Posts Tagged ‘Diego’

El imperio nos ataca

julio 4, 2016

La apabullante industria audiovisual estadounidense

Portada Toma 47-Ch

Danny Glover, en el papel de Eubanks, un conservador criador porcino que busca vender en México a su semental más querido en la cinta Sr. Pig (Mr. Pig, México, 2016), dirigida por Diego Luna, ocupa la portada del número 47 de la revista especializada Cine Toma, misma que circulará en locales cerrados de todo el país durante julio y agosto de 2016.

Con un dossier central titulado El imperio nos ataca. La apabullante industria audiovisual estadounidense, se abordan, desde varias perspectivas, las razones por las cuales las grandes productoras asentadas en Hollywood dominan el mercado mundial desde hace casi un siglo, merced a las súper producciones de millonarias inversiones tanto en su producción como en sus modelos de difusión y ardides publicitarios, así como en la creación de estrellas, rodeadas de glamour y de la reafirmación de un estado de confort o de triunfalismo, además de fábulas escapistas que han atrapado a las audiencias internacionales.

El número abre con un texto recuperado del escritor coahuilense Francisco Sánchez, en el que aborda la predilección histórica por el belicismo en las cintas estadounidenses, incluyendo algunas de abierta autocrítica; en seguida, el crítico José Antonio Valdés Peña analiza las características del cine hollywoodense desde sus inicios, a partir del primer western, El gran asalto del tren ( The Great Train Robbery, Estados Unidos, 1903), de Edwin S. Porter; más adelante, el periodista y productor Octavio Maya Rocha analiza la relación de amor y odio que existe entre las industrias mexicana y estadounidense, pese a su cercanía y relación; las nuevas formas de mercadotecnia a través de las altas cifras de asistentes, regularmente sesgadas y parciales, entre otras triunfalistas perspectivas publicitarias con las cintas más taquilleras, son expuestas por el periodista Irving Torres Yllán.

Páginas adelante, a diferencia de México, que cuenta con una Ley de Cinematografía, el académico Tonatiuh Lay analiza las regulaciones fílmicas de los Estados Unidos, que se reducen básicamente a la clasificación de películas y a garantizar el derecho de autor; en seguida, el historiador Antonio Avitia relata la llegada y el esplendor del cine de Hollywood, especialmente de westerns, en Durango, para finalizar con un ensayo del periodista peruano Gonzalo Hurtado en torno a las figuras latinoamericanas que han logrado destacar en la industria cinematográfica estadounidense.

La sección Ensayo da continuidad al dossier, al presentar las ideas filosóficas del esloveno Slavoj Žižek en torno al cine hollywoodense en una guía de cine para pervertidos, del filósofo Carlos Herrera de la Fuente. La sección Académicas presenta una profusa fotogalería junto con una crónica y la lista completa de ganadores, además del discurso completo del cineasta Paul Leduc, en torno a la quincuagésima octava ceremonia de entrega de los premios Ariel de la Academia Mexicana de Cine. Desde la Filmoteca de la unam reporta el recorrido internacional del Ciclo de Cine Negro Mexicano.

Para celebrar la decimoquinta edición de la Semana de Cine Alemán en México, presentamos un ensayo del académico Rodrigo Chávez en torno a la figura de Rainer Werner Fassbinder, de quien se presentarán filmes poco vistos en el país, además de un adelanto a la programación que prepara el Goethe Institut Mexiko.

En Festivales, Nina Rodríguez y Misha MacLaird, del departamento de programación del Festival Internacional de Cine Guanajuato (giff), ofrecen un vistazo a la decimonovena edición, en la que Japón será el país invitado. Respecto a la vigesimoprimera edición del Festival Internacional de Cine para Niños (…y no tan Niños) de La Matatena, su directora, Liset Cotera, reunió testimonios de algunos de sus participantes que ahora son cineastas. En seguida, Adán Salinas, director de la Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (micgénero), adelanta parte de su quinta edición, en la que el artista inglés Banksy cedió algunas imágenes.

Estrenos ofrece una entrevista con el productor, director, guionista y actor mexicano Diego Luna, respecto a su cuarto largometraje, Sr. Pig (México-Estados Unidos, 2015), protagonizada por Danny Glover y que estrenará en agosto, realizada por José Juan Reyes. En seguida, Roberto Sneider charla sobre su tercer largometraje, Me estás matando, Susana (México, 2016), adaptación de la novela Ciudades desiertas, de José Agustín y protagonizada por Gael García Bernal, en un texto del periodista Luis Carrasco. Y Sonia Riquer entrevista a la cineasta y curadora de arte Trisha Ziff, directora del documental El hombre que vio demasiado (México, 2015), en torno a la figura del fotógrafo decano de la nota roja Enrique Metinides. En Entrevista, Luis Carrasco nos comparte las declaraciones del exitoso realizador mexicano Alfonso Arau, en torno a su prolífica carrera que le mereció el Homenaje Nacional en el pasado trigésimo primer Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

El número 47 de la revista Cine Toma circulará durante julio y agosto de 2016 por todo el país en locales cerrados como Sanborns y Educal y, en su versión electrónica, en la tienda virtual Sanborns.

