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“Los Caifanes”, a cincuenta años de su estreno

junio 23, 2017

Julissa, Óscar Chávez, Ernesto Gómez Cruz y Fernando Pérez Gavilán charlarán en el Foro Rodolfo Usigli

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• La película, estrenada el 17 de agosto de 1967, se convirtió en un éxito de taquilla, además de un emblema del Nuevo Cine Mexicano.

• Con guión de Carlos Fuentes y de su director, Juan Ibáñez, significó la apertura de los sindicatos y de la industria para la nueva generación de cineastas mexicanos.

• La revista Cine Toma dedicó su dossier principal a repasar y repensar esta cinta de culto a medio siglo de distancia.

• La cita es el martes 27 de junio, en punto de las 19:00 horas en cerrada de Eleuterio Méndez 11, colonia Churubusco-Coyoacán de la Ciudad de México.

Hace 50 años del estreno de Los caifanes (México, 1966), la ópera prima del director escénico y operístico Juan Ibáñez, ocurrido el 17 de agosto de 1967 en los cines Roble, Mariscala y Estrella de la Ciudad de México, en los que permaneció siete semanas en cartelera, por lo que se convirtió en un éxito rotundo de taquilla al mismo tiempo de representar el cine de aliento, es decir, de autor, y de abrir los infranqueables sindicatos fílmicos a los jóvenes de las nuevas generaciones, de lo que se conocería, una década más tarde, como el Nuevo Cine Mexicano –esta fue la primera película que se haya anunciado como tal– por lo que se convertiría en un hito.

Por esas y otras razones bien vale la conmemorar el cincuentenario de este filme de culto, que desde su rodaje hubo de enfrentar diversas adversidades –como tener que devolver el dinero tras ganar el Concurso Nacional de Argumentos y Guiones Cinematográficos, hasta ver detenida varias veces la filmación en diciembre de 1969 o no recibir la clasificación para estrenarla–, impulsada además por una nueva compañía productora, Cinematográfica Marte, que sería sinónimo de ese recambio de temas, directores y formas en el cine mexicano.

Tres de sus protagonistas, Julissa (Paloma la niña bien) y dos de la pandilla, Ernesto Gómez Cruz (el Azteca) y Óscar Chávez (el Estilos), junto con uno de los productores, Fernando Pérez Gavilán, rememorarán anécdotas, recuerdos y convivirán con el público el martes 27 de junio en el Foro Rodolfo Usigli del Centro Cultural José María Fernández Unsaín (cerrada de Eleuterio Méndez 11, colonia Churubusco-Coyoacán), en una velada que comenzará a las 19:00 horas.

Los caifanes, que retrata las correrías de una pandilla de mecánicos automotrices, el Capitán Gato (Sergio Jiménez), el Mazacote (Eduardo López Rojas), el Estilos y el Azteca, que laboran en Querétaro y vuelven el fin de semana a la Ciudad de México a divertirse en una larga juerga nocturna para hallar refugiados de la lluvia, en su jeep blanco, a una pareja de jóvenes de clase alta, el arquitecto Jaime de Landa (Enrique Álvarez Félix) y su atractiva novia Paloma. A partir de ese momento, el juvenil sexteto acudirá a un cabaret insólito, el Géminis, desde el cual partirán para una intensa aventura plena de ocurrencias y de atrevimientos que van desde visitar una funeraria o dejar una carroza fúnebre en plena plancha del Zócalo, hasta vestir con sostén y calzas a la Diana Cazadora, con una constante atracción y rechazo entre clases sociales y sexos.

El filme prefiguró muchas de las características que tendría el Nuevo Cine Mexicano una década más tarde, como incorporar escritores del boom latinoamericano, en este caso Carlos Fuentes, quien coescribió el guión con Ibáñez. Además, incorporó actores tanto del Teatro Universitario como Óscar Chávez y Sergio Jiménez, y del inba, como Ernesto Gómez Cruz y Eduardo López Rojas. Y no sólo innovó en las temáticas y el lenguaje, sino que ahí trabajaron gente de gran experiencia como el prolífico actor Tito Novaro en la asistencia de dirección además de aparecer como anfitrión de la fiesta; el cinefotógrafo Alejandro Colín –con más de 200 títulos en su haber– y el editor José Juan Munguía –responsable de un centenar de filmes–. Pero también jóvenes como Jorge Fons, con el crédito de coordinador artístico, y la aparición en pantalla de Tamara Garina, Martha Zavaleta, Julián de Meriche, Norma Lazareno e incluso el director Arturo Ripstein, el ensayista Carlos Monsiváis, el crítico Alberto Dallal y el escritor y cineasta Toni Sbert.

Para conmemorar este cincuentenario, es que la revista especializada Cine Toma, en su número 50, aparecido en abril pasado, dedicó las páginas de su dossier central a esta importante cinta que nos hace repensar la actualidad del cine mexicano al tiempo que recordar con nostalgia las correrías de estos ñeros caifanes –¿los que te caen fine o cainfain, para chicanos y pochos?– durante su vagancia por la que fuera la majestuosa y en ese entonces mucho menos problemática Ciudad de los Palacios.

Los contenidos incluyen entrevistas con Juan Ibáñez, Julissa, Óscar Chávez, Ernesto Gómez Cruz, Mauricio Walerstein, Fernando Pérez Gavilán y Luis Fragoso, además de la recuperación de las críticas realizadas en su estreno por Jorge Ayala Blanco y Emilio García Riera; ensayos de José Luis Tercero y por Andrés Barradas, y un amplio acervo fotográfico de Fundación Televisa.

Julia Isabel de Llano Macedo, es el nombre completo de la productora, actriz y cantante Julissa. Hija del productor pionero de la televisión mexicana, Luis de Llano Palmer, así como de la actriz de la Época de Oro, Rita Macedo, se insertó muy naturalmente en el medio artístico nacional de la segunda mitad del siglo xx, primero como cantante del grupo The Spitfires y luego como cantante solista para el sello cbs, con éxitos como “La consentida de mi profesor”, “En un lugar de verano”, “Nostalgia” o “Tonterías”. Su prolífica carrera abarca medio centenar de filmes, entre ellos La edad de la violencia (México, 1964, de Juián Soler) o Nacidos para cantar (México-Argentina, 1965, de Emilio Gómez Muriel), Los caifanes (México, 1966, de Juan Ibáñez), Pedro Páramo (México, 1967, de Carlos Velo), Santa (México, 1969, de Emilio Gómez Muriel); La cámara del terror (Fear Chamber, México, 1968, de Jack Hill y Juan Ibáñez, protagonizada por Boris Karloff), Verano ardiente (México, 1970, de Alejandro Galindo); Victoria (México, 1972, de José Luis Ibáñez); Las cautivas (México, 1973, de José Luis Ibáñez), Amor libre (México, 1979, de Jaime Humberto Hermosillo), Días de combate (México, 1980, de Alfredo Gurrola) y El mago (México, 2004, de ). Ganadora del Ariel en la categoría de Coactuación Femenina por Distrito Federal (México, 1981, de Rogelio A. González).

Ha actuado en una veintena de telenovelas como La intrusa, Corazón salvaje, Colorina, Agujetas de color de rosa y La fea más bella, además de producido otras cuatro, entre ellas Indomable y La sombra del otro.

