En el Auditorio “Ricardo Flores Magón” de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM, en colaboración con la Filmoteca UNAM y la Academia Mexicana de Artes yCiencias Cinematográficas (AMACC), han organizado una muestra con cuatro largometrajes galardonados durante la quincuagésima sexta entrega de los premios Ariel . En cada proyección se contará con la presencia de los directores y del equipo de producción.
Estas son las cintas que integran el ciclo:
Lunes 22 de septiembre. 18 horas.
Quebranto (México, 2013), de Roberto Fisco. Ariel a Mejor Largometraje.
Jueves 25 de septiembre. 18 horas.
El Alcalde (2012), de Emiliano Altuna, Carlos F. Rossini y Diego Osorno. Nominado como Mejor Largometraje Documental y Mejor Música Original.
Viernes 26 de septiembre. 18 horas.
Huérfanos (México, 2013), de Guita Schyfter. Nominada a Mejor Actriz, Mejor Música
Original y Mejor Vestuario.
Martes 30 de septiembre. 18 horas. La Jaula de Oro (México, 2013), de Diego Quemada Díez. Ariel a Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Coactuación Masculina, Mejor Guión
Original, Mejor Fotografía, Mejor Edición, Mejor Sonido, Mejor Música Original y Opera Prima.
Este jueves, 12 de diciembre de 2013, la bitácora electrónica de la revista cine TOMA en wordpress.com alcanzó 400 mil visitas, once meses después de alcanzar las 300 mil, el 11 de enero de 2013. El sitio fue abierto en mayo de 2009. Este logro se debe a nuestros lectores y a su interés y confianza en nuestro trabajo, que aumentan el tráfico de esta página y nos otorgan su voto de confianza para esforzarnos en esta labor informativa electrónica.
En esos mismos once meses, nuestra cuenta de twitter, @cinetoma, ronda los 16 mil 500 seguidores, siete mil más de los que teníamos, que eran 9 mil 45o.
El pasado viernes, 11 de enero de 2013, la bitácora electrónica de la revista cine TOMA en wordpress.com superó las 300 mil visitas. Es decir que logramos 100 mil visitas en siete meses, pues el 12 de junio de 2012, alcanzó las 200 mil visitas desde que abrió el sitio, en mayo de 2009. Es por esto que queremos compartir el logro con ustedes, nuestros lectores, quienes hacen que el tráfico de esta página aumente y nos otorgan su voto de confianza para esforzarnos en esta labor informativa virtual.
Por cierto que nuestra cuenta de twitter, @cinetoma, tiene 9 mil 45o seguidores, y esperamos alcanzar los 10 mil en unos días.
• Una amplia y diversa colección de voces del gremio cinematográfico mexicano ofrece propuestas y recomendaciones, desde sus particulares perspectivas, sobre las líneas políticas a seguir en materia fílmica en el sexenio que inicia.
• Fotofijas: Cineastas contados, retratos de cineastas españoles y mexicanos de Óscar Fernández Orengo.
• Industria: Los tiempos en pantalla en la legislación vigente; Thierry Potok y la producción en Europa.
• Festivales: 3er FICUNAM, 8ª Gira de Documentales Ambulante, 8o FICA de Acapulco. Los directores de Guadalajara, Guanajuato y Morelia explican por qué no pertenecen a la FIAPF.
El mero hecho del arribo del cinematógrafo a México –esa sorprendente invención mecánica francesa de los hermanos Louis y Auguste Lumière–, ya marcaba la inocultable relación que tendría con el poder y la política, pues la primera función ocurrió en la Casa de Gobierno –en ese entonces, el Alcázar de Chapultepec–, en agosto de 1896, y la primera estrella local de esos filmes nacionales primigenios, fue el presidente-dictador Porfirio Díaz. Desde entonces, ha continuado una poco sana dependencia de la industria fílmica nacional hacia los apoyos y el fomento dictado por el Estado mexicano, y han existido diversos controles que van desde el más basto de la censura hasta el más intrincado de la liberalización de la economía de la industria cinematográfica, con la respectiva permisividad hacia la conformación de un monopolio en la distribución de las Majors hollywoodenses y otro en la exhibición, con tres cadenas controlando las más de cinco mil pantallas instaladas en el país.
