El Centro de Arte y Cultura Museo Iconográfico del Quijote (MIQ), además de impulsar y coleccionar en su acervo obras y reflexiones en torno a la obra de Miguel de Cervantes Saavedra, además valora y otorga relevancia al fomento de las bellas artes en su acta constitutiva, por ello es que promueve la cultura cinematográfica ofreciendo un cineclub permanente con una programación que integra largometraje, cortometraje y documental: los Lunes de Cine en el MIQ.
Este año, se incluyó la obra de una veintena de directores cinematográficos del Bajío mexicano, que han encontrado un espacio de difusión y proyección de su obra en gran formato, así como la presentación a viva voz ante el público cinéfilo asistente.
Como parte de estas actividades, el Museo Iconográfico del Quijote y la Fundación Cervantina de México A.C. han decidido otorgan la Presea Cervantina Honorífica por trayectoria al cineasta Arturo Ripstein, por su trayectoria en más de medio siglo en la realización fílmica. Además, el mes de noviembre, los Lunes de Cine en el MIQ se dedicaron a repasar su obra.
La medalla se ha otorgado a personalidades como Margo Glantz (2016), Fernando Savater (2015), Manuel Castells (2014), Tzvetan Todorov (2013), Edgar Morín (2012), Jean Canavaggio (2011), Álvaro Mutis (2010), Carlos Fuentes (2000) y Eulalio Ferrer (1998) por citar algunos.
La ceremonia se realizará el lunes 28 de noviembre a las 17:00 horas, al interior del Patio de las Esculturas del MIQ (Manuel Doblado 2, en Guanajuato).
Pese a que los terremotos que destruyeron extensas porciones de la Ciudad de México en 1985 fueron, indudablemente, la gran tragedia del siglo xx en la capital del país, la cinematografía mexicana se ha ocupado muy poco de retratar el horror y la destrucción que provocaron. Ahora, treinta y un años luego de los sismos, el realizador Jorge Michel Grau, afecto al género de terror, narra el claustrofóbico encierro de dos sobrevivientes atrapados por los escombros en 7:19. La Hora del Temblor.
La fecha del 19 de septiembre de 1985 difícilmente se olvidará en el Distrito Federal. Ese día, la urbe se vio sacudida por uno de los fenómenos naturales más intensos que la hayan asolado: un sismo de tipo trepidatorio, a la vez que oscilatorio, que sacudió al país, alcanzando su punto de mayor destrucción en la capital de México, con una duración de casi dos minutos y una magnitud de 8.1 grados en escala de Richter. La cantidad de muertos aun es desconocida así como la de desaparecidos, aunque oficialmente se habla de 10 mil.
El tema ha sido tocado en diversas ocasiones por el cine mexicano, aunque el único largometraje de ficción dedicado enteramente a ello ha sido Trágico terremoto en México (México, 1987), de Francisco Guerrero y guión de Reyes Bercini, que aprovechaba los estragos que aún se veían en la ciudad unos meses después. Fuera de ello se le ha aludido en diversas películas como Mariana, Mariana (México, 1987, de Alberto Isaac), El día de los albañiles 3 (Y dónde te agarró el temblor) (México, 1987, de Gilberto Martínez Solares) o en Ciudad de ciegos (México, 1989, de Alberto Cortés).
Ahora, en 2016, se produjo una película que se adentra completamente en la situación al instalarnos al interior de un edificio que se derrumba durante el sismo, 7:19. La Hora del Temblor (México, 2016), dirigida por Jorge Michel Grau, quien en el 2010 sorprendiera con su debut cinematográfico Somos lo que hay (México, 2010) y ahora muestra un gran crecimiento y madurez como realizador.
Luego de estudiar Comunicación en la unam y realización por el Centro de Capacitación Cinematográfica (ccc), Grau se graduó en España, en la Escola Superior de Cinema I Audivisuals de Cataluya (escad) en la especialización de dirección cinematográfica. De regreso a México estudió en la escuela de teatro de la Universidad Nacional (cut), con Raúl Quintanilla, y dirección de arte en el ccc, con Alejandro Luna.
Destaca, en la cinta un extraordinario plano secuencia inicial que nos permite seguir a los personajes no sólo para presentarlos sino para que, de alguna forma, podamos ubicarles en el espacio físico y saber dónde están cuando la oscuridad les cubra. Luego de que ocurre el sismo y se desploma el edificio, es una genialidad la forma en que el director nos va abriendo el mundo, sacándonos de lo claustrofóbico del momento para dejarnos respirar cada vez un poco más. Pocas veces los directores mexicanos se atreven a jugar con los diferentes formatos en pantalla para crear sensaciones y, en esta ocasión, el resultado es impactante.
Producida por Alameda Films, Alebrije Cine y Video y Velarium Arts, 7:19 fue la película inaugural del xix Festival Internacional de Cine Guanajuato (giff). Rodada en los Estudios Churubusco y protagonizada por Damián Bichir y Héctor Bonilla, estrenará en la cartelera nacional el 23 de septiembre, con 250 copias de Cinépolis Distribución.
Por este motivo, les presentamos una entrevista con Jorge Michel Grau.
Podría parecer una película atípica respecto del cine de género que venías haciendo, pero que en realidad se inscribe muy bien dentro en tu trabajo, al abordar un tema social que roza el horror de muchas formas y que es sumamente actual, con ecos que nos alcanzan hasta este 2016.
