Con un sucinto comunicado, el Trinity College de la Universidad de Cambridge, dio a conocer la sorpresiva noticia de la muerte, a los 40 años de edad, del cineasta mexicano Eugenio Polgovsky, ocurrida el viernes anterior, 11 de agosto, en la ciudad de Londres, Inglaterra, donde radicaba desde hace dos años realizando una residencia artística en el área de Artes Creativas.
“Los miembros del Colegio estamos profundamente entristecidos con la noticia de la muerte en Londres, el viernes 11 de agosto de 2017, de Eugenio PolgovskyEzcurra, nuestro Fellow-Commoner en Artes Creativas (2015–17). El espíritu generoso de Eugenio conmovió a mucha gente. Sus filmes y fotografías fueron muy admirados en Trinity y más allá, y sus grandes talentos como cineasta documentalista fueron ampliamente reconocidos por todo el mundo. Dirigimos nuestros pensamientos y nuestras más cálidas condolencias van a su familia.
Eugenio Polgovsky (Ciudad de México, 1977), fue un documentalista personal que trabajaba como director, cinefotógrafo y editor, además de fotógrafo fijo. En 1994, ganó el concurso de fotografía Viviendo Juntos, organizado por la UNESCO. Estudió dirección y cinefotografía en el Centro de Capacitación Cinematográfica. Su tesis y primer documental, Trópico de cáncer (México, 2004), ganó numerosos premios alrededor del mundo (Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine de Morelia; Ariel a Mejor Ópera Prima; Premio Joris Ivens en el Festival Cinéma du Réel; Mejor Documental en DocuDays en Beirut, Corea y FICCO y Premio de Oro del Festival Al Jazeera en Qatar), tuvo una proyección especial en la Semana de la Crítica en Cannes 2005, fue parte de la sección Frontier en Sundance y recorrió más de 100 festivales alrededor del mundo. Siguió el largometraje Los herederos (México, 2008), sobre los niños trabajadores del campo mexicano, que se estrenó en la 65 Mostra de Cine de Venezia y luego participó en la competencia de la sección Generation Kplus del Festival de Cine de Berlín, además, logró dos premios Ariel a Mejor Documental y Mejor Edición, el Coral en el 30 Festival de Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana; Mejor Documental en FIDOCS, Chile; el Premio Zapata en el Festival de la Memoria y dos premios de Amnistía Internacional (Eslovenia y Lisboa), además de ser apoyado por la UNICEF para su difusión, como eje de una campaña de sensibilización sobre el trabajo rural en la infancia. Realizó el filme independiente Mitote (México, 2012), filmado en el zócalo capitalino entre las pantallas gigantes que transmitían el Mundial de Futbol en Sudáfrica; la huelga de hambre de 80 trabajadores del Sindicato Mexicano de Electricistas y los preparativos del Bicentenario de la Independencia. Finalmente se embarcó en un proyecto que le llevó cinco años, el registro y denuncia de la contaminación extrema que sufre el río Santiago y la cascada El Salto, en Juanacatlán, Jalisco, que fuera conocida como el “Niágara mexicano”, así como las secuelas que enfrentan sus habitantes y el propio entorno del lugar, con el que filmó el cortometraje Un salto de vida (México 2013), que le mereció el Ariel, y que gracias al primer fondo público que le fue otorgado en Foprocine, se convirtió en el largometraje Resurrección (México, 2016) , ganador del Premio Especial Ambulante en el XIV Festival Internacional de Cine de Morelia. Como cinefotógrafo trabajó en numerosos proyectos de documental, ficción y artes visuales, como los de la artista Jae Eun Choi y el bailarín de danza butoh, Yuzhio Amagatzu, en Japón, además de colaborar con Hubert Sauper. En 2004 recibió el Premio Nacional de la Juventud. Radicaba en Londres, en una residencia artística en el área de Artes Creativas del Trinity College de la Universidad de Cambridge, desde 2015.
