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La siniestra cercanía emocional en “El último paciente: Chronic”, de Michel Franco

abril 9, 2016

La enfermería para rescatarse a sí mismo

Por Gonzalo Hurtado

La profunda conexión emocional que los cuidadores de enfermos terminales desarrollan con sus pacientes puede llegar a extremos bastante obsesivos, como ocurre con el enfermero David, que desarrolla su oficio de manera pulcra, pero casi siempre problemática para los familiares, pues es su puerta de salida para la dolorosa muerte de su hijo, años atrás.

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Puede afirmarse que, recientemente, Michel Franco se ha erigió como un hijo dilecto del Festival Internacional de Cine de Cannes. Los tres largometrajes que ha dirigido hasta ahora han tenido presencia en la programación del evento así como un importante rebote mediático, sobre todo con Después de Lucía (México-Francia, 2012), que se hizo del León de Oro, el premio principal de la sección Una cierta mirada en su sexagésimo quinto Festival Internacional de Cine de Cannes. Este año, El último paciente: Chronic (México-Estados Unidos, 2015), mantuvo el buen paso al obtener el galardón a Mejor Guión en la Sección Oficial del certamen, lo que sitúa a este cineasta, nacido en la Ciudad de México, en 1982 en un lugar de privilegio, junto a otros compatriotas suyos que vienen dando la hora a nivel internacional como Alejandro González Iñárritu, Amat Escalante, Carlos Reygadas o Gabriel Ripstein. A pesar de que la película no consiguió galardones a su paso por la sexagésima tercera edición del Festival de Cine de San Sebastián, como parte de la sección Horizontes Latinos, su estreno de ninguna manera pasó desapercibido para el público y la crítica, y prueba de ello fue el lleno total en todas sus presentaciones.

Protagonizada por el actor inglés Tim Roth, la cinta está ambientada en Los Ángeles y nos presenta al hermético enfermero David, quien dentro de su extremo mutismo, suele conducirse mucho más allá de su deber, cuando está a cargo de enfermos terminales e intenta hacerlos sentir lo mejor posible antes de su inevitable partida. Sin embargo, su actuar será seriamente cuestionado cuando los hijos de un prestigiado arquitecto, encuentran en su tarjeta inteligente videos pornográficos con los que el hombre se entretiene y observan una erección cuando lo está bañando, por lo que amagan con demandarlo. Con un proceso judicial a cuestas, David persiste en dar atención y consuelo a otros, por lo que regresa a la localidad donde solía radicar y se acerca a su joven hija Nadia (Sarah Sutherland) y su ex esposa Laura (la mexicana Nailea Norvind), que lo hacen rememorar la dolorosa pérdida de su hijo, que le ha hecho perderse las sensaciones y los afectos familiares y sociales, a cambio de concentrarse e incluso perderse a sí mismo en su compromiso profesional.

La puesta en escena mantiene la continuidad estilística de las obras anteriores del director, privilegiando los planos medios y abiertos para graficar el punto de vista de un espectador distante, que se mantiene omnipresente en cada acto de su protagonista, de quien sabemos poco de su historia de vida y cuyo silencio es la clave que mejor lo refleja, ya que será en los actos más sutiles de su vida cotidiana donde obtendremos la certeza de su propia esencia. El último paciente: Chronic es una película contenida, cuyo ritmo más que percibirse en pantalla ocurre en el interior de sus personajes. Sus intenciones y manifiestos no están a flor de piel, se mantienen bajo la dermis de su protagonista para sugerir en vez de afirmar con vehemencia, mientras somos testigos de su comunión con la muerte. David ha aprendido a aceptar lo inevitable y a hacer que otros lo lleven con dignidad y le da fuerza para mantener su ética personal hasta el último momento.

En su ritmo interno y su propuesta visual con una cámara que se mantiene estática la mayor parte del tiempo, es que la cinta nos transmite con mayor fidelidad las incertidumbres y dudas de su protagonista. En esa economía de lenguaje, se construye la justificación visual para el sorprendente y casi inexplicable momento final con el que se resuelve la película, producida por Lucía Films que, con distribución de Videocine, estrenará en la cartelera mexicana el 8 de abril.

