La décimo segunda edición del Festival Internacional de Cortometrajes de México Shorts México se celebrará del 6 al 13 de septiembre de 2017, por lo que se abrió la convocatoria para su décimo segunda edición para inscribir producciones realizadas entre 2016 y 2017, con una duración máxima de 30 minutos, en 11 secciones competitivas: Competencia Mexicana de Ficción, Animación, Documental y Neomex –nuevas propuestas o amateur; Competencia Iberoamericana de Ficción, Animación y Documental; Competencia Internacional de Ficción, Animación y Documental. Se premiarán 11 categorías en la competencia mexicana: Mejor Cortometraje Ficción, Director, Actor, Actriz, Guión, Fotografía, Sonido, Edición, Música, Arte y Vestuario. Además, se convoca a la Competencia de Guión de Cortometraje.
La noche del viernes 23 de octubre, en La Sala de la Ciudad de México se efectuó la ceremonia de clausura de la décima edición del Festival Internacional Documental de la Ciudad de México (DocsDF), en la que se dieron a conocer los ganadores de las diferentes secciones que conformaron su Selección Oficial en Competencia, y que fueron dados a conocer por los directores fundadores del festival, Inti Cordera y Pau Montagud.
Estos son los ganadores:
Mejor Documental de la Sección Breaking Docs
Those Who Said No, de Nima Sarvestani.
Mejor Documental de la Sección Docuthriller
Cain’s Children, de Marcell Gerő.
Mención especial
(T)error, de David Felix Sutcliffe y Lyric R. Cabral.
Mejor Documental de la Sección Sección Retratos
The Last of the Elephant Men, de Ferguson y Arnaud Bouquet.
Mención especial:
Banana Pancakes and the Children of the Sticky Rice, de Daan Veldhuizen.
Mejor Documental de la Sección Nuestra América
Aislados (Ecuador-México), de Marcela Lizcano.
Mejor Documental de la Sección Hecho en México
Tobías, de Francisca D’Acosta Turren.
Mención honorífica
Dead When I Got Here, de Mark Aitken y
El regreso del muerto, de Gustavo Gamou.
Premio a Mejor Fotografía Documental Mexicana
El regreso del muerto, de Gustavo Gamou.
Mejor Cortometraje Documental de la Sección Fragmentos
Ausencias, de Tatiana Huezo (ganador mexicano).
Muerte Blanca, de Roberto Collío (ganador internacional).
Mención especial:
Buffalo Juggalos, de Scott Cummings.
Premio del Público de la Sección Doctubre MX
Spirit in Motion, de Sofia Geveyler, Julia Bivsheva y Sofia Kucher (largometraje).
Walls, de Pablo Iraburu y Migueltxo Molina (cortometraje).
Mejor Documental de la Sección Resistencia
Madina’s Dream, de Andrew Berends.
Mención especial:
The Man Who Mends Women, de Thierry Michel.
Premio del Jurado de la Sección Reto DocsDF
No oigo, no oigo, soy chilango, de Armando Rangel Paredes.
Premio del Público de la Sección Reto DocsDF
Desde la palma a la vista al tiempo, de Octavio Daniel Rodríguez.
Al arribar a sus primeras diez ediciones, en Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF), ha comenzado los festejos desde muy temprano, con el ciclo conmemorativo Diez años mirando al mundo, fortaleciendo la gira Doctubre y emprendiendo una campaña en Fondeadora para financiar sus funciones al aire libre. En estas páginas, sus dos directores reflexionan sobre la historia del festival, sus orígenes, alcances, experiencias y prospectiva.
Un gran abanico, un mosaico multicolor
Por Inti Cordera
La Maroma Producciones estaba a punto de cumplir diez años, siendo una empresa formada en 1995, que planteó como premisa desarrollar únicamente proyectos de documental, lo que respondía a nuestros intereses profesionales en ese momento y, poco a poco, fuimos desarrollando una carrera y proyectos para responder a estas inquietudes. Tiempo después, en el año 2005, conformamos otro grupo, más ligado a la exhibición, Cinemanía, donde surgió la idea de realizar una muestra dedicada exclusivamente al género.
También en ese año coincidimos quienes fundamos el festival: Pau Montagud y Karl Lenin González, al buscar desarrollar un proyecto de exhibición, una muestra exclusivamente de cine documental contemporáneo para nutrir la oferta de programación de las salas de Cinemanía, nos dimos cuenta que nuestro país carecía de un festival dedicado exclusivamente al cine documental: había festivales de gran tradición como Guadalajara o Guanajuato, otros que estaban naciendo y fortaleciéndose como Morelia y el de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México (ficco), que le daban un lugar privilegiado, pero no existía un festival exclusivamente dedicado al cine documental. Ya existía Contra el Silencio Todas las Voces, el Foro Documental de Tijuana (BorDocs), pero no había un festival internacional de cine documental y fue el reto que se nos presentó. Primero en su concepción y luego en su diseño; supimos que queríamos hacer un festival de cine documental.
A tres pistas
¿Cómo queríamos que fuera el Festival de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF)? Es un circo de tres pistas: la primera, la central y la más importante −y la que le da nombre− es el componente de exhibición, y consiste en generar una oferta para que nuestro público pueda gozar de lo mejor y más reciente de la producción nacional e internacional. La segunda, no menos importante, pero paralela, es la formación: acompañar el desarrollo de las nuevas generaciones de cineastas con actividades en las que puedan interactuar con realizadores de otros países que les ayuden a encontrar el camino. En la primera edición tuvimos la fortuna de poder invitar al realizador chileno Patricio Guzmán a dar un seminario, de tener una master class, además de una conferencia magistral del historiador y teórico Román Gubern; así se sentó la primera piedra de lo que hoy es el DocsForum.
La tercera es el componente de creación, el Reto DocsDF. La idea de este tipo de maratones de creación no era novedosa, ya existía el Rally Malayerba, y quisimos hacer nuestro propio maratón de creación y decidimos que no queríamos que fuera una carrera contra reloj sino otorgar el tiempo suficiente para que los participantes pudieran desarrollar y crear una obra de calidad. Nuestra apuesta era acotarla al formato de cortometraje de diez minutos, para que fuera fácil encontrar colaboraciones para su posterior programación en televisión, en salas de cine y que participarán en certámenes y encuentros cinematográficos, ya con la obra terminada.
Esta reflexión sobre el diseño del festival nos llevó a crear sus componentes esenciales, hoy hemos podido replicar el Reto DocsDF en colaboración con otros festivales: en Tepoztlán, con el Festival de la Memoria; en Zacatecas con el Festival de Cine Digital Fronteras Migrantes; con BorDocs, en Tijuana, y ahora también en Mexicali, y próximamente en Colima, con el Festival Zanate. Es un formato muy noble, porque estimula la creación y es una experiencia lúdica para los participantes. Siempre afirmaremos que no es un concurso sino un acto de creación colectiva y eso es lo que le da su valor y riqueza.
