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VIII My French Film Festival, una treintena de estrenos gratuitos y en línea

enero 19, 2018

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La octava edición del festival en línea My French Film Festival se realizará entre el 19 de enero y el 19 de febrero de 2018, con la selección de una treintena de películas inéditas tanto de cineastas franceses contemporáneos y algunas del patrimonio cinematográfico galo, agrupadas en seis temas: WTF…rench?!, Hit the Road!, Teen Stories, French and Furious, Love “à la française” y New Horizons, para los cinéfilos de todo el mundo.

En su anterior edición, el país que registró más vistas de películas fue México, ya que se registraron un millón, lo que representó 21% del total mundial en 2017, especialmente la cantidad de espectadores para los cortometrajes resultó sorpresiva, ya que cada uno fue visto por un promedio de 90 mil personas.

El jurado de cineastas de esta edición será presidido por el director italiano Paolo Sorrentino, que premiarán entre diez largometrajes y diez cortometrajes en competencia, además, los internautas pueden calificar todas las películas y dejar comentarios. Al final del festival se entregará el Premio Chopard de los cineastas, el Premio Lacoste del Público así como el Premio de la Prensa Internacional.

Además de que los filmes estarán disponibles en la plataforma del festival, también se organizarán proyecciones especiales en distintas salas y se incluyen en la programación de algunas aerolíneas como Air France.  Las películas son gratuitas en los territorios de América Latina, África Rusia, Polonia, Rumanía e India, en el resto del mundo, los cortometrajes son gratuitos y el alquiler de cada largometraje es de un euro con 99 centavos y también se oferta un paquete de 7 euros con 99 centavos para ver todas las películas.

Además de la plataforma del festival (www.myfrenchfilmfestival.com), en el país también se encuentra disponible en Cinépolis Klic (www.cinepolisklic.com/genero/my-french-film-festival), la página del Festival Internacional de Cine de Morelia (moreliafilmfest.com/my-french-film-festival-2018-festival-internacional-cine-morelia-ficm) y en Filmin Latino (www.filminlatino.mx/canal/my-french-film-festival-2018).

Esta es la selección oficial por sección:

What The F…rench!?

Largometrajes: 

La ley de la jungla (La Loi de la jungle, Francia, 2016), de Antonin Peretjatko. 99 minutos (en competencia).

Rock’n Roll (Francia, 2016), de Guillaume Canet. 123 minutos (en competencia).

Willy I (Willy 1er, Francia, 2016), de Ludovic Boukherma, Zoran Boukherma, Marielle Gautier y  Hugo P. Thomas. 82 minutos (en competencia).

Cortometrajes:

Lazare (Francia, 2016), de Tristan Lhomme. 22 minutos (en competencia).

Para chuparse los dedos (Belle à croquer, Francia, 2017), de Axel Courtière. 25 minutos (en competencia).

El guionista (Le scénariste, Francia, 2017), de Tristan Lhomme. 26 minutos (en competencia).

 

Hit the Road!

Largometrajes:

Aglaé a prueba de choque (Crash test Aglaé, Francia, 2016), de Éric Gravel. 85 minutos (en competencia).

Ava (Francia, 2017), de Léa Mysius. 105 minutos (en competencia).

Antes del fin del verano (Avant la fin de l’été, Francia-Suiza, 2016), de Maryam Goormaghtigh. 80 minutos (fuera de competencia).

Cortometrajes:

La película del verano (Le film de l’été, Francia, 2016), de Emmanuel Marre. 30 minutos (en competencia).

 

Teen Stories

Largometrajes:

Swagger (Francia, 2016), de Olivier Babinet. 84 minutos (en competencia).

La boda (Noces, Bélgica-Pakistán-Luxemburgo-Francia, 2016), de Stephan Streker. 98 minutos (en competencia).

1:54 (Canadá, 2016), de Yan England. 106 minutos (fuera de competencia).

Cortometrajes:

Chasse Royale (Francia, 2016), de Romane Gueret y Lise Akoka. 28 minutos (en competencia).

El nacimiento de un líder (L’enfance d’un chef, Francia, 2016 ), de Antoine de Bary. 15 minutos (en competencia).

 

French and Furious

Largometrajes:

Los últimos parisinos (Les derniers parisiens, Francia, ), de Hamé y Ékoué. 105 minutos (en competencia).

Bosque adentro (Dans la forêt, Francia, 2016), de Gilles Marchand. 103 minutos (en competencia).

Ocurrió cerca de su casa (C’est arrivé près de chez vous, Bélgica, 1992), de André Bonzel, Rémy Belvaux y Benoît Poelvoorde. 92 minutos (fuera de competencia).

Cortometrajes:

Ámame por siempre (Please Love Me Forever, Francia, 2016), de Holy Fatma. 27 minutos (en competencia).

La muerte, padre & hijo (La mort, père et fils, Francia, 2017), de Denis Walgenwitz y  Winshluss. 13 minutos (en competencia).

La caricia (La caresse, Francia, 2017), de Morgane Polanski. 9 minutos (fuera de competencia).

Love “à la française”

Largometrajes:

El último metro (Le dernier métro, Francia, 1980), de François Truffaut. 131 minutos (fuera de competencia).

Cortometrajes:

Larga vida al Emperador (Que vive l’Empereur, Francia, 2015), de Aude Léa Rapin. 26 minutos (en competencia).

Prohibido ahogarse (Noyade interdite, Francia, 2016), de Mélanie Laleu. 17 minutos (en competencia).

El sabor de Vietnam (Le goût du Vietnam, Canadá, 2016), de Pier-Luc Latulippe. 9 minutos (fuera de competencia).

Un vestido de verano (Une robe d’été, Francia, 1996), de François Ozon. 15 minutos (fuera de competencia).

 

New Horizons

Cortometrajes:

Planet (Francia, 2017), de Momoko Seto. 7 minutos (fuera de competencia).

Phallaina (Francia, 2016), de Marietta Ren. 59 minutos (fuera de competencia).

WEI o muere (WEI or Die, Francia, 2015), de Simon Bouisson. 47 minutos (fuera de competencia).