Hoy en día, la multiplicación de los fondos públicos mantiene una bonanza en la generación de películas –con un promedio de 70 producciones al año–, sin embargo, las políticas públicas en el sector cinematográfico continúan tercamente concentradas en el fomento a la producción, renegando de la distribución, la educación y la difusión de la cultura fílmica. Además, el sexenio inicia con preocupantes reducciones presupuestales en materia de cultura y en cine, incluyendo al Instituto Mexicano de Cinematografía, la Cineteca Nacional y el Centro de Capacitación Cinematográfica –no es el caso de los Estudios Churubusco, cuyo presupuesto aumentó para 2013.
¿Cuáles son las políticas públicas más convenientes para el área de cinematografía en el subsector cultura? El dossier del número vigésimo sexto de la revista cine TOMA, que estará en circulación por toda la República durante enero y febrero de 2013, publica las opiniones, recomendaciones y valoraciones de especialistas provenientes de las diversas áreas del quehacer fílmico, para intentar congregar las más variadas, plurales y profundas propuestas, no sólo al funcionariato en turno –aún por designarse–, sino a todos los interesados en la cultura fílmica.
Estas páginas inician con un resumen del profuso diagnóstico elaborado por especialistas de diversas áreas del Instituto Mexicano de Cinematografía, realizado a finales del 2012, que incluye medio centenar de propuestas para ampliar, mejorar y afinar la actuación gubernamental en el sector fílmico. Enseguida, se compilan las opiniones de cineastas, productores y otros profesionales del medio con recomendaciones al poder Ejecutivo y al Legislativo federales: Felipe Cazals, Iván Trujillo, Mónica Lozano, Armando Casas, Daniel Birman, Hugo Villa, Rodrigo Herranz, Nicolás Pereda, Pablo Baksht, Iván Ávila, Miguel Necoechea, Patricio Saiz y Eduardo de la Bárcena.
Las políticas francesas de impulso a la cultura cinematográfica comparadas con las mexicanas, así como la prospectiva a futuro, es el tema del texto que entrega el crítico y promotor cinematográfico Jean-Christophe Berjon. En tanto, el productor Édgar San Juan, aborda la visión política en torno al telefilme Chalán, incluso en su distribución, pues el trabajo, producido con fondos públicos, se ofreció de manera gratuita tanto por internet como en la televisión cultural.
Más adelante, el guionista Víctor Ugalde comparte siete propuestas para mejorar las políticas cinematográficas en México, en asuntos como libertad de expresión, legislación audiovisual, política hacendaria y excepción cultural, entre otras. Un segmento del ensayo “El fortalecimiento de la producción desde el Imcine a través de la comunidad cinematográfica¨, de Cuauhtémoc Carmona y Carlos Sánchez –incluido en el libro El Estado y la imagen en movimiento–, relata cómo el gremio de cineastas ha influido en la toma de decisiones gubernamentales. Otro fragmento de libro es el de La generación de la crisis, del cineasta Alejando Pelayo, en el que relata cómo en los años ochenta un grupo de jóvenes realizadores encontró en la búsqueda artística y autoral como posibilidad de hacer cine de calidad.
El especialista jurídico Federico Urtaza, ex Secretario Técnico del Comité de Cultura del Senado, relata desde su experiencia las iniciativas y propuestas legislativas que atañen al ámbito cinematográfico en México. La economista Mariana Cerrilla aborda el crecimiento y expansión de un género como el documental mexicano, que ha generado, en años recientes, una gran calidad, reconocimiento e incluso público. Finalmente, Luis Carrasco ofrece un reporte sobre el informe preliminar sobre la industria en 2012 ofrecido por la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica y del Videograma (Canacine), que destaca por los más de 228 millones de espectadores que acudieron a salas, la cifra más alta del siglo xxi.
En la sección Desde la Filmoteca de la UNAM, el politólogo José Woldenberg conmemora las tres décadas de La víspera, largometraje independiente de Alejandro Pelayo, producido por don Gregorio Wallerstein, que aborda el ritual político del “dedazo”. Se reproduce también el texto íntegro del Manifiesto, dado a conocer por los miembros de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, así como su nuevo comité coordinador y las actividades programadas por la asociación para el 2013.