Aprendizaje y complicidades
Sabíamos que, para tener una convocatoria exitosa, debíamos tejer amistades y complicidades con otros festivales, sobre todo en aquel primer momento: sabíamos que teníamos que aprender a saber hacer un festival de cine, aprender a jugar, así que antes de comenzar nuestra primera edición, fuimos por primera vez juntos al Festival de Guadalajara y, por primera vez, lo vivimos con otros ojos, no del que participa sino del que lo hace. Los primeros dos años tratamos de viajar a festivales en nuestro país y en el extranjero, con el ánimo de aprender y emprender nuevas acciones, ver lo que nos gustaba de un festival como el de idfa, en Ámsterdam −que es el más importante del mundo−, pero también aprender de los componentes de industria del HotDocs, viajar al sur y ver que pasaba en Buenos Aires, en el bafici; en É Tudo Verdade, en edoc. Fue una experiencia de aprendizaje que conllevó a establecer lazos que resultaron sólidos lazos profesionales pero también en una gran amistad. Cuando lanzamos la convocatoria cada año y queremos recibir trabajos de América Latina, es obligado que escribamos a nuestros colegas de Cartagena, Buenos Aries o de Santiago, que nos ayudan a correr la voz −lo mismo que nosotros les ayudamos a ellos y a sus convocatorias.
Esos lazos han ido evolucionando hacia otros terrenos, el desarrollo de proyectos y la formación, al invitar y enriquecer nuestro festival con jurados, expertos, formadores, maestros, sabiendo las habilidades y experiencia que cada uno de nuestros colegas tienen en otras latitudes. Cada vez que participó en otro festival y conozco a un programador, pienso en él como un posible invitado para una próxima edición, de la misma manera que él también puede invitarme y podamos ir construyendo más lazos en el terreno del documental, pues nos liga un espíritu muy particular, distinto al de los festivales de ficción. Por alguna razón, la relación que guarda el cine documental con la realidad y la reflexión, con el compromiso, abre discusiones más profundas que las simples banalidades del estar al frente de un escenario o detrás de una cámara, y nos compromete, nos une y vincula. Ese es el espíritu que une a la colaboración entre festivales de cine documental.
Una declaración de principios
Nuestra selección de filmes tiene como premisa la convocatoria abierta y sin costo. Hay festivales que piden una cuota de inscripción y otros que basan más su selección en una curaduría ligada a su asistencia a otros festivales. Desde un principio, nosotros partimos de la premisa que nuestra fuente de selección y programación debía ser una convocatoria plural y democrática, abierta al mundo, que nos permitiera recibir el mayor número de películas y pudiéramos tener diferentes ángulos en cuanto a la geografía de la producción. Hemos trabajado mucho en que la convocatoria se difunda y el resultado es que en las dos recientes ediciones hemos recibido trabajos de más de 101 países. Eso ha supuesto un trabajo mucho más complicado de programación, no era lo mismo seleccionar entre 300 o 400 trabajos, como en los primeros cinco años, a seleccionar entre más de mil 700 como ocurre actualmente.
Diferentes dinámicas y estrategias se ejecutan: en una primera criba, el comité de programación decide qué película pasa a una segunda etapa, en la cual se ordenan y homologan los criterios, por ejemplo reordenamos la intención del que postula su película en cierta categoría y las dirigimos a otra sección más natural. De ahí pasamos a una segunda etapa de selección en la que descartamos probablemente una tercera parte de lo recibido, ahí ya tienes más claro las películas que pueden entrar a la parrilla de programación. Para la sección de Largometraje Internacional, por ejemplo, diez películas van a ser programadas, pero tenemos 40 películas compitiendo, ahí entran otro tipo de criterios: la combinación entre la calidad de la producción de la película y el valor de su contenido. No siempre la mejor película, no siempre la mejor producción, van a privilegiarse sobre el valor del contenido, hay películas que hemos seleccionado cuya calidad de producción no es tan alta como el valor del contenido que nos hace tomar la decisión de que se exhiba y es el mensaje que queremos dar.
La programación define la personalidad de tu encuentro fílmico, pero también es una declaración de principios, uno da cara al público y muestra su línea de programación. Nosotros hemos procurado que sea un gran abanico, un mosaico multicolor de historias, de contenidos, de temas, te va a llevar a una experiencia cinematográfica que no ofrece la cartelera comercial.
Invitados generosos
Hemos sido afortunados en poder tenido participantes de la talla de Lech Kowalski, Albert Maysles, Godfrey Reggio o Patricio Guzmán, quienes son grandes figuras del documentalismo internacional y nos han obsequiado un amor y generosidad sin igual. No ha habido uno que hubiera tomado un papel de diva. El maestro Maysles, a sus casi 90 años, pidió la única primera clase que hemos podido dar en la historia del DocsDF y estuvo presente en todas las funciones al aire libre de sus filmes, concedió todas las entrevistas que se le pidieron y conversó con todo aquel que se le acercara, fuimos muy afortunados. Román Gubern viajó a México para participar en otro evento fílmico, pero vio con tan buenos ojos lo que estábamos haciendo, que él se ofreció a dar la master class, sino que lo invitáramos. Como la personalidad del medio cinematográfico internacional que es, Patricio Guzmán tenía su pliego petitorio y cumplimos todos sus deseos. Pero todas las figuras que han sido parte del festival nos han enriquecido como personas y lo han hecho con amor y desinterés. Nos debemos sentimos muy afortunados de haber tenido a quien hemos tenido, los que aún están, los que se han ido y los que vendrán.
Si bien el DocsDF ya está consolidado como uno de los eventos cinematográficos más reconocidos e importantes de nuestro país y de nuestra ciudad, queremos seguir mejorando, es importante pensar que, para generar nuestra propia permanencia, tendremos que ir encontrando la forma de generar nuevos cuadros de elección, nuevas actividades que nos ayuden a diversificar nuestras fuentes de ingreso, contribuir de una forma más activa a la formación, tener la posibilidad de establecer lazos que nos vinculen y fortalezcan las iniciativas internacionales que ya hemos hecho. Tenemos el sueño de crearnos una nueva identidad, ser una iniciativa que promueva, difunda y estimule el documental tanto mexicano como internacional, desde México. Como cada año al concluir la decima edición, entraremos en un proceso de autoanálisis, autocritica y reflexión que empezará a perfilar lo que queremos hacer, tal vez no sólo en la próxima edición sino en la próxima década.
No queremos historias que sean mentira
Por Pau Montagud
El Festival de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF) se nos ocurrió a un grupo de documentalistas y periodistas, en ningún momento fue creado por profesionales de los festivales. Veíamos que no había ninguna ventana de producción y difusión del género documental en el país, cuando ya era una potencia internacional en el género documental.
La forma más valiosa de promocionar y darle luz a un género como este es realizar un festival que otorgue premios, tanto nacionales como internacionales. Esa es la razón por la que decidimos darle el formato inicial: queríamos crear una ventana ante la oferta audiovisual que había en aquel entonces y que sigue habiendo en el país. Esa es la razón del formato, porque si caes en lo mainstream, haces lo mismo que el resto y desde un principio sabíamos que no queríamos eso, esa es la razón de la convocatoria.
Redes y aliados
La mejor forma de trabajar, ya sea en el audiovisual, en los festivales, en el periodismo o en la actividad que sea, es tejer complicidades, trabajar en red, pues es una suma solidaria de voluntades, por eso empezamos a trabajar de inmediato con otros festivales. Entre nuestros primeros invitados como jurado estuvo Ally Derks, la directora del idfa, que es el festival de cine documental más grande del mundo en Ámsterdam. Desde el principio hemos trabajado, de arriba a abajo, no sólo con festivales, muestras, foros, asociaciones e incluso con cooperativas alternativas y comunitarias de comunicación, pues creo que es tan importante trabajar con unos como con los otros, desde los más grandes a los más alternativos y con lo que menos medios de difusión tienen.