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Guillermo del Toro, Mejor Director en los 75 Golden Globe Awards

enero 8, 2018

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Guillermo del Toro en la Sala de Prensa tras ganar el Globo de Oro 
al Mejor Director.

Foto: Hollywood Foreign Press Association.

La septuagésima quinta ceremonia de entrega de los Golden Globe Awards, que entrega la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés) –integrada en la actualidad por 93 miembros–, que reconocen la excelencia en cine y televisión tanto de la producción estadounidense como la internacional, se realizó la tarde-noche del domingo 7 de enero en el hotel The Beverly Hilton, en Beverly Hills, California, en una ceremonia conducida por el guionista y conductor Seth Meyers. La cinta ganadora de la noche fue 3 Anuncios por un crimen (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, Estados Unidos, 2017), de Martin McDonagh, que se alzó como Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Actriz (para Frances McDonald) y Mejor Actor (Sam Rockwell), mientras que el premio a Mejor Largometraje de Comedia fue para Lady Bird (Estados Unidos, 2017), de Greta Gerwig. La actriz y conductora Oprah Winfrey recibió el premio por trayectoria Cecil B. DeMille. La película con más nominaciones, La forma del agua (The Shape of Water, Estados Unidos-Canadá, 2017), de Guillermo del Toro, que tuvo siete nominaciones, de las que finalmente ganó las categorías de Mejor Música Original para el compositor francés Alexandre Desplat y Mejor Director, para el realizador tapatío –donde competía junto a Steven Spielberg, Ridley Scott, Christopher Nolan y Martin McDonagh–, un galardón que ya habían conseguido Alejandro González Iñárritu en 2016 por El renacido (The Revenant, Estados Unidos-Hong Kong-Taiwan, 2015) y Alfonso Cuarón, en 2014, por Gravedad (Gravity, Estados Unidos, Reino Unido-Estados Unidos, 2013). De esta manera, los “Three Amigos” ya han sido reconocidos como Mejor Director en los Golden Globes.

A continuación, les compartimos el discurso completo de Guillermo del Toro:

¡Oh, guau! Yo esperaba limpiarme la nariz con esto (el papel en que anotó su discurso). Desde la niñez he sido fiel a los monstruos. He sido salvado y absuelto por ellos. Porque los monstruos, lo creo firmemente, son los santos patrones de nuestra feliz imperfección porque nos permiten y encarnan la posibilidad de fallar y vivir con ello. A lo largo de 25 años he construido artesanalmente muchos cuentos breves y extraños hechos de movimiento, color, vida y sombras. Y en muchas de estas instancias, en tres de ellas precisamente, estas historias extrañas, estas fábulas me han salvado la vida, una vez con El espinazo del Diablo (España-México-Francia-Argentina, 2001), otra vez con El laberinto del Fauno (España-México-Estados Unidos, 2006) y ahora con La forma del agua. Porque como directores, estas cosas no sólo entran en nuestra filmografía, sino que hemos hecho un trato con un diablo particularmente incapaz que nos negocia tres años de nuestras vidas a cambio de una entrada en el Internet Movie Database (IMDb) y estas cosas son biografía, y también son vida.

Quiero agradecer a la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood, Fox Searchlight, y no estaría aquí –bajen la música, esto me tomó 25 años, denme un minuto– sin mi elenco, sin mi equipo y quiero mencionar a dos mujeres fantásticas sentadas en esta mesa: Sharon, Nancy, Octavia (Spencer), Sally (Hawkins), Kimmy y Vanessa (Taylor). Sin ellas, yo no estaría aquí. Les agradezco, mis monstruos les agradecen y en algún sitio, Lon Chaney se está riendo de todos nosotros. ¡Muchas gracias!

Con los Golden Globes inicia la temporada de premios en Hollywood, que continuarán con los Producers Guilds of América Awards, el 20 de enero, en la que compite en la categoría de Productor Destacado de Largometraje de Ficción. Luego, en los premios de la Academia Británica de Cine (BAFTA, por sus siglas en inglés), que se realizarán el 18 de febrero y en los que La forma del agua, es favorita con 12 nominaciones (Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actriz, Actriz Secundaria, Música Original, Mejor Fotografía, Diseño de Producción, Vestuario, Sonido, Efectos Visuales) y los premios Oscar, de la Academia de Hollywood, que se darán a conocer el 21 de enero.

La Presea Cervantina para Arturo Ripstein

noviembre 28, 2016

 

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El Centro de Arte y Cultura Museo Iconográfico del Quijote (MIQ), además de impulsar y coleccionar en su acervo obras y reflexiones en torno a la obra de Miguel de Cervantes Saavedra, además  valora y otorga relevancia al fomento de las bellas artes en su acta constitutiva, por ello es que promueve la cultura cinematográfica ofreciendo un cineclub permanente con una programación que integra largometraje, cortometraje y documental: los Lunes de Cine en el MIQ.

Este año, se incluyó la obra de una veintena de directores cinematográficos del Bajío mexicano, que han encontrado un espacio de difusión y proyección de su obra en gran formato, así como la presentación a viva voz ante el público cinéfilo asistente.

Como parte de estas actividades, el Museo Iconográfico del Quijote y la Fundación Cervantina de México A.C. han decidido otorgan la Presea Cervantina Honorífica por trayectoria al cineasta Arturo Ripstein, por su trayectoria en más de medio siglo en la realización fílmica. Además, el mes de noviembre, los Lunes de Cine en el MIQ se dedicaron a repasar su obra.

La medalla se ha otorgado a personalidades como Margo Glantz (2016), Fernando Savater (2015), Manuel Castells (2014), Tzvetan Todorov (2013), Edgar Morín (2012), Jean Canavaggio (2011), Álvaro Mutis (2010), Carlos Fuentes (2000) y Eulalio Ferrer (1998) por citar algunos.

La ceremonia se realizará el lunes 28 de noviembre a las 17:00 horas, al interior del Patio de las Esculturas del MIQ (Manuel Doblado 2, en Guanajuato).