Justo la urgencia de escribir un guión así fue lo que me movió a buscar un tema que pudiera, de alguna manera, mostrarnos lo que está sucediendo hoy en día en México. De lo que 7:19 va, a grosso modo, es sobre dos personas atrapadas en un edificio que se colapsa en el terremoto. Haciendo el símil con lo que está pasando ahora, un poco es esta tragedia que nos está aplastando, en este desorden de país que tenemos ahora, en este tiradero, es una tragedia que tiene a todos los mexicanos atrapados. Un poco por ahí fue por donde comenzamos a escribir esta historia. La primera motivación era recuperar este hecho de 1985 que tiene un largo aliento con lo que está pasando hoy en día y creo que funciona muy bien porque tiene unos símiles muy exactos con lo que estamos viviendo.
La cinta empieza con un largo travelling que muestra la interacción de todos los personajes y acabamos con dos protagonistas sin sentir nunca que sea teatral, ¿cómo llegaste a esto?
La apuesta era tratar de explorar lo que sucedía debajo de los escombros. Se ha visto mucho documental sobre el terremoto de 1985, hay muchos expertos –tanto cronistas, como historiadores, como gente que participó directamente en el rescate o en la posterior planificación de la ciudad–, pero todo eso sucedía afuera, en todo lo visible, y yo quería irme a este espacio invisible del que casi nadie habla, del que casi nadie sabe, el que era adentro de los escombros, el universo de las víctimas. ¿Qué pasaba con las personas adentro de los edificios mientras esperaba el rescate? En buena medida la gente podía creer que el gobierno estaba increíblemente movilizado para rescatarlos y conforme fue avanzando el tiempo nos dimos cuenta de que no era así, lo que sucedió fue que la sociedad civil tuvo que responder y reaccionar ante la tragedia, organizarse y rescatar a la gente. La apuesta era partir de las preguntas: ¿Qué pasa adentro de la tragedia? ¿Cómo la vive la gente?
Otro de los pretextos que buscábamos era esta exploración de las clases sociales: ¿qué pasa si uno de ellos es un político de alta alcurnia, que está en un puesto muy importante, del cual se beneficia, y el otro es un velador, una persona a pie, del pueblo, un trabajador que necesita largas jornadas de trabajo para poder sobrevivir? ¿Qué pasa cuando estos dos universos se enfrentan en un mismo espacio?
El reto, como lo planteamos desde el inicio, era hacer que estos dos personajes nos guíen por esta exploración. Ver esta situación a través de estos dos personajes completamente inmóviles, que no tienen espacio porque el edificio que los aplasta no sólo los confina a un sitio reducido, sino que los atrapa. Era simplemente ver una interpretación actoral que a través de los ojos, de una intimidad de ese tamaño, nos pudiera transportar a estos dos universos. El riesgo se tomó pensando en dos grandes actores que pudieran hacernos viajar a través de su interpretación y, la puesta en cámara trataba de romper con los planos convencionales, tratar de hacer una puesta en cámara que satisficiera al público y que no se aburriera, y que al final estuviera viendo una puesta en escena con dos personajes hablando toda la película.
En las tomas del edificio colapsado sorprendes con algo inusual en el cine mexicano: jugar con diferentes formatos de la cámara y la vas abriendo poco a poco conforme los personajes van descubriendo más de su entorno. ¿Por qué llegaste a esta decisión técnica?
Decidimos que esa era la mejor manera de hacer entrar al público al espacio. Primero, yo no quería mostrar todo de un jalón, quería mostrar este choque sorpresivo para todos, porque en 1985 nadie le tenía miedo a los temblores, por lo menos no a que se derrumbara la ciudad. La gente no salía de los edificios, se quedaba en el marco de la puerta, esperando a que pasara y ya. Toda la gente que se queda atrapada en este edificio en el filme es sorprendida por el terremoto. Ese era nuestro punto de partida, ¿cómo vamos a hacer que el público se sienta también encerrado y vaya conociendo el espacio? Jugamos con la imagen del iris del ojo, el cual, conforme se va acostumbrando a la oscuridad, tiene una mejor percepción del espacio, puede ver un poco más. Al principio cuando abres el ojo en la obscuridad absoluta no ves nada y conforme pasa el tiempo puedes ver un poco más y más hasta que tu ojo se acostumbra a la obscuridad y tienes una clara visión de lo que está sucediendo en el espacio en el que estas encerrado y por ahí nos fuimos, en generar esta claustrofobia, esta sensación de angustia de que al abrir el ojo no ves absolutamente nada y, conforme avanza el tiempo, vas descubriendo más cosas.
El segundo arranque era ir introduciendo ciertos elementos dentro de la narración que a lo largo de la película van a ir cobrando mucha importancia. No sólo el descubrimiento de Martín Soriano (Héctor Bonilla), el velador, que está a un lado del licenciado Fernando Pellicer (Demián Bichir), sino de los otros personajes que hablan durante la película y otros elementos como la radio, que son los que provocan que el aspecto de la película se abra, dándole al espectador la posibilidad de ver más allá de lo que está sucediendo, aunque estén en ese espacio tan confinado y tan pequeño. La percepción se va ampliando porque van entrando elementos narrativos importantes.
Creí esa era la mejor manera de plantearle al público la apertura de percepción.
En el cine mexicano no se le da tanta importancia al diseño sonoro pero en tu película es muy interesante y nos lleva a distintas profundidades, a diferentes capas del edificio.