Desde entonces hemos trabajado así y, como cualquier galería de arte, que siempre tiene artistas recurrentes, cada festival cuenta con sus invitados habituales, actores y actrices, pero en nuestro caso son personas como Raúl de la Fuente, Goran Radovanovich, Joan González, Arto Halonen, y tenemos muchos, muchos documentalistas que han tenido una gran recepción de su obra por parte del público mexicano, por eso recurrentemente su obra ha sido seleccionada y ellos han venido a presentar su obra, porque se sienten a gusto mostrando sus trabajos a la audiencia del Distrito Federal. Es una cosa reciproca, es otro trabajo en red: tú me das tu obra y yo te pongo una ventana, y quien siempre sale beneficiado es el público, que es nuestro objetivo máximo y supremo.
La no ficción
Teóricamente, el término documental ya está en desuso lo mismo desde mi opinión personal como programador. La premisa de que las fronteras entre el cine de ficción y el documental se están evaporando, es mentira, no han sido totalmente evaporadas. Las primeras obras cinematográficas son documentales pero ficcionados: la primera película de la historia documental Nanook el esquimal (Nanook of the North, Estados Unidos-Francia, 1922), en realidad es una ficción. Pero esas fronteras se han tornando difusas desde 1896. Nosotros creemos en la no ficción y en las historias reales, se cuenten como se cuenten. Estamos totalmente abiertos a las narrativas, desde el documental en estado puro hasta el reportaje televisivo, al docudrama, al fake, al mockumentary, incluso la animación y el videoclip, forma que se inventó en el año 1966 con un documental del cubano Santiago Álvarez.
Nuestro máximo valor es la no ficción, en cualquiera de sus géneros. No queremos historias que sean mentira, queremos historias que son reales y que no son verdad, pues la verdad tampoco existe. O sea, simplemente queremos contar historias desde el punto de vista desde la perspectiva del director que la hace.
Nuestra selección no tiene ningún otro criterio que el que acabo de establecer: primero que sea no ficción y, segundo, la calidad de las películas. Hemos tenido cintas nominadas o ganadoras del Oscar, y de festivales como Sundance, Tribeca, idfa, por supuesto, pero ese no es el criterio a priori para seleccionar una película, sino que sea no ficción, luego que tenga calidad, bien de continente o de contenido, de factura cinematográfico o de mensaje y, por último, que consideremos que es una película que puede ser de interés para nuestro público. Esos son los únicos tres criterios.
Entre las enseñanzas que nos han dejado nuestros invitados está que los grandes genios son los más humildes, los que menos divas son. Es el caso del serbio Goran Radovanovich o del finlandés radicado en Brasil Mika Kaurismäki; también es el caso del estadounidense Godfrey Reggio, del chileno Patricio Guzmán, del español Javier Corcuera, y de muchísima gente más. También nos han enseñado que las mejores películas se hacen desde la honestidad, no desde un gran plan previo de producción. Además, las jaimas, que son nuestras salas públicas gratuitas pero que tienen menos equipamiento técnico y ofrecen menos garantías técnicas, son las funciones más especiales para los invitados, incluso para los más renombrados.
El área formativa
Además de ofrecer ventanas de producción, sentimos la necesidad de fomentar su producción para que, año con año, recibas nuevas películas mexicanas y cada vez de mayor calidad. Para mí un festival que sólo exhibe películas no es un festival de cine, tienes que ponerte al servicio del productor, del realizar y del distribuidor, que al fin y al cabo son quienes te dan las películas y les tienes que ofrecer algo a cambio, además de la exhibición de sus filmes al público.
Por eso dividimos el DocsDF en formación e industria. En México, al igual que en todo el mundo, hay una carencia: lagunas en los planes formativos en comunicación y cine, específicamente en el cine documental, que son muy dramáticos, tanto en creación como en industria. En ese sentido, intentamos tapar el sol con un dedo y suplir esas carencias tras haberlas detectado a tiempo, de ahí ha devenido el éxito del DocsForum, también porque bajamos a la realidad, pues para hacer buenos documentales todos somos muy románticos, pero hace falta dinero, entonces ponemos en contacto al director con el público, al productor que necesita dinero con el inversor que lo tiene. La lógica es la misma: crear el espacio de encuentro, el nexo en común y que, a partir de ahí, los proyectos mexicanos consigan tener dinero y suplir las carencias que tenemos, por ejemplo que las televisoras públicas y privadas no financien al audiovisual nacional como ocurre en todo el mundo. Intentamos crear nuevas formas de financiamiento para que surjan nuevos proyectos se estrenen en México y salgan al exterior, esa es la lógica del DocsForum.
Los mayores productores
El Reto DocsDF nació porque no existe una convocatoria para la producción de cortometraje documental, lo cual es dramático, por ejemplo en el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine), que financia el 70% de documental que se produce en el país, por eso nos pusimos a la tarea de hacer una convocatoria, que si bien es competitiva, para mí no lo es, pues los seleccionados ya ganan el premio principal, que es que la producción de tu primer cortometraje sea gratuita, pues te ponemos la producción del corto. Como suplimos una carencia, tristemente nos hemos convertido en los primeros productores de cortometraje documental del país, no es una cuestión para enorgullecerse porque no es nuestra labor, pero hemos suplido este vacío. En una década, hemos producido 57 cortometrajes que han ganado premios nacionales e internacionales, incluso un Ariel –Sólo pase la persona que se va a retratar (México, 2009), de Roque Azcuaga−, pero la razón es muy sencilla: el talento está lo que le faltan son medios. A los chavos les faltan medios y tal vez lo que intentamos es suplir esa carencia dándoles los medios pues el talento ya lo tienen, para que tengan una cámara y medios de post producción que nos están a su alcance económicamente, y los dejamos fluir. No en 24 horas como hacen otros festivales, eso es una salvajada porque no puedes forzar a nadie que demuestre su talento con unas condiciones de producción irreales o imposibles. A partir de ahí tenemos experiencias del Reto DocsDF, que se han convertido en largometrajes, como El árbol olvidado (México, 2009), de Luis Rincón, que surgió de un cortometraje llamado Nonoalco (México, 2006), así como Muchacho en la barra se masturba con rabia y osadía (a manera de apuntes) (México, 2014), de Julián Hernández, también se ha convertido en un largometraje, entonces los resultados están en la cartelera. Y creo que el formato inicial del DocsDF cumplió su objetivo y, bueno, los resultados están a la vista.
Este artículo forma parte de los contenidos del número 42de la revista cine TOMA, de julio-agosto de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.
Tulancingo Cinefestival es el punto de encuentro para la difusión del cine mexicano, a través de la presentación de proyectos consolidados, así como el reconocimiento a quienes en alguna forma o acción han aportado a su existencia. Es el punto de partida o espacio de seguimiento para proyectos de comunicación, audiovisuales, culturales y/o artísticos en general. Busca difundir las potencialidades en el área audiovisual, con la finalidad de atraer a profesionales en el área a realizar sus proyectos en la entidad y los atractivos turísticos y naturales tanto de la región, como del resto de la entidad, a través de turismo cultural y educativo.
Jueves 15 de octubre
Eddie Reynolds y los Ángeles de Acero (México, 2014), de Gustavo Moheno.
Viernes 16 de octubre
Alivio (México, 1915), de Carla González Vargas.
