Con un sucinto comunicado, el Trinity College de la Universidad de Cambridge, dio a conocer la sorpresiva noticia de la muerte, a los 40 años de edad, del cineasta mexicano Eugenio Polgovsky, ocurrida el viernes anterior, 11 de agosto, en la ciudad de Londres, Inglaterra, donde radicaba desde hace dos años realizando una residencia artística en el área de Artes Creativas.
“Los miembros del Colegio estamos profundamente entristecidos con la noticia de la muerte en Londres, el viernes 11 de agosto de 2017, de Eugenio PolgovskyEzcurra, nuestro Fellow-Commoner en Artes Creativas (2015–17). El espíritu generoso de Eugenio conmovió a mucha gente. Sus filmes y fotografías fueron muy admirados en Trinity y más allá, y sus grandes talentos como cineasta documentalista fueron ampliamente reconocidos por todo el mundo. Dirigimos nuestros pensamientos y nuestras más cálidas condolencias van a su familia.
Eugenio Polgovsky (Ciudad de México, 1977), fue un documentalista personal que trabajaba como director, cinefotógrafo y editor, además de fotógrafo fijo. En 1994, ganó el concurso de fotografía Viviendo Juntos, organizado por la UNESCO. Estudió dirección y cinefotografía en el Centro de Capacitación Cinematográfica. Su tesis y primer documental, Trópico de cáncer (México, 2004), ganó numerosos premios alrededor del mundo (Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine de Morelia; Ariel a Mejor Ópera Prima; Premio Joris Ivens en el Festival Cinéma du Réel; Mejor Documental en DocuDays en Beirut, Corea y FICCO y Premio de Oro del Festival Al Jazeera en Qatar), tuvo una proyección especial en la Semana de la Crítica en Cannes 2005, fue parte de la sección Frontier en Sundance y recorrió más de 100 festivales alrededor del mundo. Siguió el largometraje Los herederos (México, 2008), sobre los niños trabajadores del campo mexicano, que se estrenó en la 65 Mostra de Cine de Venezia y luego participó en la competencia de la sección Generation Kplus del Festival de Cine de Berlín, además, logró dos premios Ariel a Mejor Documental y Mejor Edición, el Coral en el 30 Festival de Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana; Mejor Documental en FIDOCS, Chile; el Premio Zapata en el Festival de la Memoria y dos premios de Amnistía Internacional (Eslovenia y Lisboa), además de ser apoyado por la UNICEF para su difusión, como eje de una campaña de sensibilización sobre el trabajo rural en la infancia. Realizó el filme independiente Mitote (México, 2012), filmado en el zócalo capitalino entre las pantallas gigantes que transmitían el Mundial de Futbol en Sudáfrica; la huelga de hambre de 80 trabajadores del Sindicato Mexicano de Electricistas y los preparativos del Bicentenario de la Independencia. Finalmente se embarcó en un proyecto que le llevó cinco años, el registro y denuncia de la contaminación extrema que sufre el río Santiago y la cascada El Salto, en Juanacatlán, Jalisco, que fuera conocida como el “Niágara mexicano”, así como las secuelas que enfrentan sus habitantes y el propio entorno del lugar, con el que filmó el cortometraje Un salto de vida (México 2013), que le mereció el Ariel, y que gracias al primer fondo público que le fue otorgado en Foprocine, se convirtió en el largometraje Resurrección (México, 2016) , ganador del Premio Especial Ambulante en el XIV Festival Internacional de Cine de Morelia. Como cinefotógrafo trabajó en numerosos proyectos de documental, ficción y artes visuales, como los de la artista Jae Eun Choi y el bailarín de danza butoh, Yuzhio Amagatzu, en Japón, además de colaborar con Hubert Sauper. En 2004 recibió el Premio Nacional de la Juventud. Radicaba en Londres, en una residencia artística en el área de Artes Creativas del Trinity College de la Universidad de Cambridge, desde 2015.