Fotofijas contiene una selección de retratos panorámicos, realizados a cineastas españoles y mexicanos, del fotógrafo español Óscar Fernández Orengo, que conforman la serie Cineastas contados, recientemente expuestos en el Festival de Cine de Morelia.
En la sección Industria, Arturo Sastré y José Luis Ponce comparten un estudio realizado en torno al tiempo de pantalla para el cine nacional y su ambigüedad en la legislación vigente. Y se reproduce la conferencia dictada por el productor europeo Thierry Potok en el pasado Festival Internacional de Cine de Monterrey.
Se incluye también un corrido en honor a Emilio “Indio” Fernández, escrito por el cineasta duranguense Juan Antonio de la Riva.
En Festivales, se incluyen adelantos del tercer ficunam; de la octava Gira de Documentales Ambulante y una reseña del octavo Festival Internacional de Cine Acapulco. En seguimiento del tema principal del número 25, El inagotable festín fílmico, el periodista mexicano Luis Carrasco incluye entrevistas con los directores de los más importantes festivales mexicanos: Iván Trujillo, de Guadalajara; Sarah Hoch, de Guanajuato, y Daniela Michel, de Morelia, inquiriéndoles la razón por la que ninguno se encuentra en las listas de la Federación Internacional de Asociaciones de Productores de Películas (fiapf), que fiscaliza y reconoce a los catorce calificados como Clase A.
Armar ese personaje siempre fue un ejercicio de autocrítica
Por Sergio Raúl López
Las crisis juveniles no respetan clases sociales ni orígenes pudientes, sino se desparraman uniformemente dejando una estela de insatisfacción y de impotencia. Y en un país de pobreza mayoritaria, en el que escasean las oportunidades para estudiar y aún más las laborales, incluso aquellos muchachos hijos de los sectores favorecidos resultan contagiados.
Kyzza Terrazas. Foto: Sergio Raúl López.
En esta historia, claro, este par de adultos recientes vive el día a día entre la cultura alternativa, los sitios subterráneos y un estilo de vida en el que no hay mayores obligaciones de horarios, vestimentas ni vocabularios respetuosos. El barbado Ray (Andrés Almeida) trabaja a veces como camarógrafo si bien prefiere intentar infructuosamente escribir literatura, mientras que Ramona (la cantante Jessy Bulbo casi interpretándose a sí misma) es una fulgurante estrella de rock, compositora y letrista de un exitoso grupo de la escena musical roquera, y pasan sus días en permanente estado de fiesta, entre cervezas de tamaño caguama, carrujos de marihuana y rayas de cocaína, junto con alguna que otra cápsula de sustancias sintéticas.
Pese a todo, conviven en una cierta estabilidad que es rota por los deseos biológicos que urgen a Ramona a procrear, un tema tabú para la pareja, que ha decidido “tirarse en el olvido”; es decir, no tener descendencia.
Pero el creciente desencuentro entre ambos se convierte, a su vez, en un reflejo del entorno en el que viven, en una sociedad en la que los campesinos que defienden sus tierras en San Salvador Atenco son víctimas de una brutal represión, mientras que los padres de Ray viven aislados en sus privilegios económicos, lo que les decide, en un acto radical sin más razón que el hartazgo y la desesperación, a intentar la opción suicida del terrorismo contra uno de los mayores símbolos religiosos mexicanos: la virgen de Guadalupe.
La indecisión, la inestabilidad y la insatisfacción permean en El lenguaje de los machetes (México, 2011), largometraje que se erigen como una especie de exploración autobiográfica del productor y director Kyzza Terrazas (Nairobi, Kenya, 1977), quien tras estudiar filosofía en la UNAM y publicar un libro de cuentos: El primer ojo (1997), cursó una maestría en cine en la Universidad de Columbia, Nueva York. Con distribución de Interior 13 y producción de Mr. Woo y Foprocine, la cinta se encuentra actualmente en cartelera.
-Supongo que mantiene relación de amistad con los protagonistas del filme y así de íntima resulta.