Sábado 17 de octubre
Estrellas solitarias (México, 2014), de Fernando Urdapilleta.
Lunes 19 de octubre
El albergue (México, 2014), de Alejandra Islas.
Martes 20 de octubre
González, falsos profetas (México, 2013), de Christian Díaz Pardo.
Miércoles 21 de octubre
Güeros (México, 2014), de Alonso Ruizpalacios.
Jueves 22 de octubre
El hogar al revés (México, 2014), de Itzel Martínez del Cañizo.
Viernes 23 de octubre
El silencio de la princesa (México, 2014), de Manuel Cañibe.
Sábado 24 de octubre
La increíble historia del Niño de Piedra (México, 2014), de Jaime Romandía.
El único festival especializado y concentrado en el formato del cortometraje fílmico alcanza su primera década de existencia. Con su nombre reducido a Shorts México y con una muy amplia oferta de géneros que añaden el fantástico y el queer a los tradicionales −animación, documental, ficción, experimental e infantil−, además de impulsar premios de guión y de crítica. Además, al finalizar sus actividades en la Ciudad de México, la muestra de cortometrajes realizará un recorrido itinerante por 20 ciudades del país.
Aquella primera edición del Short Shorts Film Festival México se realizó entre el primero y el 7 de septiembre de 2006, después de un viaje que realicé a Japón en el 2005, como invitado al Short Shorts Film Festival & Asia. Me di cuenta que allá impulsan muchísimo la producción del cortometraje y a partir de ese momento tuve la idea de traer el festival a nuestro país, porque acá no existía nada parecido. Además, yo ya le había dado vueltas a esta idea años antes, desde que era estudiante. Siempre tuve un gusto particular por los cortometrajes y quise hacer algo más que ser un simple espectador. Estuvimos en pláticas con los japoneses por aproximadamente un año y, finalmente, con su apoyo se organizó la primera edición. Contamos también con el respaldo del actor Jaime Camil, quien en aquel entonces había protagonizado un corto de Gary Alazraki, Volver, volver (México, 2005). Él aceptó con gusto la invitación y se convirtió en nuestro vocero.
Un cambio que mucha gente ha notado es la reducción del nombre a Shorts México, porque todos ubicaban al festival como Short Shorts y, de hecho, la mayoría sigue nombrándolo así, lo cual no nos afecta, al contrario, nos gusta que lo tengan tan plenamente identificado. El cambio de nombre ocurrirá a partir de esta décima edición, en la que decidimos desvincularnos del Short Shorts Film Festival & Asia, porque deseábamos tener una identidad propia. No es que ya no colaboremos con ellos, simplemente buscamos ser autónomos.
Somos el único festival mexicano especializado porque, desde un principio, nuestro interés fue darle salida únicamente al cortometraje nacional y extranjero, porque creemos que era fundamental que en el país existiera un espacio dedicado exclusivamente a su exhibición. Ser el único festival dedicado a la exhibición de cortos ha sido todo un reto, porque frecuentemente no se le da el valor justo a este formato y, además, algo que es muy cierto es que el público no está acostumbrado a asistir a las salas de cine a ver este formato de cine. Muchas veces se programan antes del largometraje como un simple relleno, lo que nos parece un desperdicio porque abundan las propuestas realmente valiosas y también merecen espacios estelares en pantalla.
La tecnología digital ha facilitado el proceso de realizar películas, incluyendo al cortometraje. Desde la primera edición y hasta la fecha, hemos notado que la cantidad de realizadores que se inscriben al festival ha aumentado de manera considerable. Por ejemplo, este año recibimos más de 2 mil cortos para inscripción, una cifra que de verdad no esperábamos. Esto demostró que son muchos los realizadores que filman cortometrajes como un primer ejercicio de su trayectoria cinematográfica o simplemente lo realizan porque desean contar sus historias en ese formato, porque nos llegan trabajos de directores nóveles pero también de quienes ya cuentan con una trayectoria reconocida. La verdad es que la respuesta a la convocatoria del festival siempre ha sido positiva. El hecho de que los directores tengan la oportunidad de ver su trabajo exhibido en diferentes puntos de la ciudad es una gran motivación para muchos.
En Shorts México nos interesa impulsar la cultura del cortometraje en sus distintos géneros −animación, documental, ficción, experimental e infantil−, pero además impulsamos premios de guión y de crítica, de cine fantástico, de cine queer. Para nosotros es fundamental impulsar estas categorías. El Concurso de Guión de Cortometraje lo comenzamos a organizar en la séptima edición del festival, en el 2012, después lo dejamos de hacer y este año lo retomamos, porque nos parece una rama fundamental en el proceso de realización de un corto. Lo mismo sucede con la crítica especializada: a lo largo de todo este tiempo hemos visto trabajos que merecen ser vistos y analizados por los expertos. En el caso de las categorías de cine queer y fantástico, las incluimos dentro de la programación porque nos llegaron muchísimos trabajos con estas temáticas y creímos importante abrirles un espacio dentro del festival, además de que buscamos es ser un espacio incluyente, abierto a las propuestas e inquietudes de los realizadores.
Desde que Jaime Camil nos apoyó con su imagen, a lo largo de la historia del festival hemos contado con diferentes personalidades que nos han apoyado incondicionalmente. Nos preocupamos por invitar a gente que de alguna u otra manera esté involucrada en el ámbito de cine; ya sean realizadores, productores, actores, críticos, periodistas o representantes de instituciones. Lo que deseamos reflejar es que en la industria cinematográfica existe este compromiso por apoyar la producción del cortometraje en México, y contar con invitados que mediáticamente tienen un impacto lo que nos ayuda a comunicar de manera más efectiva nuestro mensaje.
Procuramos tener actividades relacionadas con la exhibición de los cortometrajes durante todo el año, darles salida no sólo durante el mes del festival. El programa de ciclos temáticos Noches de Cortoteca, en el Centro de Cultura Digital de la Ciudad de México, arrancó en enero y ha funcionado muy bien entre el público, porque además de la proyección, casi siempre tenemos a realizadores invitados que al final platican con los asistentes, enriqueciendo de esa forma su visita. Además de presentarse en el Distrito Federal, una vez finalizado el festival en septiembre se organiza el tour por la República Mexicana y Shorts México viaja a más de 20 ciudades del país.
Al público interesado le recomendamos toda la programación, pero me gustaría destacar los concursos de Crítica de Cortometraje y el Concurso de Guión, porque nos parece importante alentar el trabajo de los futuros guionistas y del ejercicio de la crítica cinematográfica. También destacan los homenajes a la actriz Cecilia Suárez y a una institución tan importante para el cine mexicano como lo es la Filmoteca de la unam, que este año celebra su quincuagésimo quinto aniversario.
Este artículo forma parte de los contenidos del número 42de la revista cine TOMA, de julio-agosto de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.
Integrada por 22 títulos que se reparten entre una cinta inaugural silente de la vanguardia poética, diez largometrajes de ficción, dos largometrajes documentales, dos títulos infantiles y siete películas integradas en la retrospectiva que este año se dedica al actor Devid Striesow, la décimo cuarta edición de la Semana de Cine Alemán en México se efectuará entre el 20 de agosto y el 3 de septiembre en salas de Cinépolis y de la Cineteca Nacional, entre otras sedes. Esta es la programación en este año 2015.