Anuncios

Cine Toma 46: Venero de letras

mayo 1, 2016

El empleo de guionistas en el cine mexicano

Portada Toma 46-Ch

Los plateados trofeos que replican, en miniatura, la escultura del durangueño-chihuahuense Ignacio Asúnsolo, el Ariel –inspirado en el ensayo homónimo del uruguayo José Enrique Rodó y en el personaje de La Tempestad, de William Shakespeare–, ocupan la portada del número 46 de la revista bimestral Cine Toma, que de este modo conmemora el septuagésimo aniversario de la conformación de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas A.C. (AMACC), en vísperas de la quincuagésima octava gala de entrega a lo mejor del cine mexicano, el 28 de mayo en el Auditorio Nacional.

La publicación circulará por todo el país, durante mayo y junio de 2016, en locales cerrados y en la tienda digital Sanborns.

Titulado Venero de letras. El empleo de guionistas en el cine mexicano, el dossier central de la revista se concentra en la especialidad de la escritura de guión congregando las reflexiones, experiencias y  reflexiones de una serie de profesionales del medio responden a distintas interrogantes en torno a esta actividad. Entre ellas si es normal que en el medio internacional la mayoría de las producciones se hagan con un guión del propio director del proyecto como ocurre en México o sólo se trata de un fenómeno atípico dada la peculiaridad de la educación especializada local. O las razones por las que no existe una más influyente presencia de guionistas en festivales, programas periodísticos especializados, cursos y talleres. ¿No debiera haber tantos o más guionistas como tenemos destacados directores de cine o de fotografía y no sólo los más destacados, que contamos con los dedos de las manos? ¿Si más guionistas se incorporaran a este sistema habría películas que atrajeran más al público y no sólo fenómenos taquilleros aislados, lo que modificaría a una industria como la local, que el año anterior produjo 140 títulos pero que sólo tuvo 5.6% del market share para sus 79 estrenos? Y es más, ¿cómo romper con la separación entre realizadores audiovisuales y escritores profesionales?

Las páginas de este especial abren con el choque entre el escritor y la página en blanco, en esta complicada profesión, de acuerdo a la experiencia de Patricio Saiz; en seguida, se repasan las ideas y los paradigmas propuestos por el script doctor Christopher Vogler, en un ensayo de Nadia González Dávila; más adelante, Diana Cardozo aborda las razones por las cuales este trabajo solitario y titánico importa mucho en el medio mexicano; Lucía Carreras, por su parte, aborda la vertiente del guión que forma parte de la creación artística y resalta la importancia de tallerear los textos; Gabriel Reyes lanza la idea de que en esta época tecnológica, toda la gente debiera escribir sus propios guiones y cómo ahí comienza la dirección de un filme; el azaroso y maratónico camino de la escritura de cine es abordado por Octavio Maya, que lo describe como un camino lleno de escollos, y Leo Mendoza alerta sobre la invisibilización del guionista, un eslabón que no es respetada en  una realización colectiva. Además, se reproducen fragmentos de los guiones de dos cintas recientes: Club Sándwich, de Fernando Eimbcke, y La jaula de oro, de Diego Quemada-Díez, publicados originalmente por Cinema23.

En el resto de contenidos que conforman el tomo 46, se rinde homenaje al recientemente fallecido crítico brasileño José Carlos Avellar, al reproducir su ensayo Guión para la imaginación. Se reproduce, además, un fragmento de la novela El renacido, de Michael Punke, que inspiró la película homónima de Alejandro G. Iñárritu. En la sección Desde la Filmoteca de la UNAM se reproduce el texto de presentación del libro Exterior: Ciudad Universitaria. Toma uno… se filma, de Rafael Aviña, de la autoría de Rosario Vidal Bonifaz.

En Académicas se presenta un segundo dossier, conmemorativo de los setenta años de la fundación de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), constituida el 3 de julio de 1946, en la Notaría 55 de la Ciudad de México. Por ello se incluye una entrevista con la nueva presidente del organismo, la actriz paceña Dolores Heredia, quien define la ceremonia de entrega de los premios Ariel como un abrazo que se convierta en la gran plataforma de difusión del cine mexicano y define su periodo como uno propicio para abrir las puertas y airear la institución para que entre el viento nuevo, preservando las raíces. Se anexa la lista completa de candidatos en las 26 categorías que se entregan, además del Ariel de Oro por trayectoria para Rosita Quintana y Paul Leduc; una breve historia de la AMACC; las actividades paralelas a la entrega, y sus objetivos estratégicos, todo ello junto a una fotogalería de los últimos siete años en que Cine Toma ha realizado la memoria fotográfica de la ceremonia de gala.