La mañana de este jueves, 7 de noviembre, falleció el crítico e investigador cinematográfico Gustavo García, tras una larga estadía en terapia intensiva en el Hospital Ángeles del Pedregal y luego en el Hospital de Alta Especialidad “Adolfo López Mateos” del ISSSTE, por un paro respiratorio, luego de una operación gástrica urgente en junio pasado. Esta mañana, su esposa, Claudia Ojesto, confirmó el fallecimiento de quien fuera una de las figuras preponderantes tanto de la crítica cinematográfica desde sus espacios semanales en los micrófonos de la sección Butaca Red de Radio Red y semanalmente los jueves en Noticias 22 de Canal 22.
La redacción de cine TOMA se une a la pena que embarga a su familia y amigos, así como la comunidad cinéfila. Que descanse en paz.
En cine TOMA, Gustavo García apareció publicado en el número 16, El OJO ESCRUTADOR. La crítica incomoda, de mayo-junio de 2011; así como en el número 19, Y SE HIZO SONORO. Ochenta años de cine sincrónico en México, de noviembre-diciembre de 2011.
Reproducimos a continuación la entrevista que le realizó el periodista José Juan Reyes para el número 16 de cine TOMA, pues nos ofrece un perfil bastante completo sobre este maestro tanto por su ejercicio escritural y como comentarista, tanto cuanto porque fue profesor tanto en la Universidad Nacional Autónoma de México y en la Universidad Autónoma Metropolitana.
Gustavo García durante la transmisión especial de la
55 ceremonia de entrega del Ariel para Canal 22,
el 28 de mayo pasado. Fotografía: Pedro Arroyave.
Gustavo García frente a un panorama desolador para la crítica
El crítico ha sido desplazado por el taquillero
Por José Juan Reyes
Formado como periodista en la UNAM, Gustavo García bien pudo haberse dedicado a la crítica literaria o a la de de alguna otra arte, pero el entorno propicio de los años setenta le condujo a ejercer la de cine, tanto como investigador, profesor y crítico. Empero, el deterioro que esta actividad ha experimentado en décadas recientes le lleva a proponer que las escuelas de cine abran la especialidad de crítico.
Toda obra creativa que se expone al público requiere de la existencia de una voz que comente, que desmenuce su contenido y propuesta, para así nutrir tanto el disfrute de su contemplación como la relación del autor con su entorno. Y en el caso del cine, el crítico es el enlace entre los realizadores y los espectadores.
En México, este oficio se había ejercido en completa libertad y con propuestas reflexivas, abarcando prácticamente todas las vertientes fílmicas que se han desarrollado a lo largo de nuestra historia, por más crisis que se atraviese o por más falta de producciones que las acompañe.
Quién así opina es Gustavo García, periodista, profesor universitario, crítico de cine e historiador, cuya trayectoria más que amplia, le permite ofrecer un interesante panorama del desarrollo de este oficio en las décadas recientes.
Licenciado en Periodismo y Comunicación Colectiva por la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM, donde fue profesor durante 15 años, García fue fundador y director de la revista Intolerancia, ha colaborado en los principales periódicos y revistas culturales del país y condujo el programa Cartelera en Canal Once. Actualmente es profesor en la carrera de Comunicación Social en la Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco y conductor del programa Cinema Red de Grupo Radio Centro desde 1997 y es columnista del diario Record.
Es autor de los libros El cine mudo mexicano (1983), La década perdida /El cine mexicano de los cincuenta (1985), No me parezco a nadie. La vida de Pedro Infante (1995), Pedro Armendáriz (1996), La época de oro (1997, con Rafael Aviña) y Nuevo cine mexicano (1997).
Los siguientes son fragmentos de la entrevista en la que relata cómo se dio su incorporación al medio y la manera en que se desarrolló durante sus primeros años, de los más favorables para el cine en nuestro país.
“Hay que considerar que una crítica cultural, en este caso de cine, no necesariamente depende de una producción local. Por ejemplo, Uruguay tuvo una excelente crítica de cine en los años sesenta sin tener una producción local; por ello, uno de los beneficios de este trabajo es que se puede desarrollar a partir de lo que se hace en otras partes del mundo.
“En México ocurre lo mismo. Por ejemplo, en los años 80 la producción era muy baja en calidad y cantidad, entonces lo que se evaluaba eran propuestas absolutamente básicas y poco propositivas, y aunque suene pretencioso, la critica estaba muy por encima de las producciones nacionales”.