Película de inauguración
Gente en domingo (Menschen am Sonntag, Alemania, 1929/30), de Robert Siodmak.
Un domingo del verano de 1929. Cuarto jóvenes berlineses protagonizan la película y sus alrededores están representados tal cual son. Esta película, atribuida a la nueva objetividad tardía, cuenta con muchas tomas documentales de la ciudad (que muestran un Berlín prebélico aún no derruido). La película gira en torno a una excursión de domingo al lago Wannsee. Esta excursión, llena diversión y celos, está marcada por la certeza de que se trata de una bocanada de aire fresco, una pequeña mancha de color sobre la rutina gris, la cual se vislumbra a lo largo de la película y le otorga su encanto. Nutrida por la improvisación y realizada con pocos medios y sin actores profesionales, esta película semi-documental entró en la Historia del Cine como precursora de vanguardia del realismo poético.
La proyección contará con musicalización en vivo del grupo mexicano Cabezas de Cera.
Selección de Ficción
Cuando soñábamos (Als wir träumten, Alemania-Francia, 2015), de Andreas Dresen.
Acaba de caer el muro y la rda ya es cosa del pasado. Dani, Mark, Rico, Pitbull y Paul viven el final de su adolescencia en el contexto histórico de la reunificación. A las afueras de Leipzig tratan de hacerse adultos en un nuevo país. Los tiempos que corren están marcados por el resurgimiento y la decadencia y las reglas del ayer ya no valen hoy. A través de la nueva libertad, están expuestos a sus propias vidas. De forma salvaje y desenfrenada recorren la ciudad en las noches y, mientras exploran sus propios límites, consumen drogas, roban autos, se pelean con neonazis y abren su propio bar. Todos tienen grandes planes para el futuro: Rico quiere ser boxeador profesional, Dani sueña con Sternchen (Estrellita), la chica más guapa de la ciudad. Pero la vida salvaje tiene un precio…
Somos jóvenes, somos fuertes (Wir sind jung. Wir sind stark, Alemania, 2014), de Burhan Qurbani.
Las imágenes del atentado contra un refugio de asilados en Rostock-Lichtenhagen dieron la vuelta al mundo. El director Qurbani rastrea los acontecimientos reales a partir de personajes ficticios. Por un lado tenemos a Stefan, hijo de un político local, y su pandilla quienes se sienten abandonados y plantados con el cambio político tras la caída del muro. Se dedican a vagar por ahí faltos de perspectiva y a hacer el vándalo. Por otro lado tenemos a Lien que proyecta claramente su futuro en Alemania y vive en La Casa de los Girasoles junto con su hermano.
El 24 de Agosto de 1992, la pandilla de Stefan se confronta con los habitantes del refugio de los Girasoles. Descargan su frustración y su odio en forma de cócteles molotov que vuelan entre gritos tumultuosos, mientras que las autoridades se convierten en impotentes espectadores.
Victoria (Alemania, 2015), de Sebastian Schipper.
Un antro de tecno en Berlín. La joven española Victoria baila ensimismada. Cuando se dispone a regresar a casa en su bicicleta, cuatro berlineses la animan a seguir la fiesta con ellos. Victoria, que parece no intimidarse ante nada, acepta la invitación y recorre la ciudad con ellos entre payasadas y cerveza. La noche se termina y Victoria debe empezar a trabajar, es entonces cuando los jóvenes le explican que tienen otro plan en mente, pues tienen una deuda pendiente, y este hecho provoca que la película cambie radicalmente de tono y de género… Una de las cualidades de la película, que además le otorga un ritmo vertiginoso, es que está rodada en un solo plano secuencia.
Elser. Él hubiera cambiado el mundo (Elser – Er hätte die Welt verändert, Alemania, 2015), de Oliver Hirschbiegel.
Si su plan no hubiese fallado, la Historia hubiera cambiado. Por sólo 13 minutos, Georg Elser no alcanzó su propósito de asesinar, mediante una bomba casera, a Adolf Hitler. El carpintero de Königsbronn reconoce bien pronto el peligro que supone el dictador, pero es el único en su pueblo que piensa así. Después de poner la bomba el 8 de noviembre de 1939 en el Bürgerbräukeller en Múnich, trata de escapar por la frontera suiza. Pero es arrestado poco antes de que estalle la bomba y se entera que su plan fracasó cuándo Arthur Nebe y el jefe de la Gestapo, Heinrich Müller, le están interrogando. Hitler y los demás peces gordos de la cúpula nazi abandonaron el Bürgerbräukeller antes de lo previsto y, en su lugar, murieron ocho inocentes. Entre recuerdos del incipiente nacionalsocialismo en su lugar de nacimiento y recuerdos de su amor por su esposa Elsa, esta película narra la excepcional historia de Elser, opositor caído en el olvido por la Historia.
Phoenix (Alemania, 2014), de Christian Petzold.
Finalizada la Segunda Guerra Mundial, Nelly regresa a Alemania procedente de un campo de concentración con graves quemaduras faciales. Su amiga Lene quiere irse a vivir con ella a Palestina, pero Nelly tiene otros planes: después de una operación maxilofacial, va en busca de su marido Johnny. Lene está convencida de que él la delató. Cuándo Nelly da con su marido, éste no la reconoce, sólo cree que Nelly se le asemeja de forma perturbadora. Johnny trata de convencerla para que se haga pasar por ella y poder acceder así a la herencia de su presunta fallecida esposa. Ella accede y se convierte en su propio doble. Quiere recuperar su vida anterior a la guerra y averiguar si su marido aún la ama o si la delató…
Un regalo de los dioses (Ein Geschenk der Götter, Alemania, 2014), de Oliver Haffner.
Cuando Ana pierde su trabajo como actriz en un pequeño teatro municipal, de forma totalmente inesperada, no se imagina que se trate de una oportunidad para un nuevo comienzo. Cuando su asistente en la oficina de desempleo le otorga la dirección de un curso de actuación para desempleados, la idea no la entusiasma. Tampoco parece que el grupo de inadaptados esté muy contento con la idea ni le emociona estudiar la antigua tragedia Antígona. Pero el trabajo en la obra acerca a los integrantes del grupo. No obstante, en el momento en el que uno de ellos desaparece y se supone que representarán la obra en el teatro en el que Anna trabajaba, parece llegar a sus propios límites.
En teoría, Hedi Schneider está contenta con su vida y se toma de forma relajada las pequeñas dificultades del día a día, aunque se quede atrapada en un elevador. Pero de pronto se queda atrapada también en su cabeza, ya que después de un ataque de ansiedad le diagnostican un trastorno que amenaza con romper el equilibrio familiar −aun cuando su salud mejora, la repentina fragilidad de sus relaciones queda expuesta. Cuando Hedi decide renunciar a su trabajo en una agencia de viajes para entender mejor lo que le sucede, su marido Uli lo toma como un acto de egoísmo. Un viaje a Noruega será el último intento de ser felices, al menos por las siguientes 24 horas.
Schönefeld Boulevard (Alemania, 2014), de Sylke Enders.
La juventud de Cindy en Berlín-Schönefeld −un barrio a las afueras de Berlín− se presenta triste e inmóvil, como las obras de construcción del macro-aeropuerto ber. Sus amigos se mofan de ella por su sobrepeso y sus padres tampoco parecen tener grandes esperanzas en su porvenir. Pero un buen día Cindy se topa por casualidad con un ingeniero finlandés y después con un informático coreano. Para sorpresa de todos, toma esta oportunidad para poner en práctica el arte de la seducción y así salir de su monotonía.
