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Los mundialistas “Días de gracia”, de Everardo Gout

abril 16, 2012

La relación entre personas de uno

y del otro lado de una pistola

Por Sergio Raúl López

Es tan vasta la alienación que puede provocar el futbol durante un encuentro mundialista que incluso coadyuva a la disminución de las acciones delictivas. Así de definitiva puede ser la influencia de un deporte transformado en espectáculo de consumo masivo. Elegido como motivo, la Copa del Mundo permite entretejer tres historias paralelas de secuestro.

Las desventuras y sufrimientos de la selección mexicana en las sucesivas Copas del Mundo de Corea- Japón en 2002, Alemania en 2006 y Sudáfrica en 2012, frente a las representaciones nacionales de distintas potencias del balompié, no sólo paralizan al país y enriquecen a las televisoras que las transmitieron, sino también provocan que los índices de criminalidad decrezcan.

El fenómeno, por supuesto, debe incluir a la boyante industria del secuestro, cuyas víctimas y victimarios acaban irremisiblemente atrapados por el melodrama ocurrido durante 90 minutos de frustraciones y desgracias sobre el pas- to, en la compleja y ambiciosa primera película del director mexicano Everardo Gout, Días de gracia (México-Francia, 2011).

Entrelazando de manera oscura tres casos paralelos de secuestro, ocurridos en momentos y Mundiales distintos, con diferentes víctimas y victimarios, casas de seguridad, circunstancias y temporalidades, pero que de entrada parecen el mismo caso, igual crimen e idénticas circunstancias, en un ejercicio de pretendido virtuosismo que acaba provocando confusión. Y es que detalles sólo visibles en el trazado argumental, revelado hasta el final, distancian los capítulos y consiguen despertar más interrogantes e interpretaciones sueltas que suspenso y misterio.

Aunque el gran protagonista sea el actor Tenoch Huerta, es acompañado por un amplio elenco coral: Carlos Bardem, Dolores Heredia, Kristyan Ferrer, Eileen Yáñez, Mario Zaragoza, José Sefami, Dagoberto Gama, Harold Torres y Gustavo Sánchez Parra, entre otros, para lograr integrar una compleja trama en la que se suturan y se imbrican personajes, tiempos y lugares de una similitud tal que juegan con la confusión del espectador.

Con estudios en el CUEC de la UNAM, en la Academia de Cine de Nueva York y el Instituto Cinematográfico de Hollywood, el director mexicano -sobrino del guionista y director Alberto Gout- ha producido cortometrajes, documentales, comerciales y videos musicales. Estrenada fuera de competencia en la Sección Oficial del 64 Festival de Cannes, Días de gracia, que le llevó cuatro años de trabajo, ganó el Mayahuel a Mejor Director y una Mención Especial por Música Original en el pasado Festival de Guadalajara.

La cinta se estrenó en cartelera el viernes 13 de abril.

-¿Cómo concibió y estructuró estas tres historias en torno a las Copas del Mundo del 2002 al 2010?

-Por lo mismo que afirmamos al inicio de la película: el Mundial de Futbol es un “tiempo santo donde todo vale”. Son 30 días en los que, según las estadísticas, la criminalidad baja 30 por ciento. Al final de cuentas, pasa un Mundial y luego otro y al final casi puedes brincar en el tiempo, pero siempre le irás a México y se va a enfrentar a los mismos equipos, te vas a apasionar y vas a estar inmerso en ese mundo. Entonces puedes jugar con la idea de que estás suspendido en el tiempo y subirte a esta idea universal de que estamos en tiempo de Mundial para luego aterrizar en la duda qué Mundial es, y otra vez para arriba y para abajo. Es una herramienta narrativa que a mí me funcionó mucho para contar esta historia.