En Festivales, se adelanta la vigésima edición del Mix México, en palabras de su fundador y director, Arturo Castelán, que guarda, intacta, el ansia del escándalo; la octava edición de Cine Mexicano de Durango, por el investigador Iván Delhumeau; el sexto de Cine enel Desierto, por sus organizadores, Oliver Rendón y Fernando Álvarez Rebell, así como el séptimo Rodando Film, de San Luis, por su director, Zaire Alejandro García. En Estrenos, Matías Meyer habla del estreno de su segundo largometraje, Yo, de Matías Meyer, en entrevista con Salvador Perches; el elenco de La delgada línea amarilla, Silverio Palacios, Joaquín Cosío y Sánchez Parra, hablan sobre su experiencia en entrevista con Clara Sánchez, y Gustavo Loza habla de su comedia ¿Qué culpa tiene el niño?, en charla con José Juan Reyes. Finalmente, la ganadora del premio a Mejor Actriz en el pasado Festival de Guadalajara, la colombiana Joselyn Meneses, por su actuación en Oscuro animal, en entrevista de Gonzalo Hurtado.

El número 46 de Cine Toma circulará durante mayo y junio de 2016 por todo el país en locales cerrados como Sanborns y Educal y, en su versión electrónica, en la tienda virtual Sanborns.

La migración latinoamericana: diálogo entre Gregory Nava, Diego Quemada-Díez y David Maciel en la Cineteca Nacional

abril 10, 2015

800 el norte blu-ray2

El viernes 10 de abril, la sala 4 “Arcady Boytler” de la Cineteca Nacional será la sede de la jornada de reflexión “La migración latinoamericana a Estados Unidos en el imaginario cinematográfico”, en el cual el cineasta estadunidense Gregory Nava y el director del origen español naturalizado mexicano Diego Quemada-Díez, charlarán con el doctor David Maciel, reconocido especialista en el tema, para analizar la representación y percepción de este fenómeno en las películas.

La reflexión también analizará los lazos que unen, con tres décadas de diferencia, dos largometrajes de estos autores: La jaula de oro (México, 2013), de Diego Quemada-Díez, y El norte (Estados Unidos, 1983), de Gregory Nava, pues abordan la emigración guatemalteca que cruza por México para llegar a Estados Unidos.

El programa es el siguiente:

El norte (Estados Unidos, 1983), de Gregory Nava. 15:00 horas.

La jaula de oro (México, 2013), de Diego Quemada-Díez. 18:00 horas.

Mesa redonda entre Gregory Nava, Diego Quemada-Díez y David Maciel. 20:00 horas.

26564
ElNorteBDGreyD_original

la_jaula_de_oro-cartel-5188

Humberto Hinojosa y los adolescentes que afirman “I Hate Love”

junio 12, 2014

Al final del día el amor gana

Por Sergio Raúl López

El enamoramiento adolescente resulta, en sí mismo, un hecho altamente melodramático, propicio para los estados eufóricos extremos, tanto exultados como depresivos. En I Hate Love, de Humberto Hinojosa, tendrá consecuencias funestas y terriblemente definitorias, cuando se forma, en un quinteto de amigos, un triángulo amoroso, del que, el par de amantes, acabarán odiando, sí, pero a la vez cayendo en los embelesos del amor.

010

Sumario de las imposibilidades adolescentes del existir y no simplemente ser, del superar las frustraciones y las limitaciones propias de la edad y de su rol indefinido en la sociedad, es la cortedad de diálogo que ocurre entre “Robo” (Cristian Vázquez), un adolescente capitalino al que un accidente en la playa dejó, como secuela, una sordera psicológica más que física, y “Eve” (Diane Rosser), una típica rubia estadounidense con fuertes ataques depresivos y adicción por las drogas. En su mutua atracción, casi insoportable de tan fuerte, ambos creen hallar una salida para sus miserias personales, una cura. En realidad se trata de un poderoso enamoramiento, casi instantáneo, pero las barreras que existen entre ambos, y la del idioma seguramente es la menor –cierto, ninguno habla la lengua del otro–, les imposibilitarán dar forma a su relación.

No obstante, eso no impedirá que su amor se interponga entre la amistad entre esa pandilla de adolescentes mexicanos que suelen ir a la playa, tomar cerveza o, simplemente, pasar el rato juntos. “Cobra” (Rodrigo Azuela), “Caca” (Diego Cataño) y “Jenny” (Miriana Moro), completan el elenco de I Hate Love (México, 2013), de Humberto Hinojosa, retrato sí de enamoramientos, de amores no correspondidos y de pasiones que rompen amistades, pero en el que alcanza a mirarse a la juventud mexicana contemporánea, su ropa, sus tatuajes, su música, sus sitios favoritos.

Ganador del Premio del Público en el undécimo Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), el segundo largometraje de Hinojosa –que antes ya había entregado Oveja negra (México, 2009)–, es una película de atmósferas, con un ritmo muy contemporáneo aunque contemplativo por momentos, fruto de la fotografía de Kenji Katori; edición de Joaquim Martí; diseño de arte de Roberto Bonelli y música incidental y supervisión musical de Pablo Dávila Chapoy.

Producida por Tigre Pictures y con distribución de Videocine, I Hate Love llegará a la cartelera mexicana el 6 de junio, lo que permitió esta entrevista con Humberto Hinojosa.

Pienso que es una película muy pensada para el tipo de asistentes a las salas cinematográficas actuales, jóvenes y universitarios. Desde la selección musical, el diseño sonoro y la fotografía de un méxico-japonés.