Olvida mi yo (Vergiss mein Ich, Alemania, 2014), de Jan Schomburg.
De pronto, Lena no se acuerda de nada. No reconoce a su marido Tore ni recuerda a sus amigos más íntimos. Tampoco su nombre, ni su biografía, ni lo que ha vivido hasta ahora. Todo se ha esfumado. El médico de urgencias le diagnostica meningitis cerebral. La consecuencia es una amnesia retroactiva. Tore trata de evocar nuevamente su vida. Le cuenta quién era, qué quería, cómo se conocieron y enamoraron. A través de diarios, fotos y relatos, Lena trata de reconstruir su vida, de imitar a la antigua Lena. Pero a medida que pasa el tiempo, se da cuenta de que la reapropiación de su viejo rol es un interés más bien de su entorno, sobre todo de su marido, y no tanto el suyo.
3/4 (Alemania, 2014), de Maike Mia Höhne.
Sabine quiere tener un hijo. Michael ya tiene uno. Una familia. Un deseo de lo más común y precisamente por ello es que suele ser complicado hoy en día. ¿Qué hacer cuándo una de las partes desea tener un hijo y la otra parte también, en teoría, o igual no o rotundamente no? ¿Habrá una separación? ¿Qué significa un hijo en una relación? ¿Qué significa ese deseo e impulso para una relación? Esa relación que funciona mientras ninguno quiera realmente nada. Sabine tomará una decisión y Michael podrá expresar sus sentimientos.
Selección Documental
Amor de concreto: Los Böhm (Die Böhms – Architektur einer Familie, Alemania-Suiza, 2014), de Maurizius Staerkle-Drux.
Gottfried Böhm es considerado uno de los arquitectos más renombrados de Alemania. Así como él siguió los pasos de su padre, sus tres hijos, Peter, Paul y Stephan, también lo hicieron. El documental observa de cerca a la familia Böhm, en la cual Elisabeth, la mujer y madre, también arquitecta, juega un papel esencial y es el punto de anclaje de la familia. Cuando muere, la familia pierde el rumbo, como puede observarse a través de las conversaciones con Gottfried y sus tres hijos. También salen a la luz las disonancias que genera la tensión de una vida personal tan ligada a la profesional. De esta forma, se logra una mirada un tanto diferente a una familia, que públicamente es una exitosa y pulcra dinastía de arquitectos.
B-Movie: Lust & Sound in West-Berlin 1979-1989 (Alemania, 2015), de Jörg A. Hoppe, Klaus Maeck y Heiko Lange.
Los músicos y productores Jörg A. Hoppe, Klaus Maeck y Heiko Lange reunieron en conjunto un sinfín de material de grabación y archivo, resultando así un documental que transmite una sensacional imagen de los salvajes años 80 en el Berlín occidental. El hilo conductor lo llevan las narraciones de Mark Reeders, quién estuvo en todos los eventos −afortunadamente casi siempre con cámara en mano− como productor de la banda de Post Punk Mania D., de Gudrun Gut, como roomie de un Nick Cave obsesionado por el goth alemán o como sonidista de los Tote Hosen. Aquellos escépticos del espíritu libre del Berlín de los años 80 serán confrontados con la locura y el exceso de una ciudad aún dividida. No se trata de un mero documental apasionante, sino que también una declaración de amor por una época desvanecida. Como dice Falco: “Aquél que recuerde los 80, es que no los vivió.”
Selección Infantil
Vandidos (Reuber, Alemania, 2013), de Axel Ranisch.
Es el cumpleaños de Robby Reuber y su padre le cuenta una historia fantástica: Robby, que quiere ser ladrón y encuentra todo tipo de personajes pintorescos en el bosque: al mago, al hada y al ladrón. Robby entra en apuros cuando pierde a su hermana con todo y carriola frente al supermercado. Teniendo tan malas noticias, no se atreve a regresar a la casa y prefiere desaparecer en el bosque. Allí se topa con el mago Stefan, quien le quiere robar la infancia. Robby deberá defenderse y para ello tomará clases de ratero con el ladrón Rüdiger, pero ya firmó un contrato con el mago y de pronto ambos están atrapados en el cuerpo del otro, respectivamente. ¿Logrará Robby, entre trucos, machetes y el hada que pulula por el bosque, regresar a su antigua vida? Rico, Oskar y las sombras profundas
Rico, Oskar y las sombras profundas (Rico, Oskar und die Tieferschatten, Alemania, 2014), de Neele Leana Vollmar.
Oskar es superdotado y se sabe los cien primeros números primos. Rico es infradotado, como él mismo dice, y tiene dificultades para distinguir entre izquierda y derecha y este y oeste. Pero eso no es impedimento para que sean mejores amigos. Pronto, Rico alienta al aprensivo Oskar a perder sus miedos, pues siempre lleva un casco para protegerse de los peligros del mundo. Oskar sabe confrontar audazmente a los adultos, ya sea a la malvada vendedora de helados o al hediondo señor Fitzke. Rico deberá acudir a rescatar a su amigo listo, pues ha sido secuestrado nada más y nada menos que por el afamado cazador de ofertas Mister 2000. El padre de Oskar no se lo toma demasiado en serio, por lo que Rico, pese a su deplorable sentido de la orientación, tiene que tambalearse por Berlín para rescatar a su amigo. Y para colmo están esas misteriosas sombras en el patio trasero…
Retrospectiva Devid Striesow
Bungalow (Alemania, 2002), de Ulrich Köhler.
Luces (Lichter, Alemania, 2003), de Hans-Christian Schmid.
La cacatúa roja (Der roter Kakatu, Alemania, 2006), de Dominik Graf.
Yella (Alemania, 2007), de Christian Petzold.
Nunca fui tan fea (So glücklich war ich noch nie, Alemania, 2009), de Alexander Adolph.
Tres (Drei, Alemania, 2010), de Tom Tykwer.
Fraktus (Fraktus – Das letzte Kapitel der Musikgeschichte, Alemania, 2012), de Lars Jessen y Jacques Palminger.
La décimo tercera edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) se realizará del 23 de octubre al primero de noviembre de 2015 en la capital de Michoacán por lo que se ha lanzado su convocatoria para realizadores y productores a inscribir sus obras cinematográficas en sus secciones competitivas: Sección Michoacana; Cortometraje Mexicano; Documental Mexicano; Largometraje Mexicano, y el Concurso Michoacano de Guión de Cortometraje (escritos por autores michoacanos de nacimiento o residentes en Michoacán). Se premiará un cortometraje de ficción, un cortometraje de animación, un cortometraje documental, un largometraje documental, un largometraje de ficción y un primer o segundo largometraje de la misma sección, con la escultura el Ojo, un diploma y 200 mil pesos; un trabajo michoacano con el Ojo, un diploma y 100 mil pesos;Mejor Actriz y Mejor Actor de Largometraje Mexicano, con el Ojo y un diploma; un trabajo de la Selección de Cortometraje Mexicano en Línea con un diploma y 50 mil pesos, y un guión michoacano de cortometraje con un diploma y 30 mil pesos, además de Menciones Especiales.
