezamos a dialogar, puso el dedo y me dijo que volviera a pensar en Héctor, que los viera juntos. Hice el ejercicio de ver a la pareja, tratar de imaginar que pasaría con Héctor como el velador bonachón que se lleva bien con la gente y al repasar un poco su trabajo actoral encontré grandes momentos actorales y eso era lo que me gustaría ver. Le mande el guión y, al día siguiente, el señor viene con una cantidad de propuestas, sugerencias, alternativas en diálogos, que hace que el trabajo se comience a construir desde la primer lectura. Es un tipo con una experiencia increíble y además es amable, elegante, es un tipo que nunca se quejó a pesar de estar en una posición terrible, muy incómoda. Mi madre, Mayra Grau, que es terapeuta, estuvo todo el rodaje en el set para la recuperación muscular y ante cualquier tipo de presión ella de inmediato los atendía porque las condiciones eran complicadas. Héctor Bonilla tenía 76 años y salió mejor librado que todos. Era impresionante verlo trabajar, además, es un tipo tan amable, tan cortés, que hace que el trabajo sea fácil en esas condiciones terribles: teníamos obscuridad absoluta en el foro, trabajamos nada más con la lámpara de mano. Y llegaba un momento tras dos semanas, que la gente se sentía agobiada y Héctor hacía que la vibra, la energía, cambiara. En el ámbito de la interpretación era llegar de inmediato al personaje y a tocar las fibras y la piel como lo habíamos estado platicando, dio muy bien el personaje y por donde había que llevarlo.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 48 de la revista cine TOMA, de julio-agosto de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.7_19-695458593-large

XXI Festival Internacional de Cine para Niños (…y no tan Niños)

agosto 8, 2016

Es una Alma Mater

Desde 1995, la asociación civil La Matatena organiza Festival Internacional de Cine para Niños (…y no tan Niños), siempre durante el verano, en el que oponen una serie de títulos internacionales –siempre con doblaje en vivo– y nacionales, además de talleres infantiles, conferencias y una gran cantidad de actividades formativas de una noción crítica para los asistentes, sean adultos o infantes, en oposición a la cascada de estrenos comerciales que, principalmente Hollywood, prácticamente monopoliza la totalidad de las pantallas instaladas en el país. Para ejemplificar la labor en la construcción de un aparato crítico, de enseñanza y de pluralidad cultural que ha implicado, reunimos testimonios de cineastas que alguna vez, cuando niños, asistieron tanto al Festival como a los talleres.

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Por Liset Cotera

A 21 años de existencia, hoy por hoy nos toca escuchar las experiencias de los espectadores, de los usuarios que han asistido al Festival Internacional de Cine para Niños (…y no tan Niños), a lo largo de este par de décadas y cachito que nos permitan conocer las experiencias, emociones encontradas, sorpresas otorgadas por el cine, viajes a otras latitudes, además de reconocernos en pantalla con las historias que nos narran otros niños en otros países. También se ha realizado una gran labor en materia de formación de públicos, de inculcar una cultura cinematográfica desde la temprana edad, de generar procesos y espacios de creación que nos permiten constatar y compartir los discursos que los infantes quieren expresar a través de las imágenes en movimiento de una manera muy creativa, lúdica, espontánea y con mensajes muy directos y de gran calidad a través de la animación.

Este es el festival de cine más longevo en México después de Guadalajara que atiende a una población muy importante la niñez de México, promueve la participación de niñas y niños, y es el foro por excelencia del reencuentro entre los niños y el cine cada año en la ciudad.

En este artículo la voz es la de sus espectadores, la de sus hacedores que comparten experiencia de vida y las experiencias que les ha otorgado el festival y, por ende, La Matatena, Asociación de Cine para Niñas y Niños, A.C. Nos toca escuchar a los más importantes de todos: espectadores y realizadores que han dejado un acervo muy valioso que expresan el sentir de varias generaciones de niñas y niños en nuestro país.