Es por ello que considera que no tiene por qué haber una relación directa entre la producción fílmica y el ejercicio de la crítica sobre ella. Y es que en la actualidad, mientras el cine mexicano tiene una serie de diversas propuestas, que son incluso inesperadas, pues no hay corrientes precisas, todo es experimental, su industria no se ha consolidado.
“Lo bueno es que acaba siendo un terreno muy estimulante para el análisis cinematográfico. En los años setenta era muy fácil ser cinéfilo, en ese momento, con Luis Echeverría como presidente, se puso de moda el cine, estaba por nacer la Cineteca Nacional, había desaparecido la reseña de Acapulco, pero aparecieron las muestras, se abrieron cines de arte, como los de Alatriste y el Regis”.
La investigación sobre cine también comenzó a dar sus primeros frutos en esa época, pues Emilio García Riera había publicado el primer tomo de su Historia documental del cine mexicano; en ese entonces se consideraba al cine como material de estudio.
“Era un lugar común decir que el cine es un arte, al mismo tiempo se hablaba de que era un arma de la Revolución, que era una manera de difundir mensaje subversivos, en fin, el cine era la neta. En esos años, cuando empecé a estudiar periodismo en la Facultad de Ciencias Políticas de la UNAM, me cayó una chamba como crítico de cine; es decir, me pude haber dedicado a la crítica literaria o de cualquier otro tipo, pero me ofrecieron ese trabajo y lo acepté; además era cinéfilo desde mi infancia, conocía a los críticos que eran dogma a seguir, como García Riera o Jorge Ayala Blanco, y en ellos me basaba para desarrollar mis propias consideraciones”.
Las décadas de gloria
Al ubicarnos en un interesante flashback, García se refiere a una década promisoria para el país, en la que se habla de crisis, pero se refería casi en exclusiva a la paridad del peso frente al dólar. Fueron los años setenta, cuando la sociedad aún podía dividirse claramente en clase alta, media y baja; no existía la pobreza extrema y la inseguridad era sólo un tema conocido a través del cine.
El ejercicio de la crítica encontró entonces tanto el asiduo interés del público como las condiciones económicas para desarrollarse, lo mismo en periódicos como en revistas. En ese contexto fue Gustavo García comenzó a desarrollar su carrera.
“Tener una generación anterior con esas características, ayudaba mucho a que surgieran nuevos críticos de cine y también porque había muchos lugares donde publicar. En mi caso, comencé a escribir a los 19 años y la generación anterior también había empezado muy joven; eso provocó que a los críticos se les exigiera mucho, al menos un cierto grado de erudición, manejar filmografía y ciertos términos técnicos.
“Por aquellos años, no se podía andar en el medio sin tener bajo el brazo una bibliografía básica; entonces una vez que te cae trabajo como crítico, comienzas a darte cuenta que para ejercer una profesión consistente, debes leer cosas sobre cine y aprender a verlo de otra manera, más crítica, reflexiva, analítica y al mismo tiempo descubres que todo lo que leas y descubras, va acabar por darle forma a un corpus que te va a ayudar a ejercer un trabajo periodístico analítico. Al menos eso fue lo que me pasó”.
En cuanto a la relación de los críticos con los cineastas y el público, García comenta que los realizadores, en general, rechazan de manera visceral el ejercicio de la crítica, cuando puede ser algo sano.
“Lo que me parece grave es que haya hostilidad por ambos lados. No sirve de nada ser un crítico virulentamente hostil, porque eso vicia la lectura de su análisis y tampoco se vale que el cineasta este buscando inmediatamente el aplauso. Se entiende que el crítico ocupa el lugar del espectador, es decir, no está para decirle al realizador en qué falló.
“Entonces, por oficio y por una serie de factores que lo favorecen, el critico tiene la oportunidad de colocarse en el lugar del público y responderle al cineasta un comentario sobre lo que ha visto en la pantalla, decirle qué sintió y pensó al ver su película, que suele ser algo muy distinto a lo que el realizador se proponía”.
Ocurre con frecuencia, ejemplifica, que el cineasta hace una propuesta con una cierta idea y lo que le queda en la pantalla es algo que se aleja por completo de sus ideas. Lo que el crítico hace es una evaluación de percepción, algo que a los realizadores y a los productores no les gusta.