-Esta película es muy personal. Comencé a escribirla cuando estaba en Nueva York, a donde llegué poco antes del 11 de septiembre de 2001: el episodio del World Trade Center me tocó allá, fue un acto violentísimo, trágico, así como la respuesta: el patrioterismo, la guerra contra Irak. Si ya tenía un cierto recorrido por algunos movimientos de lucha o de cierta conciencia social, cuando estuve allá me radicalicé mucho con todo lo que sucedió. Tenía este cúmulo de sentimientos, de reflexiones, que fui decantando en una historia que tenía que ver mucho conmigo, de dónde venía, mi contexto social, mis experiencias urbanas en ciertos ámbitos y movimientos undergrounds, algo que yo no había visto reflejado en el cine contemporáneo. Me interesaba mostrar estos ambientes y a los personajes que son, sin duda, sobre todo el principal, Ray, un reflejo de muchas cosas que he pensado y sentido. Armar ese personaje siempre fue un ejercicio de autocrítica. A Jessy la conozco hace 15 años, lo mismo que a Andrés y a Flor; de hecho, originalmente en el guión relataba una noche que había justamente vivido con Flor [Edwarda Gurrola] y con Ali [De la Reguera], de las Ultrasónicas, una noche muy loca en que nos topamos a un tipo que me acabó regalando mil dólares en un antro de ficheras.
-Además es una juventud mexicana que está abolida en los medios masivos, que va a los pocos lugares para escuchar a los nuevos grupos de rock y lo que están diciendo, a quién escuchan y cómo viven.
-A la par que ha habido una explosión de nuevas películas, de más producción, también ha habido otra de bandas de rock y de artistas, pero finalmente lo que está muy cabrón (y uno a veces no es del todo consciente) es que finalmente sigue siendo una porción muy pequeña de la sociedad mexicana la que tiene acceso a Internet, que es donde podríamos ubicarlos. No creo que sea más del 20 o 30 por ciento de la población. Entonces, por más que pensemos que hay una explosión de diferentes cosas, no deja de ser elitista, y no deja de no trascender a los medios masivos y la sociedad en general.
-¿Qué le significó Atenco y qué tan importante era tocar el tema de un camarógrafo que resulta golpeado? Me recordó el caso de la cineasta chilena Valentina Palma.
-Una de las fuentes principales de la película fue el 11 de septiembre y lo que implica que alguien pueda llegar a convertirse en un bombardero suicida. Pero justo cuando empecé a escribir el guión en 2003 inició el movimiento del Frente de Pueblos en Defensa de la Tierra y me quedó claro que el problema era un aeropuerto y unas tierras que pertenecían a unos campesinos que se estaban oponiendo, y eso hablaba muy elocuentemente de lo que es este país y justamente esas brechas económicas. Por un lado este México globalizado, metido en la economía internacional, pero por otro una realidad en la que el machete sigue siendo un instrumento de trabajo y que a escasos kilómetros de la Ciudad de México sigue habiendo tierras ejidales. Además, me interesó mucho la forma en que salieron a protestar. Fue muy frontal, muy efectivo en sus posturas, al grado de que finalmente lo lograron. Cuando empecé a escribir en 2003 tenía al personaje trabajando en algo relacionado a comunidades indígenas, pero lo que sucedió en 2006, hace seis años ya, lo que narras de Valentina Palma y todo lo demás, fue muy brutal y un gran ejemplo de cómo funcionan las cosas en este país, y decidí que era un buen lugar para insertar a este personaje y hacer una ficción alrededor de eso.
Este artículo se publicó originalmente en la sección de cultura del diario El Financiero (20/VI/2012).
Como parte de la décima quinta edición del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF, antes Expresión en Corto), a realizarse del 20 al 25 de julio en la ciudad de Guanajuato, se llevará a cabo la tercera edición de Incubadora, un programa de formación cinematográfica en el que más de cien cineastas recibirán asesorías privadas con profesionales de la industria y consejos sobre sus proyectos en desarrollo, en temas como pitching, evaluación de guión, financiamiento, producción y distribución internacional, postproducción, coproducción, packaging, promoción y estrategias de venta en festivales y mercados, entre otros.
Los participantes serán seleccionados de acuerdo a su trayectoria profesional en cortometrajes, largometrajes, documental o televisión, así como por el tema, sinopsis o material en producción para su próximo proyecto. Las sesiones son privadas y tendrán una duración máxima de 20 minutos. Los becados de MexiCannes, al igual que los cineastas mexicanos e internacionales, cuyos trabajos se encuentren en competencia en el GIDD, también serán invitados. Informes y entrega de proyectos en: incubadora@guanajuatofilmfestival.com.