Nacido en el Puerto de Veracruz, en 1933, Ernesto Gómez Cruz estudió Arte Dramático en la Escuela de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes (inba), en 1963, pero muy pronto sería uno de los actores más representativos del Nuevo Cine Mexicano, pues tras su debut en Los caifanes, protagonizó películas como Auandar Anapu (México, 1974), de Rafael Corkidi; Tívoli (México, 1974), de Alberto Isaac; Canoa (México, 1975), de Alberto Isaac; Actas de Marusia (México, 1975), de Miguel Littín; La víspera (México, 1982), de Alejandro Pelayo; El imperio de la fortuna (México, 1985), de Arturo Ripstein; Los confines (México, 1987), de Mitl Valdés; El callejón de los milagros (México, 1994), de Jorge Fons; La Ley de Herodes (México, 1999), de Luis Estrada; El crimen del padre Amaro (México, 2002), de Carlos Carrera, El infierno (México, 2010), de Luis Estrada, entre que le han valido siete premios Ariel así como el Ariel de Oro por trayectoria.

Nacido en la Ciudad de México, en 1935, Óscar Chávez Fernández es un compositor, cantante, actor y activista social. Durante más de medio siglo ha mantenido una prolífica y muy activa carrera como compositor e intérprete de música tradicional tanto mexicana como iberoamericana, lo mismo que de canciones militantes, de sones regionales, de canto de protesta y también de parodias políticas, cuya discografía es imposible de reunir pero que rebasa con creces el medio centenar de títulos. Convertido en una figura ya mítica, , es su menos amplia pero igualmente destacada figura cinematográfica de la que su afortunado debut ocurrió en la emblemática y aún vigente cinta Los caifanes, de Juan Ibáñez. Estudió en la Escuela Teatral del inba y en el Centro Universitario de Teatro (cut) de la unam y ha participado en cintas como Santa, Las cautivas, María de mi corazón y Rompe el alba (Break the Dawn, México-Estados Unidos, 1989), de Isaac Artenstein. Ha participado en la grabación de radio-dramas para Radio Universidad y narrado documentales de la historia de México. Su producción discográfica se compone de más de 50 títulos.

Productor, director y escritor de cine, Fernando Pérezm Gavilán nació el 14 de febrero de 1937 en la Ciudad de México. Estudió Administración de Empresas en el Instituto Tecnológico de México (ITAM) y Dirección Cinematográfica en la Universidad de California (UCLA).

Proviene de una familia ligada a la industria cinematográfica mexicana. En 1963, inició su carrera en el cine, como supervisor de materiales en los Estudios América, empresa en la que posteriormente fungió como gerente administrativo y gerente general (1964-1970). En 1966 formó, junto con Mauricio Walerstein, la productora Cinematográfica Marte, con la que ese mismo año produjo la cinta Los Caifanes (Dir. Juan Ibáñez, 1966). Así como Paraíso (Dir. Luis Alcoriza, 1969) y Las Puertas del Paraíso (Dir. Salomón Laiter, 1971), la cual obtuvo la Diosa de Plata, como mejor película en 1971 y el Ariel de Oro, como mejor película en 1972.

Además, fue Subdirector general de CONACINE (1976) y Director general de CONACITE II (1976-1978), en las que se produjeron películas como: El lugar sin límites (Dir. Arturo Ripstein, 1977) y Llámenme Mike (Dir. Alfredo Gurrola, 1979).

A la par de su carrera como productor desempeñó diversos cargos dentro de instituciones de cine. Fue asesor de Rodolfo Echeverría, director del Banco Nacional Cinematográfico, Jefe de filiales de PELMEX y CIMEX, Subdirector General de CONACINE (1976-1977); Director general de CONACITE II (1977-1978); Presidente de la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica (CANACINE) y Presidente de la Asociación de Productores de Películas Nacionales.

Al cierre de la productora Marte, adquirió la productora FILMEX con la que continuó su labor como productor. En 1984 se estableció en Estados Unidos para estudiar Dirección Cinematográfica en la Universidad de California (UCLA).

De regreso a México realizó su Ópera Prima Intriga contra México / Nos traicionará el presidente. Ha dirigido aproximadamente 23 películas, entre las que se encuentran: Violencia a domicilio (1989), El extensionista (1990), Octagón y Atlantis, la revancha (1991), Mecánica mexicana / El mexicano universal (1994) y Jóvenes amantes (1997). También ha participado en la elaboración de los guiones y argumentos de la mayoría de sus filmes.

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“Matria”, los archivos sui generis del abuelo Antolín

septiembre 19, 2016

Charros contra Nazis

Por Fernando Llanos

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Siempre percibí llena de magia la casa de mi abuela Alicia. Sí, magia, esa palabra tan menospreciada en la edad adulta, pero la cual era sagrada durante la infancia porque se construía en complicidad con los primos y se veneraba con fe ciega mientras se nutría de historietas y de películas domingueras de temporada. Esa magia fue la que nos ayudó a explicar nuestros primeros anhelos metafísicos décadas antes de que existiera el Dios Google –que todo lo sabe y también todo lo confunde–. Esa que podías disfrutar de la mano de un don, precariamente trajeado, en un circo entre leones hambrientos y maltratados que deambulaban en un terreno baldío, o la que una vez a la semana podías ver desde la comodidad de tu hogar con el maguito Rody en el programa televisivo Chiquilladas, o con Beto “el Boticario” en ese otro show llamado La carabina de Ambrosio. En ese contexto, bajo la sombra de lo inusual e inverosímil, mis primos y yo creímos que era posible viajar al Polo Norte en el trineo de Santa Claus sin que él se diera cuenta, que el tío simpático de cachetes frondosos era capaz de desvanecer su propio dedo y que objetos como un piano podían desaparecer de la sala de un día para otro –todavía no conocíamos el viejo truco de empeñar objetos para pagar deudas–. Y quizás, por todos estos mágicos recuerdos, no me sorprendió cuando, varias décadas después, descubrí ahí el extenso archivo de mi abuelo Antolín Jiménez. Una serie de álbumes forrados con cuero y letras doradas, por cada uno de los temas que recopilaba.

En esos documentos se mencionaban varias historias: su paso por la Revolución Mexicana como teniente coronel de Pancho Villa; su periplo dentro de la hermética masonería, al lado de personajes como José Vasconcelos; su incursión en la política mexicana como diputado, en cuatro ocasiones y por cuatro diferentes partidos –los chapulines siempre han existido–, pero la que más me fascinó era la que cerraba el archivo, una muy peculiar historia que se vinculaba a la Segunda Guerra Mundial. En 1942, cuando México le declaró la guerra a los países del Eje, 100 mil charros se prepararon durante todo un año para combatir a los nazis y fue mi abuelo el que organizó la iniciativa y los bautizó como “La Legión de Guerrilleros Mexicanos”. Obvio, sonaba poco factible que ganaran y, de hecho, hasta la fecha me pregunto si creyeron que era realmente una buena idea. La iniciativa era deliciosamente absurda, como cualquier trama de película patriótica que termina en muchos muertos, donde al final el protagonista ostenta una mirada en alto mientras se hondea la bandera. Así que cuando conocí dicha iniciativa decidí que debía hacer una película sobre las historias del padre de mi madre. ¿Quién más puede tener, aparte de mis primos, un abuelo con tan bizarra anécdota? “Encontré una mina de oro”, pensé mientras hojeaba los tomos de cuero empolvados.