Tras la función de prensa de la cinta, en el teatro Kursaal, como parte de la sección Horizontes Latinos del sexagésimo tercero Festival de Cine en San Sebastián (Donostia Zinemaldia), es que ocurrió la siguiente conversación con Michel Franco.

¿Qué te motivó a cambiar la temática juvenil de Daniel & Ana (México-España, 2009) y de Después de Lucía, por los dilemas de un personaje adulto en Chronic?

Si bien mis dos primeras películas eran protagonizadas por personajes adolescentes, yo no las catalogaría en ese rango. Tal vez se debía a que yo era más joven y me sentía más cercano a esa generación, pero hago películas sobre temas que me llaman más la atención y en este caso la muerte y la enfermedad me parecieron ideales para llevarlos a la pantalla. Una película toma uno o dos años en hacerse y debe tener un tema lo suficientemente interesante para captar el interés del director durante ese tiempo para luego captar el interés y el tiempo del público.

 

¿Te intriga mucho el tema de la muerte? En Después de Lucía también aparecía ese componente.

Aprecio la pregunta porque mucha gente encasilla a esa película con el bullying, cuando la relación correcta es con la muerte. Podríamos decir que esa recurrencia me define mucho.

 

¿Qué tan personal ha resultado esta película para ti?

Todas mis películas tienen un tema personal. En este caso me inspiré en lo que le ocurrió a mi abuela, que estuvo enferma durante 2010 y tuvo una enfermera trabajando con ella por varios meses. Lo que me sorprendió es la relación de intimidad que nació entre esta persona y mi abuela. Entonces, me interesó mucho tratar el tema de cómo se inició ese vínculo, además de cómo es la vida de alguien que está muy cercano de la muerte.

 

¿Esa experiencia familiar no te decidió a contar la película desde un punto de vista femenino?

Al principio, había considerado tener de protagonista a una mujer, pero cuando conocí a Tim Roth, que tenía mucha curiosidad e interés por mi siguiente película, me propuso trabajar conmigo si cambiaba el papel principal de mujer a hombre para poder interpretarlo y así lo hice. Durante la etapa de investigación, Tim trabajó con varios pacientes de cáncer y constantemente me llamaba para contarme a quién había conocido y qué había vivido con esa persona. Al mismo tiempo yo comencé a conocer enfermeros en Estados Unidos y a entender un poco más de ese mundo.

¿Qué tan complicado resultó representar la parte más oscura del protagonista de Chronic?

Cuando decidí escribir el papel para Tim, opté por diseñar un personaje bastante complejo, porque él es un actor muy completo y no tendría problemas en darle forma a David, que si te fijas bien no es un papel nada fácil. No se trata solamente de un ángel que quiere ayudar a la gente, también tiene un lado siniestro que a mí me fascinaba explorar aún más. Además, alguien que está tan cerca de la vida y la muerte, de ninguna manera puede pretender ser un personaje sencillo. David ejerce la enfermería como un intento de rescatarse a sí mismo y quizás por eso miente y cambia constantemente de parecer.

¿Te sientes influido formalmente por una película reciente y muy exitosa Amor (Amour, Francia, 2010), de Michael Haneke?

Efectivamente, pero también siento que crecí influenciado por otros directores europeos como Krysztof Kieslowski, Ingmar Bergman o Luis Buñuel y siempre tengo la sensación que mis películas tienen alguna huella de ellos, pero tampoco puedo negar que me gusta mucho lo que hacen estadounidenses tan disímiles como Woody Allen o Paul Thomas Anderson.

Gabriel Ripstein comentó que siente una hermandad entre 600 millas y Chronic, por el hecho de compartir al protagonista y de que uno fue el productor del otro en sus respectivos filmes.

Con Gabriel somos amigos desde hace muchos años. El año pasado no solo produjimos su película y la mía, también trabajamos juntos con el venezolano Lorenzo Vigas, que ganó el León de Oro en el septuagésimo Festival Internacional de Cine de Venecia, la Mostra, por Desde allá. También hicimos Los Herederos, de Jorge Hernández Aldana, que compitió en el Festival de Morelia. Para mi resulta mejor hacer mucho y con la misma gente que trabajar de manera esporádica con distintas personas.