El decorador y diseñador de arte mexicano Eugenio Caballero, fue reconocido con el Premio Goya, por la Academia Española de Artes y Ciencias Cinematográficas en la trigésimo primera entrega de los premios que reconocen lo mejor del cine ibérico, en la ceremonia efectuada la noche del sábado 4 de febrero en el Madrid Marriot Auditorium Hotel. El galardón se suma al Oscar que el especialista ganó en 2007 por El laberinto del Fauno (España-México, 2006, de Guillermo del Toro) más los tres premios Ariel que ha recibido en 2004 por Zurdo (México, 2003, de Carlos Salcés) y por El laberinto del Fauno –en dos categorías: Diseño de Arte y Escenografía–. Tras haber sido nominado al Goya dos veces previas –por El laberinto del Fauno y por Lo imposible (Estados Unidos-España, 2012), de J.A. Bayona–, ahorale fue entregado por su trabajo en la cinta Un monstruo viene a verme (Estados Unidos-España, 2016), de J. A. Bayona, que fue la que logró más categorías al final de la noche, al hacerse de nueve, correspondientes a Dirección, Música Original, Producción, Fotografía, Montaje,Maquillaje y Peluquería, Sonido y Efectos Especiales, además de la ya referida. En tanto, Tarde para la ira (España, 2016), de Raúl Arévalo, se alzó con la categoría más importante, la de Mejor Película, Dirección Novel, Guión Original y Actor de Reparto. La Mejor Película Iberoamericana fue la argentina El ciudadano ilustre, de Gastón Duprat y Mariano Cohn –en la categoría competían dos producciones mexicanas: Las elegidas, de David Pablos (representante mexicana) y Desde allá, de Lorenzo Vigas (representante ecuatoriana y ganadora del León de Oro en Venecia)–. El Mejor Cortometraje fue para Timecode, deJuanjo Giménez Peña, que ha sido nominado al Oscar como Mejor Cortometraje de Ficción y de ganar la Palma de Oro en Cannes a Mejor Cortometraje. La actriz Ana Belén recibió el Goya de Honor por su trayectoria.
Mejor Película
Tarde para la ira
Mejor Dirección
Juan Antonio Bayona – Un monstruo viene a verme
Mejor Dirección Novel
Raúl Arévalo – Tarde para la Ira
Mejor Guion Original
David Pulido y Raúl Arévalo – Tarde para la ira
Mejor Guion Adaptado
Alberto Rodríguez y Rafael Cobos – El hombre de las mil caras
Mejor Actor Protagonista
Roberto Álamo – Que Dios nos perdone
Mejor Actriz Protagonista
Emma Suárez – Julieta
Mejor Actor de Reparto
Manolo Solo – Tarde para la ira
Mejor Actriz de Reparto
Emma Suárez – La próxima piel
Mejor Actor Revelación
Carlos Santos – El hombre de las mil caras
Mejor Actriz Revelación
Ánna Castillo – El olivo
Mejor Música Original
Fernando Velázquez – Un monstruo viene a verme
Mejor Canción Original
Ai, ai, ai de Silvia Pérez Cruz – Cerca de tu casa
Mejor Dirección De Producción
Sandra Hermida Muñiz – Un monstruo viene a verme
Mejor Dirección de Fotografía
Óscar Faura – Un Monstruo viene a verme
Mejor Montaje
Bernat Vilaplana y Jaume Martí – Un monstruo viene a verme
Mejor Dirección Artística
Eugenio Caballero – Un monstruo viene a verme
Mejor Diseño de Vestuario
Paola Torres – 1898. Los últimos de Filipinas
Mejor Maquillaje y Peluquería
David Martí y Marese Langan – Un monstruo viene a verme
Mejor Sonido
Oriol Tarrago y Peter Glossop – Un monstruo viene a verme
Mejores Efectos Especiales
Pau Costa y Félix Bergés – Un monstruo viene a verme.
Mejor Película De Animación
Psiconautas, los niños olvidados
Mejor Película Documental
Frágil equilibrio – Guillermo García López
Mejor Película Iberoamericana
El ciudadano ilustre – Gastón Duprat y Mariano Cohn
En el segundo Festival Internacional de Cine y Arquitectura Cinetekton! se abrió la convocatoria para el workshop de Diseño de Producción, del 2 al 4 de octubre, para el que se seleccionarán cinco carpetas de producciones en etapa de desarrollo como Proyecto a Disección y habrá otros diez sitios para la modalidad de Testigo, en el que Eugenio Caballero ofrecerá una charla de conocimientos teóricos, realizará un análisis y una revisión de cada uno . La convocatoria es para directores, diseñadores de producción, directores de arte, artistas audiovisuales y todo el equipo creativo y técnico de la industria cinematográfica.