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El infierno de dos hombres atrapados en “7:19. La Hora del Temblor”, de Jorge Michel Grau

septiembre 27, 2016

El verdadero horror de estar enterrados

Por Irving Torres Yllán

Pese a que los terremotos que destruyeron extensas porciones de la Ciudad de México en 1985 fueron, indudablemente, la gran tragedia del siglo xx en la capital del país, la cinematografía mexicana se ha ocupado muy poco de retratar el horror y la destrucción que provocaron. Ahora, treinta y un años luego de los sismos, el realizador Jorge Michel Grau, afecto al género de terror, narra el claustrofóbico encierro de dos sobrevivientes atrapados por los escombros en 7:19. La Hora del Temblor.

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La fecha del 19 de septiembre de 1985 difícilmente se olvidará en el Distrito Federal. Ese día, la urbe se vio sacudida por uno de los fenómenos naturales más intensos que la hayan asolado: un sismo de tipo trepidatorio, a la vez que oscilatorio, que sacudió al país, alcanzando su punto de mayor destrucción en la capital de México, con una duración de casi dos minutos y una magnitud de 8.1 grados en escala de Richter. La cantidad de muertos aun es desconocida así como la de desaparecidos, aunque oficialmente se habla de 10 mil.

El tema ha sido tocado en diversas ocasiones por el cine mexicano, aunque el único largometraje de ficción dedicado enteramente a ello ha sido Trágico terremoto en México (México, 1987), de Francisco Guerrero y guión de Reyes Bercini, que aprovechaba los estragos que aún se veían en la ciudad unos meses después. Fuera de ello se le ha aludido en diversas películas como Mariana, Mariana (México, 1987, de Alberto Isaac), El día de los albañiles 3 (Y dónde te agarró el temblor) (México, 1987, de Gilberto Martínez Solares) o en Ciudad de ciegos (México, 1989, de Alberto Cortés).

Ahora, en 2016, se produjo una película que se adentra completamente en la situación al instalarnos al interior de un edificio que se derrumba durante el sismo, 7:19. La Hora del Temblor (México, 2016), dirigida por Jorge Michel Grau, quien en el 2010 sorprendiera con su debut cinematográfico Somos lo que hay (México, 2010) y ahora muestra un gran crecimiento y madurez como realizador.

Luego de estudiar Comunicación en la unam y realización por el Centro de Capacitación Cinematográfica (ccc), Grau se graduó en España, en la Escola Superior de Cinema I Audivisuals de Cataluya (escad) en la especialización de dirección cinematográfica. De regreso a México estudió en la escuela de teatro de la Universidad Nacional (cut), con Raúl Quintanilla, y dirección de arte en el ccc, con Alejandro Luna.

Destaca, en la cinta un extraordinario plano secuencia inicial que nos permite seguir a los personajes no sólo para presentarlos sino para que, de alguna forma, podamos ubicarles en el espacio físico y saber dónde están cuando la oscuridad les cubra. Luego de que ocurre el sismo y se desploma el edificio, es una genialidad la forma en que el director nos va abriendo el mundo, sacándonos de lo claustrofóbico del momento para dejarnos respirar cada vez un poco más. Pocas veces los directores mexicanos se atreven a jugar con los diferentes formatos en pantalla para crear sensaciones y, en esta ocasión, el resultado es impactante.

Producida por Alameda Films, Alebrije Cine y Video y Velarium Arts, 7:19 fue la película inaugural del xix Festival Internacional de Cine Guanajuato (giff). Rodada en los Estudios Churubusco y protagonizada por Damián Bichir y Héctor Bonilla, estrenará en la cartelera nacional el 23 de septiembre, con 250 copias de Cinépolis Distribución.

Por este motivo, les presentamos una entrevista con Jorge Michel Grau.

Podría parecer una película atípica respecto del cine de género que venías haciendo, pero que en realidad se inscribe muy bien dentro en tu trabajo, al abordar un tema social que roza el horror de muchas formas y que es sumamente actual, con ecos que nos alcanzan hasta este 2016.

Justo la urgencia de escribir un guión así fue lo que me movió a buscar un tema que pudiera, de alguna manera, mostrarnos lo que está sucediendo hoy en día en México. De lo que 7:19 va, a grosso modo, es sobre dos personas atrapadas en un edificio que se colapsa en el terremoto. Haciendo el símil con lo que está pasando ahora, un poco es esta tragedia que nos está aplastando, en este desorden de país que tenemos ahora, en este tiradero, es una tragedia que tiene a todos los mexicanos atrapados. Un poco por ahí fue por donde comenzamos a escribir esta historia. La primera motivación era recuperar este hecho de 1985 que tiene un largo aliento con lo que está pasando hoy en día y creo que funciona muy bien porque tiene unos símiles muy exactos con lo que estamos viviendo.

La cinta empieza con un largo travelling que muestra la interacción de todos los personajes y acabamos con dos protagonistas sin sentir nunca que sea teatral, ¿cómo llegaste a esto?

La apuesta era tratar de explorar lo que sucedía debajo de los escombros. Se ha visto mucho documental sobre el terremoto de 1985, hay muchos expertos –tanto cronistas, como historiadores, como gente que participó directamente en el rescate o en la posterior planificación de la ciudad–, pero todo eso sucedía afuera, en todo lo visible, y yo quería irme a este espacio invisible del que casi nadie habla, del que casi nadie sabe, el que era adentro de los escombros, el universo de las víctimas. ¿Qué pasaba con las personas adentro de los edificios mientras esperaba el rescate? En buena medida la gente podía creer que el gobierno estaba increíblemente movilizado para rescatarlos y conforme fue avanzando el tiempo nos dimos cuenta de que no era así, lo que sucedió fue que la sociedad civil tuvo que responder y reaccionar ante la tragedia, organizarse y rescatar a la gente. La apuesta era partir de las preguntas: ¿Qué pasa adentro de la tragedia? ¿Cómo la vive la gente?

Otro de los pretextos que buscábamos era esta exploración de las clases sociales: ¿qué pasa si uno de ellos es un político de alta alcurnia, que está en un puesto muy importante, del cual se beneficia, y el otro es un velador, una persona a pie, del pueblo, un trabajador que necesita largas jornadas de trabajo para poder sobrevivir? ¿Qué pasa cuando estos dos universos se enfrentan en un mismo espacio?