 

¿Cómo te ha sentado desempeñarte como productor?

Me gustó trabajar como productor aunque me gusta más dirigir. Mentiría si dijera lo contrario, pero aprendo bastante al entrar en otras facetas y al alternar con directores tan personales. Siempre asimilo mucho de ellos.

 

¿A qué atribuyes el hecho de que el cine mexicano tenga tan buena recepción tanto en festivales internacionales como en el Oscar?

Pues hay muchas voces en el cine mexicano que son fuertes y originales. Es un cine que viene de un país complejo y que está en una crisis constante, y creo que eso nos vuelve más interesantes al momento de concebir historias.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 45 de la revista cine TOMAde julio-agosto de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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Ganadores del 68 Festival Internacional de Cine de Cannes

mayo 27, 2015
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Con la emotiva entrega de la Palma de Oro Honoraria a la artista y realizadora artista belga Agnes Varda, se realizó la ceremonia de clausura del sexagésimo Festival Internacional de Cine de Cannes, la tarde del domingo 24 de mayo de 2015, en la que hubo una abundante premiación para la producción latinoamericana, cuando en el primer anuncio de la Selección Oficial no apareció ninguna cinta de la región. El director mexicano Michel Franco obtuvo el premio a Mejor Guión, en tanto que el colombiano César Augusto Acevedo fue reconocido con la Cámara de Oro a Mejor Primera Película por La tierra y la sombra, y el recién creado galardón El Ojo de Oro, a Mejor Documental, recayó en la producción chileno-mexicana Allende, mi abuelo Allende, de Marcia Tambutti. Otro filme chileno, Locas perdidas, de Ignacio Juricic Merillán, fue reconocido con el Segundo Premio, y el catalán Ian Garrido López, con Victor XX, el Tercer Premio de la Cinéfondation.
Selección Oficial en Competencia (Largometraje)
Palma de Oro
Dheepan, de Jacques Audiard.
Gran Premio
Saul Fia, de László Nemes.
Premio a la Mejor Dirección
Hou Hsiao-Hsien por Nie Yinniang.
Premio al Mejor Guión
Michel Franco por Chronic.
Premio a la Interpretación Femenina
Emmanuelle Bercot por Mon Roi de Maïwenn
ex aequo con
Rooney Mara en Carol de Todd Haynes.
Premio a la interpretación masculina
Vincent Lindon por La loi du marché, de Stéphane Brizé.
Premio del Jurado
The Lobster, de Yorgos Lanthimos.
Palma de Or en Cortometraje
Waves’98, de Ely Dagher.

UNA CIERTA MIRADA

Premio Un Certain Regard

Hrútar, de Grímur Hajonarson.

Premio del Jurado

Zvizdan, de Dalibor Matanic.

Premio a la Mejor Dirección

Kishibe No Tabi, de Kurosawa Kiyoshi.

Premio Un Certain Talent

Comoara, de Corneliu Porumboiu.

Premio Avenir

Nahid, de Ida Panahande.

Ex aequo con

Masaan, de Neeraj Ghaywan.

CINÉFONDATION

Primer Premio de la Cinéfondation

Share, de Pippa Bianco.

Segundo Premio de la Cinéfondation

Locas perdidas, de Ignacio Juricic Merillán.

Tercer Premio de la Cinéfondation

Victor XX, de Ian Garrido López

Ex aequo con

The Return of Erkin, de Maria Guskova.

CÁMARA DE ORO

La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo.

OJO DE ORO

(a Mejor Documental de todas las secciones)

Allende, mi abuelo Allende (Chile-México), de Marcia Tambutti.

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Francisco Franco y las complejidades de dar “Tercera llamada”

noviembre 7, 2013

Es una reunión casi familiar

Por Salvador Perches Galván

El intento por montar un clásico del existencialismo, conduce a una directora neurótica y depresiva a enfrentar no sólo una crisis personal, sino una serie de dificultades con buena parte del equipo que trabaja en la obra, que harán que el anhelado estreno parezca cada vez más lejano, en el segundo largometraje del director teatral y fílmico Francisco Franco.