El Teatro Anayasi de Ciudad de Panamá fue la sede , la noche del sábado 5 de abril, de la gala de entrega de los Premios Platino del cine iberoamericano, superproducción televisiva en la que participaron las figuras más destacadas del cine y la música iberoamericana, y transmitida por televisión en todos los países iberoamericanos y los Estados Unidos.
Organizados por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (Egeda) y la Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales (FIPCA), como un gran evento dinámico, de duración limitada (100 minutos), en el que la música, las estrellas y las caras conocidas desfilando por el escenario y asistiendo desde el patio de butacas, buscaron generar interés al trabajo que realizan los profesionales del cine para su público, con números musicales con estrellas latinoamericanas como Carlos Vives, Fanny Lu, Carlos Baute, Shaila Durcal y Diego Torres.
Esta es la lista de ganadores de la primera edición de los premios Platino:
Película Iberoamericana de Ficción
Gloria (Chile), de Sebastián Lelio.
Mejor Director
Amat Escalante por Heli (México-Alemania-Francia-Holanda).
Interpretación Masculina
Eugenio Derbez por No se aceptan devoluciones.
Interpretación Femenina
Paulina García por Gloria.
Música Original
Emilio Kauderer por Metegol (Argentina-España).
Película de Animación
Metegol (Argentina-España).
Película Documental
Con la pata quebrada (España), de Diego Galán.
Guión
Sebastián Lelio y Gonzalo Maza por Gloria (Chile-España).
Premio Platino Carlos Vives a Mejor Coproducción Iberoamericana
Wakolda-El médico alemán (España-Argentina-Francia-Noruega), de Lucía Puenzo.
En el verano del 2010 confluyeron en la Plaza de la Constitución de la Ciudad de México las transmisiones, vía pantalla gigante, de la Copa Mundial de Futbol de Sudáfrica con la huelga de hambre de los trabajadores electricistas y los preparativos para los festejos seculares de la Independencia y la Revolución. Ante ese escenario complejo y multitudinario, Eugenio Polgovsky tomó la cámara de cine para producir Mitote, un documental sobre los múltiples rostros y máscaras de este complejo país en ebullición.
La frase resulta común cuando alguien, de cualquier parte del territorio nacional, viaja hacia la capital del país. “Voy a México”, advierten. Nunca falta el purista, cuyas ínfulas de experto en la lengua española le llevan a corregir: “México, es todo el territorio de la nación, no sólo el centro”. Pero por más atlas, mapas, diccionarios y otras publicaciones que refuercen su admonición, no podrán contra la ancestral costumbre: México era aquella laguna con varios islotes sobre la que se aposentó una ciudad y un imperio. Y desde entonces ha sido asiento centralista del poder, sin importar quién lo detente.
Así, la Plaza de la Constitución, es decir la plancha del Zócalo, resulta el corazón de México, el ombligo visible de un país de poder piramidal, un vórtice desde donde se impone y se administra, donde inicia el circular de los dineros y las influencias. Ahí, ese sitio donde una bandera tricolor ha sido clavada en el medio de los edificios que representan el poder político –federal y urbano–, judicial, religioso y económico, funciona como un microcosmos que sintetiza el orden y la estructura que conforma a la República Mexicana.
Y en ese espejo humeante, refractario, Eugenio Polgovsky halló la contradicción pura de este país. En tanto las grandes empresas refresqueras como la Coca-Cola junto con las cadenas del duopolio televisivo y otros patrocinadores, instalaron pantallas gigantes para transmitir los encuentros de la Copa Mundial de Futbol de Sudáfrica, en el verano de 2010, a escasos metros se había instalado un plantón de trabajadores electricistas que protestaban por la decisión gubernamental de cerrar la centenaria compañía de Luz y Fuerza del Centro.