El reto, como lo planteamos desde el inicio, era hacer que estos dos personajes nos guíen por esta exploración. Ver esta situación a través de estos dos personajes completamente inmóviles, que no tienen espacio porque el edificio que los aplasta no sólo los confina a un sitio reducido, sino que los atrapa. Era simplemente ver una interpretación actoral que a través de los ojos, de una intimidad de ese tamaño, nos pudiera transportar a estos dos universos. El riesgo se tomó pensando en dos grandes actores que pudieran hacernos viajar a través de su interpretación y, la puesta en cámara trataba de romper con los planos convencionales, tratar de hacer una puesta en cámara que satisficiera al público y que no se aburriera, y que al final estuviera viendo una puesta en escena con dos personajes hablando toda la película.

En las tomas del edificio colapsado sorprendes con algo inusual en el cine mexicano: jugar con diferentes formatos de la cámara y la vas abriendo poco a poco conforme los personajes van descubriendo más de su entorno. ¿Por qué llegaste a esta decisión técnica?

Decidimos que esa era la mejor manera de hacer entrar al público al espacio. Primero, yo no quería mostrar todo de un jalón, quería mostrar este choque sorpresivo para todos, porque en 1985 nadie le tenía miedo a los temblores, por lo menos no a que se derrumbara la ciudad. La gente no salía de los edificios, se quedaba en el marco de la puerta, esperando a que pasara y ya. Toda la gente que se queda atrapada en este edificio en el filme es sorprendida por el terremoto. Ese era nuestro punto de partida, ¿cómo vamos a hacer que el público se sienta también encerrado y vaya conociendo el espacio? Jugamos con la imagen del iris del ojo, el cual, conforme se va acostumbrando a la oscuridad, tiene una mejor percepción del espacio, puede ver un poco más. Al principio cuando abres el ojo en la obscuridad absoluta no ves nada y conforme pasa el tiempo puedes ver un poco más y más hasta que tu ojo se acostumbra a la obscuridad y tienes una clara visión de lo que está sucediendo en el espacio en el que estas encerrado y por ahí nos fuimos, en generar esta claustrofobia, esta sensación de angustia de que al abrir el ojo no ves absolutamente nada y, conforme avanza el tiempo, vas descubriendo más cosas.

El segundo arranque era ir introduciendo ciertos elementos dentro de la narración que a lo largo de la película van a ir cobrando mucha importancia. No sólo el descubrimiento de Martín Soriano (Héctor Bonilla), el velador, que está a un lado del licenciado Fernando Pellicer (Demián Bichir), sino de los otros personajes que hablan durante la película y otros elementos como la radio, que son los que provocan que el aspecto de la película se abra, dándole al espectador la posibilidad de ver más allá de lo que está sucediendo, aunque estén en ese espacio tan confinado y tan pequeño. La percepción se va ampliando porque van entrando elementos narrativos importantes.

Creí esa era la mejor manera de plantearle al público la apertura de percepción.

En el cine mexicano no se le da tanta importancia al diseño sonoro pero en tu película es muy interesante y nos lleva a distintas profundidades, a diferentes capas del edificio.

Es un punto muy importante. Nosotros estábamos haciendo la apuesta del diseño sonoro, pues era el 50 por ciento de la narración. Nosotros estamos viendo a dos personas encerradas pero no sabemos lo que está sucediendo afuera. El camino que seguimos fue que al momento que Alberto Chimal y yo escribimos el guión, hicimos la línea de tiempo de la ficción que sucedía dentro de los escombros, pero estaba sujeta a la línea de tiempo del suceso real, a lo que estaba sucediendo afuera del cuadro, entonces el diseño sonoro atendía a esa necesidad. ¿Cómo vamos a hacer para que el hecho de ficción se ligue al hecho histórico? A través del diseño sonoro. Las cosas que van sucediendo en sonido, como la llegada de los primeros voluntarios, la llegada de los rescatistas, los perros que ladran justo antes del temblor, nos iban marcando esta veracidad de la historia y todo eso sucede en el diseño sonoro.

Por otro lado tenemos al otro gran personaje que es el edificio. El edificio tiene sometidos a estos personajes y está activo en la película, todo el tiempo se sigue comprimiendo y reacomodando, y conforme los personajes hablan o están dialogando ciertos temas, el edificio contesta, hay acentos dramáticos que da el mismo edificio. La película no tiene nada de música, nada de score, la apuesta era que fueran los sonidos del edificio: los rechinidos, el reacomodo, las piedras cayendo. El edificio está vivo junto con ellos. Christian Giraud, el diseñador sonoro, se fue a meter a cuevas para poder grabar esos silencios que tienen una característica muy especial… dejaba caer piedras para poder repetir esos sonidos en el edificio y tratar de inventar que pasa adentro porque hay poca documentación de momentos dentro de los edificios, hay mucha del exterior pero poca de adentro, nosotros sólo pudimos ver dos videos y son muy cortos, entonces tuvimos que inventar todos estos sonidos dentro de los escombros.

La gente podría pensar que 7:19 es uno de estos grandes dramas del cine mexicano, pero es una película con un humor negro demasiado fino, por momentos, una apuesta muy arriesgada. ¿Cómo fue la creación de este guión con Alberto Chimal, para llegar a los puntos dramáticos bien estructurados y, a la vez, tener humor para que el espectador se relaje y siga viendo el horror en pantalla?

Yo creo que es sintomático, está en nuestro gen, por eso Alberto y yo lo platicamos tanto. ¿Qué pasaría si una persona está en esa situación después de tantas horas? Y los dos llegamos a la conclusión de que seguramente haría un chiste sobre su propia situación. Los mexicanos nos reímos de la muerte, de nuestra situación, cuando no entendemos algo que está cerca de nosotros le inventamos un chiste, somos los reyes del meme, entonces era como adentrarnos en este universo real del mexicano. Estas contestaciones que salen del alma, que salen de la piel, cuando hay una situación incómoda y la única manera de relajarnos o perder un poco la ansiedad o el estrés es contando un pequeño chiste.

Era un riesgo. Recuerdo perfectamente las primeras lecturas con Demián Bichir, él me decía que le preocupaba un poco estos como cierres de comedia, esta comicidad negra, ácida, dolorosa, de esos chistes dolorosos de los que te ríes y luego dices “¡ouch!”. Buscamos estos momentos adecuados para que la gente se enganchara con esta sensación de la necesidad de contar un chiste, porque estas en una situación extrema que te está lastimando y jugar luego un poco con eso, dejarlos reír e ir por un área más ligera donde están sucediendo un par de chistes muy oscuros y después viene un cachetadón que te hace abrir los ojos y recibir esa realidad de una manera mucho más profunda y dolorosa. Era jugar un poco con ambas situaciones.

El riesgo siempre está en cualquier película cuando uno toma una decisión dramática, siempre se corre el riesgo de que se desbalague un poco el discurso o la puesta en escena, pero aquí se asumió y creo hay momentos donde esta comicidad negra funciona muy bien.

Uno de los grandes méritos de la película es la escenografía, afortunadamente no es el cachirulazo al que estamos acostumbrados a ver en este tipo de cine mexicano, pues es muy real. ¿Cuáles fueron los riesgos de tener siempre la misma escenografía en los Estudios Churubusco?

El riesgo era altísimo, hasta cierto punto pecamos en el reto, era poner muy elevado el listón, no conformarnos con lo fácil. Para ejemplificar, estuvimos viendo una película española, Enterrado (Buried, España-Estados Unidos-Francia, 2010), de Rodrigo Cortés, que cuenta la historia de un secuestrado que está dentro de un ataúd. La puesta en cámara era muy pegadita al personaje pero de pronto rompía la pared del ataúd y veíamos planos muy abiertos, donde quedaba en el centro y había un limbo oscuro alrededor y yo sentía que eso rompía mucho con la película.

Entonces, cuando hablaba con el diseñador de producción, Alejandro García, yo le hacía mucho hincapié en eso: nunca vamos a romper la pared del set. La cámara siempre va a estar en el mismo espacio donde ellos estén, no quiero que las paredes se muevan para poder poner cámara. Quiero que se muevan para seguridad de los actores, que estén protegidos y que no haya ningún atentado contra el actor, someterlos a una tortura física con tal de llegar a un resultado me parecía totalmente absurdo teniendo dos grandes intérpretes. Mi apuesta era protegerlos, pero la cámara tiene que estar en un espacio donde nos sintamos enterrados.

Además, yo sufro un poco de claustrofobia. No me subo a elevadores, Metro o Metrobús, y quería sentir miedo del encierro, por lo que era un trabajo constante con Alex y su equipo de estar metiéndome en ese espacio y decirles que necesitaba más opresión, más gris, más estilos. Quería que los fierros retorcidos me hicieran sentir vulnerable y con riesgo de picarme, de cortarme. Yo no quería una escenografía de una película de Capulina, sino que la gente se sintiera aterrada con el verdadero horror de estar encerrados, aunque nunca lo hubieran estado y la única manera era conseguir algo increíblemente verídico que te hiciera aceptar la convención y decir que así se ven los escombros, aunque nunca hayas estado adentro.

Fue un trabajo muy minucioso de cuatro semanas de construcción, primero hicimos pequeñas maquetas, definimos las posiciones de los personajes y, a partir de ahí, se empezaron a hacer maquetas tamaño natural. Luego el equipo de Alex entró a la construcción y los carpinteros medio se volvían locos porque están acostumbrados a hacer escenografías rectas, con ángulos, con piezas de madera bien cortadas y aquí era todo lo contrario, había que meter desastre, caos, nada podía ser geométrico, tenía que ser muy espontáneo y espantoso. Fue un reto que fueron resolviendo conforme avanzábamos.

Al final, pocos días antes de filmar, le pedimos asesoría a un topo que estuvo involucrado en los rescates del 85 y lo metimos al espacio y dijo: “¡Así, así es como se ve!” y eso nos dio la garantía de empezar a rodar.

Otro elemento del que se ha hablado poco es la iluminación, el ejercicio que hace Juan Pablo Ramírez (director de fotografía) con la luz ahí adentro, también ayuda y aporta mucho para dar la sensación de claustrofobia extrema.

¿Qué tal fue trabajar con Héctor Bonilla, nos regresas al gran actor que hacía mucho no veíamos así en cine?

Estoy muy contento con lo que pudimos hacer juntos. Yo tenía una lista de opciones para ese personaje y él estaba ahí pero yo tenía cierta inclinación por otro actor. Pero cuando Demián se suma al proyecto y empezamos a dialogar, puso el dedo y me dijo que volviera a pensar en Héctor, que los viera juntos. Hice el ejercicio de ver a la pareja, tratar de imaginar que pasaría con Héctor como el velador bonachón que se lleva bien con la gente y al repasar un poco su trabajo actoral encontré grandes momentos actorales y eso era lo que me gustaría ver. Le mande el guión y, al día siguiente, el señor viene con una cantidad de propuestas, sugerencias, alternativas en diálogos, que hace que el trabajo se comience a construir desde la primer lectura. Es un tipo con una experiencia increíble y además es amable, elegante, es un tipo que nunca se quejó a pesar de estar en una posición terrible, muy incómoda. Mi madre, Mayra Grau, que es terapeuta, estuvo todo el rodaje en el set para la recuperación muscular y ante cualquier tipo de presión ella de inmediato los atendía porque las condiciones eran complicadas. Héctor Bonilla tenía 76 años y salió mejor librado que todos. Era impresionante verlo trabajar, además, es un tipo tan amable, tan cortés, que hace que el trabajo sea fácil en esas condiciones terribles: teníamos obscuridad absoluta en el foro, trabajamos nada más con la lámpara de mano. Y llegaba un momento tras dos semanas, que la gente se sentía agobiada y Héctor hacía que la vibra, la energía, cambiara. En el ámbito de la interpretación era llegar de inmediato al personaje y a tocar las fibras y la piel como lo habíamos estado platicando, dio muy bien el personaje y por donde había que llevarlo.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 48 de la revista cine TOMA, de julio-agosto de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.7_19-695458593-large

Primer Foro de Distribución Audiovisual Focus Camp

septiembre 27, 2016

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La primera edición del Foro de distribución audiovisual Focus Camp se realizará entre el 28 de septiembre y el primero de octubre, en el Museo del Chopo , con mesas redondas, conferencias y proyecciones. Este foro y mercado de cine tiene como misión fomentar la distribución exitosa de proyectos audiovisuales de calidad enfocados a los derechos humanos desde la perspectiva de género, además de abrir la discusión acerca de las dificultades que enfrenta la distribución de películas en México, el papel de los medios en este proceso y los contenidos que se desarrollan actualmente en los materiales audiovisuales.

Además, se ha programado una función especial del documental The Occupation Of The American Mind: Israel’s Public Relations War in the United States (Estados Unidos, 2016) de Loretta Alper y Jeremy Earp, narrado por el músico Roger Waters, el próximo 30 de septiembre a las 20:00 horas en la Sala 2, Salvador Toscano de la Cineteca Nacional. La cinta será presentada por su productor ejecutivo Sut Jhally y el propio Waters.

Este es el programa:

Miércoles 28 de septiembre

Inauguración

10:00 a 10:15 horas

Mesa redonda: Panorama de los medios de comunicación y la (des)igualdad de género.

Participan: Katya Vera (Conavim), María Soledad Jarquín (Inmujeres), Lucía Lagunes (CIMAC), Karla Ramírez (CDHDF).

Modera: Lurdes Barbosa.

10:15 a 11:45 horas

Mesa Redonda: El papel de los medios de comunicación en la distribución de cine.

Participan: Sergio Raúl López Arroyo (Cine Toma), Enrique Lazcano (SPR), Mayolo Reyes (Canal Once), Vicente Gutiérrez (Periodista).

Modera: José Antonio Valdés Peña (Cineteca Nacional).

12:00 a 13:30 horas

Exhibición mercado Focus Camp – sesión 1 (Presentado por Ambulante Más Allá)

13:30 a 14:30 horas

Mesa Redonda: Situación actual y retos de la distribución audiovisual.

Participan: Diego Marambio (INCAA), Cristina Prado (IMCINE), Víctor Ugalde (Observatorio Público Cinematográfico Rafael E. Portas), Agustín Torres Ibarrola (Canacine).

Modera: Sergio Raúl López.

16:00 a 17:30 horas

Exhibición mercado Focus Camp – sesión 2 (Presentado por Ambulante Más Allá).

17:40 a 19:00 horas

Jueves 29 de septiembre de 2016

Panorama actual del cine mexicano en términos de género

Por: Juan Carlos Domínguez Domingo (IMCINE).

10: 00 a 11:00 horas

El arte de encontrar al público: taller sobre distribución e impacto social para documentalistas

Impartido por Caitlin Boyle (Film Sprout)

11:15 a 12:45 horas

Exhibición mercado Focus Camp – sesión 3 – Presentado por FilmSprout

13:00 a 14:30 horas

Conferencia Magistral: Medios de comunicación, control social y formación de la identidad.

Impartida por: Sut Jhally (Media Education Foundation/ UMass)

16:00 a 17:30 horas

Exhibición mercado Focus Camp – sesión 4 – presentado por INCAA

17:40 a 19:00 horas

Viernes 30 de septiembre de 2016

Mesa Redonda: Escribir y producir con perspectiva de género.

Participan: Eleane Oropeza (IMCINE), Adán Salinas (GenderLab – MICGénero), Verónica Navarro (The Women’s Project); Alejandra Márquez Abella, Lurdes Barbosa (Consejo Ciudadano por la equidad de genero en los medios de comunicación)

Modera: Fabiola Aguilar.

10:00 a 11:30 horas

Exhibición mercado Focus Camp – sesión 5 – presentado por INCAA

11:45 a 12:45 horas

El arte de encontrar al público: taller sobre distribución e impacto social para documentalistas

Sesión 2. Las mejores prácticas del medio

Impartido por Caitlin Boyle (Film Sprout).

13:00 a 14:30 horas

Exhibición mercado Focus Camp – sesión 6 – presentado por Ambulante Mas Allá

16:00 a 17:00 horas

Mesa Redonda: Alternativas actuales a la distribución audiovisual tradicional.

Participan: Elena Fortes (Ambulante A.C.), Alejandro Cárdenas y Paola Stefani (Filim Latino), Paula Astorga (Cinema Uno), Diego Marambio (INCAA).

Modera: Jonathan Martell.

17:00 a 18:30 horas

Sábado 1º de octubre de 2016

Mesa Redonda: Cine, medios de comunicación y derechos humanos. Derechos de la audiencia, censura y libertad de expresión

Participan: Ana Cristina Ruelas (Artículo 19), Niurka Chávez (CDHDF), Daniel Moreno (Animal Político), Cecilia Román (EnfoqueDH).

Modera: Jesús Robles Maloof.

10:00 a 11:30 horas

Exhibición mercado Focus Camp – sesión 7 – presentado por INCAA

11:45 a 12:45 horas

Mesa Redonda: Masculinidades y roles en los medios.

Participan: Sut Jhally (Media Education Foundation/ UMass), Mauro Antonio Vargas (GENDES), Pablo Navarrete Gutiérrez (Inmujeres), Verónica Navarro (The Women’s Project).

Modera: Daniel Ramírez.

12:45 a 14:30 horas

Conclusiones y cierre

14:45 a 15:45 horas

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“El abrazo de la serpiente”, de Ciro Guerra, ganadora de los III Premios Platino

julio 25, 2016

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El domingo 24 de julio, en el Centro de Convenciones de Punta del Este, Uruguay, se efectuó la tercera gala de entrega de los Premios Platino del Cine Iberoamericano, bajo la conducción del mexicano Adal Ramones, la uruguaya Natalia Oreiro y el español Santiago Segura, misma que contó con la participación de Adriana Barraza, Andrea del Boca, Angie Cepeda, Antonio de la Torre, César Troncoso, Diego Boneta,  Eduardo Noriega, Edward James Olmos, Eugenia Suárez, Hugo Silva, Jencarlos Canela, Joaquín Furriel, Jorge Perugorría; Natalia de Molina, Nashla Bogaert, Patricia Riggen, Paulina García, Reynaldo Pacheco, Roberta Sa, Vanessa Saba y Yordanka Ariosa. Los números musicales estuvieron a cargo de Álvaro Soler, Cali y el Dandee, Jesse & Joy,  Paulina Rubio y Rubén Rada.