“Incluso llegan a decir que la crítica no les sirve para nada, pero eso deja ver que hace falta que se tome en cuenta al público; los productores en particular suelen ser personas autosuficientes en su percepción respecto a las películas que hacen.
“También hay que decir que el trabajo del crítico de cine ha deteriorado mucho su oficio, desparecieron las revistas de cine, cuando en décadas anteriores eran fáciles de hacer. Yo mismo tuve una y mucha gente también lo hizo. En un contexto así, fue muy sencillo desarrollar nuestro trabajo como ensayistas, entregarnos al texto largo, a las entrevistas de fondo, documentar de manera amplia lo que le ocurría al cine.
“Todo eso desapareció, en su momento nos refugiamos en los suplementos culturales de los periódicos y revistas, pero estos también se acabaron y el crítico de cine de convirtió en un recomendador para los tiempos de ocio del fin de semana, porque el lector ya no nos busca por nuestras capacidades analíticas o grado de erudición, sino para simplemente decidir si la película de estreno vale la pena el viaje, para no desperdiciar su dinero”.
Entre la ignominia y la improvisación
Tan deteriorado se encuentra el medio en la actualidad, que los críticos han sido desplazados por los taquilleros, pues la gente les hace más caso a su opinión para decidir qué película ver, observa García.
“Eso si es verdaderamente humillante. En los años setenta ya parece que alguien iba a llegar al cine Regis a preguntarle a la que vende los boletos qué película ver, en ese entonces la gente leía a los críticos y formaba criterio a partir de sus consideraciones. El deterioro es enorme, en todos los terrenos.
“El medio de la crítica se ha renovado, pero no se nota. Se pueden detectar algunos opinadores interesantes, pero hasta el momento, no he encontrado alguno con las características de antaño; hay algunos, sobre todo en Internet, que dan opiniones interesantes, pero que no dejan de ser recomendaciones, el problema con ellos es que están demasiado de rodillas ante los distribuidores, porque les preocupa que ya no los inviten a la siguiente función de prensa”.
Además, apunta, es evidente que muchos de estos críticos de las nuevas generaciones no se han formado, ni se han preocupado por estudiar de verdad al cine como manifestación cultural, ni de acercarse a los grandes teóricos, como Sergéi Eisenstein, André Bazin, o Ayala Blanco, cuyos primeros textos le parecen iluminadores a García.
“Es decir, lo mínimo para darle forma a ese corpus de conocimiento que permita ejercer una crítica fundamentada. Y hay otro punto, la bibliografía de cine también ha desaparecido, ahora se reduce a algunos textos en Internet y eso me parece muy, muy lamentable; es una enorme paradoja que en tiempos como los nuestros, en los que prácticamente puedes tener tu propia filmoteca en casa, gracias al DVD, los nuevos críticos tengan conocimientos inmensamente reducidos.
“Creo que de todos modos hay gente que vale la pena, podemos mencionar a Erick Estrada, a Lucero Solórzano, a Fernanda Solórzano, en televisión está Silvestre López Portillo, un fenómeno bastante insólito por el medio en que ejerce su trabajo, es decir, él no escribe pero comenta y lo hace bastante bien”.
Además, en opinión de este crítico, las nuevas generaciones aún están en formación, “y aunque suene a frase de película de Alejandro Galindo, en ellos están puestas las esperanzas de muchos chicos como nosotros.
“El panorama no es nada favorable, pues los espacios se han reducido; en el Distrito Federal hay unos cuantos o prácticamente no existen, las estaciones de radio son sólo algunas opciones pues ofrecen secciones dentro de otros programas para hablar de cine, pero no pasan seguramente de seis; en provincia es casi un milagro que un crítico pueda desarrollarse”.
Es por ello que le parece que la opción está en la Internet, aunque es un medio aún caótico y desordenado como para que pueda decir la última palabra.
“Estamos frente a una situación complicada. Me parece que una opción sería volver a la academia, que la crítica de cine se incluya en las asignaturas de las escuelas de cine, que las universidades ofrezcan diplomados. Es decir, darle un formato que permita desarrollarla pero sobre todo formar verdaderamente a los futuros críticos de cine.
“La iniciativa debería estar en las escuelas de cine, porque es muy importante no sólo formar cineastas, sino a personas que les den la réplica a sus trabajos, o en las escuelas de comunicación, y por qué no, en la Cineteca Nacional o en la Filmoteca de la UNAM”.