Y cosa curiosa, mientras los reporteros televisivos entrevistaban a los aficionados entusiastas que presenciaban los partidos, ignoraban por completo a los 80 trabajadores que protestaban con una huelga de hambre que sobrepasó el mes de duración. Otra figura llamativa, fue la de un chamán, de rostro cubierto de huesos y pieles de serpiente, que realiza limpias con incienso y hierbas para curar a quienes tiene fe en sus métodos.
Eso fue motivo más que suficiente para que, armado por una cámara de cine, el documentalista acudiera durante esos caóticos días, en los que además se preparaban las celebraciones del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución de ese México, al primer Cuadro de la Ciudad de México, que le resultó suficiente para realizar el abigarrado mosaico de actualidad que es el filme independiente Mitote (México, 2012), en el que además de director es fotógrafo y editor.
A qué problemas te has enfrentado a la hora de buscar tu propia forma narrativa en tu cine caracterizado por una cámara muy dinámica, más que la cámara al hombro.
Mi acercamiento a la imagen fue muy temprano con la cámara de fotografía fija de 35mm y desde ese momento tuve un encantamiento, una fascinación por el retrato de lo real y lo que deja para después procesarlo. Porque otra parte de la fascinación es el cuarto oscuro, todos los procesos del revelado. Además, desde un inicio fui fiel a no reencuadrar, sino respetar todos los elementos que están en el cuadro, dejando un poco el borde negro del negativo, como lo proponía Henri Cartier-Bresson en su teoría del momento decisivo, que es lo que decidiste en el momento. Empecé con eso desde los 16 años, primero en un taller básico del Colegio Madrid, otro de Sergio Yázbek, y después fue una carrera muy pragmática de revelar los negativos en el closet, impulsado por un par de viajes que hice a Polonia, a Nueva York y a Catemaco, en Veracruz, en los que retraté muchos personajes de las calles. A partir de ahí hice una exposición y una de esas fotografías ganó un premio internacional en Japón que la Secretaría de Educación Pública me entregó oficialmente y me impactó mucho. Es una imagen que me impresiona hasta la fecha, elocuente, poderosa, de dos migrantes yugoslavos de la guerra, uno mutilado de una pierna y tocando el violín, afuera de una tienda de fotografía, justamente, donde hay unos retratos de boda.
Como no había muchas escuelas de fotografía en la Ciudad de México en esa época, 1995 o 96, decidí acercarme al cine para volverme cinefotógrafo y aprender fotografía, pero no tenía ningún impulso de querer dirigir una película, quería aprender más sobre la luz y la imagen. En ese momento entré al Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC).
Hay una suerte de intimidad que se genera entre el fotógrafo y el retratado, incluso una especie de complicidad. ¿Ocurre esto en el mundo del cine documental?
Es muy interesante. Esa intimidad del ojo con el pensamiento, porque retratar, en esta transición de la fotografía fija en 35mm a la imagen en movimiento me causó un conflicto y ese paso fue difícil darlo e implicó el descubrimiento del cine desde mi punto de vista. Ver a la cámara de video o de cine como un nuevo ente y una nueva máquina con poderes propios. Creo que en la relación fotográfica y narrativa del tiempo cambiante y cronológico que el cine posee como característica propia, radica la naturaleza de la narración personal, del retrato de la realidad que también es una crítica. Al liberarte del cuadro fijo, como fotógrafo, los nuevos elementos de poder narrativo empiezan a llegar, la capacidad de empezar construir una historia, de narrar y de aumentar la capacidad de la imagen con su yuxtaposición. Siento que he permanecido en una misma actitud visual, desde el origen hasta este momento en que adapté la técnica para poder expresarme al final de todo, que es el objetivo de todo cineasta o artista que vive en un momento histórico en particular. Y al retratar a una sociedad como la mexicana, al ser su cronista de su suceder y de sus procesos instantáneos pero que evocan esa arqueología del instante. Creo que ahí, el trabajo de mi parte fotográfica está directamente relacionado con el director, porque empiezo a dirigir desde que estoy fotografiando. Y esa parte me resulta muy natural.
En un país centralista como este, el Zócalo curiosamente no es el centro, sino un vórtice, porque la plaza no está habitada por los poderosos, sino por la gente, indígenas, turistas. ¿Cómo llegaste ahí cuando tu cine siempre fue de periferias, de sitios extremadamente alejados?