Ahí se anunció que la cuarta entrega de los Premios Platino se realizará en Madrid, España, en 2017. La primera edición ocurrió en Panamá; la segunda en Marbella, España, y esta tercera en el balneario de Punta del Este.

El Premio Platino de Honor del Cine Iberoamericano fue entregado al actor argentino Ricardo Darín. A continuación, la lista completa de ganadores:

Mejor Película Iberoamericana de Ficción
El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Dirección
Ciro Guerra porEl abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Interpretación Masculina
Guillermo Francella por El Clan (Argentina-España, 2015, de Pablo Trapero).
Mejor Interpretación Femenina
Dolores Fonzi por Paulina (Argentina-Brasil-Francia, 2015, de Pablo Trapero).
Mejor Música Original
Nascuy Linares por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Película de Animación
Atrapa la bandera (España, 2015, de Enrique Gato).
Mejor Película Documental
El botón de nácar (Chile-Francia-España Año: 2015), de Patricio Guzmán.
Mejor Guión
Pablo Larraín, Guillermo Calderón y Daniel Villalobos por El Club (Chile, 2015, de Pablo Larraín).
Premio Platino “Camilo Vives” a la Mejor Ópera Prima de Ficción Iberoamericana
Ixcanul (Guatemala-Francia, 2015), de Jayro Bustamante.
Mejor Dirección de Fotografía
David Gallego por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Dirección de Sonido
Carlos García y Marco Salavarria por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Dirección de Montaje
Etienne Boussac y Cristina Gallego por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Mejor Dirección de Arte
Angélica Perea por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015).
Premio PLATINO al Cine y la Educación en Valores
Que Horas Ela Volta? (Brasil, 2015), de Anna Muylaert.

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El quinto Riviera Maya Film Festival, del 24 al 30 de junio

mayo 13, 2016
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La organización del Riviera Maya Film Festival (RMFF) anunció las fechas definitivas de su quinta edición a realizarse del 24 al 30 de junio en Playa de Carmen y Cancún, luego de haber aplazado las originales, que eran del 21 al 27 de abril. Es decir, que se aplazó dos meses. Y no sólo eso, sino que también se tomó la decisión de cancelar de su plataforma de apoyo de desarrollo de proyectos, el Riviera Lab, en sus dos secciones: Work in Progress y Foro de Coproducción. A cambio, se realizará el encuentro Formación 2016, que ofrecerá charlas, conferencias y Master Class, impartidas por ponentes nacionales e internacionales.

A partir del 2 de julio, una selección de su programación se proyectará en Puerto Morelos, Tulum e Isla Mujeres, para concluir el 16 de julio.
Paula Chaurand, directora y fundadora del RMFF es quien explica:
Debido a causas externas a la organización tuvimos que reagendar las fechas, sin embargo, este cambio fue positivo: nos permitió pulir y seguir perfeccionado nuestro trabajo. Además, por las manifestaciones de apoyo del público general, por la creciente expectativa de nuestros espectadores sobre el festival, ahora tenemos la plena certeza de que el RMFF es un evento consolidado; la gente ya lo ha hecho suyo.
Trabajamos con entrega, profesionalismo y entusiasmo para nuevamente brindar una experiencia memorable a nuestro público”, dice Chaurand. “Los invitamos a que nos acompañen del 24 de junio al 16 de julio.
En este quinquenio de existencia, el RMFF ha proyectado más de 250 filmes –la mayoría estrenos nacionales–, en un total de 980 funciones gratuitas que han reunido a más de 81 mil espectadores, cifras que lo convierten en uno de los eventos culturales de mayor impacto en el sureste mexicano.

Muestra de Transcinema en La Casa del Cine MX

marzo 17, 2016

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El Festival Transcinemaes un evento organizado por la Asociación Transcinema, que nace como un espacio para compartir y aprender cine. Aquí el público puede descubrir a realizadores independientes con puntos de vista innovadores y creativos, los realizadores locales, intercambiar experiencias con cineastas de otras partes del mundo, y los visitantes disfrutarán de una excelente selección de cine, en escenarios ricos por su historia, tradición y riqueza cultural. Al final, el Festival Transcinema es un lugar donde el cine es pensado, hecho y compartido como un elemento vivo que nos permite encontrarnos con el otro.

La Asociación Transcinema es una organización en la que pensamos al cine más allá de los géneros, trabajando por una propuesta alternativa a la pantalla conservadora y de espectáculo vacío que se nos ofrece desde hace décadas. Para nosotros, el festival no es suficiente, por esto trabajamos también una propuesta formativa para todo el año. Pensamos Lima como una ciudad viva, alternativa, contemporánea, con un cine rompedor y cuestionador a partir de un nuevo público como nosotros: ansioso de nuevos retos y cuestionamientos de lo establecido.

Una muestra de la tercera edición del festival peruano, realizada entre el 2 y el 7 de diciembre de 2015, se presentará en la Casa del Cine MX, del jueves 17 al domingo 20 de marzo, a las 20:00 horas, con un costo general de 40 pesos y presentación del director fundador de Transcinema, John Campos Gómez.

Jueves 17 de marzo

Field niggas (Estados Unidos 2015), de Khalik Allah.

Anoche (Chile, 2015), de Guillermo González Stambuk.

Viernes 18 de marzo

Strange Particles (Rusia, 2015), de Denis Klebleev.

Nueva vida (Bolivia-Argentina, 2015), de Kiro Russo.

Sábado 19 de marzo

Psalm (Francia, 2015), de Nicolas Boone.

La impresión de una guerra (Colombia-Francia, 2015), de Camilo Restrepo. 

Domingo 20 de marzo

Machine Gun or Typewriter? (Estados Unidos, 2015), de Travis Wilkerson.

Órgano (Perú, 2015), de Iván D’onadío.