La mayoría de las historia épicas de la humanidad tratan del bien contra el mal, de la luz contra la oscuridad, del perseverante héroe que se atreve a desafiar a los villanos con tal de hacer lo correcto. Y me pregunto, históricamente, ¿qué ha representado mejor el mal que el ejercito de Hitler? Porque, seamos sinceros, las bestias más destructivas y oscuras que han habitado este planeta son, sin duda alguna, los nazis; las historias de estas insaciables criaturas han fascinado tanto como aterrorizado a millones de personas. En términos de derramamiento de sangre, quizá solo los tiranosaurios son percibidos al mismo nivel de ferocidad y fatalidad, claro que esos animales del Jurásico no asesinaron con tanto dolo ni vestían elegantes trajes diseñados por Hugo Boss. Pero bueno, podemos todos afirmar que son “los malos de la película”, sin duda alguna. Y pensando en el polo opuesto, para todos los mexicanos que hemos mamado el cine de oro nacional, la mejor manera de representar al héroe es un charro a caballo, con sombrero de ala ancha y que suelta tiros al aire. Lugar común, ciertamente, pero de esos elegantes que, a blanco y negro y entre magueyes, todavía nos hacen suspirar.

Ahora bien, ¿qué pasa en nuestras mentes cuando dos ideas tan antagonistas, la del máximo villano extranjero y el gran paladín mexicano, chocan en el terreno de la ficción pero se respalda de un hecho real? ¡Dinamita pura! Múltiples horas de sana diversión especulativa tratando de responder la pregunta madre de toda ciencia ficción: “¿Que hubiera pasado si…?”. Y pese al centenar de posibilidades que me vienen a la mente sobre dicha situación, lo que más me duele es no haber conocido a mi abuelo para poderle preguntar sobre esta y todas sus demás historias. ¿Cómo era Pancho Villa? ¿Qué sintió al dinamitar un tren a los veintiséis años en Chihuahua? ¿Por qué los masones dirigieron desde las sombras al país durante tantos años?, ¿Porqué creyeron que tenían el derecho de servirse con la cuchara gorda los políticos que establecieron el sistema de este país? ¿Cómo eran los entrenamientos de la Legión de Guerrilleros Mexicanos cada domingo? ¿Qué tanto se esforzaban y qué tanto era un convivio entre tequilas y barbacoa? Me hubiera encantado poder charlar estas y otras dudas más con don Antolín en una comida dominical. Pero como no puedo porque ya no nos acompaña, recurro al acto mágico de estimular mi imaginación con los recortes de periódicos y fotografías que nos heredó, y con mucho gusto les comparto estas reflexiones en un formato cinematográfico. Y les garantizo que nuestra película, Matria (México, 2015), esta llena de esa excepcional magia.

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Matria (México, 2015). Dirección, guión y producción: Fernando Llanos. Fotografía: Marcelo Castillo, Carlos Hidalgo, Manuel Huitrón, Fernando Llanos, Emiliano Rocha Minter. Edición: Roberto Bolado, Jorge García, Jessica Herreman y Fernando Llanos. Sonido: Gerson Hernández y Raúl Locatelli. Música: Rey oh Baby, Osiris Ramsés Caballero, Adriana Cao Romero, Lila Downs, Jessica Herreman, Omar Landa, Benjamín Shwartz y Valentina. Compañía productora: Videofilmaciones Suadero. Premios: Mejor Documental Mexicano del undécimo Festival Internacional de Cine de Morelia y Premio del Centro Buñuel de Calanda del séptimo Festival de Cine Mexicano de Durango.

http://www.matria.mx

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Con distribución de Amateur Films, el largometraje documental Matria, de Fernando Llanos, estrenará el 16 de septiembre en la cartelera mexicana.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 48 de la revista cine TOMA, de julio-agosto de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

Cine Toma 46: Venero de letras

mayo 1, 2016

El empleo de guionistas en el cine mexicano

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Los plateados trofeos que replican, en miniatura, la escultura del durangueño-chihuahuense Ignacio Asúnsolo, el Ariel –inspirado en el ensayo homónimo del uruguayo José Enrique Rodó y en el personaje de La Tempestad, de William Shakespeare–, ocupan la portada del número 46 de la revista bimestral Cine Toma, que de este modo conmemora el septuagésimo aniversario de la conformación de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas A.C. (AMACC), en vísperas de la quincuagésima octava gala de entrega a lo mejor del cine mexicano, el 28 de mayo en el Auditorio Nacional.

La publicación circulará por todo el país, durante mayo y junio de 2016, en locales cerrados y en la tienda digital Sanborns.

Titulado Venero de letras. El empleo de guionistas en el cine mexicano, el dossier central de la revista se concentra en la especialidad de la escritura de guión congregando las reflexiones, experiencias y  reflexiones de una serie de profesionales del medio responden a distintas interrogantes en torno a esta actividad. Entre ellas si es normal que en el medio internacional la mayoría de las producciones se hagan con un guión del propio director del proyecto como ocurre en México o sólo se trata de un fenómeno atípico dada la peculiaridad de la educación especializada local. O las razones por las que no existe una más influyente presencia de guionistas en festivales, programas periodísticos especializados, cursos y talleres. ¿No debiera haber tantos o más guionistas como tenemos destacados directores de cine o de fotografía y no sólo los más destacados, que contamos con los dedos de las manos? ¿Si más guionistas se incorporaran a este sistema habría películas que atrajeran más al público y no sólo fenómenos taquilleros aislados, lo que modificaría a una industria como la local, que el año anterior produjo 140 títulos pero que sólo tuvo 5.6% del market share para sus 79 estrenos? Y es más, ¿cómo romper con la separación entre realizadores audiovisuales y escritores profesionales?

Las páginas de este especial abren con el choque entre el escritor y la página en blanco, en esta complicada profesión, de acuerdo a la experiencia de Patricio Saiz; en seguida, se repasan las ideas y los paradigmas propuestos por el script doctor Christopher Vogler, en un ensayo de Nadia González Dávila; más adelante, Diana Cardozo aborda las razones por las cuales este trabajo solitario y titánico importa mucho en el medio mexicano; Lucía Carreras, por su parte, aborda la vertiente del guión que forma parte de la creación artística y resalta la importancia de tallerear los textos; Gabriel Reyes lanza la idea de que en esta época tecnológica, toda la gente debiera escribir sus propios guiones y cómo ahí comienza la dirección de un filme; el azaroso y maratónico camino de la escritura de cine es abordado por Octavio Maya, que lo describe como un camino lleno de escollos, y Leo Mendoza alerta sobre la invisibilización del guionista, un eslabón que no es respetada en  una realización colectiva. Además, se reproducen fragmentos de los guiones de dos cintas recientes: Club Sándwich, de Fernando Eimbcke, y La jaula de oro, de Diego Quemada-Díez, publicados originalmente por Cinema23.

En el resto de contenidos que conforman el tomo 46, se rinde homenaje al recientemente fallecido crítico brasileño José Carlos Avellar, al reproducir su ensayo Guión para la imaginación. Se reproduce, además, un fragmento de la novela El renacido, de Michael Punke, que inspiró la película homónima de Alejandro G. Iñárritu. En la sección Desde la Filmoteca de la UNAM se reproduce el texto de presentación del libro Exterior: Ciudad Universitaria. Toma uno… se filma, de Rafael Aviña, de la autoría de Rosario Vidal Bonifaz.

En Académicas se presenta un segundo dossier, conmemorativo de los setenta años de la fundación de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), constituida el 3 de julio de 1946, en la Notaría 55 de la Ciudad de México. Por ello se incluye una entrevista con la nueva presidente del organismo, la actriz paceña Dolores Heredia, quien define la ceremonia de entrega de los premios Ariel como un abrazo que se convierta en la gran plataforma de difusión del cine mexicano y define su periodo como uno propicio para abrir las puertas y airear la institución para que entre el viento nuevo, preservando las raíces. Se anexa la lista completa de candidatos en las 26 categorías que se entregan, además del Ariel de Oro por trayectoria para Rosita Quintana y Paul Leduc; una breve historia de la AMACC; las actividades paralelas a la entrega, y sus objetivos estratégicos, todo ello junto a una fotogalería de los últimos siete años en que Cine Toma ha realizado la memoria fotográfica de la ceremonia de gala.

En Festivales, se adelanta la vigésima edición del Mix México, en palabras de su fundador y director, Arturo Castelán, que guarda, intacta, el ansia del escándalo; la octava edición de Cine Mexicano de Durango, por el investigador Iván Delhumeau; el sexto de Cine enel Desierto, por sus organizadores, Oliver Rendón y Fernando Álvarez Rebell, así como el séptimo Rodando Film, de San Luis, por su director, Zaire Alejandro García. En Estrenos, Matías Meyer habla del estreno de su segundo largometraje, Yo, de Matías Meyer, en entrevista con Salvador Perches; el elenco de La delgada línea amarilla, Silverio Palacios, Joaquín Cosío y Sánchez Parra, hablan sobre su experiencia en entrevista con Clara Sánchez, y Gustavo Loza habla de su comedia ¿Qué culpa tiene el niño?, en charla con José Juan Reyes. Finalmente, la ganadora del premio a Mejor Actriz en el pasado Festival de Guadalajara, la colombiana Joselyn Meneses, por su actuación en Oscuro animal, en entrevista de Gonzalo Hurtado.

El número 46 de Cine Toma circulará durante mayo y junio de 2016 por todo el país en locales cerrados como Sanborns y Educal y, en su versión electrónica, en la tienda virtual Sanborns.

Muestra CCC 2016 en la Cineteca Nacional

febrero 9, 2016
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Del 10 al 14 de febrero, en la Cineteca Nacional, será proyectada la Muestra CCC 2016 con las producciones realizadas en 2015 como parte del proceso de formación de los estudiantes de la Licenciatura en Cinematografía del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), dividida en 11 programas conformados por 5 largometrajes, las ficciones:
Estrellas solitarias de Fernando Urdapilleta y
Distancias cortas de Alejandro Guzmán Álvarez
Los documentales:
Tiempo suspendido de Natalia Bruschtein
Y el proyecto de tesis de largometraje:
Atl Tlachinolli de Alexander Hick.
Además se presentarán 19 ejercicios de corto y mediometraje del tercer año de estudios (ficción 2), documental y tesis, tras participar en 153 festivales y muestras en 31 países, en los que recibieron 23 premios durante el 2015.
Luego de estas jornadas, la Muestra CCC 2016 será exhibida en más de 15 ciudades del país: Xalapa (3 al 5 y del 10 al 12 de marzo); Nogales (9 al 11 y 16 al 18 de marzo) Zacatecas (20 al 29 de marzo); Guanajuato (3 al 7 de abril); Reynosa (4 al 8 de abril); Acapulco (21 al 27 de abril); Playa del Carmen (abril); Mexicali (abril); Parral (3, 10, 17, 24 y 31 de mayo); Guadalajara (24 de mayo al 3 de julio); Tequisquiapan (mayo); Puebla (junio); Tulancingo (junio); Mazatlán (julio); San Luis Potosí (julio); Ciudad del Carmen (20 al 23 de octubre) y Monterrey (por definir).
Además, al final del próximo año varios títulos estarán disponibles en la página web del CCC (www.elccc.com.mx).

Convocatoria al concurso Miradas del Centro Histórico

marzo 27, 2015

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Se ha lanzado la convocatoria para el concurso Miradas del Centro Histórico que seleccionará 15 cortometrajes de ficción, documental, animación o experimental, con duración máxima de tres minutos, entre los proyectos inscritos y que planteen ser realizados en el primer cuadrante de la Ciudad de México, en torno a tres de sus sitios paradigmáticos: el Centro Cultural Casa Talavera, el ex Convento de Regina y el Museo Panteón de San Fernando. Organizado por la Casa del Cine MX, el Fondo Mixto de Promoción Turística del Distrito Federal (FMPT) y la Autoridad del Centro Histórico de la Ciudad de México (ACH), otorgará tres premios de 450 mil, 275 mil y 125 mil pesos, respectivamente.

La inscripción de proyectos concluye el 22 de abril de 2015.

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A diez años de “Temporada de patos”, Fernando Eimbcke estrena “Club Sandwich”

noviembre 25, 2014

Hay que escuchar a ese niño, jugar con él

Por Salvador Perches

Estrenar una película pequeña, en blanco y negro, sobre adolescentes, Temporada de patos, convirtió a Fernando Eimbcke en un director referencial en el cine mexicano, que arrasó con el Mayahuel en Guadalajara y con los premios Ariel. Desde entonces, con dos cintas más en su filmografía, Lake Tahoe y Club Sandwich, confirmaron a un realizador maduro que ganó, en 2013, la Concha de Plata a Mejor Director en San Sebastián.

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Pocos imaginarían que ese jovial y perenemente sonriente muchacho rubio, regularmente vestido de jeans y de camisetas blancas, de cabello corto y apariencia de bueno, que se transporta en su bicicleta con una mochila al hombro y que transita por esta vida con una gran apacibilidad y bonhomía, haya sido ganador de reconocimientos tan importantes como la Concha de Plata al Mejor Director en la sexagésima primera edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián por su tercer largometraje de ficción, Club Sandwich (México, 2012) o el premio de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (Fipresci), en la quincuagésima octava Berlinale, gracias a su anterior trabajo, Lake Tahoe (México, 2008).

Y ni hablar de su ópera prima, Temporada de patos (México, 2003), una cinta en blanco y negro que se estrenó en la décimo novena Muestra de Cine Mexicano en Guadalajara (el actual Festival Internacional de Cine), donde ganó el Mayahuel a Mejor Película y al Mejor Director, para posteriormente alzarse con 11 premios en la cuadragésima séptima ceremonia de entrega del Ariel (Película, Dirección, Actriz, Actor, Guión Original, Fotografía, Edición, Música Compuesta para cine, Sonido, Diseño de Arte, Vestuario y Ópera Prima Ficción), y volverse una de las cinco más premiadas de la historia de la Academia Mexicana de Cine.

Tras estudiar en la Escuela Superior de Fotografía y luego el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (cuec), de la unam, Eimbcke optó por trabajar en publicidad, así como en la industria de la música, realizando videos para grupos alternativos como Plastilina Mosh, Jumbo, La gusana ciega, El gran silencio o Molotov, que le merecieron algunos premios mtv.

Curiosamente, sus tres largometrajes abordan el mundo de la adolescencia, esa inestable etapa en la que los protagonistas están abiertos al mundo, expectantes del futuro, pero simultáneamente tienen abundante tiempo de sobra para la contemplación y el ocio, como ocurre con los tres muchachos y un pizzero atrapados en un domingo sin energía eléctrica en un departamento de Tlatelolco (Temporada de patos); la de un joven de Playa del Carmen que deambula por el minúsculo pueblo tras haber chocado el auto, aún obnubilado por la muerte paterna (Lake Tahoe), y finalmente, por el relato de una madre soltera cuyo hijo es su mejor amigo, pero cuya relación se ve interrumpida por el primer enamoramiento con una adolescente en el mismo centro vacacional (Club Sandwich).

Eimbcke celebra este año 20 años de su primer cortometraje, Disculpe las molestias (México, 1994); la primera década del estreno de Temporada de patos, además de estrenar Club Sandwich en la cartelera mexicana el 20 de noviembre, con distribución de Mantarraya.

Con Club sandwich vuelves a los temas de la pubertad y la adolescencia.

A mí es un tema que me interesa mucho porque es algo que nos acompaña siempre, siempre, podemos tener 40, 50 años pero siempre estamos regresando a ese momento de la infancia, a ese momento de la adolescencia donde nos estamos formando, donde cometemos muchos errores, donde tenemos muchas dudas pero también muchos aciertos, pero en esta peli el personaje principal que fui descubriendo fue el de Paloma, el personaje de 30 y tantos años que se sigue enfrentando a los mismos miedos que nos enfrentamos a los 14, a la soledad, a la búsqueda del amor, a la búsqueda de un amigo, es una historia de amistad, aquí Paloma y Héctor son amigos, son dos amigos.

Además ese miedo a ir perdiendo el afecto, a quedar desplazado.

Exacto, no a perderlo pero si a que quede desplazado, esta separación y esta falta de comunicación que se da en todas las relaciones, también entre madre e hijo hay un equilibrio que se da durante mucho tiempo y de repente pasa el tiempo y llega la madurez, llega la naturaleza, llega el sexo y dice: esto tiene que cambiar y las madres, yo creo que ninguna madre está preparada para eso y podrán leer muchos libros que hablen sobre el tema pero nunca están preparadas y lo más bonito es que las madres, digamos esta madre no está preparada y además lo que ha hecho, lo ha hecho por amor, todas las relaciones son conflictivas pero hay amor.

En Club sandwich el acento esta puesto, formalmente, en tomas muy cerradas, lo que permite apreciar toda la comunicación facial.

En las películas anteriores habíamos trabajado con muchos planos abiertos y esta es la primera en la que nos centramos en los planos cerrados y, bueno, fue un descubrimiento muy bonito para mí, encontrar la expresión, la atención, la sexualidad de los dos personajes en esos gestos, no tanto ver el cuerpo, la mano, sino estar en la cara, sentir ese movimiento de labios de Lucio o ese sorbidito. Saber que hay una tensión sexual tremenda, pero es en el close como puedes transmitirla, yo fui el primer sorprendido y los que te lo dan son ellos, los actores.

¿Eso a ti te descubrió otra forma de dirigir?

La historia lo va pidiendo. En Lake Tahoe era una cosa más voyeurista, más de lejos, aquí en Club Sandwich estás más metido con los personajes, como si estuvieras en el cuarto, en medio, viéndolos a los dos, como director y como espectador tienes ese privilegio de verlos de cerquita, a mi me fascinó.

Fernando, si eres ese niño que no te deja en paz, ¿seguirá viviendo en ti cuando hagas cine de adultos?

Sí, yo creo que sí, siempre, y lo ves hasta en las películas de adultos que te llaman la atención, también las de adultos son iguales, son como adolescentes, como niños. A lo mejor hay una película de gente mayor y seguimos siendo como niños, en general. Yo creo que a todos, ese niño no nos deja en paz y, si lo hace, qué horror. Hay que escuchar a ese niño, jugar con él también.

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Fernando Eimbcke, homenajeado en “Celebrando México” de Discovery

octubre 7, 2014

Celebrando México Discovery

El cineasta mexicano Fernando Eimbcke, director de largometrajes como Temporada de patos (México, 2004); Lake Tahoe (México, 2008), y Club Sandwich (México, 2013), es uno de los seis embajadores, es decir mexicanos destacados, en las ramas de cultura, gastronomía, deportes, industrias creativas, pro-social y medio ambiente, que han sido homenajeados por el canal Discovery, en su programa especial Celebrando México, mediante cápsulas documentales que muestran el trabajo y las acciones que estos personajes están llevando a cabo para dejar huella en México.

Los mexicanos reconocidos en este 2014 son:

Paola Longoria. Raquetbolista que a sus  25 años, triple campeona panamericana y centroamericana, y mantiene una marca de 145 victorias de manera consecutiva así como 36 títulos también consecutivos. Fue designada al Premio Nacional del Deporte en 2010.

Alejandro Solalinde. Sacerdote mexicano defensor de los derechos humanos de los migrantes, en su albergue Hermanos en el Camino proporciona ayuda humanitaria anualmente a más de 600 mil migrantes que emprenden su camino hacia Estados Unidos.

Eduardo García. Chef y propietario de Máximo Bistrot, quien incluye en todos sus platillos productos del campo mexicano, enalteciendo la calidad y sabor de lo hecho en México.

Fernando Eimbcke, director de cine mexicano galardonado dos veces con el premio Ariel a Mejor Director. Su más reciente trabajo, Club Sandwich, le valió el premio como Mejor Director en la 61 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián-Donostia.

Jorge Cervera Hauser. A través del programa Al llamado del tiburón, busca sustituir la pesca de tiburón, desarrollando el turismo de nado con tiburones en Baja California, ofreciendo una alternativa económica a los pescadores, y demostrando que un tiburón vale más vivo que muerto.

Cristina Pineda y Ricardo Covalín. Creadores de la marca Pineda Covalín, reconocida internacionalmente por ser expositora del arte y los diseños mexicanos alrededor del mundo y por recopilar las leyendas de México y América Latina para las nuevas generaciones.

A partir del 19 de septiembre las cápsulas documentales de dos minutos por cada uno serán transmitidas en toda la cadena de Discovery. Pero la iniciativa durará todo el año, ya que los seis embajadores visitarán distintas universidades y foros del país, con el objetivo de conversar con los jóvenes mexicanos y motivarlos a actuar en beneficio del país. Asimismo, el canal Discovery invitará a su audiencia a nominar a los próximos embajadores de Celebrando México.

Eimbcke Celebrando

 

Para ver el video dé click a la imagen de abajo:

Eimbcke Discovery

 

 

 

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XIII edición de Macabro, Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México

agosto 27, 2014
Inauguración Macabro 2014Edna Campos en la entrega del reconocimiento a Tinieblas (y a Alushe), 
durante la inauguración de Macabro en el Teatro de la Ciudad, 
el jueves 21 de agosto. Foto: Sergio Raúl López.

 El 13, un número para reinventarse

Por Edna Campos Tenorio, directora fundadora de Macabro

Puntal del cine de género en México, tanto por ser el primer festival cinematográfico especializado como por haber ido mutando de sólo ser un espacio para la exhibición, a un proyecto que fomenta la creación audiovisual de la filmografía latinoamericana de terror y fantástica, además de formar parte de una red internacional de eventos pares, Macabro, Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México se reinventa en su décimo tercera edición, con homenajes al cine de luchadores, competencia, estrenos nacionales y una mesa redonda sobre Stephen King, entre muchas otras actividades.

STILL Las mujeres panteras

Una vez más, Macabro, Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México, se reinventa en el 2014. El 13 es un número mágico que ha inspirado nuestra imagen y programación, enfocada como cada año en lo más relevante de la producción contemporánea del cine de horror contemporáneo y la revisión del cine clásico y de culto, al arribar a su edición XIII. Lograr eso nos lo permite ser el primer festival en su tipo en México, contar con 12 años de existencia así como un público leal y crítico que sabe que es una experiencia única por su propuesta y congruencia programática.

Hacer un festival como Macabro no es fácil, nuestras propias metas son superadas año con año y el crecimiento del festival ha sido exponencial en los últimos cuatro años –que corresponden al reciente boom del cine de género en México y otros países de Latinoamérica. En este contexto y al ser el festival más longevo, que además se realiza en una de las ciudades más grandes del mundo, la de México, resulta un reto mayor, pues cuando se mantiene un proyecto por tanto tiempo su concepto tiene que dejarse morir y reinventarse en cada edición.

En este momento, en el que el mundo ha volteado a ver y comenta Latinoamérica como la zona donde se está produciendo un destacado cine de terror contemporáneo, nos confirmamos como pioneros en esta labor, al haber sido los primeros en dar espacio, presencia y credibilidad a películas que nunca hubieran sido vistas en la exhibición formal tanto en festivales como en salas, y ahora en conformar un proyecto que va en la búsqueda del impulso a la creación de filmes del género en nuestro país.

No solo creemos que hay talento en nuestra zona geográfica, sino que estamos convencidos de que este es el momento para que los directores latinoamericanos brillen. En años anteriores, veíamos cómo el público recibía con cierto recelo el trabajo de los cineastas mexicanos, chilenos, brasileños, argentinos, etcétera. Hoy vemos cómo algunas películas hechas en México, Argentina o Chile ya tienen un remake, una segunda versión en Estados Unidos, o que directores como el mexicano Jorge Michel Grau, el argentino Adrián García Bogliano y el chileno Patricio Valladares, ya están filmando o están por filmar en otros países.

Soportes, redes y sedes

En Macabro sabemos que el hecho de ser un espacio para la sola exhibición ya no es suficiente, ante el surgimiento de festivales con propuesta y objetivos similares. En un país que ha producido más críticos y especialistas que creadores cinematográficos, hemos dado decidido dar el siguiente paso en la continuidad de nuestra labor, a través de un proyecto que nació como taller de guión, en conjunto con la productora Nuevas Resonancias y el invaluable apoyo de la Sociedad de Directores Cinematográficos, que rápidamente se transformó en Macabro Lab, una plataforma que impulsará la carrera de guionistas, realizadores  y productores, brindándoles soporte técnico, creativo y temático dentro de la escritura de guión en un laboratorio encaminado a fortalecer los aspectos integrales de la creación, la producción, el desarrollo  y la  búsqueda de apoyos cinematográficos en México.

Macabro ha trabajado en conjunto con otros festivales y proyectos afines que han contribuido en sus respectivos países a la formación y generación de este movimiento: Buenos Aires Rojo Sangre, Zinema Zombie Fest, Fantaspoa, Montevideo Fantástico y Puerto Rico Horror Film Festson, forman parte de una red que ha compartido a lo largo de varios años programación y difusión de proyectos.

Ante la demanda de un público que pide mayor cantidad de eventos y películas en nuestra programación, este 2014 tendremos un mayor número de sedes para la exhibición cinematográfica: música, intervención de espacios públicos, charlas magistrales, conferencias la interacción de los invitados con el público de Macabro y la realización del Macabro Lab.

Horror contemporáneo y cine de culto

Macabro presentará una programación en la cual destaca como ya es tradición, la presentación del cine contemporáneo de horror así como la revisión y relectura de clásicos y filmes de culto, con la participación de programadores invitados, la apertura a otros festivales y tendencias.

La competencia de largometraje y cortometraje contará con producciones recientes, como el acercamiento al cine de terror del realizador filipino ganador del premio a Mejor Director en el Festival de Cannes 2009, Brillante Mendoza, con su reciente producción Posesión (Sapi, Filipinas, 2013); el regreso a Macabro del serbio Milan Todorovic con Mamula (Serbia, 2014), y la presencia de la actriz Kristina Klebe; la película-homenaje a la estética del cine giallo de Sonno Profundo (Argentina, 2013, de Luciano Onetti), y la cinta de terror orgánico Contracted (Estados Unidos, 2013), presentada por su director Eric England.

En la sección México Macabro se estrenará la nueva película de uno de los pioneros de la actual ola de cineastas mexicanos de género, Leopoldo Laborde −quien sorprendiera en el final del milenio con Utopía 7 (México, 1995), una película de ciencia ficción hecha con una handycam, 10 mil pesos y la actuación del icónico Claudio Brook−, quien regresa a Macabro con una película inspirada en un caso de nota roja ocurrido en la ciudad de Monterrey hace un par de años, La piel rota (México, 2014). Y por otro lado los proyectos de jóvenes directores mexicanos como Lex Ortega y la directora y actriz Gigi Saúl Romero, entre otros

Luchadores y deconstrucción

Este año, nuestra retrospectiva se dedicará a hacer una revisión del diálogo que ha mantenido la lucha libre como género mexicano por derecho propio junto con el cine de terror. La curaduría, realizada por The Killer Film, el crítico enmascarado, incorpora filmes clásicos y películas extrañas, así como cortometrajes dedicados e inspirados por el género, entre las cuales se incluye Las mujeres panteras (México, 1967), de René Cardona y Los vampiros de Coyoacán (México, 1974), de Arturo Martínez, asimismo contaremos con la presencia del luchador Tinieblas, quien compartirá con el público de Macabro su experiencia como actor-monstruo en el cine de lucha libre.

El estado del cine de género en el mundo será revisado por Macabro a través de un programa que incluye películas que deconstruyen el quehacer fílmico de los protagonistas detrás de cámaras, vistos por películas como Berberian Sound Studio: La inquisición del sonido (Berberian Sound Studio, Reino Unido, 2012), de Peter Strickland, o la tailandesa The Stunt (Tailandia, 2013), de Sathanapong Limwongthong. Por su parte, Frankenstein no asusta en Colombia (Colombia, 2013), de Érik Zúñiga, una película que explora la existencia del cine de género como fenómeno social, más allá del clásico horror imaginario o sicológico, mientras que el filme del ecuatoriano Miguel Alvear, Más allá del Mall (Ecuador, 2010), que retrata la realidad del submundo en la distribución y producción del cine en aquel país sudamericano, muy alejada de los complejos cinematográficos comerciales y muy cercana al gusto del público.

Complementan la muestra películas como Visceral: Entre las cuerdas de la locura (Chile, 2013), de Felipe Eluti; Mar Negro (Brasil, 2013), de Rodrigo Aragão, filme que concluye su trilogía de zombis –integrada por Mangue Negro (Brasil, 2008) y A Noite do Chupacabras (Brasil, 2013), películas que Macabro ha presentado, en sus ediciones de 2012 y 2013–, así como las muestras de cine de animación del festival CutOutFest de Querétaro y de cortometraje peruano de terror, directo del Festival Internacional de Cortometrajes FENACO de Perú.

Los eventos especiales nos traerán el estreno de cine independiente en 3D, American Mummy (Estados Unidos, 2014), de Charles Pinion; la presentación del músico méxico-italiano Blazko Scaniglia, y la musicalización del gran clásico del cine expresionista y de la ciencia ficción, Metrópolis (Alemania, 1927), de Fritz Lang, por el dueto Extraños en un tren, que por segunda ocasión presentan en Macabro una partitura original para un clásico del cine silente −en 2012 presentaron su partitura de Las manos de Orlac (Orlacs Hände, Alemania-Austria, 1924), de Robert Wiene.

Finalmente, contaremos con una mesa de especialistas que presentarán un análisis de la obra de uno de los escritores más importantes de la literatura de terror, el estadounidense Stephen King, en la cual se presentarán diversos puntos de vista sobre sus temas, sus miedos y sus obsesiones personales.

La décimo tercer edición de Macabro se realizará del 21 al 31 de agosto y tendrá como sedes la Cineteca Nacional, el Cinematógrafo del Chopo, el Laboratorio Arte Alameda, el Museo Panteón de San Fernando, el Centro Cultural Carranza y su función inaugural ocurrirá en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”. Posteriormente realizaremos un circuito de exhibición en las Fábricas de Artes y Oficios (Faros) del Gobierno de la Ciudad de México y la UAM Cuajimalpa para luego trasladarse a las ciudades de Monterrey (dentro del festival Penumbra), Aguascalientes (dentro del festival Post Mortem), Cancún y Guanajuato (dentro del festival Aurora, en 2015).

La programación completa se encuentra en http://www.macabro.mx así como en las redes sociales, en Facebook y Twitter con el nombre MacabroFich.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 35 de la revista cine TOMAde enero-febrero de 2014. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

 

Macabro 13

 

 

 

Las orfandad y “Las lágrimas”, de Pablo Delgado

noviembre 7, 2013

Quise contar un cuento pequeñito 

Por Sergio Raúl López

Dos hombres tan puramente jóvenes, en edades distintas, pero que aún no acaban por madurar, descubren que sólo cuentan con ellos mismos, con sus desavenencias y defectos, para superar una profunda crisis de abandono familiar, con el padre ausente y la madre deprimida. Tal es la historia que Pablo Delgado eligió para su primer largometraje, Las lágrimas, con una favorable respuesta en festivales de cine.Las_lagrimas5

Tan sencilla, la historia, no deja de enternecer. Dos hermanos, uno que ni siquiera llega a la adolescencia, Gabriel (Gabriel Santoyo), y el otro que la está dejando, Fernando (Fernando Álvarez Rebell), han de enfrentar el abandono paterno del hogar sin muchas más herramientas, que el alcohol y las fiestas, para el mayor, y los videojuegos y, en general, la pantalla televisiva, para el segundo, como las rutas evasivas más a la mano para lidiar con la pequeña crisis en la casa. Porque, además, la madre (Claudette Maillé), apenas y puede con ella misma y su depresión, como para hacerse cargo del hogar roto.

Una historia sencilla, concentrada en mostrar la complicidad, sí, pero también los desencuentros entre dos jóvenes varones cuyas edades ponen suficiente distancia entre sus intereses particulares, es el nudo sobre el que se desarrolla Las lágrimas (México, 2012), el primer largometraje de Pablo Delgado Sánchez y su trabajo de tesis para egresar del Centro de Capacitación Cinematográfica (ccc), tras un par de cortometrajes escolares previos, el de ficción Dorsal (México, 2010) y el documental Pia Mater (2011).

Las lágrimas fue uno de las siete películas mexicanas seleccionadas en 2012 para integrar la sección Carte Blanche para obras en postproducción, en el sexagésimo quinto Festival de Cine de Locarno, en Suiza, y ganó el premio principal, dotado con 10 mil francos suizos. Desde entonces, el largometraje, de 66 minutos de duración, ha competido en los festivales de Morelia, Rotterdam, Cartagena de Indias, Hong Kong, Tolouse –en el que mereció una Mención Especial–, Guadalajara, Riviera Maya y Urtrecht, entre otros. Y forma parte de la programación del trigésimo tercer Foro Internacional de la Cineteca, con el que recorrerá incontables cines de todo el país.

Y justo a propósito de este periplo es que sucedió la siguiente charla con Pablo Delgado.

 

Aunque este es un proyecto de transición y salida del aprendizaje escolar, posee una parte profesional que le ha merecido premios en festivales y la recepción favorable del público. ¿Qué tan arriesgado era presentar un largometraje de ficción como trabajo de tesis del ccc?

Creo que para el momento en que uno hace su trabajo de tesis en el ccc ya debe llegar con cierta ambición y con una completa claridad de lo que uno tiene que hacer, lleva encerrado ahí seis años y se tiene que sentir la diferencia entre el primer corto, que es terrible, y la tesis. En ese sentido, nunca hicimos la película con la intención de llegar a tal festival o ganar tal premio, no se hizo con esa meta pero sí se piensa en ello. Además, películas como Las lágrimas y el cine como el que hacemos la mayoría en el ccc, necesita del festival para llegar al público.

Con mi segundo cortometraje en la escuela me descubrí queriendo abarcar mucho, con un gran tema y una gran fotografía, y aunque afortunadamente le fue bien a Dorsal y estuvo en Morelia y otros festivales, tenía un cierto déficit, por eso es que con Las lágrimas quise bajarle tres rayitas y lograr hacer algo que pudiera estar en más contacto con el público. A los trabajos anteriores les había ido bien pero no tenían una proximidad tan contundente ni tan nítida con el público. Con Las lágrimas quise contar un cuento pequeñito de la forma más honesta y menos ambiciosa que pudiera hacer y nos bajamos mucho en el plano estético –a pesar de lo cual cuenta con una fotografía muy interesante–, pero me tenía que mostrar a mí mismo, como director que podía contar una historia, de principio a fin, con actuaciones reales, verdaderas, contundentes. Quise, para la titulación hacer algo más honesto, más sencillo, más simple, más aterrizado.

¿Consideras que es un ejercicio sintético? No sólo por la duración de la película, sino por contar sólo con tres actores y una anécdota bastante clara, un desarrollo limpio, sin complicaciones.

Justamente es eso, complicarnos menos en términos de producción, de dirección, de todo. Decidí no meterme con veinte personajes ni treinta locaciones, para hacer un primer largometraje. Además es un proceso distinto respecto a un cortometraje, son dos animales completamente diferentes, aunque ambos sean cine, son otras experiencias y métodos. No me quería complicar la vida sino encontrar algo muy íntimo y muy cercano que nos permitiera concentrarnos en el nivel que podíamos. No complicarnos tanto la vida para que la película saliera bien, sintetizar para buscar mayor concentración. Quizá para la próxima película podamos arriesgarnos un poquito más, pero siento que es muy importante que el estudiante de cine haga cosas más honestas en su primera película, no querernos comer el pastel de un solo bocado. Cada película conlleva un aprendizaje y de Las lágrimas me llevo uno muy importante para la película siguiente.

¿Cómo fue el proceso de trabajo para ir creando las ambientaciones y la paleta de color en la cinta, con una estética muy definida a la que los personajes aparecen muy integrados?

Justamente esa fue una cuestión que decidí junto con Juan Pablo Ramírez, que ha sido el fotógrafo de mis filmes desde el inicio de mi carrera, es uno de mis mejores amigos y tenemos un lenguaje común muy arraigado. Me ocurrió con el corto anterior, Dorsal, donde quiera que se proyectaba la gente me comentaba sobre la buena fotografía pero yo quería que me comentaran sobre la buena película, de manera integral. Por eso le propuse salirnos de todas las muletillas plásticas, de miel visual, que siempre hemos tenido, para salirnos de la sola imagen bonita y dejarnos llevar. Tomamos la decisión, previa al rodaje, de que la cámara funcionara en torno a los actores y que no importara si no lográbamos el plano más bello. Mis películas anteriores eran muy estáticas, con movimientos de dolly muy finos y esta es más sucia, cámara en mano, planos muy cerrados en la casa, porque lo que nos importaba era estar con los actores, estar con ellos y eso requería una construcción muy profunda de los personajes. En el caso de Gabriel no podía darle todo un discurso, pero con Fernando sí, quizá ensayamos dos veces previo al rodaje, pero hubo charlas larguísimas de cómo tenía que ser el personaje y le daba cierta carta blanca porque al final de cuentas yo estoy detrás de la cámara y ellos están dentro de la toma, y aunque ya se ensayó, quién sabe si se va a ir por otro lado, por eso le decía que él guiaba dentro del cuadro y yo fuera. Y eso fue muy rico.

Este artículo forma parte de los contenidos del número 28 de la revista cine TOMAde mayo-junio de 2013. Consulta AQUI dónde conseguirla.

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Homenajes a Darren Aronofsky, Danny Boyle y Fernando Luján en el XVI GIFF

julio 12, 2013

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La décimo sexta edición del Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF), a celebrarse del 17 al 20 de julio en San Miguel de Allende y, más tarde, del 24 al 28 de julio en Guanajuato Capital, tendrá como principales homenajeados al actor mexicano Fernando Luján, así como a dos directores internacionales, el estadounidense Darren Aronofsky y el inglés Danny Boyle. Además, la cinta Heli (México, 2013), del guanajuatense Amat Escalante, premiado recientemente como Mejor Director del 66 Festival de Cannes, tendrá su estreno latinoamericano en el festival.  El país invitado es Colombia y la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión brindará reconocimientos a la directora y productora mexicana María Novaro, así como a la productora televisiva Máfer Suárez.

La película inaugural será Fruitvale Station (Estados Unidos, 2013), escrita y dirigida por Ryan Coogler y protagonizada por Michael B. Jordan y Octavia Spencer, cinta ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance y de la sección Una Cierta Mirada en el Festival de Cannes, el 19 de Julio en San Miguel de Allende. En tanto, la mencionada Heli inaugurará las actividades en Guanajuato la noche del 24 de julio.

Entre los homenajeados, el actor Fernando Luján con participación en más de 65 películas, entre las que destacan en años recientes En el país de no pasa nada (México, 2000, de Maricarmen de Lara), Cinco días sin Nora (México, 2008, de Mariana Chenillo) o El Coronel no tiene quien le escriba (México-Francia-España, 1999, de Arturo Ripstein). La entrega del reconocimiento será en San Miguel de Allende, el 20 de julio, con la proyección de Tercera llamada (México, 2013, de Francisco Franco).

Además, el director Darren Aronofsky, director de cintas trascendentes como Réquiem por un sueño (Requiem for a Dream, Estados Unidos, 2000) El cisne negro (Black Swann, Estados Unidos, 2010), El luchador (The Wrestler, Estados Unidos, 2008) y Pi: El Orden del Caos (Pi, Estados Unidos, 1998), será homenajeado el viernes 26 de julio en el Teatro Juárez de Guanajuato.

En tanto, el cineasta británico Danny Boyle ganador al oscar por Quisiera ser millonario (Slumdog Millionaire, Reino Unido, 2009) y creador de obras de culto como La vida en el abismo (Trainspotting, Reino Unido, 1996); Tumba abierta (Shallow Grave, Reino Unido, 1994) y Exterminio (28 days Later…, Reino Unido, 2002), también será presa de un homenaje en el Teatro Juárez el jueves 25 de julio.

El jurado de este año se conforma por la directora argentina Lucrecia Martel (La Ciénega, La niña Santa y La mujer sin Cabeza); la directora de arte Brigitte Broch (Moulin Rouge!, Biutiful, Amores Perros, Sexo, pudor y lágrimas); la productora Lene Børglum (Only God Forgives, Dogville, Mammoth), y encargada del financiamiento de las películas de Lars von Trier; Charles Tesson, director artístico de la Semana de la Crítica en Cannes; el artista contemporáneo Carlos Amorales; la actriz mexicana Adriana Barraza; la actriz mexicana María Rojo; el director de Programación del Festival de Cine de Abu Dhabi y director del fondo SANAD, Intishal Al Timimi; el director de animación  Don Hertzfeldt; el director irlandés David O’Reilly, ganador del oso de oro de Berlin por Please Say Something; el documentalista mexicano Everardo González (La canción del pulque, Ladrones viejos, Cuates de Australia), y el documentalista mexicano Eugenio Polgovsky, (Trópico de Cáncer, Los Herederos, Mitote).

 Como país invitado de honor, Colombia exhibirá una destacada selección de su cinematografía, tanto histórica como actual; ofrecerá conferencias, talleres, presentaciones especiales y participará en el Foro Bilateral de Coproducción. Además, ofrece la gala de estreno de Roa de Andrés Baiz y el documental Apaporis, de José Antonio Dorado.

En el concurrido ciclo Cine entre muertos que se efectúa en la medianoche en el panteón municipal de Guanajuato, se realizarán las alfombras rojas y se proyectarán las cintas Juego de niños (Come Out and Play, México, 2012), del bieloruso Makinov, y We Are What We Are (Estados Unidos, 2013), del director estadounidense Jim Mickle, segunda versión de la cinta Somos lo que hay (México, 2010), de Jorge Michel Grau.

Además, la edición XVI del GIFF ofrecerá una serie de conciertos. En San Miguel de Allende, inicia el sábado 20, con los San Miguel Jazz Cats y luego con Jeffrey Mpondo en el Jardín Principal, a partir de las 19:00 horas. En tanto, el domingo 21, a partir de las 21:00 horas, se presentarán The Mud Howlers y Palenke Soul Tribe.  Posteriormente, en Guanajuato capital habrá más conciertos, el primero, de Paté de Fuá, es el miércoles 24, a las 18:00 horas, en el Auditorio del Estado. Salsa para sus tacos, con la Sinfónica Salsera de Cali y el grupo Afrodita, el viernes 26 de julio en la Alhóndiga de Granaditas, a las 22:00 horas, y el sábado 27, se realizará el Tunnel Fest, con los DJ españoles Pig & Dan y los mexicanos Métrika y balzazar & sordo, como fiesta de clausura, en los túneles de Guanajuato.

También se presentarán los libros Diálogos de Luz, del iluminador teatral Víctor Zapatero, con entrevistas a Rodrigo Prieto, Alejandro Luna, Julie Taymor, Spencer Tunick, Claudio Valdéz, Pilar Medina y Thomas Patterson; Trasuntos de Cine, del crítico Jorge Pantoja Merino.

 

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