El cierre de la convocatoria es el 6 de julio de 2012.
Este domingo 10 de junio, la bitácora electrónica de la revista cine TOMA en wordpress.com superó las 200 mil visitas. Hace casi cuatro meses, el día 25 de febrero, les avisamos que habíamos alcanzado las 150 mil visitas desde que abrió el sitio, en mayo de 2009. El acontecimiento nos alegra pues significa un reconocimiento de nuestros lectores y nos da confianza para continuar nuestra labor informativa. Y lo compartimos con ustedes, lectores de la red, que lograron esta cifra. ¡Gracias mil!
Cada personaje es una creación conjunta entre director y actor
Por Sergio Raúl López
Asuntos del mundo mediático globalizado: bastaron dos apariciones en filmes de amplia difusión internacional para que Adriana Barraza no sólo fuese ubicada en el plano internacional y se convirtiese en la tercera actriz mexicana en alcanzar la candidatura al Oscar, sino para reactivar su carrera como intérprete y retornar a los foros cinematográficos.
Mientras el cambio de siglo la halló convertida, más que una actriz en activo, en una respetada y prestigiosa pedagoga y entrenadora del ámbito histriónico, sobre todo en Televisa donde solía además dirigir, dar clases de neutralización de acento y coach de actuación, y en la Universidad Autónoma de Chihuahua, además de actuar en algunas telenovelas, videoteatros y series diversas e incluso películas de la desaparecida productora Televicine (en las cintas El resplandor, La primera noche, La segunda noche y La paloma de Marsella)..
Bastó, empero, un llamado para integrarse al rodaje de Amores perros (México, 2000), primer largometraje del ex publicista y locutor Alejandro González Iñárritu, para reintegrarse a la actuación en activo y despegar su carrera cinematográfica. Pero si la aparición como madre de Gael García Bernal (Octavio) le granjeó un gran reconocimiento, la reunión de ambos como Amelia y Santiago en Babel (Estados Unidos-Francia-México, 2006), el tercer film del ahora internacionalizado mexicano, le depararía una nominación de la Academia Cinematográfica estadounidense como Mejor Actriz de Reparto -la tercera mexicana, luego de Katy Jurado y Salma Hayek-, y le permitiría en seis años aparecer en una veintena de producciones, además de formar parte de la élite actoral internacional y formar parte de la Academia de Artes Cinematográficas de Hollywood.
Actualmente afincada en Buenos Aires, donde ha fundado una escuela de actuación junto con su marido, el actor argentino Arnaldo Pipke, la actriz, originaria de Toluca (donde nació en marzo de 1956), celebra 40 años de carrera actoral y 30 como docente en la práctica del monólogo. Halló en el estilo unipersonal una forma afortunada para combinar sus compromisos en cine y televisión, pues le permite presentarlo en escenarios de Argentina, México y Estados Unidos, países en los que pasa buena parte de su tiempo.
-Nunca había hecho uno y se lo pedí a Erika Halvorsen, que escribe para teatro y para televisión, y es amiga mía. Se llama Me doy bel gusto y ella también me está dirigiendo. Y justamente cuando trabajamos lo último en Argentina para que yo me llevara mi montaje y trabajara en Miami, reafirmé lo necesario que es el director. Uno no puede mirarse solo, es sumamente complicado. Necesitas a alguien que te ayude a verte, para mí es una mancuerna necesaria y completamente útil para llevar a cabo un espectáculo como debe ser.
-¿Cómo mira el cine latinoamericano actual, especialmente las cinematografías mexicana y argentina?
-Fíjate que lo primero que descubrí cuando llegué a Argentina hace nueve años fue que hacían 70 producciones al año, cuando era un país con una economía caída, terrible. Sinceramente me sorprendí muchísimo. Eran finales de 2002, pero ahora sigue habiendo más, ya pasan de las cien películas anuales. Es una industria muy amplia y que debiera tener una mayor distribución en Latinoamérica, porque lo hacen mucho más a Europa. Es una pena, porque hay fenómenos cinematográficos bien interesantes; otros no, como todo, pero ojalá pudiéramos ver más cine argentino en México. La verdad es que a nivel latinoamericano los principales productores de cine son México y Argentina, pues las plazas que tendrían la posibilidad de hacerlo, como Colombia y Venezuela, tienen poca producción. Y considero que los mexicanos somos bien tratados en el mundo mientras que a los argentinos no los conocen tanto.