Es un punto muy importante. Nosotros estábamos haciendo la apuesta del diseño sonoro, pues era el 50 por ciento de la narración. Nosotros estamos viendo a dos personas encerradas pero no sabemos lo que está sucediendo afuera. El camino que seguimos fue que al momento que Alberto Chimal y yo escribimos el guión, hicimos la línea de tiempo de la ficción que sucedía dentro de los escombros, pero estaba sujeta a la línea de tiempo del suceso real, a lo que estaba sucediendo afuera del cuadro, entonces el diseño sonoro atendía a esa necesidad. ¿Cómo vamos a hacer para que el hecho de ficción se ligue al hecho histórico? A través del diseño sonoro. Las cosas que van sucediendo en sonido, como la llegada de los primeros voluntarios, la llegada de los rescatistas, los perros que ladran justo antes del temblor, nos iban marcando esta veracidad de la historia y todo eso sucede en el diseño sonoro.
Por otro lado tenemos al otro gran personaje que es el edificio. El edificio tiene sometidos a estos personajes y está activo en la película, todo el tiempo se sigue comprimiendo y reacomodando, y conforme los personajes hablan o están dialogando ciertos temas, el edificio contesta, hay acentos dramáticos que da el mismo edificio. La película no tiene nada de música, nada de score, la apuesta era que fueran los sonidos del edificio: los rechinidos, el reacomodo, las piedras cayendo. El edificio está vivo junto con ellos. Christian Giraud, el diseñador sonoro, se fue a meter a cuevas para poder grabar esos silencios que tienen una característica muy especial… dejaba caer piedras para poder repetir esos sonidos en el edificio y tratar de inventar que pasa adentro porque hay poca documentación de momentos dentro de los edificios, hay mucha del exterior pero poca de adentro, nosotros sólo pudimos ver dos videos y son muy cortos, entonces tuvimos que inventar todos estos sonidos dentro de los escombros.
La gente podría pensar que 7:19 es uno de estos grandes dramas del cine mexicano, pero es una película con un humor negro demasiado fino, por momentos, una apuesta muy arriesgada. ¿Cómo fue la creación de este guión con Alberto Chimal, para llegar a los puntos dramáticos bien estructurados y, a la vez, tener humor para que el espectador se relaje y siga viendo el horror en pantalla?
Yo creo que es sintomático, está en nuestro gen, por eso Alberto y yo lo platicamos tanto. ¿Qué pasaría si una persona está en esa situación después de tantas horas? Y los dos llegamos a la conclusión de que seguramente haría un chiste sobre su propia situación. Los mexicanos nos reímos de la muerte, de nuestra situación, cuando no entendemos algo que está cerca de nosotros le inventamos un chiste, somos los reyes del meme, entonces era como adentrarnos en este universo real del mexicano. Estas contestaciones que salen del alma, que salen de la piel, cuando hay una situación incómoda y la única manera de relajarnos o perder un poco la ansiedad o el estrés es contando un pequeño chiste.
Era un riesgo. Recuerdo perfectamente las primeras lecturas con Demián Bichir, él me decía que le preocupaba un poco estos como cierres de comedia, esta comicidad negra, ácida, dolorosa, de esos chistes dolorosos de los que te ríes y luego dices “¡ouch!”. Buscamos estos momentos adecuados para que la gente se enganchara con esta sensación de la necesidad de contar un chiste, porque estas en una situación extrema que te está lastimando y jugar luego un poco con eso, dejarlos reír e ir por un área más ligera donde están sucediendo un par de chistes muy oscuros y después viene un cachetadón que te hace abrir los ojos y recibir esa realidad de una manera mucho más profunda y dolorosa. Era jugar un poco con ambas situaciones.
El riesgo siempre está en cualquier película cuando uno toma una decisión dramática, siempre se corre el riesgo de que se desbalague un poco el discurso o la puesta en escena, pero aquí se asumió y creo hay momentos donde esta comicidad negra funciona muy bien.
Uno de los grandes méritos de la película es la escenografía, afortunadamente no es el cachirulazo al que estamos acostumbrados a ver en este tipo de cine mexicano, pues es muy real. ¿Cuáles fueron los riesgos de tener siempre la misma escenografía en los Estudios Churubusco?
El riesgo era altísimo, hasta cierto punto pecamos en el reto, era poner muy elevado el listón, no conformarnos con lo fácil. Para ejemplificar, estuvimos viendo una película española, Enterrado (Buried, España-Estados Unidos-Francia, 2010), de Rodrigo Cortés, que cuenta la historia de un secuestrado que está dentro de un ataúd. La puesta en cámara era muy pegadita al personaje pero de pronto rompía la pared del ataúd y veíamos planos muy abiertos, donde quedaba en el centro y había un limbo oscuro alrededor y yo sentía que eso rompía mucho con la película.
Entonces, cuando hablaba con el diseñador de producción, Alejandro García, yo le hacía mucho hincapié en eso: nunca vamos a romper la pared del set. La cámara siempre va a estar en el mismo espacio donde ellos estén, no quiero que las paredes se muevan para poder poner cámara. Quiero que se muevan para seguridad de los actores, que estén protegidos y que no haya ningún atentado contra el actor, someterlos a una tortura física con tal de llegar a un resultado me parecía totalmente absurdo teniendo dos grandes intérpretes. Mi apuesta era protegerlos, pero la cámara tiene que estar en un espacio donde nos sintamos enterrados.