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Cultura cinematográfica en la XXXVII FIL Minería

febrero 20, 2016
FIL Minería 2016

La trigésimo séptima Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería (FILPM), organizada por la Facultad de Ingeniería de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), se realizaráen el  Palacio de Minería (Tacuba 5, Centro Histórico) del 17 al 29 de febrero con un precio de entrada de 20 pesos sábados y domingos y 15 pesos de lunes a viernes, gratuita para menores de 6 años y personas con capacidades diferentes. Chihuahua es el estado invitado.

Estas son las actividades referidas a la cultura cinematográfica:

Jueves 18 de febrero

Reed, México insurgente (México, 1973), de Paul Leduc

Proyección de película histórica recién restaurada

18:00 hrs.
Duración: 124 min
Con Albino Álvarez y Bertha Navarro
Modera: Carmen Carrara
Dirección General de Actividades Cinematográficas de la UNAM
Auditorio Cuatro

Sábado 20 de febrero

Jack London en el cine: La épica de la naturaleza

Conferencia
15:00 hrs.
Por José Antonio Valdés Peña
Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería
Auditorio Seis

Entrega del Reconocimiento a Escritores Cinematogrçaficos 2016 a Carlos Cuarón

Mesa Redonda
19:00 hrs.
Modera: José Antonio Elo Lagarde
Cinérgica / Directorio Ónix
Programa Profesionales de la Industria Audiovisual (PIA)
Salón de la Academia de Ingenieríá

 

Domingo 21 de febrero

Los perros salvajes, de Edgar Clement y ¡Cácaro! La Época de Oro del cine mexicano en monos, de Gonzalo Rocha, Luis Fernando, Magú y Hernández
19:00 hrs.
Con Juan Manuel Aurrecoechea y los autores
Modera: Josefina Larragoiti Oliver
Editorial Resistencia
Auditorio Sotero Prieto

Martes 23 de febrero

El cine como recurso didáctico en ciencias sociales (libro manual), de Eduardo Barraza González
14:00 hrs.
Con Fernando Ayala, Carlos Flores y el autor
Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM
Salón Filomeno Mata

Miscelánea Fílmica, de Alain Tanner

18:00 hrs.
Con Jorge Ayala Blanco, Toni Kuhn y Rodolfo Peláez
Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM
Auditorio Cuatro

Miércoles 24 de febrero

Henry James en el cine: de la Vuelta de tuerca a Posesión satánica

Conferencia
16:00 hrs.
Por José Antonio Valdés Peña
Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería
Salón de Firmas

El documental y sus apariencia engañosas, de François Niney
Miércoles 24 de febrero, 2016
18:00 hrs.
Con Liliana Cordero, María del Carmen de Lara y Carlos Mendoza
Modera: Rodolfo Peláez
Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM
Auditorio Cuatro

José Revueltas. Obra Cinematográfica (1943-1976), coordinadores Francisco Peredo y Carlos Narro

19:00 hrs.
Con Gilda Cruz, Marco Barrera Bassols y los autores
Modera: Francisco Peredo
Dirección General de Publicaciones y Fomento Editorial de la UNAM
Salón Filomeno Mata

Gunther Gerzso. El arte de lo efímero, coordinadora Itala Schmelz

19:00 hrs.
Con Pablo Ortiz Monasterio, Mónica Raya, Mariana Sainz y la coordinadora
Modera: José Luis Ortega Torres
Cineteca Nacional
Auditorio Sotero Prieto

Jueves 25 de febrero

Ensayos imaginarios. Aproximaciones estéticas al cine de David Lynch, David Cronenberg, Bèla Tarr y Nincolás Pereda, de Sonia Rangel.

16:00 hrs.
Presentan Jorge Juanes y la autora
Modera: David Moreno
Editorial Itaca
Auditorio Cinco

Sábado 27 de febrero

Presentación de Libro Ciudad Universitaria Toma uno… Se filma, de Rafael Aviña
17:00 hrs.
Con Roberto Fiesco, Elisa Lozano y el autor
Modera: Carmen Carrara
Dirección General de Actividades Cinematográficas de la UNAM
Salón Manuel Tolsá

 

 

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IV Seminario El Público del Futuro de Distrital Festival

enero 27, 2016

Entre el miércoles 27 y el sábado 30 de enero, como parte del sexto Distrital Festival se realizará el cuarto Seminario El Público del Futuro, en la Cineteca Nacional, un espacio formativo que amplía el espectro de la profesionalización de cineclubes, espacios independientes y recintos culturales que incluyen al audiovisual como parte medular de su oferta cultural. Además de la entrada libre con registro previo en línea. Además del aforo en la Cineteca Nacional, las mesas y charlas magistrales podrán seguirse en línea por  Auditorio ARCA en la página electrónica de Distrital.mx.

Al respecto, sus organizadores expresan lo siguiente:

Distrital Festival como suceso, siempre ha apostado por las audiencias, su desarrollo y experiencia. En esta edición, cumplimos seis años de formar promotores y exhibidores en una dinámica única donde partimos de una reflexión de la que se desprende lo fundamental de mantener un espacio formativo que amplía el espectro de la profesionalización de cineclubes, espacios independientes y recintos culturales que incluyen al audiovisual como parte medular de su oferta cultural. En esta edición transitaremos diversos caminos desde la más profunda reflexión como ciudadanos parte de una gran comunidad. Partimos desde algunas preguntas básicas como disparadores para el pensamiento, la acción y la gestión crítica. ¿Qué hacemos desde nuestras trincheras para resistir los embates que nos vuelcan hacia una individualidad anestesiada? La idea de resistencia juega el papel de hilo conductor de este Seminario, que desde un lugar de construcción alimenta conceptos como comunalidad, autogestión, redes de trabajo, curaduría como discurso e identidad. Es urgente además hacer crecer nuestro propio discurso generando la integración con otras disciplinas afines a la labor de todo espacio que propone la reflexión sobre su contexto social y político. Mirar hacia los lados y ver cómo se acciona desde otras miradas, desde otras formas de pensamiento. Te invitamos a seguir nuestras conversaciones y mesas y charlas magistrales en el Auditorio ARCA en esta misma plataforma y si estás en la Ciudad de México, te esperamos del 27 al 30 de enero en la Cineteca Nacional.

Les compartimos el programa completo.

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