–Sí. El fotógrafo es Kenji Katori, con quien hice Oveja negra, es un cuate muy talentoso que entendió muy bien cómo teníamos que contar la historia, abordar y contemplar a los personajes, porque cuando eres adolescente tienes más tiempo para contemplar si estás enamorado, para escuchar un disco completo, para ir en la carretera viendo el paisaje, pensando en la chava que te gusta, en la que te dejó, en la que quieres, en lo que quieres. Creo que la película, sin volverse contemplativa, pues es completamente narrativa, tiene ritmo, te va llevando y te pone en el estado anímico del personaje que se está enamorando, en el que sabes que ella también está enamorada, que hay un conflicto, que el tercero los está envidiando y todo a través de una cámara sin diálogos.

Pero con muchas atmósferas.

Y te lo hace entretenido. Si a un chavito de hoy, de 18 años, la película no le va bien, se sale y ya, adiós. Pero en el momento en el que cree, está ahí y le gusta. Eso era un poco lo que quería hacer con la historia y lograr con los personajes, para que los chavos se identificaran con ellos.

Con una clara influencia de los relatos del video musical o de rock, aunque sin su rapidez frenética.

Claro, hago muchos videoclips. Yo vengo un poco de esa escuela: hago comerciales pero hago mucho más videoclips −aunque el último año y medio me la he pasado más con esta película− y ahí ves la escuela y cómo me llegan las ideas y cómo las veo, cómo las transmito y cómo, aunque ya estoy grande, trato de consumir lo que consumen los adolescentes. Soy papá y soy responsable y pago las cuentas, pero no quiero dejar de ser adolescente, no quiero dejar de estar ahí ni de usar mis gorras –de beisbolista−, porque es lo que me gusta. No pienso renunciar a eso.

La banda sonora refleja ese estilo de música actual para adolescentes. ¿Cómo evitas el salto generacional?

Cada vez que filmamos o que trabajamos pido que haya güeyes diez años menores que yo, me encanta que me presten su iPod y saber qué están escuchando. Siempre tengo alguien de veinte años que me ayuda en mi oficina, no sé si les sirva, pero les aprendo más a ellos y consumo lo que ellos están viendo: tal blog, tal rola. Soy un recolector de eso. No es que no quiera crecer, pero me identifico más, porque los de mi edad como que están en otro canal. Creo que ahí está la clave para que el brinco generacional no se sienta.

Además, agarré actores de esa edad y consultaba con ellos muchas cosas del guión para saber qué harían ellos. Yo pensaba que si a “Cobra” le hacían tal, gritaría, haría un desmadre y se iría a los golpes, pero Rodrigo me dijo que se quedaría callado y se iría del lugar, algo mucho más contenido. Me fui dando cuenta que así es y hay que dejarlos un poco por ahí.

Cuando llegas a una etapa en la que ya te gustaron ciertas cosas, te puedes morir con ellas, pero yo me canso y quiero más, quiero escuchar lo nuevo, el sonido tal, me gusta estar en contacto. Y creo que esa actitud me permite creer que puedo hablarle a las nuevas generaciones. Vamos a comprobarlo ahora en el estreno.

Aunque es un trío amoroso, en realidad son cinco personajes en un drama y todo corre alrededor de ellos. ¿Qué tan difícil era sostener un guión con sólo ellos?

A mí se me hace más fácil que hacer un guión con treinta, no me da la cabeza. Muchas veces uno sabe qué presupuesto va a tener, hasta dónde puedes llegar, y si tienes tanta lana lo mejor es hacerlo contenido para que se vea más grande no pensarlo en grande y que se acabe viendo chiquito. Tanto en Oveja negra como en este y otros proyectos disfruto mucho la construcción de personajes, me gusta hacerlos, decir que son así y asa, a dónde han viajado, qué les gusta hacer y leer, qué problemas ha tenido. Eso me encanta. Luego que ya los tengo, los junto y hago una película. El hecho de contar con actores tan frescos y tan nuevos, con tantas ganas de hacerlo, también hace que la película brille. Hay mucha disposición, mucha entrega, mucha garra, muchas ganas de hacerlo.

¿Qué tan conveniente resultó combinar actores primerizos, como Diane, con actores ya con trayectoria, como Diego, Christian o Miriana?

Diane tenía cierta frescura, cierta inocencia. Además, la cámara la quiere mucho, actuaba muy fácil, muy natural, todo le salía. Era un apoyo para ella que los demás la complementaran e hicieran que luciera más, hicieron un ensamble padrísimo. Aprovecharon su inocencia y su poca comunicación en español, a favor de la película, por eso efectivamente ves a una gringa que se va a la playa con unos mexicanos y sólo uno habla inglés. Lograron transmitir lo que estaba ocurriendo en realidad fuera de cámara. Quien vivió el rodaje se puede dar cuenta que lo único que hicimos fue prender la cámara y ver el momento. Eso estuvo muy padre.

Es una película que busca una buena taquilla, pero sin apelar a las fórmulas comerciales convencionales.