Además, yo sufro un poco de claustrofobia. No me subo a elevadores, Metro o Metrobús, y quería sentir miedo del encierro, por lo que era un trabajo constante con Alex y su equipo de estar metiéndome en ese espacio y decirles que necesitaba más opresión, más gris, más estilos. Quería que los fierros retorcidos me hicieran sentir vulnerable y con riesgo de picarme, de cortarme. Yo no quería una escenografía de una película de Capulina, sino que la gente se sintiera aterrada con el verdadero horror de estar encerrados, aunque nunca lo hubieran estado y la única manera era conseguir algo increíblemente verídico que te hiciera aceptar la convención y decir que así se ven los escombros, aunque nunca hayas estado adentro.
Fue un trabajo muy minucioso de cuatro semanas de construcción, primero hicimos pequeñas maquetas, definimos las posiciones de los personajes y, a partir de ahí, se empezaron a hacer maquetas tamaño natural. Luego el equipo de Alex entró a la construcción y los carpinteros medio se volvían locos porque están acostumbrados a hacer escenografías rectas, con ángulos, con piezas de madera bien cortadas y aquí era todo lo contrario, había que meter desastre, caos, nada podía ser geométrico, tenía que ser muy espontáneo y espantoso. Fue un reto que fueron resolviendo conforme avanzábamos.
Al final, pocos días antes de filmar, le pedimos asesoría a un topo que estuvo involucrado en los rescates del 85 y lo metimos al espacio y dijo: “¡Así, así es como se ve!” y eso nos dio la garantía de empezar a rodar.
Otro elemento del que se ha hablado poco es la iluminación, el ejercicio que hace Juan Pablo Ramírez (director de fotografía) con la luz ahí adentro, también ayuda y aporta mucho para dar la sensación de claustrofobia extrema.
¿Qué tal fue trabajar con Héctor Bonilla, nos regresas al gran actor que hacía mucho no veíamos así en cine?
Estoy muy contento con lo que pudimos hacer juntos. Yo tenía una lista de opciones para ese personaje y él estaba ahí pero yo tenía cierta inclinación por otro actor. Pero cuando Demián se suma al proyecto y empezamos a dialogar, puso el dedo y me dijo que volviera a pensar en Héctor, que los viera juntos. Hice el ejercicio de ver a la pareja, tratar de imaginar que pasaría con Héctor como el velador bonachón que se lleva bien con la gente y al repasar un poco su trabajo actoral encontré grandes momentos actorales y eso era lo que me gustaría ver. Le mande el guión y, al día siguiente, el señor viene con una cantidad de propuestas, sugerencias, alternativas en diálogos, que hace que el trabajo se comience a construir desde la primer lectura. Es un tipo con una experiencia increíble y además es amable, elegante, es un tipo que nunca se quejó a pesar de estar en una posición terrible, muy incómoda. Mi madre, Mayra Grau, que es terapeuta, estuvo todo el rodaje en el set para la recuperación muscular y ante cualquier tipo de presión ella de inmediato los atendía porque las condiciones eran complicadas. Héctor Bonilla tenía 76 años y salió mejor librado que todos. Era impresionante verlo trabajar, además, es un tipo tan amable, tan cortés, que hace que el trabajo sea fácil en esas condiciones terribles: teníamos obscuridad absoluta en el foro, trabajamos nada más con la lámpara de mano. Y llegaba un momento tras dos semanas, que la gente se sentía agobiada y Héctor hacía que la vibra, la energía, cambiara. En el ámbito de la interpretación era llegar de inmediato al personaje y a tocar las fibras y la piel como lo habíamos estado platicando, dio muy bien el personaje y por donde había que llevarlo.
Este artículo forma parte de los contenidos del número 48 de la revista cine TOMA, de julio-agosto de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.
La primera edición del Foro de distribución audiovisual Focus Camp se realizará entre el 28 de septiembre y el primero de octubre, en el Museo del Chopo , con mesas redondas, conferencias y proyecciones. Este foro y mercado de cine tiene como misión fomentar la distribución exitosa de proyectos audiovisuales de calidad enfocados a los derechos humanos desde la perspectiva de género, además de abrir la discusión acerca de las dificultades que enfrenta la distribución de películas en México, el papel de los medios en este proceso y los contenidos que se desarrollan actualmente en los materiales audiovisuales.
Además, se ha programado una función especial del documental The Occupation Of The American Mind: Israel’s Public Relations War in the United States(Estados Unidos, 2016) de Loretta Alper y Jeremy Earp, narrado por el músico Roger Waters, el próximo 30 de septiembre a las 20:00 horas en la Sala 2, Salvador Toscano de la Cineteca Nacional. La cinta será presentada por su productor ejecutivo Sut Jhally y el propio Waters.
Este es el programa:
Miércoles 28 de septiembre
Inauguración
10:00 a 10:15 horas
Mesa redonda: Panorama de los medios de comunicación y la (des)igualdad de género.
Participan: Katya Vera (Conavim), María Soledad Jarquín (Inmujeres), Lucía Lagunes (CIMAC), Karla Ramírez (CDHDF).
Modera: Lurdes Barbosa.
10:15 a 11:45 horas
Mesa Redonda: El papel de los medios de comunicación en la distribución de cine.
Mesa Redonda: Escribir y producir con perspectiva de género.
Participan: Eleane Oropeza (IMCINE), Adán Salinas (GenderLab – MICGénero), Verónica Navarro (The Women’s Project); Alejandra Márquez Abella, Lurdes Barbosa (Consejo Ciudadano por la equidad de genero en los medios de comunicación)
Mesa Redonda: Masculinidades y roles en los medios.