-Se representan etapas distintas de un mismo personaje, pero el resto son historias en espejo de los otros personajes, lo cual es muy complejo a nivel narrativo y muy riesgoso…

-El riesgo era mayúsculo, pero teníamos el compromiso de meterle honestidad, dedicación y entrega. En ese sentido, todo se vale mientras te la tomes en serio y hagas tu investigación. Días de gracia no es una película que me encontré viendo un periódico, sino es un compromiso más profundo. Y de eso se trata. El crimen es como una hidra: le cortas una cabeza y salen cuatro. Así está pasando en México y en el mundo entero. Por otro lado están los ecos de las sensaciones, porque a final es una historia de sentimientos, de la textura, de la materia humana, del amor, de lo que ocurre cuando ese amor se ve confrontado a una situación extrema. De eso va la película, de la condición humana, más que de la violencia, y entonces encuentras ecos y espejos que al mismo tiempo son atemporales y luego son antagónicos. Me gusta que sea como un truco de magia, porque entras a la película viendo ciertas características en un género muy identificable, con protagonista y antagonista, y terminas viendo una película con otro género donde los personajes cambian de rol por las situaciones de la vida. Eso es riquísimo, porque puedes replantear las decisiones que tuvieron de una manera abstracta y filosófica.

-¿Qué tan amplia fue la investigación, qué tanto abarcó?

-Tengo más de cien horas de entrevista con todo tipo de personas que conforman este thriller y esta trama, además de mucha investigación escrita. De todo, figuras públicas y vecinos. Todo empezó cuando secuestraron a una persona que conozco y se logró autoliberar a fuerza de hablar con sus captores, los convenció de que la única manera de solucionar el asunto era dejándolo salir a él. Y eso me intrigó muchísimo: cómo es la relación humana entre personas que están de un lado y del otro de una pistola. De qué hablas y cómo le haces. Vimos a su esposa en esos días, y no se le notaba su angustia; me enteré varios días después de que su marido estaba secuestrado en el momento en que la vi. Me hizo reflexionar cuáles son los mecanismos morales y de protección que necesitas para salir adelante y buscar quiénes son las personas que logran sobrepasar eso. Piensas que tú estarías llorando en un cuarto, destrozado, durante 48 horas aunque el día tenga 24, una hora por cada ojo. Me di cuenta que es una lucha a tan largo tiempo que a fuerza necesitas lograr los mecanismos para salir. Es muy interesante.

Diferencias intuitivas y emocionales

Un velo de incertidumbre impide diferenciar por completo los tiempos cruzados en los que se relatan los sucesivos secuestros que comprende el argumento de Días de gracia. Tanto las familias como las bandas de secuestradores, la servidumbre, los corruptos cuerpos policiales y el transformado personaje principal se difuminan en un todo y solamente son detalles técnicos los que diferencian cada historia.

Cada una fue filmada por el cinefotógrafo Luis Sansans con tres formatos distintos: 16mm apaisado con lentes ana- mórficos rusos -de relación 4:16-; otro más con cámara de súper 8, con mucho movimiento y tomas fragmentarias, y el tercero en súper 35mm, con telefotos y profundidad de campo comprimida.

Además, se encargó música incidental para cada segmento a destacados compositores: Nick Cave y Warren Ellis -colaboradores de Wim Wenders y de cintas como The Proposition-; Atticus Ross, Leopold Ross y Claudia Sarne -Atticus ganó el Oscar en 2011 por La red social, junto con Trent Reznor-, y Shigeru Umebayashi -compositor japonés y colaborador regular de los cineastas de Yang Ximou y Wong Kar Wai-; además, el tema principal es un arreglo al “Summertime”, de la ópera Porgy & Bess, de George Gershwin, de Robert de Naja y Tim Goldsworth -integrantes de Massive Attack-, cantado por la estrella australiana Scarlett Johansson.

Y la edición final -que contiene escenas originales autorizadas por la FIFA y las televisoras- fue confiada al francés Hervé Schneid, quien ha sido responsable del montaje de filmes como Delicatessen, Amelie, La Ciudad de los Niños Perdidos y Alien, resurrección, para Jean Pierre Jeunet, con quien el director mexicano compartió largas jornadas de trabajo en París.

-La película fue creciendo sola y nos fue dictando lo que necesitaba -explica Gout-. Es raro pero muy bonito atestiguar cómo el proyecto va cobrando vida y señalando sus propias necesidades. Yo tenía claro que eran tres historias con tres estéticas y tres formatos de filmación, eso lo tenía muy planchado. En mi ideal quería tener tres músicas distintas, porque quería que se sintiera ese cambio temporal más en lo intuitivo y en lo emocional que en lo intelectual. No teníamos claro qué músicos, lo que sí sabía es que estos tres, en específico, me habían ayudado a la inspiración de la película y los compartía con el equipo. Más tarde todos se subieron en este barco ambicioso y me decían lo mismo, que nunca habían hecho una película con tres compositores en la que cada uno tiene las herramientas y la responsabilidad de llevar una parte de la película.

Este artículo se publicó originalmente en la sección de cultura del diario El Financiero (16/IV/2012).

 

 

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El panteón de Dolores alberga a Mórbido

noviembre 12, 2010

El de Dolores es el más antiguo entre los grandes panteones de la Ciudad de México, pues fue fundado el 4 de diciembre de 1874 y alberga alrededor de 700 mil criptas. Y este fin de semana albergará las proyecciones especiales del Mórbido Film Fest, que en alianza con Warner Home Video ofrecerá, durante el sábado y domingo, varias funciones gratuitas de cintas clásicas como Lost Boys: The Thirst, Pesadilla en la Calle Elm, The Descent y El Exorcista, en el cruce de las avenidas Constituyentes y eje 5 Poniente, colonia América, entre la 2da. y la 3ra. Sección del Bosque de Chapultepec.

 

 

 

Antonio Serrano filma la vida intelectual y amorosa del cura de Dolores

septiembre 20, 2010

Casi todos los historiadores afirman que Hidalgo tuvo descendencia

Por Julieta Sánchez Quiroz y Javier Pérez

El sacerdote que además de tener descendencia –es decir, hijos con varias mujeres–, fue viticultor; apostaba; hablaba náhuatl, otomí y purépecha; amaba los fandangos, y fue quizá el primer traductor de Molière, además de montar sus obras, aparece retratado sin olor a “libro viejo”, promete su director.

En principio, el título de la película era Hidalgo Molière, que refiere, de inmediato, refiere al dramaturgo francés autor de farsas muy  críticas, ¿hay algún paralelismo entre el Hidalgo que presenta la cinta con el autor galo?

La película cuenta la vida de Hidalgo diez años antes de su fusilamiento. Comienza cuando es enviado a San Felipe Torres Mochas para estar al mando de la parroquia luego de ser rector de la Universidad de Valladolid, se dice que como consecuencia por sus ideas liberales. Se cuenta que allá organizaba tertulias donde se discutían temas de política, literatura y se ofrecían bailes con una orquesta de planta. Ahí tradujo a Molière al castellano, y su gusto por el teatro lo llevó a montar varias obras, como Tartufo, aparentemente en su casa. La película habla de este periodo y del conflicto que tuvo para poder montar Tartufo en este pueblo, Hidalgo amaba mucho la obra porque criticaba en tono cómico y fársico a la iglesia y a la santurronería.

Ana de la Reguera hace el personaje de una de las mujeres de Hidalgo ¿esto va a generar polémica?

Ojalá levantara polémica. Casi todos los historiadores –lo que está comprobado por las actas de nacimiento de Dolores–, afirman que tuvo descendencia, y sólo unos cuantos, como el director de los festejos, este (José Manuel) Villalpando, afirman que es una mentira. Siempre va a haber pleito, desacuerdos. Ana de la Reguera hace de la mujer con quien Hidalgo tuvo dos hijas (Josefa Quintana), y lo único que se sabe es que la conoció en San Felipe Torres Mochas, haciendo teatro. Nos agarramos un poco de este dato para hacer esta ficción.

La película inicia con Hidalgo en la antesala de la muerte…

Lo que no queríamos que se perdiera era el significado de que él inició la lucha contra la monarquía española. Entonces, por eso empieza con Hidalgo a punto de ser fusilado. A su cabeza le llegan los momentos más lúdicos de su vida, los de un Hidalgo de 40 años.

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¿Cuál fue el interés de presentar una película sobre Hidalgo?

A mí se me acercaron los escritores y productores. Me interesó porque el público va a descubrir algo que no es la historia oficial y que le da más sentido al porqué se fue forjando este movimiento, independientemente de que sabemos que éramos una colonia oprimida. Además se habla del teatro, yo empecé en el teatro y me fascina. Soy partidario del humor, más de la ligereza que de la solemnidad, y este Hidalgo tiene esos elementos.

Lee la versión completa de esta entrevista en el número 12 de la revista cine TOMA. Lee aquí dónde encontrarla o suscribirte.