Es un volcán en erupción. Es el corazón palpitante de una nación que está en un momento muy agitado, en una erupción volcánica –lo que también se manifiesta el Popocatépetl–, pero en ese momento histórico del 2010 coincidían las celebraciones del Bicentenario de la Independencia, el Centenario de la Revolución, la Copa del Mundo de Sudáfrica 2010 con pantallas gigantes instaladas en la Plaza de la Constitución y con México abriendo el partido inaugural, y con una huelga de hambre de trabajadores del Sindicato Mexicano de Electricistas, que tiene tomada la plaza. Todo estaba ahí en ebullición, palpitando, fui y me di cuenta que tenía que retratar ese momento, que era irrepetible y que en ese espacio estaba retratada la condición del país. Por un lado, arquitectónicamente, es como un coliseo que está franqueado por muchos monumentos que, en sí, manifiestan una cara de nuestra historia porque está el Templo Mayor, está la Catedral Metropolitana, está el Palacio Nacional, en fin, con todos los elementos simbólicos que esto implica. Entonces me di cuenta que a través de este microcosmos se podía evocar el rostro de México como una nación tan diversa y es ahí donde las máscaras empezaron a ser personajes, por un lado, del carácter del mexicano, que está lleno de máscaras, y por otro lado, en concreto, es la memoria histórica que nuestros antepasados sembraron y que están enterrados ahí.
Entonces me interesó al retratar a todos estos personajes vivos, como el chamán, que canalizan toda esta energía, con una actitud. Porque no se trata sólo de retratar, estamos haciendo una crítica y una crónica, pero también hay una parte activa del documental, de Mitote, que es una sanación. Yo pienso que estamos exorcizando estos demonios a la hora de retratarlos y encarnarlos en esta plaza.
Como la misma Coyolxauhqui, símbolo, de todas estas máscaras y presencias.
Exacto, y la muerte, que se está paseando. Pero además, el chamán se vuelve el sanador del pueblo, el maestro Un pueblo adolorido y agachado necesita de esta sabiduría y el chamán lo encarna automáticamente, y la gente está ahí, esperando ser limpiada, y le da la autoridad que él toma, con estos animales, con este inconsciente natural que tenemos de una patria colonizada, transformada, neo colonizada hoy por nuevos mecanismos, como lo explica muy bien el futbol frente a la catedral en el ensamblaje tecnológico de pantallas, encarnados en la frase mercadotécnica de Sony, “Haz creer” (Make believe), es la nueva colonización del pensamiento. Las marcas no sólo te están vendiendo un tenis o una playera, sino una forma de ver el mundo y un sentido de la vida. Y es ahí donde algo sano y grandioso como el deporte, como el futbol, se ve utilizado para meterte hasta la médula espinal un producto. Ahí es donde hablamos de una enajenación, de un sistema de información que yo retraté. De cómo las televisoras en la plancha del Zócalo, durante los partidos, retrataban a los fans del futbol y evitaban ver a los huelguistas de hambre del sme que estaban a un lado. Este absurdo cotidiano, del ocultamiento, de la máscara, está encarnado en Mitote de muchas formas.
Este artículo forma parte de los contenidos del número 30de la revista cine TOMA, de septiembre-octubre de 2013. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.
La Casa del Cine , ubicada en Uruguay 52, entre Bolívar e Isabel la Católica, en el Centro Histórico de la Ciudad de México, ofrece con proyecciones de cine (con un costo de entrada de 20 pesos), jueves de documental internacional en colaboración con DOCSDF, talleressobre imagen cinematográfica y otro práctico de animación, mesas redondas, videoclub con rentas a precios accesibles y videoteca con más de 120 títulos para cineclubes comunitarios e instituciones.
También invitan al taller:
Escribir el guión cinematográfico
6 Sesiones – Miércoles 4, 11, 18 y 25 de Mayo.
Horario de 16:00 a 19:30hrs.
Impartido por Beatriz Novaro
Curso de guión en seis sesiones cuyo objetivo es dar elementos de reflexión que acompañen la escritura de un guión de largometraje.
Cuota de recuperación: $2,000 (dos mil pesos)
.