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A falta solamente de un mes y medio para el estreno de Calígula, de Albert Camus, pareciera que el atrevimiento de montar una de las obras cumbres del existencialismo francés no será tan sencillo para la neurótica directora del montaje, que entra en depresión al lidiar con el texto. Durante el accidentado proceso de creación y de montaje, se halla en permanente conflicto: la diva se ha ofendido, el actor veterano ya no puede recordar sus diálogos debido a la vejez, el alcoholismo de la productora ya es un gran problema, la protagonista entró en pánico y, unos emos buscan golpear a los técnicos, entre quienes alguien se han robado la escenografía. Ante tan accidentado panorama, el telón no podrá levantarse sin que, antes, haya logrado resolver cada uno de estos obstáculos y, lograr, al fin, dar la tercera llamada, lo que parece imposible de lograr.

Con su segundo largometraje, Tercera llamada (México, 2012), el director mexicano Francisco Franco decidió adaptar una vieja obra de teatro que dirigió y escribió hace varios años, Calígula, probablemente, para demostrar que hacer teatro es un acto de fe, y mostrar las vicisitudes que ocurren tras bambalinas en toda producción teatral, que requiere que muchas voluntades confluyan y un equipo numeroso crea firmemente en muchos objetivos comunes.

El multiestelar reparto incluye las actuaciones de Irene Azuela, Anabel Ferreira, Karina Gidi, Rebecca Jones, Silvia Pinal, Jorge Poza, Cecilia Suárez, Lalo España, Víctor García, Mariana Treviño, Fernando Luján, Ricardo Blume, Alfonso Dosal, Martín Altomaro, Moisés Arizmendi, Jorge Adrián Espíndola, Krystian Ferrer y Mauricio García Lozano, y resultó tan espectacular, que en el xxviii Festival Internacional de Cine en Guadalajara, todo el elenco femenino ganó el premio a Mejor Actriz, además que la cinta logró el Premio del Público.

Además de director, Franco es guionista y productor. Egresado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (cuec) de la unam, su trabajo abarca el teatro, el cine y la televisión. Su ópera prima, Quemar las naves (México, 2003), su opera prima, ganó el Ariel a Mejor Actriz (Irene Azuela) y a Mejor Música Original (Alejandro Giacomán y Joselo Rangel), además del galardón “Descubrimiento”, en Toulouse; y Mejor Largometraje de Ficción y Mejor Director en Long Island, Nueva York.

¿Qué te dice esta voz de tercera llamada, que te significan estas dos palabras?

Puro teatro. Tercera llamada es: no hay vuelta atrás. Es: se abre el telón y comienza la función pase lo que suceda y es un poco de lo que habla esta película, que a pesar de todas las vicisitudes, el teatro sucede y el evento ocurre.

¿Qué tanto está retratado este microcosmos artístico que es el teatro en tu película?

Esa es nuestra pretensión, hacer un retrato fidedigno de este mundo del teatro, no solamente desde el punto de vista que normalmente solemos ver ,que es el de los actores y el director, sino desde el punto de vista de todos los que hacen el teatro, de todos los que forman parte de este organismo. Dentro de la película son tan importantes los actores como la vestuarista, la productora, el escenógrafo, los técnicos del teatro juegan un papel muy importante, inclusive las acomodadoras y hasta los invitados al estreno, o sea todo el mundo forma parte de esta historia de igual manera y está contada desde todos estos puntos de vista, es una película de ensamble en la que contamos este evento, este conflicto desde los ojos de todos los participantes.

Incluso la propia delegada de la Asociación Nacional de Actores (anda), que interpreta su secretaria general, Silvia Pinal.

Qué bueno que mencionas a doña Silva, sin duda, una de las figuras más emblemáticas del espectáculo en México.

 Pero entre Silvia Pinal y Kristian Ferrer, el actor más joven del elenco, en medio está todo mundo. ¿Cómo hiciste para conformar este elenco, en el que hasta los extras son figuras? Las acomodadoras que mencionas son, nada mas y nada menos que Ana Ofelia Murguía y Paloma Woolrich.