Participan: Sut Jhally (Media Education Foundation/ UMass), Mauro Antonio Vargas (GENDES), Pablo Navarrete Gutiérrez (Inmujeres), Verónica Navarro (The Women’s Project).
El domingo 24 de julio, en el Centro de Convenciones de Punta del Este, Uruguay, se efectuó la tercera gala de entrega de los Premios Platino del Cine Iberoamericano, bajo la conducción del mexicano Adal Ramones, la uruguaya Natalia Oreiro y el español Santiago Segura, misma que contó con la participación de Adriana Barraza, Andrea del Boca, Angie Cepeda, Antonio de la Torre, César Troncoso, Diego Boneta, Eduardo Noriega, Edward James Olmos, Eugenia Suárez, Hugo Silva, Jencarlos Canela, Joaquín Furriel, Jorge Perugorría; Natalia de Molina, Nashla Bogaert, Patricia Riggen, Paulina García, Reynaldo Pacheco, Roberta Sa, Vanessa Saba y Yordanka Ariosa. Los números musicales estuvieron a cargo de Álvaro Soler, Cali y el Dandee, Jesse & Joy, Paulina Rubio y Rubén Rada.
Ahí se anunció que la cuarta entrega de los Premios Platino se realizará en Madrid, España, en 2017. La primera edición ocurrió en Panamá; la segunda en Marbella, España, y esta tercera en el balneario de Punta del Este.
El Premio Platino de Honor del Cine Iberoamericano fue entregado al actor argentino Ricardo Darín. A continuación, la lista completa de ganadores:
Mejor Película Iberoamericana de Ficción El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015). Mejor Dirección
Ciro Guerra porEl abrazo de la serpiente(Colombia-Venezuela-Argentina, 2015). Mejor Interpretación Masculina Guillermo Francella por El Clan (Argentina-España, 2015, de Pablo Trapero). Mejor Interpretación Femenina
Dolores Fonzi por Paulina (Argentina-Brasil-Francia, 2015, de Pablo Trapero). Mejor Música Original Nascuy Linares por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015). Mejor Película de Animación Atrapa la bandera (España, 2015, de Enrique Gato). Mejor Película Documental El botón de nácar (Chile-Francia-España Año: 2015), de Patricio Guzmán. Mejor Guión Pablo Larraín, Guillermo Calderón y Daniel Villalobos por El Club (Chile, 2015, de Pablo Larraín). Premio Platino “Camilo Vives” a la Mejor Ópera Prima de Ficción Iberoamericana Ixcanul (Guatemala-Francia, 2015), de Jayro Bustamante. Mejor Dirección de Fotografía
David Gallego por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015). Mejor Dirección de Sonido
Carlos García y Marco Salavarria por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015). Mejor Dirección de Montaje
Etienne Boussac y Cristina Gallego por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015). Mejor Dirección de Arte
Angélica Perea por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina, 2015). Premio PLATINO al Cine y la Educación en Valores Que Horas Ela Volta? (Brasil, 2015), de Anna Muylaert.
La organización del Riviera Maya Film Festival (RMFF) anunció las fechas definitivas de su quinta edición a realizarse del 24 al 30 de junio en Playa de Carmen y Cancún, luego de haber aplazado las originales, que eran del 21 al 27 de abril. Es decir, que se aplazó dos meses. Y no sólo eso, sino que también se tomó la decisión de cancelar de su plataforma de apoyo de desarrollo de proyectos, el Riviera Lab, en sus dos secciones: Work in Progress y Foro de Coproducción. A cambio, se realizará el encuentro Formación 2016, que ofrecerá charlas, conferencias y Master Class, impartidas por ponentes nacionales e internacionales.
A partir del 2 de julio, una selección de su programación se proyectará en Puerto Morelos, Tulum e Isla Mujeres, para concluir el 16 de julio.
Paula Chaurand, directora y fundadora del RMFF es quien explica:
Debido a causas externas a la organización tuvimos que reagendar las fechas, sin embargo, este cambio fue positivo: nos permitió pulir y seguir perfeccionado nuestro trabajo. Además, por las manifestaciones de apoyo del público general, por la creciente expectativa de nuestros espectadores sobre el festival, ahora tenemos la plena certeza de que el RMFF es un evento consolidado; la gente ya lo ha hecho suyo.
Trabajamos con entrega, profesionalismo y entusiasmo para nuevamente brindar una experiencia memorable a nuestro público”, dice Chaurand. “Los invitamos a que nos acompañen del 24 de junio al 16 de julio.
En este quinquenio de existencia, el RMFF ha proyectado más de 250 filmes –la mayoría estrenos nacionales–, en un total de 980 funciones gratuitas que han reunido a más de 81 mil espectadores, cifras que lo convierten en uno de los eventos culturales de mayor impacto en el sureste mexicano.
El Festival Transcinemaes un evento organizado por la Asociación Transcinema, que nace como un espacio para compartir y aprender cine. Aquí el público puede descubrir a realizadores independientes con puntos de vista innovadores y creativos, los realizadores locales, intercambiar experiencias con cineastas de otras partes del mundo, y los visitantes disfrutarán de una excelente selección de cine, en escenarios ricos por su historia, tradición y riqueza cultural. Al final, el Festival Transcinema es un lugar donde el cine es pensado, hecho y compartido como un elemento vivo que nos permite encontrarnos con el otro.
La Asociación Transcinema es una organización en la que pensamos al cine más allá de los géneros, trabajando por una propuesta alternativa a la pantalla conservadora y de espectáculo vacío que se nos ofrece desde hace décadas. Para nosotros, el festival no es suficiente, por esto trabajamos también una propuesta formativa para todo el año. Pensamos Lima como una ciudad viva, alternativa, contemporánea, con un cine rompedor y cuestionador a partir de un nuevo público como nosotros: ansioso de nuevos retos y cuestionamientos de lo establecido.
Una muestra de la tercera edición del festival peruano, realizada entre el 2 y el 7 de diciembre de 2015, se presentará en la Casa del Cine MX, del jueves 17 al domingo 20 de marzo, a las 20:00 horas, con un costo general de 40 pesos y presentación del director fundador de Transcinema, John Campos Gómez.
Jueves 17 de marzo
Field niggas (Estados Unidos 2015), de Khalik Allah.
Anoche (Chile, 2015), de Guillermo González Stambuk.
Viernes 18 de marzo
Strange Particles (Rusia, 2015), de Denis Klebleev.
Nueva vida (Bolivia-Argentina, 2015), de Kiro Russo.
Sábado 19 de marzo
Psalm (Francia, 2015), de Nicolas Boone.
La impresión de una guerra (Colombia-Francia, 2015), de Camilo Restrepo.
Domingo 20 de marzo
Machine Gun or Typewriter? (Estados Unidos, 2015), de Travis Wilkerson.
La trigésimo séptimaFeria Internacional del Libro del Palacio de Minería (FILPM), organizada por la Facultad de Ingeniería de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), se realizaráen el Palacio de Minería (Tacuba 5, Centro Histórico) del 17 al 29 de febrero con un precio de entrada de 20 pesos sábados y domingos y 15 pesos de lunes a viernes, gratuita para menores de 6 años y personas con capacidades diferentes. Chihuahua es el estado invitado.
Estas son las actividades referidas a la cultura cinematográfica:
Jueves 18 de febrero
Reed, México insurgente (México, 1973), de Paul Leduc
Proyección de película histórica recién restaurada
18:00 hrs.
Duración: 124 min
Con Albino Álvarez y Bertha Navarro
Modera: Carmen Carrara
Dirección General de Actividades Cinematográficas de la UNAM
Auditorio Cuatro
Sábado 20 de febrero
Jack London en el cine: La épica de la naturaleza
Conferencia
15:00 hrs.
Por José Antonio Valdés Peña
Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería
Auditorio Seis
Entrega del Reconocimiento a Escritores Cinematogrçaficos 2016 a Carlos Cuarón
Mesa Redonda
19:00 hrs.
Modera: José Antonio Elo Lagarde
Cinérgica / Directorio Ónix
Programa Profesionales de la Industria Audiovisual (PIA)
Salón de la Academia de Ingenieríá
Domingo 21 de febrero
Los perros salvajes, de Edgar Clement y ¡Cácaro! La Época de Oro del cine mexicano en monos, de Gonzalo Rocha, Luis Fernando, Magú y Hernández
19:00 hrs.
Con Juan Manuel Aurrecoechea y los autores
Modera: Josefina Larragoiti Oliver
Editorial Resistencia
Auditorio Sotero Prieto
Martes 23 de febrero
El cine como recurso didáctico en ciencias sociales (libro manual), de Eduardo Barraza González
14:00 hrs.
Con Fernando Ayala, Carlos Flores y el autor
Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM
Salón Filomeno Mata
Miscelánea Fílmica, de Alain Tanner
18:00 hrs.
Con Jorge Ayala Blanco, Toni Kuhn y Rodolfo Peláez
Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM
Auditorio Cuatro
Miércoles 24 de febrero
Henry James en el cine: de la Vuelta de tuerca a Posesión satánica
Conferencia
16:00 hrs.
Por José Antonio Valdés Peña
Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería
Salón de Firmas
El documental y sus apariencia engañosas, de François Niney
Miércoles 24 de febrero, 2016
18:00 hrs.
Con Liliana Cordero, María del Carmen de Lara y Carlos Mendoza
Modera: Rodolfo Peláez
Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM
Auditorio Cuatro
José Revueltas. Obra Cinematográfica (1943-1976), coordinadores Francisco Peredo y Carlos Narro
19:00 hrs.
Con Gilda Cruz, Marco Barrera Bassols y los autores
Modera: Francisco Peredo
Dirección General de Publicaciones y Fomento Editorial de la UNAM
Salón Filomeno Mata
Gunther Gerzso. El arte de lo efímero, coordinadora Itala Schmelz
19:00 hrs.
Con Pablo Ortiz Monasterio, Mónica Raya, Mariana Sainz y la coordinadora
Modera: José Luis Ortega Torres
Cineteca Nacional
Auditorio Sotero Prieto
Jueves 25 de febrero
Ensayos imaginarios. Aproximaciones estéticas al cine de David Lynch, David Cronenberg, Bèla Tarr y Nincolás Pereda, de Sonia Rangel.
16:00 hrs.
Presentan Jorge Juanes y la autora
Modera: David Moreno
Editorial Itaca
Auditorio Cinco
Sábado 27 de febrero
Presentación de Libro Ciudad Universitaria Toma uno… Se filma, de Rafael Aviña
17:00 hrs.