Este proyecto ha otorgado muchos insumos para las nuevas generaciones, a lo largo de estos años, por eso estamos convencidos de que la importancia que encierra un proyecto de esta magnitud tendría que estar considerado en la agenda cultural, en las políticas públicas diseñadas en materia de cine para niños en nuestro país, dadas las bondades que encierra y los beneficios que otorga.

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El XXI Festival en cifras

En la vigésima primera edición del Festival Internacional de Cine para Niños (…y no tan Niños), se ofrecerán 90 materiales de 25 países en 54 funciones a lo largo de seis días, del 9 al 14 de agosto, en sedes como la Cineteca Nacional, la Filmoteca de unam, los Faro de Oriente y Aragón, y Universidad Autónoma Chapingo, además de la Sala Carlos Monsiváis del Centro Cultural Tijuana (Cecut).

El Jurado Infantil otorgará los siguientes premios: Mejor Largometraje, Mejor Cortometraje de Ficción, Mejor Cortometraje de Animación, Mejor Documental y Mejor Producción Nacional.

Habrá doblaje en sala en cada una de las proyecciones. Durante el Festival se montará una exposición de las siluetas con las que hacía películas de animación la alemana Lotte Reiniger (1899-1988). Habrá presencia de realizadoras y talleres de cine para niños.

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“El abrazo de la serpiente”, de Ciro Guerra, ganadora de los III Premios Platino

julio 25, 2016

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El domingo 24 de julio, en el Centro de Convenciones de Punta del Este, Uruguay, se efectuó la tercera gala de entrega de los Premios Platino del Cine Iberoamericano, bajo la conducción del mexicano Adal Ramones, la uruguaya Natalia Oreiro y el español Santiago Segura, misma que contó con la participación de Adriana Barraza, Andrea del Boca, Angie Cepeda, Antonio de la Torre, César Troncoso, Diego Boneta,  Eduardo Noriega, Edward James Olmos, Eugenia Suárez, Hugo Silva, Jencarlos Canela, Joaquín Furriel, Jorge Perugorría; Natalia de Molina, Nashla Bogaert, Patricia Riggen, Paulina García, Reynaldo Pacheco, Roberta Sa, Vanessa Saba y Yordanka Ariosa. Los números musicales estuvieron a cargo de Álvaro Soler, Cali y el Dandee, Jesse & Joy,  Paulina Rubio y Rubén Rada.

Ahí se anunció que la cuarta entrega de los Premios Platino se realizará en Madrid, España, en 2017. La primera edición ocurrió en Panamá; la segunda en Marbella, España, y esta tercera en el balneario de Punta del Este.

El Premio Platino de Honor del Cine Iberoamericano fue entregado al actor argentino Ricardo Darín. A continuación, la lista completa de ganadores:

Mejor Película Iberoamericana de Ficción
El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Dirección
Ciro Guerra porEl abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Interpretación Masculina
Guillermo Francella por El Clan (Argentina-España, 2015, de Pablo Trapero).
Mejor Interpretación Femenina
Dolores Fonzi por Paulina (Argentina-Brasil-Francia, 2015, de Pablo Trapero).
Mejor Música Original
Nascuy Linares por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Película de Animación
Atrapa la bandera (España, 2015, de Enrique Gato).
Mejor Película Documental
El botón de nácar (Chile-Francia-España Año: 2015), de Patricio Guzmán.
Mejor Guión
Pablo Larraín, Guillermo Calderón y Daniel Villalobos por El Club (Chile, 2015, de Pablo Larraín).
Premio Platino “Camilo Vives” a la Mejor Ópera Prima de Ficción Iberoamericana
Ixcanul (Guatemala-Francia, 2015), de Jayro Bustamante.
Mejor Dirección de Fotografía
David Gallego por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Dirección de Sonido
Carlos García y Marco Salavarria por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Dirección de Montaje
Etienne Boussac y Cristina Gallego por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Dirección de Arte
Angélica Perea por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Premio PLATINO al Cine y la Educación en Valores
Que Horas Ela Volta? (Brasil, 2015), de Anna Muylaert.

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