La decimoséptima edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), se efectuará en la capital de Argentina entre el miércoles 15 y el sábado 25 de abril en la capital de Argentina, y el crítico mexicano Jorge Ayala Blanco forma parte del Jurado de la Competencia Oficial Internacional, junto con la realizadora y filósofa italiana Alice Rohrwacher; el periodista y programador italiano Carlo Chatrian; el estadounidense David Schwartz, curador en jefe del Museum of the Moving Image de Nueva York, y el periodista y docente bonaerense Fernando Martín Peña, responsable del Área de Cine del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA).
Como reza la ficha biográfica de Ayala Blanco que publica el BAFICI: “Nacido en la Ciudad de México en 1942, se dedica a la crítica de cine desde hace 52 años, “sin fallar ni una semana”. En la actualidad publica en la página web del diario El Financiero y en el periódico cultural La Digna Metáfora. Desde 1964 es profesor de historia y análisis del cine en el CUEC-UNAM, y ha publicado más de treinta libros sobre cine mexicano e internacional, así como sobre la exhibición cinematográfica en su país. Ha recibido, entre otros galardones, la Medalla Salvador Toscano al Mérito Cinematográfico y el Premio a la Trayectoria en Investigación Histórica José C. Valadés.”
Estas son las películas que compiten en la Competencia Internacional:
Above and Below (Suiza-Alemania), de Nicolas Steiner.
Atomic Heart (Irán), de Ali Ahmadzadeh.
Ben Zaken (Israel), de Efrat Corem.
Court (India), de Chaitanya Tamhane.
Días extraños (Argentina-Colombia), de Juan Sebastián Quebrada.
Double Happiness (Austria-China), de Ella Raidel.
El incendio (Argentina), de Juan Schnitman.
Ela volta na quinta (Brasil), de André Novais Oliveira.
Goodnight Mommy (Austria), de Severin Fiala y Veronika Franz.
La mujer de los perros (Argentina), de Laura Citarella y Verónica Llinás.
La obra del siglo (Cuba-Argentina), de Carlos M. Quintela.
Los exiliados románticos (España), de Jonás Trueba.
Prometo um dia deixar essa cidade (Brasil), de Daniel Aragao.
Songs From the North (Corea del Sur), de Soon-Mi Yoo.
The Kindergarten Teacher (Israel), de Nadav Lapid.
Theeb (Jordania/Qatar/EAU), de Naji Abu Nowar.
Transeúntes (España), de Luis Aller.
Une jeunesse allemande (Suiza-Alemania), de Jean-Gabriel Periot.
La décima edición del Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF) se efectuará del 22 al 31 de octubre de 2015 en la capital de México, por lo que se ha abierto su convocatoria para inscribir películas de cualquier género de documental, de todas las temáticas y con inscripción gratuita, producidos a partir del primero de enero de 2014 e incluso exhibidas previamente en México, en las categorías Largometraje Internacional, Largometraje Mexicano, Largometraje Iberoamericano, Cortometraje Internacional y Cortometraje Mexicano.
La fecha límite general para inscribir trabajos es el viernes 29 de mayo de 2015, y el viernes 3 de julio para documentales mexicanos.
Por Garbiñe Ortega, Coordinadora de Programación de Ambulante
La Gira de Documentales Ambulante celebra diez años de existencia este 2015 y lo hará con grandes retrospectivas y homenajes, como el que se rendirá a Agnès Varda. Con el asombro como eje aglutinador, su programación, ofrece un equilibrio entre los grandes éxitos del documental y las grandes joyas por descubrir, del 29 de enero al 3 de mayo de 2015, en doce estados de la República Mexicana.
Hace diez años que arrancó la Gira de Documentales Ambulante, organización sin fines de lucro, fundada en 2005 por Gael García Bernal, Diego Luna, Pablo Cruz y Elena Fortes, dedicada a apoyar y difundir el cine documental como una herramienta de transformación cultural y social. La organización viaja a lugares que cuentan con poca oferta de exhibición y formación en cine documental, con el fin de crear una audiencia participativa, informada y crítica, y abrir nuevos canales de expresión y reflexión en México y en el extranjero.
De ese proyecto original quedan muchos elementos, pero el fundamental es la vocación con la que sigue trabajando: llevar películas a lugares donde el cine documental no tiene tanta presencia, con la firme convicción de que este arte transforma. El festival creció en cuanto a números −en el 2014, la Gira estuvo en 12 estados, del 30 de enero al 4 de mayo, superando los 90 mil 900 espectadores, lo que supuso un incremento de asistencia del 640% con respecto a su primera edición−, pero sigue manteniendo ese mismo objetivo de sensibilizar a través del documental y crear diálogos enriquecedores entre la película, el cineasta y el público.
Quizá, en los últimos años, desarrollamos otras vías que no existían en los inicios, como la educativa, a través de proyectos formativos como Ambulante Más Allá que cada año produce un considerable número de películas realizadas por estudiantes de todo el país. Por medio de talleres modulares, se fomenta la realización cinematográfica independiente para lograr que estas historias sean contadas desde una perspectiva cultural y estética propias, que no surjan de la imposición de parámetros audiovisuales convencionales. Fundado en 2010, Ambulante Más Allá ha capacitado a más de cien jóvenes en distintas regiones del país.
También hemos ampliado las actividades que acompañan las proyecciones, como las mesas de diálogos, los talleres o los eventos transdisciplinarios, pero el espíritu sigue siendo el mismo: armar una programación integral que nos ayude a, como dice nuestro lema, descubrir, compartir y transformar.
Por décima ocasión
Actualmente, Ambulante es un festival itinerante de cine documental que recorre México durante tres meses, con una selección de documentales provenientes de todo el mundo y más de 120 invitados nacionales e internacionales La x edición de Ambulante se efectuará del 29 de enero al 3 de mayo de 2015, en doce estados de la República Mexicana. Actualmente, es el festival de documental de mayor alcance en México y un espacio de exhibición único en el mundo. En 2015, la gira visitará 12 estados de la República, del 29 de enero al 3 de mayo: Distrito Federal, Guerrero, Morelos, Puebla, Veracruz, Zacatecas, Coahuila, Michoacán, Chiapas, Jalisco, Baja California y Oaxaca.
Para esta edición buscábamos un concepto rico en significado pero que ilusionara, por ser un año tan especial, el de los primeros diez años. Durante mucho tiempo barajamos palabras, tratando de encontrar una que aglutinara todos los sentimientos puestos en la mesa: algo que nos inspirara, que recogiera el aspecto sensorial del cine, que hablara del propio documental y de lo que este te produce. Y encontramos que “asombro” cumplía con todas estas necesidades de programación: el cine es asombroso, literalmente arroja luz en la oscuridad, nos invita a experimentar con los sentidos, a mirar con nuevos ojos, a escuchar mejor y a percibir las cosas como nunca antes. La elección de dicha palabra como tema fue una de las decisiones más difíciles a nivel de programación ya que, después todo, el programa se articula en base a este concepto; pero además, la idea de “asombro” nos permitió jugar mucho con todo lo que queríamos incluir con la programación y espero que el público pueda encontrar esa dimensión en las películas que integran esta edición del festival.