Con Roberto Fiesco, Elisa Lozano y el autor
Modera: Carmen Carrara
Dirección General de Actividades Cinematográficas de la UNAM
Salón Manuel Tolsá
Entre el miércoles 27 y el sábado 30 de enero, como parte del sexto Distrital Festival se realizará el cuarto Seminario El Público del Futuro, en la Cineteca Nacional, un espacio formativo que amplía el espectro de la profesionalización de cineclubes, espacios independientes y recintos culturales que incluyen al audiovisual como parte medular de su oferta cultural. Además de la entrada libre con registro previo en línea. Además del aforo en la Cineteca Nacional, las mesas y charlas magistrales podrán seguirse en línea por Auditorio ARCA en la página electrónica de Distrital.mx.
Al respecto, sus organizadores expresan lo siguiente:
Distrital Festival como suceso, siempre ha apostado por las audiencias, su desarrollo y experiencia. En esta edición, cumplimos seis años de formar promotores y exhibidores en una dinámica única donde partimos de una reflexión de la que se desprende lo fundamental de mantener un espacio formativo que amplía el espectro de la profesionalización de cineclubes, espacios independientes y recintos culturales que incluyen al audiovisual como parte medular de su oferta cultural. En esta edición transitaremos diversos caminos desde la más profunda reflexión como ciudadanos parte de una gran comunidad. Partimos desde algunas preguntas básicas como disparadores para el pensamiento, la acción y la gestión crítica. ¿Qué hacemos desde nuestras trincheras para resistir los embates que nos vuelcan hacia una individualidad anestesiada? La idea de resistencia juega el papel de hilo conductor de este Seminario, que desde un lugar de construcción alimenta conceptos como comunalidad, autogestión, redes de trabajo, curaduría como discurso e identidad. Es urgente además hacer crecer nuestro propio discurso generando la integración con otras disciplinas afines a la labor de todo espacio que propone la reflexión sobre su contexto social y político. Mirar hacia los lados y ver cómo se acciona desde otras miradas, desde otras formas de pensamiento. Te invitamos a seguir nuestras conversaciones y mesas y charlas magistrales en el Auditorio ARCA en esta misma plataforma y si estás en la Ciudad de México, te esperamos del 27 al 30 de enero en la Cineteca Nacional.
El domingo 13 de diciembre de 2015, en el Teatro Charles Chaplin de La Habana, Cuba, a partir de las 19:00 horas, ocurrió la ceremonia de entrega de los premios Coral, en la clausura de la trigésimo séptima edición del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano. El palmarés resultante, entregó distintos galardones para producciones mexicanas, entre ellas el largometraje de ficción Te prometo anarquía, de Julio Hernández Cordón, que recibió el Coral de Guión y de Actuación Masculina, para su dueto protagonista, Diego Calva y Eduardo Eliseo Martínez. Otro Coral, el de Actuación Femenina, para Jana Raluy, protagonista de Un monstruo de mil cabezas, de Rodrigo Plá, y otro más, el Coral de Sonido, para Raúl Locatelli por su trabajo en Yo, de Matías Meyer. Además, el Coral a Ópera Prima fue para la coproducción venezuela-méxico Desde allá, de Lorenzo Vigas, ganadora de Venecia y producida por Lucía Films; el Coral a Documental de Largometraje fue para la producción cubano-mexicano-polonesa Casa Blanca, de Aleksandra Maciuszek, y el premio a Mejor Cortometraje de Animación fue para la Los ases del corral, de Irving Sevilla García y Manuel Alejandro Báez Téllez.
Esta es la lista completa de ganadores:
LARGOMETRAJE DE FICCIÓN
Premio Coral El Club (Chile), de Pablo Larraín.
Premio Coral Especial del Jurado Toro de Neón (Brasil-Uruguay-Holanda), de Gabriel Mascaro.
Mención del Jurado La obra del siglo (Cuba-Argentina-Alemania-Suiza), de Carlos Enrique Machado Quintela.
CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
Premio Coral La nube (Cuba), de Marcel Beltrán Fernández.
Mención del Jurado Camino del agua (Colombia), de Carlos Felipe Montoya.
ESPECIALIDADES
Premio Coral de Dirección Sandra Kogut por Campo Grande (Brasil, Francia).
Premio Coral de Edición Etienne Boussac por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina).
Premio Coral de Música Original
Nascuy Linares por El abrazo de la serpiente (Colombia-Venezuela-Argentina).
Premio Coral de Sonido
Alejandro de Icaza y Raúl Locatelli por Yo (México-Canadá-Suiza-República Dominicana).
Premio Coral de Guión
Julio Hernández Cordón por Te prometo anarquía (México-Alemania).
Premio Coral de Fotografía Guillermo Nieto por La luz incidente (Argentina-Francia-Uruguay).
Premio Coral de Actuación Femenina en papel protagónico
Jana Raluy por Un monstruo de mil cabezas (México).
Premio Coral de Actuación Masculina en papel protagónico Diego Calva y Eduardo Eliseo Martínez por Te prometo anarquía (México-Alemania).
Premio Coral de Dirección Artística
Ailí Chen por La luz incidente (Argentina-Francia-Uruguay).
OPERA PRIMA
Premio Coral Mejor Ópera Prima Desde allá (Venezuela-México), de Lorenzo Vigas.
Premio Coral Especial del Jurado Magallanes (Perú-Argentina-Colombia-España), de Salvador del Solar.
Premio Coral a la Contribución Artística Manos sucias (Colombia), de Josef Wladyka.