Pues para mí es una reunión casi familiar, una gran reunión familiar. La mayoría de ellos son actores y actrices con quienes ya he trabajado, con quienes he tenido alguna relación en teatro, televisión o cine, que ha sido enriquecedora para ambos, que nos ha gustado, que nos ha proporcionado conocimiento y nos ha permitido hacer algo que nos ha complacido. Entonces ha sido un poco juntar a toda esta gente con la que he tenido una relación profesional fuerte para trabajar juntos en este homenaje al teatro.  ¿Cómo se consiguió juntar este elenco? Pues yo creo que a partir de un guión, que habla de nosotros, de lo que hacemos, además en un tono de comedia que no es muy fácil y creo a partir de ahí todo mundo fue sumándose a la historia y han sido muy generosos, estamos muy agradecidos con el elenco porque no solamente han dado su tiempo para estar en la filmación, sino que previo a la filmación estuvimos un mes trabajando ensayos individuales y otro mes trabajando ensayos colectivos, dos meses de ensayos, todo un lujo para ser una película, digamos pequeña, y eso nos ha permitido crear un lenguaje común, establecer un tono, que ya tácitamente nos entendemos con muy pocas cosas en el set. Siempre el cine se hace con poco dinero o con menos dinero del que se necesita, entonces tienes que optimizar los tiempos de filmación, por eso es importante una buena preparación.

Si bien es un elenco muy atractivo, repleto de figuras de todas las edades, medios, formaciones, ¿ no complico la filmación al correr el peligro de sufrir una guerra de egos?

No, en este caso no sucedió. Ninguno de ellos está en esta película porque tenga un nombre, esa no es la razón por la que fueron llamados a la película ni ellos están vienen por eso. Están viniendo a hacer personajes y están llamados porque son el actor idóneo para hacerlo, yo no quisiera llamarles figuras o estrellas, son simplemente buenos actores. Es un elenco de buenos actores y yo no creo que se deba hacer esta distinción entre actores de televisión, actores de teatro y actores de cine. Para mí hay buenos y malos actores, y los que están acá, afortunadamente, son todos actores de una gran solidez y muy buenos, y el trabajo que hicieron en los ensayos creando sus personajes y creando sus relaciones se vio en la filmación, en la manera como hicieron su trabajo.

¿Por qué la obra que se monta en la película es Calígula, tiene algo que ver con tu película dicho emperador y su convulsa historia?

No va por ahí. Elegimos Calígula como la obra de teatro a representar dentro de la película por una razón muy simple: nosotros estamos retratando el proceso creativo y un proceso creativo siempre busca llegar a algo grande, a tocar lo inefable, a conseguir algo más grande que nosotros mismos, eso es lo que siempre está tratando de hacer un artista y Calígula hace eso, Calígula no está contento con el mundo tal como es, está inconforme con la condición humana y lo que él está buscando es algo imposible, algo que no se puede conseguir. Está buscando la luna. En ese sentido la obra funciona como una metáfora del trabajo creativo, es lo que está buscando la directora, el equipo creativo, los actores y todos los que están haciendo esta obra de teatro, también es eso, tocar lo que no se puede tocar, llegar a donde nunca hemos podido llegar y de eso habla la película, de ese proceso, justamente por eso se escogió el personaje de Calígula, como lo retrata Albert Camus, para la película.

 ¿Y qué tanto hay de Camus en Tercera llamada?