-La forma de actuación argentina, en general, tiene una gran relación con la técnica actoral que se requiere para cine, ¿es cierto?
-He trabajado con personas en toda Latinoamérica y puedo afirmar que la metodología y el tono actoral que han encontrado los argentinos es sumamente realista, a veces muy naturalista en cuanto a estilo y muy conmovedor, sin importar el género que aborden, sea teatro, cine o televisión. Me intrigó cómo es que podían actuar como si estuvieran en cine. Era un tono tan íntimo, tan real, tan naturalista, tan interno, que realmente me desconcertó; pero también me encantó, obviamente. Para trabajar con ellos como actriz también hay que entonarse con la veracidad y la profundidad que llegan a tener. Y justamente el naturalismo es así. El realismo consiste en mostrar lo que le ocurre al personaje, mientras que en el naturalismo consiste en mostrar lo que le sucede en el momento al actor, él es el personaje. Usualmente el tono actoral al que nosotros estamos acostumbrados a ver en el teatro es que el actor me muestre lo que le está pasando y no tanto la inmediatez de lo que le sucede. Es lo que no se debe tener en cuenta en el cine, hacer ese tipo de diferenciación en la actuación.
-A veces los directores, más que requerir de una cierta actuación, requiere al actor como parte del cuadro, lo que implica más una necesidad para la cámara y la escena que actoral.
-Eso ocurre en cualquier evento que esté dirigido. Como director uno necesita que el actor esté en la luz, de lo contrario no sirve, por muy buena actuación que sea. Pero no considero que el director use al actor como un objeto, sino tiene que llegar a un lugar en combinación con él. Como actor uno sabe que tiene que cumplir esas reglas: estar en la luz y en la posición necesarias, y aparte uno tiene que ser verídico e interpretar el personaje como el director quiere que se desarrolle. Hay de todo, desde directores-maestros, que lo acompañan a uno, hasta directores-tiranos, que piensan que el actor es una marioneta. Sinceramente, a partir de los roles que he hecho en cine nunca he tenido un director que no tome en cuenta este trabajo en conjunto que hacemos para poder crear un personaje. Necesariamente es una creación conjunta.
Juego e independencia
Una sucinta carta impersonal del director y actor inglés Kenneth Brannagh comunicó a Adriana Barraza que durante el proceso de edición había quedado fuera de la cinta Thor (Estados Unidos, 2011), sobre las aventuras del superhéroe de la Marvel. Para la actriz no fue sino uno de los gajes de este oficio, tan repleto de altas y bajas. Apenas en marzo, en el Festival de Guadalajara, su más reciente cinta, Mariachi gringo (Estados Unidos, 2012, de Tom Gustafson) había ganado el Premio del Público y el de Mejor Actriz para Martha Higareda (con quien ya había compratido créditos en Te presento a Laura, 2010). Y es que su carrera la ha llevado a las más variadas producciones, lo mismo Arrástrame al infierno (2009), del maestro del terror Sam Raimi o la actuación coral Rage, de Sally Potter, junto a un gran elenco (Judi Dench, Jude Law, Dianne Wiest, John Leguizamo y Steve Buscemi); que la comedia comercial Pobres divas (2010) o el cortometraje de autor Lindo y querido, de Patricia Rigen, para el largometraje Revolución (2010).
-Otra de sus facetas es enseñar acentos neutros, hacer coaching actoral con niños, o dar asesorías a gente sin experiencia actoral.
-En la televisión uno tiene la oportunidad de trabajar con personas que jamás han actuado. A mí el profesor Héctor Jiménez me enseñó una gran cantidad de bloques de trabajo para poder enseñar al actor inexperto y llevarlo a tener una mayor veracidad para que pueda transmitir, que es lo primero que busco como directora. Sin veracidad lo único que te queda es un oficio para que uno pueda cumplir con un personaje, lo que no quiere decir que ese oficio pueda hacerte famosísimo y hacerte ganar muchísimo dinero, pero una cosa es tener el oficio y otra es realmente ser un actor y poder interpretar.