La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de España dio a conocer este día, sábado seis de abril, la noticia del fallecimiento del cineasta catalán Bigas Luna (Barcelona, 1946-La Riera, Tarragona, 2013), a causa de cáncer, a los 67 años de edad, en su casa de Riera de Gaiá, dejando tras de sí una filmografía trascendental para comprender no sólo la cinematografía sino la sociedad española posfranquista, con títulos tan emblemáticos como Lola (1986, en la que debitó la actriz Ariadna Gil), Las edades de Lulú (1990, primer rol importante para Javier Bardem), Jamón, jamón (1992, primer gran protagónico de Penélope Cruz y de Jordi Mollà), La teta y la luna (1994), La camarera del Titanic (1996), Yo soy la Juani (2006, en que se reveló al gran público la actriz Verónica Echegui) o Di Di Hollywood (2010, en la que participó la actriz mexicana Giovanna Zacarías).
Aquí les compartimos el texto publicado en la página electrónica de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de España:
Desde que José Juan Bigas Luna se introdujo en el mundo del cine hasta hoy, han pasado 35 años. Su mirada y su ojo detrás de la cámara han estado presentes no solo en más de los quince filmes que dirigió, sino también en la historia de un país que ha evolucionado a la par que lo hizo su filmografía. De Bilbao, cinta que irrumpió en plena Transición en el paisaje cinematográfico español,a Di Di Hollywood, un relato sobre los laberintos en los que vaga el éxito de una ambiciosa joven. Hasta el pasado domingo estuvo trabajando apasionadamente en la preparación de su nueva película, El Mecanuscrit del Segon Origen, pero ayer por la tarde falleció repentinamente en su casa de la Riera de Gaiá, junto a su mujer y sus tres hijas.
Bigas Luna dedicó sus primeros años en el mundo profesional a tareas que poco tenían que ver con el séptimo arte que le arrebataría años más tarde. Proveniente del diseño industrial y el interiorismo, trabajó como fotógrafo profesional para publicidad. Sus primeros pasos en el cine los dio de la mano del súper 8, cuando en los años setenta comenzó a rodar numerosos cortos y documentales. Una vez apagado el franquismo, el realizador barcelonés estrena su opera prima, Tatuaje, en la que adapta a la gran pantalla una de las aventuras de Pepe Carvalho escrita por su paisano Manuel Vázquez Montalbán. En 1978 su prestigio profesional comenzará a fraguarse cuando paseó por el Festival de Cannes –en la sección Quincena de Realizadores– Bilbao, la historia del secuestro de una prostituta que encarnó la escritora y periodista Isabel Pisano.
Después de estas primeras incursiones en el mundo cinematográfico detrás de la cámara, Luna estrenó Caniche, Renacer, Lola y Angustia. Con estas cintas imprimía a sus largometrajes el sello que recorrería posteriormente su filmografía a lo largo de los años, en la que el erotismo tuvo siempre un papel protagonista y decisivo. Este rasgo se apreció de una forma más incisiva en Las edades de Lulú, donde consiguió que María Barranco se metiese en el papel de un travesti con el que consiguió su segundo Goya, y en su trilogía ibérica, que formaron Jamón, jamón, Huevos de oro, y La teta y la luna, donde exploró las relaciones entre el sexo y la comida, de la que también era un claro apasionado.
En Bámbola, película a la que no escapó la polémica y los enfrentamientos con la actriz protagonista en la Mostra de Venecia, se adentró de nuevo en la exploración de la sensualidad y la sexualidad. EnLa camarera del Titanic dirigió a Aitana Sánchez Gijón, en Volavérunt recreó la época de Goya y la Duquesa de Alba, y en Son de mar rodó en la localidad de Denia una historia de amor imposible entre dos personajes interpretados por Leonor Watling y Jordi Mollà con el mar Mediterráneo como testigo. Sus dos últimos filmes se convirtieron en un díptico sobre el camino hacia la fama en diferentes etapas de dos chicas, interpretadas por Verónica Echegui y Elsa Pataky. En Yo soy la Juani y Di Di Hollywood, Luna ofreció sendas miradas sobre la sociedad actual a través de los avatares de dos muchachas cuyo mayor sueño es convertirse en actriz y hacerse un nombre.