PREMIO DE LA POPULARIDAD
El Clan (Argentina-España), de Pablo Trapero.
DOCUMENTAL
Premio Coral de Documental de Largometraje Casa Blanca (Cuba-México-Polonia), de Aleksandra Maciuszek.
Premio Coral de Cortometraje Tripido (Colombia), de Mónica Moya.
Premio Coral Especial del Jurado La pasión de JL (Brasil), de Carlos Nader.
Mención de Documental Los impunes (Francia), de Agnès Gattegno.
ANIMACIÓN
Premio a Mejor Mediometraje Las aventuras de Juan Quin Quin (Cuba), de Alexander Rodríguez González.
Premio al Mejor Cortometraje Los ases del corral (México), de Irving Sevilla García y Manuel Alejandro Báez Téllez.
Premio Especial del Jurado: Guida (Brasil), de Rosana Urbes.
GUIÓN INÉDITO
El hilo rojo (Cuba), de Arturo Infante.
CARTEL
José Alberto”Pepe” Menéndez por Cuba Libre (Cuba).
FIPRESCI
Paulina (Argentina-Brasil-Francia), de Santiago Mitre.
Elpidia Carrillo, actriz michoacana con una larga carrera en Hollywood y el actor teatral y cinematográfico Rafael Inclán, protagonistas de la cinta Familia Gang (México, 2013), segundo largometraje de ficción de Armando Casas, ocupan la portada del número 43 de Cine Toma: El glamoroso arrebato. Divas y famas en el cine mexicano, revista bimestral de cultura cinematográfica que circulará durante noviembre y diciembre de 2015, con lo que inicia su octavo año de publicación.
Con un dossier centrado en recorrer algunas figuras actorales emblemáticas de la cinematografía nacional, el número inicia con un profuso ensayo sobre María Félix, en la que su biógrafo, el periodista David Ramón, explica cómo pasó a constituirse en un mito, pero también en un signo cinematográfico. En seguida, aparece la figura de Queta Lavat, una intérprete con 70 años de trayectoria que si bien no tuvo demasiados protagónicos, alternó con la mayoría de los grandes actores y directores de la Época de Oro, en entrevista con Salvador Perches. Mimí Derba, la directora pionera del cine mexicano, relata la filmación de Santa, en texto de María Silanés, extraido de su novela histórica Divas. Luego aparece Leticia Perdigón, que muy joven, en los años sesenta, fue una verdadera Lolita, en un extracto del libro Cine mexicano del 70. La década prodigiosa, de Fabián de la Cruz Polanco. La historia de Elpidia Carrillo, quien salió de una ranchería de la Tierra Caliente michoacana para insertarse en Hollywood y descubrir cómo se le abría el mundo, es relatada en primera persona. La presidenta electa de la Academia Mexicana de Cine, Dolores Heredia, se declara una antidiva y advierte que con cada personaje da un salto al vacío, en entrevista con Octavio Maya. La historia de Andrea Palma, que salió de Durango para convertirse en una femme fatale, es relatada por Perla Schwartz. Y, finalmente, se realiza una reflexión sobre el nacimiento, el apogeo, la decadencia y la actual desaparición de las divas en el cine mexicano, escrita por Irving Torres Yllán.
El resto de contenidos presentan, en Industria, una entrevista con Carlos García Agraz en torno al septuagésimo aniversario de los Estudios Churubusco Azteca realizada por Luis Carrasco García. En Académicas se ofrece una entrevista con Gabriel Ripstein, director de 600 millas, película seleccionada por la AMACC para representar a México en los premios Oscar. Desde la Filmoteca de la UNAM, Francisco Gaytan da cuenta de la reciente restauración de la película Reed, México insurgente, de Paul Leduc.Se inaugura una nueva sección, Producido en el CCC, en la que el sonidista Áxel Muñoz entrevista al fotógrafo Odei Zabaleta, a propósito de la filmación de Un monstruo de mil cabezas, de Rodrigo Plá. Y en el Curso de actuación para cine, José Sefami aborda justamente el tema de Las estrellas. Entrecruces ofrece una crónica de Alejandro Toledo Olivier sobre la Manuela de Garibaldi.
En Festivales, Alonso Aguilar-Castillo, director del Festival Internacional de Cine de los Cabos, reflexiona sobre su cuarta edición; Fernanda Rivero, directora del Festival Internacional de Cine en el Campo, hace un recuento de su octava edición; Sofía Llorente, directora del Foro Latinoamericano de Coproducción Audiovisual, aborda su segunda edición, y se ofrece una crónica del decimonoveno Festival de Cine de Lima, por parte de Gonzalo Hurtado. En Estrenos se incluyen entrevistas con Armando Casas por Familia Gang, realizada por Salvador Perches; con José Buil, por La fórmula del doctor Funes, hecha por José Juan Reyes, y con Michel Franco por Chronic, de Gonzalo Hurtado. En Entrevista, la productora mexicana Martha Orozco hace un recuento de los ocho años de trabajo que tomó el documental Allende, mi abuelo Allende, de Marcia Tambutti, ganador del Ojo de Oro en el Festival Cannes. Y en otra sección nueva, Artistas cinéfilos presenta las participaciones e inquietudes fílmicas de la cantante y compositora Jaramar, realizada por el poeta Andrés Cisneros de la Cruz.
Cine Toma 43 circulará durante noviembre y diciembre por todo el país en locales cerrados y en su versión electrónica en la tienda virtual Sanborns.