Claro, es que para mí es importante tener una voz para los adolescentes. Yo crecí escuchando música, leyendo libros viendo ciertas películas con las que me identificaba y tomaba como mis estandartes. Yo decía que sólo oía cierta música, creía en el grunge. Y si veo que un grupo de adolescentes se siente identificado con la película, porque así se sienten, así viven, así se visten, así se quieren enamorar o así quieren sufrir, eso es lo que quiero. Además, que se den cuenta que, al final del día, el amor gana, pase lo que pase, sea lo que sea. Sin importar países, relaciones, familia, lo que siempre va a ganar es el amor. Y creo que ese es el apellido de la película, se llama Odio el amor porque el amor te lleva a tanto. Te lleva a mil lugares, tanto buenos como malos, pero te mueve y eso es lo padre.

007

poster-ihatelove

Amat Escalante, Mejor Director del 66 Festival de Cannes

mayo 27, 2013

thumb

El director guanajuatense Amat Escalante, ganó este domingo 26 de mayo, el Premio al Mejor Director de la Sección Oficial en la sexagésima sexta edición del Festival Internacional de Cine de Cannes, en Francia, por su tercer largometraje de ficción, Heli (México, 2013), producido por Mantarraya Films, durante la ceremonia de clausura en el Palais des Festivals de esta ciudad balnearia.

La página oficial del festival señala que Escalante declaró, tras recibir el diploma de manos del actor estadounidense Forest Whitaker: “Quiero dar las gracias a este jurado tan valiente. Es una esperanza para México. Espero que el sufrimiento nos abandone”.

Además, en esa misma ceremonia, se dio a conocer que el elenco de la producción mexicana La jaula de oro (México, 2013), integrado por los guatemaltecos Brandon Díaz y Karen Martínez, y el chiapaneco Rodolfo Domínguez, un indígena tzotzil, y no por actores cinematográficos, fue acreditado con el premio A Certain Talent de la sección Una cierta mirada (Un Certain Regard), en la que participaba. Dirigida por el español Diego Quemada-Diez  y producida por Machete Producciones la cinta había ganado previamente un premio paralelo, el Gillo Pontercovo, que otorga el Instituto Internacional para el Cine y el Audiovisual de los Países Latinos junto con la Asociación Gillo Pontercovo y una Mención Especial del Premio François Chalais.

Esta es la lista completa de Ganadores

SELECCIÓN OFICIAL

Largometrajes

Palma de Oro

La Vie D’Adèle-Chapitre 1 & 2 (Blue Is The Warmest Colour), de Abdellatif Kechiche.

Gran Premio

Inside Llewyn Davis, de los hermanos Ethan y Joel Coen.

Premio a la Mejor Dirección

Amat Escalante por Heli.

Premio del Jurado

Soshite Chichi Ni Naru (Like Father, Like Son), de Kore-Eda Hirokazu.

Premio al Mejor Guión

Jia Zhangke, por Tian Zhu Ding, de Jia Zhangke.

Premio a la Mejor Interpretación Femenina

Bérénice Bejo en Le Passé, de Asghar Farhadi.

Premio a la interpretación masculina

Bruce Dern en Nebraska, de Alexander Payne.

Premio Vulcain al Artista-Técnico, otorgado por el CST

Grigris, de Mahamat-Saleh Haroun.

Cortometrajes

Palma de Oro

Safe, de Byoung-Gon Moon.

Mención Especial (Ex Aequo)

Hvalfjordur, de Gudmundur Arnar Gudmundsson.

37°4 S, de Adriano Valerio.

SECCIÓN UNA CIERTA MIRADA (UN CERTAIN REGARD)

Premio Un Certain Regard

The Missing Picture, de Rithy Panh

Premio del Jurado
Omar, de Hany Abu-Assad

Premio a la Dirección

Alain Guiraudie, por Stranger by the Lake.

Premio Un Certain Talent

Para el elenco de la película La jaula de oro, de Diego Quemada-Díez.

Premio Avenir

Freuitvale Station, de Ryan Coogler.

936976_577331708974167_1623589467_nAmat Escalante tras recibir el premio al Mejor Director en Cannes, muestra 
el diploma que le dieron (en realidad, el correspondiente a la actriz 
franco-argentina Berenice Bejo. Foto: Leopoldo Soto/Huatulco Filmfoodfest.



thumb
Brandon López, Karen Martínez, Diego Quemada-Díez y Rodolfo Domínguez,
intérpretes y director de La jaula de oro. Foto: Festival de Cannes.



festival-de-cannes-2013-24913_w1000

Tres cintas mexicanas seleccionadas para el 66 Festival de Cannes

abril 19, 2013

Heli, de Amat Escalante, competirá por

la Palma de Oro en la Sección Oficial 2013

Cannes 66

Thierry Fremaux y Gilles Jacob, Delegado General y Presidente,
respectivamente, del Festival de Cannes.  © AFFIF / Clotilde Richalet

Este jueves 18 de abril, se dio a conocer la Selección Oficial 2013 del Festival Internacional de Cine de Cannes, cuya  edición sexagésima sexta se realizará del 15 al 26 de mayo. En rueda de prensa, el director del festival, Gilles Jacob, y su delegado general, Thierry Fremaux, revelaron la lista de 21 largometrajes que competirán por la Palma de Oro, y entre ellos destaca Heli (México, 2013), del guanajuatense Amat Escalante, no sólo como la única cinta nacional sino hispanoamericana de la lista.

Este es el tercer largometraje en fila de Escalante seleccionado en el festival, luego de participar con Sangre (México, 2005, que ganó el premio FIPRESCI de la crítica internacional) y Los Bastardos (México, 2008), ambas en la Sección Una Cierta Mirada. La película es producida por ND: Mantarraya, empresa de Jaime Romandia y de Carlos Reygadas, ganador del premio a Mejor Director por Post Tenebras Lux (México, 2012)

También se dio a conocer la selección que compondrá la sección oficial Una Cierta Mirada (Un Certain Regard), y entre las 15 cintas que competirán este año aparece otra producción mexicana, La Jaula de Oro (México, 2013), del realizador español Diego Quemada-Díez, de Machete Producciones (productora mexicana que ya conquistó la Cámara de Oro con Año bisiesto, de Michael Rowe). Además, en la sección escolar Cinefondation, que seleccionó 18 cintas (14 de ficción y cuatro de animación), de entre mil 550 procedentes de 277 escuelas de cine de todo el mundo, también se seleccionó un filme nacional, el cortometraje Contrafábula de una niña disecada (México, 2013), de Alejandro Iglesias Mendizabal, producido por el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC).

El Presidente del Jurado de la Sección Oficial de esta edición es el productor, director y guionista estadounidense Steven Spielberg (quien ha estrenado en Cannes cintas como Loca evasión, La rosa púrpura y E.T.). En tanto, el presidente del Jurado de la sección Una cierta mirada (Un certain regard), será el director y guionista danés Thomas Vintenberg (Festen, Submarino, La caza). Y la directora neozelandeza Jane Campion, sera presidenta del jurado de cortometrajes y de Cinefondation.

Esta es la lista de películas 2013 de Cannes:
Filme inaugural (fuera de competencia)
The great Gatsby, de Baz Lhuhrmann.
Sección Oficial

Un château en Italie, de Valeria Bruni-Tedeschi

Inside llewyn Davis, de Ethan y Joel Coen

Michael Kohlhaas, de Arnaud des Pallières

Jimmy P. (Psychotherapy of a Plains Indian), de Arnaud Desplechin

Heli, de Amat Escalante

Le passé (The Past), de Asghar Farhadi.

The Immigrant, de James Gray

Grigris, de Mahamat-Saleh Haroun

Tian zhu ding (A Touch of Sin), de Jia Zhangke.

Soshite Chichi ni Naru (Like Father, Like Son), de Kore-Eda Hirokazu

La vie d’Adѐle, de Abdellatif Kechiche

Wara No Tate (Shield Of Straw), de Takashi Miike

Jeune Et Jolie (Young And Beautiful), de François Ozon

Nebraska, de Alexander Payne

La Vénus Àla Fourrure, de Roman Polanski

Behind The Candelabra, de Steven Soderbergh

La Grande Bellezza (The Great Beauty), de Paolo Sorrentino

Borgman, de Alex Van Warmerdam

Only God Forgives, de Nicolas Winding Refn

Película de clausura (fuera de competencia):

Zulu, de Jérôme Salle

HELI 1
Fotograma de Heli, de Amat Escalante. Al fondo,
el cerro del Cubilete en Guanajuato. Foto: ND: Mantarraya.

heli-cannes-poster


Sección Una Cierta Mirada (Un Certain Regard)

Película inaugural

The Bling Ring, de Sofia Coppola

Anonymous

Omar, de Hany Abu-Assad

Death March, de Adolfo Alix Jr.

Fruitvale Station, de Ryan Coogler

Les Salauds (Bastards), de Claire Denis

Norte, Hangganan Ng Kasaysayan (Norte, The End Of History), de Lav Diaz

As I Lay Dying, de James Franco

Miele, de Valeria Golino

L’inconnu Du Lac, de Alain Guiraudie

Bends, de Flora Lau

L’image Manquante, de Rithy Panh

La Jaula De Oro, de Diego Quemada-Diez

Sarah Préfère La Course (Sarah Would Rather Run), de Chloé Robichaud

Grand Central, de Rebecca Zlotowski

Jaula Oro
Cartel de La jaula de Oro, de Diego Quemada-Díez. 
Foto: Machete Producciones.

Selección Cinefundación

The Norm Of Life (Rusia), de Evgeny Byalo

The Magnificent Lion Boy (Reino Unido), de Ana Caro

O Šunce (Ham Story, República Checa), de Eliška Chytková

Duet (Irán), de Navid Danesh

Babaga (Israel), de Gan De Lange

Needle (USA), de Anahita Ghazvinizadeh

En Attendant Le Dégel (Waiting For The Thaw, Bélgica), de Sarah Hirtt

Contrafábula de una niña disecada (México), de Alejandro Iglesias Mendizábal

Stepsister (Estados Unidos), de Joey Izzo

Au-Delà De L’hiver (After The Winter, Francia), de Jow Zhi Wei

În Acvariu (In The Fishbowl, Rumania), de Tudor Cristian Jurgiu

Seon (The Line, Corea del Sur), de Kim Soo-Jin

Asunción (Chile), de Camila Luna Toledo

Going South (Estados Unidos), de Jefferson Moneo

Danse Macabre (Polonia), de Malgorzata Rzanek

Mañana Todas Las Cosas (Argentina), de Sebastián Schjaer

Exil (Exile, Francia), de Vladilen Vierny

Pandy (Pandas, República Checa), de Matúš Vizár

contrafábula 1
Fotograma de Contrafábula para una niña disecada, 
de Alejandro Iglesias Mendizábal. Foto: CCC.


CF_POSTER_boo2

 AFF_CANNES_22X30.indd 


									

Domingos de Cine Jazz en El Péndulo durante agosto

agosto 8, 2012

 

El mes de agosto, en el Foro del Tejedor de la Cafebrería El Péndulo de la Colonia Roma presenta varios clásicos del cine musicalizados en vivo por  importantes músicos.

Domingo 5 de agosto. 18:30 horas.

Las tres edades, de Buster Keaton, musicalizado por la pianista Deborah Silberer.

Domingo 12 de agosto. 18:30 horas.

Fausto, de F. W. Murnau, musicalizado por Dr. Fanatik.

Domingo 19 de agosto. 18:30 horas.

La General, de Buster Keaton, musicalizado por Los Hijos de Freud.

Domingo 26 de agosto. 18:30 horas.

Nosferatu, de F.W. Murnau, musicalizado por el saxofonista Diego Maroto.

 

El Foro del Tejedor se encuentra en El Péndulo Roma, en Álvaro Obregón 86 en la Colonia Roma de la Ciudad de México.

 

La Colombia de Beatriz González según Diego García-Moreno

enero 18, 2012

¿Cómo se cubren plásticamente las ocho mil criptas del Columbario?

Por Sergio Raúl López

El fúnebre correr de los años en una Colombia herida por la violencia de una triada de facciones armadas marcó profundamente el alma colectiva de esa nación. Los rastros de sangre, dolor y amargura pueden encontrarse desperdigados por muchos sitios, pero se hayan resumidos, de manera contundente, en la obra pictórica de Beatriz González.

Abundan, en su quehacer pictórico, la reproducción de imágenes icónicas aparecidas en periódicos y otros medios, pero trasladadas a su particularísimo lenguaje visual de trazos simples y gran colorido, cuyos motivos, gradualmente, devinie- ron desde las obras del arte universal a sucesos destacados y acabaron por presentar el rostro deformado y amenazante del poder y la política: los sucesivos presidentes lo mismo en recepciones festivas que en rituales religiosos, que con militares rindiendo honores. Y acabó incluyendo en su pintura, pero también en muebles, cortinas y otros objetos intervenidos, las siluetas de la violencia y la muerte que campean en Colombia desde hace varias décadas. Y finalizó con un lienzo emblemático: Autorretrato desnuda llorando, en 1997.

Al mirar estas variadas etapas de su desarrollo como artista, el documentalista Diego García-Moreno fue descubriendo que detrás de esta pintora -a quien la teórica Martha Traba identificó como la respuesta pictórica, desde el Tercer Mundo, al pop estadounidense- se hallaba, ni más ni menos, la síntesis de la historia colombiana reciente. Pero no de la oficial, sino de una más íntima, cercana y dolorosa: la del ciudadano común, indefenso ante las fuerzas que amedrentan su vida cotidiana. Y al acercarse, cámara en mano, a la creadora, coincidió con el inicio de uno de sus proyectos más ambiciosos: la intervención Auras anónimas, en la que cubrió las ocho mil criptas vacías del Cementerio Central de Bogotá, conocido popularmente como Columbario, con ocho distintas siluetas de dos hombres cargando un cadáver en un palo. Esos tres años de trabajo de la pintora fueron seguidos silenciosa y humildemente por el documentalista, a quien le tomó todavía un año más concluir el documental Beatriz González / Por qué llora si ya reí (Colombia, 2010), que recorrió festivales como Bafici argentino, el Visions du Réel suizo y el FIPA de Biarritz, además de otros especializados en documentales en Buenos Aires, Tesalónica, Cuernavaca, Bogotá, Cali y Medellín.

Formado en cinematografía en París, ciudad donde residió varios años realizando audiovisuales para instituciones diversas, Diego García-Moreno retornó a su natal Colombia para fundar La Maraca Producciones y dar clases en la Universidad Nacional de Medellín. Entre sus cintas se hallan la trilogía Colombia elemental (1992), Colombia horizontal (1998) y Colombia con-sentido (2000), además de Las castañuelas de Notre Dame, el corazón (2006), ¿Y cómo para qué de arte de qué? (2008) y ¡Danza, Colombia! (2009).

-¿Cómo ocurrió este encontronazo de una forma visual tan reciente como el cine con otra tan antigua como es el arte pictórico?