A Bigas Luna se le considera descubridor de una hornada de actores del cine español –dio la primera oportunidad a Penélope Cruz, Javier Bardem, Jordi Mollá y Verónica Echegui– y siempre le gustó adaptar al celuloide las palabras de novelistas españoles consagrados, entre los que destacaron Almudena Grandes, Antonio Larreta, Vázquez Montalbán y Manuel Vicent. El Institut Valenci d´Art Modern (IVAM) inauguró en febrero de 2008 la exposición ‘Ingestum-Los fluidos’, en la que Luna presentó un proyectó que dedicó al agua, la leche y la sangre. También en 2009, dirigió el espectáculo de cabaret El Plata en la ciudad de Zaragoza, local del que ejerció como director artístico en su reapertura.
En las últimas elecciones para elegir presidente en la Academia de Cine, celebradas en abril de 2011, Bigas Luna presentó su candidatura apoyado en la terna por la intérprete Leonor Watling y el director de producción Yousaf Bokhari. Pretendía “intentar ayudar, en estos nuevos tiempos, al mundo del cine a mejorar su situación y desde la plataforma que brinda la institución intentar encontrar nuevas fórmulas de acercamiento del cine español a su público”.
Sus placeres y obsesiones nunca dejaron de estar presentes en su carrera y en su vida, trayectoria en la que recogió el León de Plata al Mejor Director en Venecia por Jamón, jamón; el Premio Nacional de Cine de Cataluña; y un Premio Goya al Mejor Guion Adaptado por La camarera del Titanic, entre otros galardones. Hasta el pasado domingo estuvo trabajando en la preparación de su película El Mecanuscrit del Segon Origen, su último deseo es que esta película se finalice y se dedique a su único nieto, Quim Lu. Ante notario, Bigas Luna ha dejado escrito que su última voluntad es que no se le haga ningún acto ni homenaje público, la familia lo respetará escrupulosamente.
El actor mexicano Fernando Casanova, figura de la pantalla desde la Época de Oro del cine mexicano, falleció el viernes 16 de noviembre, a los 89 años de edad, en la Ciudad de México.
Llamado también “El Águila Negra”, el histrión, cuyo nombre de pila era Fernando Gutiérrez López, nació en Guadalajara, Jalisco, el 24 de noviembre de 1922.
En 1946 descubrió la actuación, que se convertiría en su gran pasión, al participar con papeles secundarios en cintas clásicas como La vida íntima de Marco Antonio y Cleopatra (1946), La diosa arrodillada (1947), Juan Charrasqueado (1947), Si Adelita se fuera con otro (1948), La malquerida (1949), ¡Puerta joven! (1949), Él(1952), El mártir del calvario (1952) y Piel canela (1953).
Su primer estelar fue Eláguila negra(1953), dirigida por Alfonso Rosas Priego y producida por Raúl de Anda, lo lanzó al estrellato y significó el inicio de una serie con dicho personaje: El águila negra en el tesoro de la muerte (1954) y El vengador solitario (1954), con Eulalio González Piporro como su fiel acompañante; tres más en 1956: El águila negra en la ley de lo fuertes, El águila negra contra los enmascarados de la muerte y El águila negra contra los diablos de la pradera, acompañado de Fernando Soto Mantequilla.
La filmografía de Casanova asciende a 178 filmes, el último de ellos el video-home La estampa del escorpión (2007), lo que le llevó al libro de récords Guinness, como el actor con más papeles estelares de la historia.
Ayer lunes, 20 de agosto de 2012, falleció el productor cinematográfico Gustavo Montiel Pagés, en la ciudad de México, tras padecer cáncer.
Nacido el 26 de abril de 1954 en Jiquilpán, Michoacán de Ocampo, trabajó en cintas como La Mujer de Benjamín (1991, de Carlos Carrera), Lolo (1992, de Francisco Athié), Un hilito de sangre (1995, de Erwin Neumayer) y Por si no te vuelvo a ver (1997, de Juan Pablo Villaseñor). En el ámbito académico, fue profesor y luego director general del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), en cuya etapa produjo varias de las cintas del programa de Óperas Primas.
Como director, realizó los cortometrajes Segunda muerte, Sopa de gato, Malvina, Historia de traiciones y A Renato Leduc, además dirigió los largometrajes Entre paréntesis (1981) y Marea de arena (México-Argentina-España, 2008), protagonizada por Damián Alcázar.
Al mediodía del domingo 5 de agosto de 2012, se dio a conocer que la cantante y legendaria intérprete de la canción vernácula mexicana Chavela Vargas, había fallecido en un hospital de la ciudad de Cuernavaca, Morelos, donde residía en los últimos años. La salud de la artista de 93 años de edad no resistió una reciente gira por España, país en el que revivió mediáticamente en los años noventa, gracias a que el cineasta Pedro Almodóvar la dio a conocer en tierras ibéricas, al incluirla en la banda sonora de varios de sus filmes más emblemáticos como Kika (1993), cantando “Luz de luna”; La flor de mi secreto (1995), con “En el último trago”; Carne trémula (1997), con “Somos”, e inspiró al cineasta manchego a incluir en Tacones lejanos, su arreglo y letra a “Piensa en mí” de Agustín Lara, pero con la voz de Luz Casal.
En la cinta Frida (2002), de Julie Taymor, interpreta dos temas “Paloma negra” y “La Llorona”; en La casita blanca. La ciudad oculta (2002), de Carles Balagué, interpreta “Angelitos negros”; en Babel, de Alejandro González Iñárritu, aparece con “Tú me acostumbraste”; en Rabia (2009),de Sebastián Cordero, lo hace con “Sombras”; luego, en Salvando al Soldado Pérez (2011), de Beto Gómez, lo hace con “Corazón negro”, y en dos capítulos de la serie Banda sonora canta “No volveré”.
Chavela Vargas también apareció en varias cintas: en Grito de piedra (Schrei aus Stein, 1991), de Werner Herzog, como una indígena; también en la citada Frida, como La Pelona, es decir, la muerte, cantando sus canciones de la banda sonora al igual que apareció cantando en Babel. En 1967, representó el papel de Ángela, en La Soldadera, de José Bolaños.
Nacida en San Joaquín de Flores, Costa Rica, el 17 de abril de 1919, radicó la mayor parte de su vida en México, donde gracias a su destacada presencia como intérprete se relacionó con importantes representantes del medio artístico y cultural, como Diego Rivera, Frida Kahlo, Dolores Olmedo, Pepe Guízar, José Alfredo Jiménez, Mario Moreno “Cantinflas”, Elizabeth Taylor, Ava Gardner, Rock Hudson, Grace Kelly, Pablo Picasso, Carlos Fuentes, Pedro Almodóvar, Rocío Jurado, Joaquín Sabina y Carlos Monsiváis, entre muchos otros.
El actor Julio Alemán falleció la tarde del miércoles 11 de abril de 2012, a los 78 años de edad, aquejado por el cáncer. El reconocido galán del cine mexicano, quien participó en innumerables melodramas, cintas de acción y aventuras, westerns y comedias eróticas, además de telenovelas y obras de teatro, principalmente, aunque también en algunos momentos fue cantante –dejó algunos discos en los que interpreta boleros y temas rancheros– y en otros político y líder sindical.
Entre sus cintas emblemáticas se encuentran algunas de luchadores, como las del personaje enmascarado Neutrón; de espías e intrigas internacionales como el agente secreto Alex Dinamo; melodramas del Viejo Oeste como El tunco Maclovio, de Alberto Mariscal, junto con Mario Almada; y el clásico Los Hermanos del Hierro, de Ismael Rodríguez, junto con Antonio Aguilar, que narra una tragedia que ocurre en el norte de México (basada Par de Reyes, de Ricardo Garibay), una de las mejores actuaciones de Julio Alemán y considerada una de las mejores películas del cine mexicano por el crítico Jorge Ayala Blanco.
El actor nació en Morelia, Michoacán, el 29 de noviembre de 1933, y falleció la noche del 11 de abril en la Ciudad de México, dejando una trayectoria importante en el teatro, el cine y la televisión.
En los escenarios, participó en una treintena de obras de teatro, y fue ese medio que inició su carrera artística, en 1952, en la puesta en escena Espaldas mojadas, si bien su debut profesional ocurrió en la obra de teatro Corazón arrebatado, en 1957.
Fue en ese mismo año, cuando filmó la película El Zarco (1957), para dar paso a un fructífera trayectoria en el cine mexicano donde sumó más de 100 películas, entre ellas El derecho de nacer (1966), Corazón salvaje (1968) y El Tunco Maclovio(1970), entre otras. El último filme en el que actuó fue Tango das mortes en 2007.
En televisión inició su trayectoria en la primera telenovela hecha en México, Senda prohibida (1958), y se mantuvo activo en el género hasta 2010. Su último trabajo en los escenarios fue en el exitoso montaje Perfume de Gardenia, en el que compartió créditos con María Victoria y Yolanda Montes Tongolele.
Además, fue diputado local en el Distrito Federal y luego federal por el Partido Revolucionario Institucional, además de Secretario General de la Asociación Nacional de Actores (ANDA), que le rindió un homenaje en el Teatro Jorge Negrete, la tarde del jueves, previo a su cremación.
En octubre de 2008, se le rindió un homenaje a su trayectoria en el sexto Festival Internacional de Cine de Morelia, donde se le entregó el trofeo El Ojo, por su aportación al cine mexicano y por su origen michoacano.
Pueden consultar su biografía en el siguiente ENLACE.
El actor mexicano Pedro Armendáriz Jr. falleció a los 71 años en la ciudad de Nueva York, a causa de cáncer en el ojo, confirmaron diversos cables noticiosos, basados en la información hecha pública por la familia del histrión la tarde del 24 de diciembre de 2011.
Apenas el jueves anterior, 22 de diciembre, se dio a conocer que Armendáriz Jr. sufría cáncer en un ojo por lo que se había trasladado a un hospital de Estados Unidos para tratarse la enfermedad.
A continuación, les compartimos la semblanza del actor, nacido el 6 de abril de 1940, de acuerdo a la página de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas A.C. (AMACC), organismo del que Armendáriz Jr. fue presidente entre 2006 y 2010.
En 1965 se inició profesionalmente en el cine en El cachorro de Arturo Martínez. Una década más tarde, y después de cincuenta filmes, comenzó a perfilarse como uno de los actores más importantes de su generación, dirigido por cineastas como Julián Pastor (La casta divina), Jaime Humberto Hermosillo (La pasión según Berenice), Gonzalo Martínez Ortega (Longitud de guerra) y Arturo Ripstein (Cadena perpetua).
Ha incursionado también en la producción como Director de Producción de la Compañía Arte Difusión de 1978 a 1984, con 700 programas educativos y 300 promocionales para diferentes campañas de la Secretaría de Educación Pública; Películas de largometraje: Camino Largo a Tijuana, Sólo con tu pareja o Dos crímenes. Ha obtenido varias nominaciones al Ariel y lo ha recibido en dos ocasiones, como Mejor Actor en 1977, por “Mina, Viento de libertad” y en 2000, a Mejor Coactuación Masculina, por “La Ley de Herodes”.
Participó en 160 películas, entre 1965 y 2011.
En 1997, en la 19ª Edición del Festival de los 3 Continentes en Nantes, Francia, le brindó el homenaje Mexico: Pedro Armendáriz, Padre e hijo.
En 2006, el Festival Internacional de Cine de Guadalajara le entregó el Mayahuel de Plata por su aportación al cine mexicano y presentó el libro Pedro Hijo de Pedro. Como un tributo, recibió también la Iguana de Oro del Festival de cine de Puerto Vallarta. Ese mismo año el Festival Internacional de Cine de Huesca lo reconoció con el Premio Luis Buñuel.
En 2007 el Festival Internacional de Cine de Biarritz le rindió homenaje por su presencia y trayectoria en el cine mexicano. Posteriormente, en el Festival de San Sebastián recibió el Premio Incombustible.
En 2008 fue homenajeado por la Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla.
Ha sido jurado en diversos festivales nacionales y extranjeros entre los que se cuentan Guadalajara, Morelia, Guanajuato, Colombia, Huelva, Puerto Rico, San Sebastián y Biarritz. También es Miembro del Patronato del Festival Internacional de Cine de Guadalajara.
En 1998, a partir de la reestructuración de la AMACC, fue nombrado Secretario del Comité Coordinador y de 2006 al 2010, fue Presidente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.