Camus es gigantesco y su texto es maravilloso, la obra es tocada en la medida en que afecta la trama central de la película, no está tan centrada en la obra de Camus sino en lo que está sucediendo alrededor del montaje, que es un poco accidentado porque a la mitad del proceso, cuando ya falta poco para estrenar, la directora tiene una iluminación, decide que todo lo que ha hecho no sirve para nada y que hay que comenzar de cero un nuevo montaje, lo que provoca una bola de nieve que se convierte en una avalancha y termina casi aplastándola, esa es la historia que estamos contando. Y lo que queremos contar con esta historia, finalmente, es la importancia que tiene el trabajo que hacemos, el que hace cada quien. La directora de la obra todo el tiempo está preguntándose qué sentido tiene hacer teatro en estos momentos, en este país, donde vivimos una realidad tan convulsa y donde todo lo que sucede a nuestro alrededor es tan desesperanzador. ¿Qué sentido tiene estar haciendo teatro, a quién le importa que se haga el teatro? Y en el proceso ella descubre que finalmente no es el sentido lo que hay que buscar, sino que hacerlo es, en sí, lo que le da sentido a las cosas. Y la película quiere decirnos un poco eso, que cada quien, desde su trinchera, desde lo que hagamos, si trabajas en tesorería o en un despacho de arquitectos o en un rancho o desde donde tú estés, tienes que actuar, tienes que hacer lo mejor que puedas hacer dentro de lo que te toca, dentro de lo que está cerca de ti, para mejorar el mundo en el que estás. No podemos quedarnos impasibles o impávidos ante lo que está sucediendo a nuestro alrededor, la indolencia es el peor pecado en el que podemos caer como mexicanos en este momento en el que se requiere de participación y eso dice la película: no te quedes a un lado, súbete. La vida se trata de eso, de actuar, no veas pasar las cosas, haz que sucedan, el sentido de las cosas se las das tú.

El origen de este argumento es teatral…

…claro, es una obra de teatro que escribí junto con un escritor colombiano muy talentoso, Ignacio Guzmán, hace mas de veinte años. La obra se llamaba Calígula probablemente y estuvo como un año y medio en cartelera en el teatro Wilberto Cantón, fue la primera obra que escribí y dirigí, y desde entonces siempre tuve la idea de regresar a ese texto, al que le tengo mucho cariño, y después, ya con el paso del tiempo y tanto teatro a las espaldas, mi visión del teatro y de sus hacedores ha cambiado un poco, entonces sentí que valía la pena regresar a ese texto. Ahora, de ese texto original, de ese texto teatral, queda ya muy poco en esta adaptación cinematográfica, ha cambiado muchísimo, la adaptación ha ido por otros derroteros, pero el espíritu sigue siendo el mismo. Me da, además, un gran placer adaptar esa obra para cine y hacerlo con María René Prudencio.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 30 de la revista cine TOMAde septiembre-octubre de 2013. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

 

Taller de Michel Franco en la Casa del Poeta

abril 9, 2013

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El director mexicano Michel Franco, reciente ganador del premio Una Cierta Mirada 2012 de la sección homónima en el sexagésima quinta edición del Festival Internacional de Cine de Cannes como director del largometraje Después de Lucía (México, 2013), ofrecerá un Taller de Dirección y Producción Cinematográfica en la Casa del Poeta (Álvaro Obregón 73 en la colonia Roma de la Ciudad de México), de ocho sesiones semanales que  iniciará el 4 de junio.

El curso tiene como propósito identificar, rastrear y describir los distintos pasos, etapas y procesos que conforman la producción de un largometraje: ¿Que contar? ¿Por qué hacer la película? Intereses personales y artísticos. Desarrollo de guión. Escaleta, desarrollo, etc. Realidad de la industria. Rentabilidad del proyecto. Conformar el crew. ¿De quién rodearse? Piezas claves. Elección de actores, casting. Influencias y estilo… ¿A qué película se parece el proyecto? ¿Es algo diferente…? Técnica, cámaras, equipo de edición… la manera inteligente y actual de hacer una película, aprovechando los avances tecnológicos y con un crew pequeño. Producción real… ¿A qué te puedes enfrentar en México? ¿Qué hacer con la película terminada?

Michel Franco es egresado la Universidad Iberoamericana, etapa en la que realizó los cortometrajes Huérfanos (1998), Ruido y olvido (1999), Azul y sombras (2000), El soldado (2001), Así nos gusta vivir (2003) y Cuando seas grande (2003, parte de la campaña publicitaria Cortometrajes contra la corrupción). Luego, estudió dirección en la New York Film Academy. Su cortometraje Entre dos (2003), protagonizado por Lumi Cavazos, ganó El Danzante de Oro del Festival Internacional de Cine de Huesca y el premio al Mejor Cortometraje en el Festival de Dresden. Su primer largometraje, Daniel y Ana (2009), con Marimar Vega y Dario Yazbek Bernal, fue seleccionado en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes y su segundo largometraje, Después de Lucía (México, 2013), además del premio en Cannes, fue seleccionada por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas para representar a México en los premios Oscar y Goya. Actualmente trabaja en su próxima cinta, A los ojos, que codirige con su hermana Victoria y que es protagonizada por la actriz Mónica del Carmen (Año bisiesto, 2010).

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El director Michel Franco y la actriz Tessa Ía González Norvid, al recibir 
la noticia del premio Una Cierta Mirada. Foto: Festival de Cannes.

 

“Después de Lucía”, de Michel Franco, representante de México a los premios Oscar y Goya

septiembre 20, 2012

Esta tarde, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas A.C., dio a conocer los resultados de la votación de sus miembros (77 votos) para elegir la película que representará a México, en el 2013, tanto en los premios Oscar como en los Goya, que organizan sus organismos pares tanto en los Estados Unidos como en España. En ambas premiaciones, la cinta representante del país será Después de Lucía, de Michel Franco, recientemente galardonada en el Festival de Cannes con el Premio del Jurado en la sección Una cierta mirada (Un Certain Regard).

“Post Tenebras Lux”, de Carlos Reygadas, Selección Oficial en Cannes 2012

abril 19, 2012

Michel Franco, seleccionado con Después de Lucía,

a la sección Una cierta mirada


El cuarto largometraje de ficción del realizador mexicano Carlos Reygadas, Post Tenebras Lux, ha sido seleccionado para competir por la Palma de Oro en la Selección Oficial del sexagésimo quinto Festival Internacional de Cine de Cannes, que se realizará del 16 al 27 de mayo de 2012 en Francia.

De acuerdo a su productora, Mantarraya Films,  el filme, filmado en locaciones del estado de Morelos, la Ciudad de México e Inglaterra, “relata la historia de Juan y su joven familia, retratando su vida en el campo de México. Ahí disfrutan y sufren un mundo que entiende la vida de otra forma. Juan se pregunta si estos mundos se complementan o, en realidad, luchan inconscientemente por eliminarse el uno al otro”.

En la Selección Oficial aparece, además, la más reciente cinta del brasileño Walter Salles, On the Road. Y en la sección Una cierta mirada (An Certain Regard), fue seleccionada la producción mexicana Después de Lucía, segundo largometraje del realizador mexicano Michel Franco, así como la argentina Elefante blanco, de Pablo Trapero, y la colombiana La playa, de Juan Andrés Arango.

El presidente del jurado de la Selección Oficial es el actor, director, guionista y productor italiano Nanni Moretti (Habemus Papam, La habitación del hijo, Abril).

Aquí está la lista de cintas que integran la Selección Oficial de este año en Cannes:

Jacques AUDIARD DE ROUILLE ET D’OS 1h55
Leos CARAX HOLY MOTORS 1h50
David CRONENBERG COSMOPOLIS 1h45
Lee DANIELS THE PAPERBOY 1h41
Andrew DOMINIK KILLING THEM SOFTLY 1h40
Matteo GARRONE REALITY 1h50
Michael HANEKE AMOUR
(LOVE)
2h06
John HILLCOAT LAWLESS 1h55
HONG Sangsoo DA-REUN NA-RA-E-SUH
(IN ANOTHER COUNTRY)
1h28
IM Sang-soo DO-NUI MAT(THE TASTE OF MONEY) 1h53
Abbas KIAROSTAMI LIKE SOMEONE IN LOVE
1h49
Ken LOACH THE ANGELS’ SHARE 1h46
Sergei LOZNITSA V TUMANE(IN THE FOG) 2h07
Cristian MUNGIU BEYOND THE HILLS 2h35
Yousry NASRALLAH BAAD EL MAWKEAA(AFTER THE BATTLE) 1h56
Jeff NICHOLS MUD 2h15
Alain RESNAIS VOUS N’AVEZ ENCORE RIEN VU 1h55
Carlos REYGADAS POST TENEBRAS LUX 1h40

Walter SALLES ON THE ROAD
2h20
Ulrich SEIDL PARADIES : Liebe
(PARADISE : Love)
2h00
Thomas VINTERBERG JAGTEN(THE HUNT) 1h46