Para aglutinar las películas que integrarán la gira de 2015, durante todo el año, un grupo de programadores trabajamos en torno a las secciones fijas del festival. Vamos visionando películas y discutiéndolas una por una hasta ver si encaja o no en esa estructura de programación y es ahí donde surgen las conversaciones más interesantes: más allá de los criterios de cada uno, siempre hay que encontrar un equilibrio entre los grandes éxitos del documental y las grandes joyas por descubrir. También hay que tener muy en cuenta el contexto para el cual se trabaja, los perfiles de los públicos de Ambulante. Después, hay que trabajar sobre cómo presentar cada película para su mejor acogida, este es uno de los trabajos más estimulantes y tiene que ver desde su selección, su agrupamiento en las secciones, hasta la reseña que escribes sobre ella o su presentación frente al público.
Otro rasgo importante es que Ambulante no sea un festival competitivo es algo que libera la programación de mucha presión y regala a los propios cineastas invitados otro tipo de experiencia mucho más enriquecedora, humanamente hablando. Lo que buscamos es lo mejor para la vida de las películas y por eso tratamos de ofrecer un recorrido muy distinto al que una película tiene habitualmente, tanto a nivel comercial como a nivel de trayectoria en festivales. Ambulante ofrece otras ventanas a los documentales y acceso a otros públicos que, de otra manera, quizá jamás tendría. Y esto es algo que creo que los directores valoran mucho.
La magnífica Agnès
Pensamos que para un año tan redondo como es el de la edición de 2015 sería muy bonito recordar la figura de algún artista que nos inspirara, que en sí misma fuera lo que para nosotros representa el asombro. Por eso creo que no puede ser mejor celebrado que con el homenaje a la realizadora belga Agnès Varda (Bruselas, 1928), a esta gran artista que nos inspira con cada fotograma, una cineasta que entiende su trabajo como una experiencia vital con la que nos hace ver de una manera más profunda, tierna y humana, este complejo mundo donde nos toca vivir. Pensamos en los ejes temáticos o los conceptos que Agnès toca en sus películas: la fotografía, el retrato, el amor, qué es ser mujer… Pero también queríamos dejar constancia de las distintas épocas de su filmografía: las películas contestatarias que realizó a finales de la década de los 60, cuando vivía en California y filmaba a los Panteras Negras. Para mí era muy importante reflejar todas las grandes inquietudes de esta artista, así como su estilo tan rico e incomparable. Por eso en esta selección conviven grandes películas de su filmografía como Cleo de 5 a 7 (Cléo de 5 à 7, Francia-Italia, 1961) a Las playas de Agnès (Les plages d’Agnès, Francia, 2008), pero también una amplia muestra de sus películas más ensayísticas como la serie fotográfica Un minuto por una imagen (Une minute pour une image, Francia, 1983) o Cinevardafoto (Cinévardaphoto, Francia, 2004) o películas prácticamente desconocidas para el gran público como el díptico realizado en Los Ángeles: Documentira (Documenteur, Estados Unidos-Francia, 1981) o Mur Muros (Mur murs, Francia-Estados Unidos, 1981). Ha sido muy gratificante e iluminador trabajar sobre la filmografía de esta gran artista y sabemos que será igualmente satisfactorio (re)descubrirla para nuestro público.
Secciones y colaboraciones
Las grandes secciones del festival −Retrospectiva. Sonidero, Reflector, Pulsos, Enfoque− se mantienen, no hay modificaciones al respecto. Además, tendremos una sección por el décimo aniversario llamada Favoritos del Público, en la que podremos disfrutar de los grande éxitos de Ambulante. Contaremos también con ciclos específicos en la sección de Imperdibles, que se construyen a partir de colaboraciones puntuales, como con la Fundación MacArthur, sobre migración, o con Artículo 19, sobre libertad de expresión e información. Estos ciclos serán acompañados por pláticas con los cineastas y con expertos en los temas a tratar.
Para nosotros es muy importante crecer cerca de proyectos que tienen una manera de entender la cultura como nosotros. Desde nuestro primer circuito de exhibición, la cadena Cinépolis, como con todas nuestras sedes actuales, así como con festivales como el de Morelia o el DocsDF de la Ciudad de México, así como la Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro unam, el Hay Festival de Xalapa o el Vive Latino, donde mantenemos una carpa. Colaborar y crear juntos es siempre muy enriquecedor y hace posibles actividades que de otra forma no podríamos realizar o simplemente no con la misma fuerza. Ese es uno de los aspectos que más me ha llamado la atención de este país, existe una gran voluntad de colaboración entre organizaciones culturales y eso es muy generoso para con el público.
Año con año hay cambios en las sedes, siempre se añadirán unas y se cerrarán otras, por diversos motivos, pero prácticamente serán las mismas en la Ciudad de México. Lo que está sucediendo con Ambulante Global –es decir, la extensión de Ambulante a otros países– es algo mágico, por el número de propuestas que nos llegan y por cómo se han materializado los proyectos que salieron adelante. Creo que el modelo de festival y su programación atrae incluso fuera del país, lo cual resulta muy halagador, y las personas que han puesto en marcha Ambulante en El Salvador, California o Colombia, son profesionales que han llevado esa esencia del festival para aplicarla a contextos tan diversos como los de los países de acogida y de manera muy exitosa.
Títulos atractivos
Dentro de la programación general, podemos destacar algunos títulos, entre ellos las últimas películas de Michel Gondry −¿Es feliz el hombre que es alto?: Una conversación animada con Noam Chomsky (Is the Man Who Is Tall Happy?: An Animated Conversation with Noam Chomsky, Francia, 2013) − o de Joshua Oppenheimer, director de El acto de matar –The Look of Silence, Dinamarca-Finlandia-Indonesia-Noruega-Reino Unido, 2014. Tendremos la oportunidad de ver un concierto espectacular de Björk –Björk: Biophilia en vivo (Björk: Biophilia Live, Reino Unido, 2014), de Peter Strickland y Nick Fenton– o la mítica película de The Beatles, La noche de un día difícil (A Hard Day’s Night, Reino Unido, 1964), realizada hace medio siglo por Richard Lester. En la sección de Enfoque incluirá una selección de grandes películas muy relevantes de la historia del cine documental etnográfico donde se reunirán nombres como Maya Deren –Jinetes divinos: Los dioses vivientes de Haití (Divine Horsemen: The Living Gods of Haiti, Estados Unidos, 1985)–, John Marshall –La danza ceremonial de los ¡kung (The Ceremonial Dance of the !Kung Bushmen, Estados Unidos, 1969)–, Robert Gardner –Bosque de dicha (Foresto f Bliss, Estados Unidos, 1986)– o Bruce Baillie –Toda mi vida (Estados Unidos, 2013). Cabe destacar el taller práctico para profesionales con proyectos, que acompañará a esta sección, que se desarrollará en el Centro de Cultura Digital en conjunto con la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) y el Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM), llamado Paisajes Sensoriales, con los realizadores Nicolás Pereda, J. P. Sniadecki y Jeff Silva.
La parte académica y editorial de Ambulante es fundamental. Para nosotros es importantísimo invertir esfuerzo y energía en estas partes, ya que debemos ofrecer a nuestro público nuevas herramientas para seguir disfrutando y aprendiendo del cine documental. Necesitamos reforzar, como festival, estos dos aspectos para seguir construyendo público y educando a los espectadores críticos.
Finalmente, la mejor celebración de esta primera década de existencia es hacerlo reflexionando críticamente sobre el pasado, mirando hacia el futuro con ganas y compromiso, y disfrutando mucho de la programación que hemos armado entre todos con tanta ilusión.
Este artículo forma parte de los contenidos del número 38de la revista cine TOMA, de septiembre-octubre de 2014. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.