-Cómo la ha ido conduciendo su carrera en torno a su propia forma de vivir tranquila, en paz y a gusto.
-Fíjate que esa es una cuestión muy importante. Uno tiene que trabajar mucho para luego poder darse momentos de tranquilidad como los que vivimos mi esposo, Arnaldo Pipke, y yo. Los dos somos maestros y a mediados del año pasado decidimos crear nuestra empresa y escuela de asesoría, justamente para ser independientes y no casarnos con nadie; claro, sin descuidar nuestras carreras. Lo construimos desde la base de hacer bien nuestro trabajo donde sea: en la televisión, el cine o en el teatro. Damos cursos normales, pero nos gusta dar asesorías a empresas, lo hemos hecho con Univisión, Venevisión y Telemundo.
-¿En estos 40 años de carrera ha cambiado su concepto sobre el significado de ser actriz?
-No, no ha cambiado. Significa ser una persona que juega; en inglés se dice to play. Es una persona que interpreta a otros para hacer soñar a otros y soñarse a sí mismo.
Este artículo se publicó originalmente en la sección de cultura del diario El Financiero (14/V/2012).
Este día fue dada a conocer la lista de los aspirantes en la quincuagésima cuarta entrega de los premios Ariel que otorga la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), para reconocer a lo mejor del cine mexicano realizado durante el año 2011, mismos que serán entregados en junio en el Palacio de Bellas Artes.
El Ariel de Oro, que se entrega por toda una vida dedicada al cine este año será entregado al director, guionista, académico y funcionario Alfredo Joskowicz (ha sido director del CUEC, del CCC, de los Estudios América, de los Estudios Churubusco y del Imcine), así como al ingeniero René Ruiz Cerón, cuya trayectoria comprende 55 años trabajando en las salas de sonido y mezcla de los Estudios Churubusco (la sala THX lleva su nombre).
En una ceremonia realizada en los Estudios Churubusco, el presidente de la AMACC, Carlos Carrera, dio a conocer a los nominados en las 22 categorías e informó que fueron inscritas 105 películas, mismas que fueron calificadas por un comité de selección integrado por 84 miembros de la Academia y compuestos de la siguiente manera: 31 largometrajes de ficción, 15 largometrajes de documental, un largometraje de animación, 29 cortos de ficción, 14 cortos documentales, siete cortometrajes de animación y ocho películas iberoamericanas.
Este año destacan, con un mayor número de nominaciones, las películas Miss Bala, de Gerardo Naranjo, con sólo tres, pero en las categorías principales; Pastorela, de Emilio Portes, con 14 nominaciones, y Días de gracia, de Everardo Gout, con 15 candidaturas.
Es de resaltar, también, que por cuarto año consecutivo, la categoría de Largometraje de Animación aparece desierta, desde que en 2008, La leyenda de la Nahuala, la ganara. Asunto curioso, pues entre 2010 y 2011 se estrenaron en cartelera seis largometrajes de animación producidos en México.
A continuación, la lista completa de categorías con sus respectivos contendientes.