-En casi todas mis películas me había tocado la acrobacia de darle importancia a las cosas, poner el cine a la disposición de un objeto o de alguien que no tuviera importancia para darle relevancia estética. El caso de Beatriz fue muy interesante porque es un personaje famoso, y su obra, que es un hecho plástico, un hecho visual, no necesita de la cinematografía para obtener conocimiento. Pero a pesar de que la obra de Beatriz hace un seguimiento en la historia, nunca se había leído como tal. Eran hechos independientes: cuadros dispersos en el tiempo, pero unidos no generaban el discurso que le diera un sentido de tiempo. Cuando veo su obra, siento que ahí hay un documental: ella la hacía sin un propósito de narrativa temporal. Entonces me pareció muy interesante hacer un documental sobre ese documental, en formatos distintos, porque uno es el cine y en el otro está la plástica. Ahí empezó el reto, digamos.

-Además, fue fruto de un trabajo prolongado, de un seguimiento metódico, de un rigor que exigió mucho tiempo.

-El documentalismo contemporáneo es difícil porque descubre procesos en el tiempo y tiene que quedarse ahí hasta que el mismo tiempo le diga al autor que ha llegado al final. No estaba haciendo un formato de televisión para poder crearlo rápido. Con Beatriz fueron tres años de grabación y casi un año de postproducción para armar la historia de una manera que no pareciera que nos habíamos gastado cuatro años. ¿Cómo voy a mezclar a la modelo con el cuadro y con el pintor del cuadro? Hay una cosa que me fascina del documental: sentir el devenir de los personajes, contar y estar en el momento preciso.

-Hay una complejidad grande en este acercamiento, porque no requiere solamente develar cierta información sino construirla en su entorno particular.

-Beatriz está acostumbrada a dar entrevistas. La misma información verbal que da durante uno o dos años la pue- de ofrecer en 45 minutos; pero yo la descompuse, la fraccioné para tener instancias dramáticas diferentes. Y la aparición de esa obra en el columbario fue como un banquete que tenía que seguir. Desde el principio uno se pregunta: ¿será que esta señora está tan loca que es capaz de hacerlo?, ¿será que su salud va a aguantar?, ¿será que tendrá problema con esta otra gente?, ¿será que va a solucionar los problemas materiales? Y es una belleza ver cómo se construye una obra del cemento, del yeso, de los palitos. Todo eso va creando una tensión muy interesante. Es un proyecto súper ambicioso. Sobre todo cuando uno ve que es una señora de casi 75 años, sola, con una voluntad férrea enfrentándose a algo importante para un país. Y ahí volvemos a entrar en el momento histórico y en el hecho ético: el suceso de la guerra, de la filosofía de la lectura, y yo como narrador de mi tiempo deseo con- tar con un hecho simbólico cómo es la vivencia de ese acto histórico.

DISTRIBUCIÓN
Y actos de liberación
El anterior documental de Diego García-Moreno se titula El corazón gratuitamente: la historia de un soldado que sobrevivió a la explosión de una mina anti- personal -o quiebrapatas, como le llaman en Colombia-; con una esquirla en el músculo cardiaco le descubrió una serie de coincidencias asombrosas. El grupo más importante de cirujanos especialistas en operaciones de corazón abierto por traumas era colombiano, resultado de la violencia acaecida en los años ochenta y noventa en Medellín. El país fue consagrado al Sagrado Corazón. A la esposa del doctor que realizó la operación le descubren una arritmia cardiaca.

Así que luego de su recorrido natural por festivales, decidió que la película tenía que ser vista por el público. Ante la negativa de distribuidores y exhibidores de programarla en salas, comenzó a darle salida a la cinta, que implicó una gran inversión de dinero y de tiempo en los sitios de conflicto, en los lugares donde están las minas y las ciudades donde los efectos de la guerra se vivían cotidianamente. Decidió que la cinta se convirtiera en un intermediario de una socie- dad polarizada.

Así, reunió a estudiantes de medicina que tomaban la presión de la gente antes de entrar al cine. Acto seguido, les entregaba una antología de poemas de escritores colombianos del siglo XIX y XX cuyo tópico fuese el corazón. En la sala pasaban canciones populares, pegajosas, sobre el tema. Y al final de la proyección se armaba un diálogo con los espectadores, ya sensibilizados, sobre el país, la enfermedad y la vida.

-Al que le tocaba ese espectáculo nunca se le iba a olvidar la película. Lo habíamos bombardeado desde muchos puntos para que su cuerpo y su reflexión tuviera ahí una huellita -recuerda el cineasta.

Con el documental sobre Beatriz González realizó durante un año la ruta Proyectando la memoria, monólogo a tres voces que llevaba cine, arte y reflexión por los espacios funerarios de Colombia, lo mismo sitios precolombinos que cementerios monumentales, campo- santos y fosas comunes.

-Los cineastas nos mantenemos llorando. Que no nos distribuyen, que no podemos hacer nuestra obra porque no nos dan la plata. Ahí digo: ¡coño, más que cineastas, considerémonos artistas! Bajémonos un poco todo ese halo de poder que nos da el cine y hagamos un acto de liberación. Yo creo que eso es un reto que tenemos los cineastas en países como los nuestros y que puede producir mucho placer si le logramos dar ese carácter de invención a la distribución.

Este artículo se publicó originalmente en la sección de cultura del diario El Financiero (16/I/2012).