MEJOR PELÍCULA
Días de gracia de Días de gracia producciones Miss Bala de Canana Holdings Pastorela de Las producciones del patrón
MEJOR DIRECCIÓN
Everardo Gout por Días de gracia
Gerardo Naranjo por Miss Bala
Emilio Portes por Pastorela
MEJOR ACTRIZ
Magda Vizcaíno por Martha
Teresa Sánchez por Verano de Goliat
Irán Castillo por Victorio
MEJOR ACTOR
Tenoch Huerta por Días de gracia
Noé Hernández por Miss Bala
Joaquín Cosío por Pastorela
MEJOR COACTUACIÓN FEMENINA
Norma Angélica por Acorazado
Eileen Yáñez por Días de gracia
Nailea Norvind por La otra familia
MEJOR COACTUACIÓN MASCULINA
Krystyan Ferrer por Días de gracia
Mario Zaragoza por Días de gracia
Carlos Cobos por Pastorela
Roberto Sosa por Victorio
MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Álvaro Curiel por Acorazado
Jorge A. Estrada y Alfredo Castañeda por La revolución de Juan Escopeta
Emilio Portes por Pastorela
MEJOR FOTOGRAFÍA
Sebastián Hiriart por A tiro de piedra
Luis David Sansanz por Días de gracia
Damián García por Pastorela
MEJOR EDICIÓN
Hervé Schneid, José Salcedo y Everado Gout por Días de gracia
Juan Manuel Figueroa por El cielo abierto
Rodrigo Ríos por Pastorela
MEJOR MÚSICA ORIGINAL
Atticuss Ross, Shigeru Umebayashi, Nick Cave y Warren Ellis por Días de gracia
Gerard Pastor por La maleta mexicana
Aldo Max Rodríguez por Pastorela
MEJOR SONIDO
Vicent Arnardi, Enrique Greiner, Frédérique Le Louet y Fernando Cámara por Días de gracia
Mario Martínez, Miguel Hernández e Isabel Muñoz por Pastorela
Lena Esquenazi, Diego Gat y Pablo Tamez por Te extraño
MEJOR DISEÑO DE ARTE
Bernardo Trujillo por Días de gracia
Emilio Basaldúa por El mural
Alejandro García por Pastorela
MEJOR VESTUARIO
Graciela Galán por El mural
Gabriela Fernández por Pastorela
Mónica Neumaier por Te extraño
MEJOR MAQUILLAJE
Felipe Salazar por Días de gracia
Beatuska Stanislaw por El mural
Roberto Ortiz por Pastorela
MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Ricardo Arvizu por Días de gracia
Daniel Cordero “Chovy” por Pastorela
Alex Vázquez por Salvando al soldado Pérez
MEJORES EFECTOS VISUALES
Buf Compagnie por Días de gracia
Gretel Studio por Pastorela
Raúl Prado, Edgar Mejía y José Carlos García de Letona por Salvando al soldado Pérez
MEJOR ÓPERA PRIMA
A tiro de piedra de Sebastían Hiriart Días de gracia de Everardo Gout El lugar más pequeño de Tatiana Huezo
MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL
El cielo abierto de Everardo González El lugar más pequeño de Tatiana Huezo Morir de pie de Jacaranda Correa Presunto culpable de Roberto Hernández y Geoffrey Smith Príncipe Azteca de A. Fernández
MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
El pescador de Samantha Pineda Juan y la borrega de J. Xavier Velasco Mari Pepa de Samuel Isamu Kishi Lespo
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
Extraño rumor de la tierra cuando seabre un surco de Juan Manuel Sepúlveda Y retiemble en sus centros la tierra de Patricia Martínez Yuban de Ya’asib Vázquez Colmenares
MEJOR CORTOMETRAJE ANIMACIÓN
Mutatio de León Fernández Prita noire de Sofía Carrillo
MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA
La hora cero de Diego Velasco (Venezuela) Pa negre de Agustí Villaronga (España) Violeta se fue a los cielos de Andrés Wood (Chile)
El cuarto largometraje de ficción del realizador mexicano Carlos Reygadas, Post Tenebras Lux, ha sido seleccionado para competir por la Palma de Oro en la Selección Oficial del sexagésimo quinto Festival Internacional de Cine de Cannes, que se realizará del 16 al 27 de mayo de 2012 en Francia.
De acuerdo a su productora, Mantarraya Films, el filme, filmado en locaciones del estado de Morelos, la Ciudad de México e Inglaterra, “relata la historia de Juan y su joven familia, retratando su vida en el campo de México. Ahí disfrutan y sufren un mundo que entiende la vida de otra forma. Juan se pregunta si estos mundos se complementan o, en realidad, luchan inconscientemente por eliminarse el uno al otro”.
En la Selección Oficial aparece, además, la más reciente cinta del brasileño Walter Salles, On the Road. Y en la sección Una cierta mirada (An Certain Regard), fue seleccionada la producción mexicana Después de Lucía, segundo largometraje del realizador mexicano Michel Franco, así como la argentina Elefante blanco, de Pablo Trapero, y la colombiana La playa, de Juan Andrés Arango.
El presidente del jurado de la Selección Oficial es el actor, director, guionista y productor italiano Nanni Moretti (Habemus Papam, La habitación del hijo, Abril).
Aquí está la lista de cintas que integran la Selección Oficial de este año en Cannes:
