A cinco semanas de efectuarse su quinta edición, a celebrarse del 21 al 27 de abril, el Riviera Maya Film Festival anuncia la cancelacion de su plataforma de apoyo de desarrollo de proyectos, el Riviera Lab, en sus dos secciones: Work in Progress y Foro de Coproducción, incluido los apoyos económicos a los filmes ganadores, por “causas externas a la organización del festival” al no contar con las condiciones óptimas. El comunicado, lanzado el 16 de marzo, informa que el resto de las actividades del RMFF se efectuarán sin afectaciones.
Aquí el comunicado completo:
ACERCA DE RIVIERALAB EN RMFF 2016
Desde sus inicios, el Riviera Maya Film Festival se ha caracterizado por ser un festival que brinda atención y apoyo a cineastas y productores que buscan estímulos para desarrollar sus proyectos. El RivieraLab, a través de sus secciones Work in Progress y Foro de Coproducción, ha funcionado de forma ininterrumpida como un laboratorio de creación donde los realizadores encontraban la ayuda necesaria para iniciar o concluir sus filmes.
Durante sus primeras cuatro ediciones, el RivieraLab ofreció apoyo económico a proyectos que posteriormente se convirtieron en películas que participaron en los principales festivales de cine a nivel mundial, como es el caso de “Maquinaria Panamericana”, de Joaquín del Paso; “El rastreador de estatuas”, de Jerónimo Rodríguez; y “La princesa de Francia”, de Matías Piñeiro, entre otros títulos.
Para este año, por causas externas a la organización del festival, el RMFF se ve en la necesidad de interrumpir RivieraLab, debido a que no se cuentan con las condiciones óptimas para celebrar un encuentro de la naturaleza e importancia de dicha sección.
Todas las actividades relacionadas con el programa RivieraLab serán suspendidas para la quinta edición que se celebrará del 21 al 27 de abril del presente año.
No obstante, el resto de las actividades del festival se llevarán a cabo como en las anteriores ediciones, con lo que el RMFF refrenda su compromiso de ser una plataforma de exhibición para el cine de probada calidad artística.
Los organizadores del festival quedan a la espera de que en un futuro sea posible retomar las actividades de RivieraLab.
Entre el miércoles 27 y el sábado 30 de enero, como parte del sexto Distrital Festival se realizará el cuarto Seminario El Público del Futuro, en la Cineteca Nacional, un espacio formativo que amplía el espectro de la profesionalización de cineclubes, espacios independientes y recintos culturales que incluyen al audiovisual como parte medular de su oferta cultural. Además de la entrada libre con registro previo en línea. Además del aforo en la Cineteca Nacional, las mesas y charlas magistrales podrán seguirse en línea por Auditorio ARCA en la página electrónica de Distrital.mx.
Al respecto, sus organizadores expresan lo siguiente:
Distrital Festival como suceso, siempre ha apostado por las audiencias, su desarrollo y experiencia. En esta edición, cumplimos seis años de formar promotores y exhibidores en una dinámica única donde partimos de una reflexión de la que se desprende lo fundamental de mantener un espacio formativo que amplía el espectro de la profesionalización de cineclubes, espacios independientes y recintos culturales que incluyen al audiovisual como parte medular de su oferta cultural. En esta edición transitaremos diversos caminos desde la más profunda reflexión como ciudadanos parte de una gran comunidad. Partimos desde algunas preguntas básicas como disparadores para el pensamiento, la acción y la gestión crítica. ¿Qué hacemos desde nuestras trincheras para resistir los embates que nos vuelcan hacia una individualidad anestesiada? La idea de resistencia juega el papel de hilo conductor de este Seminario, que desde un lugar de construcción alimenta conceptos como comunalidad, autogestión, redes de trabajo, curaduría como discurso e identidad. Es urgente además hacer crecer nuestro propio discurso generando la integración con otras disciplinas afines a la labor de todo espacio que propone la reflexión sobre su contexto social y político. Mirar hacia los lados y ver cómo se acciona desde otras miradas, desde otras formas de pensamiento. Te invitamos a seguir nuestras conversaciones y mesas y charlas magistrales en el Auditorio ARCA en esta misma plataforma y si estás en la Ciudad de México, te esperamos del 27 al 30 de enero en la Cineteca Nacional.
Consolidado como uno de los más importantes espacios para la creación y difusión de la animación, especialmente aquella que mantiene lazos de comunicación con el arte actual o que busca la experimentación, el Foro de Animación Contemporánea Animasivo alcanza su octava edición, con una mayor autonomía, con una revista en línea y un poder de convocatoria cada vez más amplio y abierto.
Aunque el Foro de Animación Contemporánea Animasivo nació como uno más de los proyectos que se gestaban como parte del Festival del Centro Histórico de México (FCHM), se tomó la decisión de realizarlo fuera del mismo e independizarlo. Por un lado, debido a cuestiones de gestión del mismo FCHM, cuya organización decidió dejar de apoyar los proyectos mas arriesgados, alternativos y jóvenes y, por otro, porque nos dimos cuenta que era momento de buscarnos solos el camino, construir una identidad independiente y redefinir de forma autónoma las líneas del festival. Creo que es sano que haya empezado una nueva etapa, lo que permite plantear nuevos objetivos y hacer un balance de lo explorado y de lo que queda por explorar a nivel de contenidos, modelos de gestión, perfil del festival, etcétera.
Investigar y difundir
Desde su comienzo, Animasivo ha apostado por investigar y difundir una animación experimental y artística, en el sentido que nos interesaba ver la imagen animada en su combinación con otros campos de la creación −la relación con el arte contemporáneo, el videoarte, el performance, el cuerpo, los interactivos, etcétera−; pero también mostrar sus cruces con el documental, la investigación política o social. En fin, a todo lo que se le da el nombre de animación independiente o de autor, para diferenciarla de la comercial que está producida por los grandes monopolios del entretenimiento audiovisual.
También nos interesa mostrar contenidos adultos y liberar la animación de ciertas asociaciones automáticas que tienen los espectadores, como su relación con el público infantily sus historias de encanto y de fácil digestión. Esto no significa que no prestemos atención a trabajos fílmicos más tradicionales o a formatos más clásicos. Además, el cortometraje sigue siendo el centro del festival como formato privilegiado para la experimentación, la narrativa breve y donde la animación alcanza sus mejores resultados.
Definición de experimental
Siempre estamos repensando el proyecto de Animasivo, mejorándolo o transformándolo según lo que observamos que ocurre en México en el ámbito de la animación. Por ello congregamos todos los proyectos que engloba el festival como una Plataforma en la que se estimula desde la producción hasta la formación y la difusión. Trabajamos en México y en el contexto ocal. La construcción de público tiene que ir de la mano con la educación y el estímulo a la producción. El festival es un gran espacio y formato pero, a nuestra forma de ver, sólo adquiere sentido en la medida en que es un momento de una serie de acciones constantes y de largo plazo que procuren abarcar todos los niveles de la educación audiovisual.
Trabajamos descentralizados, en provincia, con niños, con profesionales y construimos programas que ayuden a respaldar y legitimar el trabajo de los animadores.
La frase “¿Crees que estás viendo lo mismo que yo?”, que da título a la convocatoria y al concurso, nació hace unos años de una serie de conversaciones, en las que buscábamos la forma de definir el término experimental en el mundo de la animación. Es un término que puede ser ambiguo y muy amplio, por esto quisimos traducir la capacidad de la imagen animada para sorprender y transformar los sentidos en una frase. También apunta a la capacidad del público por ofrecer posibles lecturas de la imagen que tiene adelante. Y, finalmente, apunta a la línea guía del festival: abrir las posibilidades de ver y hacer animación. En una palabra, emanciparla.
Diversidad y apertura
El panorama de los trabajos que recibimos es diversísimo, pues en la convocatoria no existen límites respeto a la técnica en que se producen las animaciones, hay de todo: técnicas mixtas, dibujo, stop motion, rotoscopía, cutout digital y tradicional. Precisamente nos gusta remarcar esta libertad en la técnica. Y más cuando vemos una técnica nueva o difícil de etiquetar o que es una combinación de distintas técnicas.
Premiamos cortometrajes en categoría nacional e internacional, tanto de manera abierta como para universitarios porque nos parece importante estimular la producción. Tener premios permite dar incentivos, por modestos que sean, a la producción. Las categorías sirven porque no es lo mismo el panorama de la animación aquí que en Polonia, o Rusia o Canadá. Si bien los festivales funcionan como plataformas para la exhibición y difusión de películas, también adquieren, a través de los premios otorgados, un papel que puede ayudar a legitimar los trabajos premiados.
Aunque el festival se realiza en la Ciudad de México, tiene un programa de itinerancias, Nómada, pensado para crear públicos y tener experiencia educativas y de contacto con contextos descentralizados, sobre todo. Trabajamos en diferentes estados del país −ahora concretamente estamos organizando un programa en Zamora, Morelia y Oaxaca. Este programa también nos ha permitido viajar con festival al extranjero y mostrar así la animación nacional hacia fuera de nuestras fronteras. Hemos proyectado en Paris, Madrid, Polonia, Colombia, Francia. Son formas de intercambiar material con otras geografías.
El documental animado
Cada trabajo fílmico que se decida por la animación y por un formato largo es difícil de producir y de lenta realización. El laboratorio Animæntary nació en respuesta a la necesidad de crear puentes, explorar formatos para el documental animado. Pensar en la producción actual y provocar nuevas formas de hacer narrativa con imágenes. El documental se ha transformado, la animación también lo hace. Quisimos explorar este formato híbrido en México y la verdad es que ha permitido generar una serie de propuestas muy interesantes. De hecho, los proyectos generados en el programa de Animæntary, han participado en otros festivales nacionales con los que hemos colaborado como el Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF), la Gira de Documentales Ambulante o el Festival Internacional de Animación y Arte Digital CutOutFest, de Querétaro.
El proyecto de editar una revista en línea, Animasiva, nació con la inquietud de escribir sobre animación. Hay mucha bibliografía sobre cine, y la crítica de cine es abundante, pero en castellano no hay mucha. La animación igualmente se merece su investigación, su crítica y su revisión histórica. Hablar con sus palabras digamos. Mandamos una convocatoria abierta para recibir textos. Tenemos que ajustar el diseño editorial de la revista on line y lo haremos pronto. Hay muchos más estudiantes de animación ahora que hace unos seis años y piensan y escriben de animación. Asimismo, hemos recibido textos de España, Colombia o Argentina, donde también se está empezando a construir esta bibliografía.
La octava edición
La edición 2015 del Foro de Animación Contemporánea Animasivo tiene como motivo de fondo el dibujo y la ilustración, y su relación con el movimiento. Esa es la razón de que la imagen de este año sea la de las manos multiplicándose, pues apunta a esta manualidad que permite a la línea fija adquirir vida. Todos nuestros invitados guardan relación con el dibujo, el trazo, la ilustración: Lei Lei, de China; pes, de Estados Unidos, nuestra estrella este año; Pere Ginard, de España; Patricio Plaza, de Argentina, y Amy Lockhart, de Canadá. También estrenaremos en México dos largometrajes de animación: Rocks in My Pockets (Estados Unidos-Letonia, 2014), de la directora Signe Baumane y Hasta que sbornia nos separe (Até que a Sbornia nos Separe, Brasil, 2013), de Otto Guerra y Ennio Torresan, entre muchas otras cosas, que pronto se anunciarán en nuestra página electrónica (www.animasivo.net).
La octava edición de Animasivo se efectuará del 27 al 31 de mayo de 2015, en el Centro Cultural de España en México (CCEMX, República de Guatemala 18, Centro Histórico) y el Centro de Cultura Digital (CCD, Paseo de la Reforma s/n esquina Lieja, colonia Cuauhtémoc).
Este artículo forma parte de los contenidos delnúmero 40de la revista cine TOMA, de mayo-junio de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.
Detrás de una muy directa crítica a las iglesias pentecostales exportadas desde Brasil con sus relucientes pastores de inmaculados peinados cortos y trajes cortados a la medida se esconde una cinta de acción y suspenso. En ella, un joven mexicano, igual a otros tantos millones, desesperado ante la inmovilidad laboral, económica y de ascenso social en el país, encuentra en el próspero y lucrativo negocio de la predicación una vía no para encontrar a dios sino a un ser mucho más mundano: el dinero.
Una fe ciega, casi como el salto al vacío kierkegaardiano, es capaz de impulsar hasta lo indecible a un hombre. Pero no es la fe de los santos, aquella que los levanta del suelo y les hace levitar en tanto guardan un éxtasis místico, y tampoco aquella del perfecto hombre común en desesperada búsqueda por hallar a alguien más –sea divinidad o mundanidad– en quien recargar sus incesantes aflicciones. Es la fe contemporánea, aquella domina casi completamente las obsesiones y las patologías del presente ciudadano occidental, la que provoca peores injusticias y conduce a perdiciones más extremas, la del dinero, lo que tanto lo disloca de la realidad.
El dinero y, claro, las posesiones, la capacidad de adquirir, la imagen pública –tanto con su familia como con sus amigos y con su enamorada–, la que conduce al edificio de los vocingleros televangelistas y hace extraviar al estrafalario González: Falsos profetas (México, 2013), en la ópera prima Christian Díaz Pardo. Una película con la que el realizador chileno, recientemente graduado del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) ciertamente critica la alienación masiva y la explotación económica de los ejércitos de creyentes que ceden dócilmente cuantiosos diezmos e interminables limosnas ante estos enérgicos hombres de traje impecable y exótico acento portoñol –o ante los de cualquier otra procedencia y confesión–, pero en realidad parte de un claustrofóbico drama que deviene en sicótica cinta de suspenso y acción sobre las decisiones que un joven, con el futuro cancelado, tanto en lo profesional como en lo monetario, en un país sin progreso ni justicia social.
Y es que el demasiado joven y exageradamente anodino “González” (Harold Torres en doble rol, tanto protagonista como productor de la cinta junto con Laura Pardo), ha de mentir incansablemente tanto a una lejana madre –sólo presente con insistentes llamadas al teléfono celular–, como a los imberbes caseros con los que comparte un minúsculo espacio en una unidad habitacional –el Centro Urbano Presidente Alemán de la Ciudad de México–, pues su urgencia por convertirse en una persona solvente y respetable según sus conservadores estándares, le mantienen frustrado, tenso y agobiado, ya que el único trabajo que ha conseguido es el de telefonista de un boyante filial en un templo de alguno de los tantos movimientos pentecostales brasileños de exportación, aburrido y hastiado de escuchar los implorantes ruegos por un milagro de la feligresía, así como de atestiguar los desplantes de riqueza, poder y prosperidad de un prolijo “pastor Elías” (Carlos Bardem), que mantiene celosamente la secrecía en torno a su verdadero rostro.
La megalomanía con la que González va suplantando su insatisfacción, van conformando una creciente espiral de atrevidos movimientos, tanto como para imitar al pudiente ministro como para conseguir los favores de “Betsabé” (Olga Segura), encorvada y siembre dubitativa compañera de tiara telefónica, en una velada pero poderosa referencia al clásico scorsesiano Taxi Driver (Estados Unidos, 1976).
Ganadora del Premio Especial LCI en el Encuentro de Coproducción Iberoamericana en el XXVII Festival Internacional de Cine en Guadalajara y estrenada en el décimo primer Festival Internacional de Cine de Morelia, donde Torres y Bardem ganaron, como elenco, el premio a Mejor Actor de Largometraje Mexicano, y del Zenith de Oro a primera película en el xcvi Festival de Cines del Mundo de Montreal, González: Falsos profetas –tal es el nombre con el que estrena comercialmente–, producida por Chacal Filmes y distribuida por Cine Caníbal, se encuentra en la cartelera mexicana desde el 27 de febrero.
Y motivó la siguiente charla con su director:
¿Cómo fue el proceso para involucrarte en un tema tan complicado, que puede levantar tantas ámpulas –como lo que recientemente ocurrió en París – como es la religión, el dogma, la fe? ¿Cómo decidiste hacer una película sobre el tema?
Debo decir que en mi infancia quizás hubo un interés religioso en mí, no tanto en mi familia sino que lo empecé a buscar por fuera, pero al mismo tiempo vino un periodo de decepción de las instituciones religiosas. Recuerdo muy bien que, cuando era pequeño, el papa Juan Pablo ii visitó Chile y apareció en el balcón del Palacio de la Moneda para saludar a la gente con Augusto Pinochet a su lado y también que le tocó dar un enorme discurso en el Estadio Nacional, que fue un campo de detención y de tortura durante la dictadura, sin mencionar palabra alguna respecto a ese tema. Desde entonces tuve esta visión de que las instituciones religiosas a veces sirven a muchos otros intereses y no necesariamente para el asunto espiritual. También desde la infancia conocí a los televangelistas estadounidenses como los del The 700 Club o a Jimmy Swaggart, que también tuvo su escándalo –acusado de ocupar prostitutas. Una vez radicado en México me di cuenta, cambiando la televisión, de los canales donde alguien está predicando y, claro, le cambias y vas a lo que sigue, realmente no te detienes a pensar en qué institución regula y permite que esta gente tenga la oportunidad de estar en un canal de televisión abierta y tener acceso a un auditorio masivo. Ese tema siempre había estado dentro de mis intereses pero nunca había pensado, particularmente, en hacer una película.
Pero vino una mezcla de cosas, entre ellas una compañera del ccc que, de manera muy ingenua, se presentó en uno de estos lugares diciendo que era estudiante de cine y le parecía muy interesante como para hacer algunas entrevistas y grabar algo, un mini documental, e inmediatamente le contestaron que no, que por favor se fuera. Y cuando salió, unas personas la siguieron por la calle, seguramente para cerciorarse que no fuera a ser una periodista encubierta o que hubiera un equipo de filmación esperándola afuera. Ella se quedó muy asustada y decidió cambiar de tema. Pero cuando nos contó esa anécdota en clase, fue como un click para mí, supe que ahí hay un universo oscuro, algo que obviamente no quieren sacar a la luz. Y empezó toda una investigación por Internet, ver videos, revisar mucha prensa y estuve fantaseando mucho tiempo con la idea de hacer un documental al respecto, pero con el tiempo también tuve la sensación de que iba a ser más interesante escribir una historia de ficción en la que pudiera crear los personajes y las situaciones, en la que tuviera la oportunidad de hablar de otros temas que se relacionaban, me parece, con el asunto de estas iglesias.
En este caso específico y por el gran aparato de seguridad que mantienen, existía la posibilidad de tener mucho más control con una película de ficción que con un documental.
Exactamente. Por otro lado también venía con la sensación de haber terminado la escuela, el ccc, con tres cortometrajes de ficción un poco más ingenuos, básicamente historias de niños, de preadolescentes, historias más familiares y más íntimas –dirigió y editó Los esquimales y el cometa (México, 2005) y Antes del desierto (México, 2010). Cuando egresé tenía la sensación de que quería hacer una película ya con un tema adulto, algo más fuerte, no quería quedar encasillado como el “director de películas de niños”. Y ahí fue que empecé a pensar en cuáles son los temas que me interesan, un poco coincidieron las cosas y esa terminó siendo la idea que empecé a desarrollar.
Aunque se retrata una iglesia evangélica brasileña, en realidad la crítica de la película abarca muchos más temas. ¿Cómo planteaste un personaje con un acento de portoñol, en México, en un edificio tan parecido al Pare de Sufrir? Implicaba una producción más grande, pero jamás te iban a dejar filmar ahí.
Fue un proceso complejo también la perspectiva de cuando estás empezando a escribir el guión, pues como escritor y realizador empiezas siempre a tomar ciertas decisiones. Ya tenía esta idea, un poco inspirado en otras películas que me gustan, de un personaje que se va volviendo un poco loco, en el fondo es la construcción de un antihéroe, que es un tipo de personaje que me gusta mucho. Pero también está todo lo que había que construir alrededor de él, para que resultara más o menos creíble. Eso ya que tenía su grado de complejidad y de toma de decisiones, porque el hecho de escribir que tienes un teatro con no sé cuánta gente adentro levantando las manos, adorando, cantando y llorando, se vuelve complejo en términos de producción. Te das cuenta que escribes una película que no vas a poder hacer con tus cinco amigos ni con un presupuesto de unos pesitos que juntes en una fiesta, sino que era una película que iba a ir creciendo, en términos de producción y que necesitaría un presupuesto importante. Claro, es un momento complejo en el que, como realizador y escritor, tienes que tomar decisiones y apostarle, porque si decides que todo González ocurrirá en una habitación, está difícil, sería un desafío enorme, de todo tipo. Y una vez que se toma la decisión de que sea una película grande –no de millones de dólares pero que sí necesita dinero–, empiezas a construir y a tratar de no meterte tú mismo el pie, eran muchos los detalles que había que ir creando para que resultara verosímil.
La cinta no resulta sólo una crítica al negocio detrás de la religión sino que es, digamos, un manifiesto sobre la soledad de las personas, no únicamente de los propios feligreses, sino de la gente común que ve en esta organización piadosa una vía para escalar económicamente. Es un retrato de la evasión mediante las promesas de fe, que contrastan con la crisis económica del país y la imposibilidad de los jóvenes de desarrollarse como profesionistas y como ciudadanos regulares.
Obviamente me interesaba este mundo de las iglesias neoevangélicas, pero había toda una serie de subtemas adyacentes que lo rodean y que me parecía importante hablar. Estamos rodeados de instituciones que nos engañan, nos manipulan, en las cuales ya no creemos como ciudadanos ni como habitantes del mundo. Estamos viviendo una crisis muy importante de credibilidad en nuestras autoridades, en nuestros gobernantes, en nuestros políticos, en los medios de comunicación pues ya no creemos en las grandes cadenas de televisión ni en lo que nos dicen sus noticieros, tampoco le creemos al banco cuando nos descuenta porque sí. Me interesaba que todo eso quedara retratado y que la película finalmente se volviera una gran metáfora en la que, claro, el punto llamativo que resalta son estas iglesias, pero en realidad habla sobre a qué grado hemos llegado en cuanto a la mercantilización de todo y a las expectativas que debemos llenar. Es decir, mientras más grande sea tu televisión, mientras mejor sea tu teléfono celular, vistas más caro o tu esposa sea la más guapa, etcétera, eres más exitoso. Hay una serie de presiones que empiezan a orillar a la gente a hacer cosas muy locas y muchas veces nos preguntamos por qué hay sicarios o personas que entran a una oficina y matan gente, pero si lo piensas bien, el problema es que vivimos en una sociedad y en un sistema que es psicópata, y el hecho de tratar de ajustarnos a esa sociedad provoca que haya gente muy disfuncional.
Hay una presión familiar para que González se inserte en el terreno profesional y en la independencia económica, en un entorno en el que no existen posibilidades reales más que la de ser telefonista de una empresa religiosa –o cajero o mensajero. Ese choque con la realidad, entre lo que él quiere, lo que le exigen y lo que puede ser, termina por trastornarlo.
Claro, a lo mejor en una primera lectura de la película puedes pensar que González está súper loco y que es un tipo despreciable al cual debieran encerrar en la cárcel, pero en realidad, analizando todas las cosas que ocurren en la película, al final es una víctima que desde el principio está pidiendo una oportunidad a la sociedad. Él quiere tener un trabajo, ganar bien, tener lo que en la tele te dicen que debes poseer y hace lo que se supone que hay que hacer: ir y buscar trabajo, decir lo que hay que decir. Sin embargo, una a una, las puertas se le van cerrando a un nivel muy agobiante y claustrofóbico en el que la única salida que le queda es hacer una locura.
Esto nos conduce, de nuevo, al género cinematográfico. Es un retrato profundo sobre este desencanto de la realidad en la sociedad contemporánea, sobre todo en Latinoamérica, donde estamos golpeadísimos, pero además te inserta en un thriller, en las películas de acción, que te mantiene siempre en el filo. ¿Cómo fuiste soltando esta presión?
Desde que estaba escribiendo el guión con Fernando del Razo –coguionista de la cinta–, teníamos muy clara la idea de que estuviera compuesta de dos ingredientes principales: por un lado que tuviera elementos de una película para un público amplio donde entraba el género, el thriller, el suspense, el antihéroe, que es un tipo de película muy reconocible, pero por otro lado queríamos tener este cine un poco más contemporáneo, más contemplativo –si le quieres llamar así–, más antropológico, más pausado, en el que te da tiempo para pensar, para imaginar cosas y, en general, también una película en la que no todo estuviera explicado didácticamente, donde hubiera algo de información escondida para dejar la puerta abierta a la imaginación del espectador, que a mí me parece súper importante. Creo que lo que ocurrió, finalmente, teniendo estos conceptos claros, ya al final es que se siente en dos tiempos, su primera mitad parece ser algo pausada y que se toma su tiempo para describir situaciones, personajes y una atmósfera, y que en la segunda parte va en un in crescendo en este sentido del suspenso, del thriller, con este twist final en el que no sabes si el personaje va a lograr lo que quiere o no, un final abierto.
La Fundación sgae ha organizado la Muestra de Cine Español en México, que se realizará entre el 27 de noviembre y el 4 de diciembre, de 2014, en la Cineteca Nacional. El ciclo, que cuenta con un total de 13 películas españolas de reciente producción, aún no estrenadas en el país, en busca de distribución comercial local.
Los títulos programados son:
Ayer no termina nunca (España, 2013), de Isabel Coixet.
Con la pata quebrada (España, 2013), de Diego Galán.
Edificio España (España, 2014), de Victor Moreno.
El artista y la modelo (España, 2012), de Fernando Trueba.
Gente en sitios (2013), de Juan Cavestany.
La casa Emak Bakia (España, 2013), de Oskar Alegría.
La herida (España), de Fernando Franco.
La plaga (España, 2013), de Neus Ballús.
Las maestras de la República (España, 2013), de Pilar Pérez Solano.
Magical girl (España, 2014), de Carlos Vermut.
Sueño y silencio (España-Francia, 2014), de Jaime Rosales.
Todos queremos lo mejor para ella (España, 2013), de Mar Coll.
Vivir es fácil con los ojos cerrados (España, 2013), de David Trueba.
En la XV edición del Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino, a realizarse del 27 al 30 de marzo en el Foro Sol se instalará por cuarto año consecutivo la carpa Ambulante, con capacidad para mil espectadores, en la que se proyectarán 13 documentales internacionales sobre música, arte, deportes, nuevas tecnologías y migración, que han formado parte de la Gira de Documentales Ambulante, en la zona cercana a la puerta 5.
Estos largometrajes se proyectarán, jueves a domingo, de 15:00 a 19:50 horas, y sus exhibiciones serán precedidas de presentaciones de diversos músicos y artistas como Camilo Lara (Instituto Mexicano del Sonido); Theo de María y Campos y Rodrigo Velázquez (Liquits); Ali Gardoki (Kumbia Queers); la cantante Jessy Bulbo; las actrices Alexandra de la Mora e Iliana Fox; el VJ Chuck Pereda y el cineasta Gregory Allen (director de El objeto antes llamado disco, la película)
La lista de documentales programados en la Carpa Ambulante es la siguiente: Jueves 27
¿Quién es Dayani Cristal? (México-Estados Unidos, 2012), de Marc Silver.
19:30 horas.
Viernes 28
All Tomorrow’s Parties (Reino Unido, 2009), de All Tomorrow’s People y Jonathan Caouette.
Presentado por Camilo Lara.
15:00 horas RiP: A Remix Manifesto (Canadá, 2008), de Brett Gaylor.
16:30 horas. The Punk Singer (Estados Unidos, 2013), de Sini Anderson.
Presentado por Jessy Bulbo
18:10 horas. The Crash Reel (Estados Unidos, 2013), de Lucy Walker.
Presentado por Jessy Bulbo
19:40 horas.
Sábado 29
Pussy Riot: A Punk Prayer (Reino Unido-Rusia, 2013), de Mike Lerner y Maxim Pozdorovkin. Presentado por Ali Gardoki.
15:00 horas.
Reincarnated (Estados Unidos, 2012), de Andy Capper.
16:30 horas.
Exit Through the Gift Shop (Estados Unidos-Reino Unido, 2009), de Banksy.
Presentado por Liquits.
18:15 horas.
Mistaken for Strangers (Estados Unidos, 2013), de Tom Berninger
Presentado por Liquits
19:50 horas.
30 de marzo Big Easy Express (Estados Unidos, 2012), de Emmett Malloy.
Establecido ya, en su cuarta edición, como un espacio abierto para el cine tanto vanguardista como experimental, que corre absolutamente por fuera de los circuitos comerciales e incluso de los festivales en su sentido más convencional, el Festival Internacional de Cine UNAM se ha consolidado como un espacio universitario autónomo y libertario, que este año, tendrá, entre sus invitados especiales, a Otar Iosseliani y a Gustavo Fontán, que además, abrió este año un premio para las propuestas de cine mexicano que se estrenan dentro de su programación.
El proyecto del Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM) se mantiene con el perfil y la estructura de sus inicios, sin embargo, puedo decir que ha madurando. Esto se refleja en una programación más libre, con una selección curatorial que ha podido moverse entre una mucha mayor variedad en la producción contemporánea. En específico puede notarse una mayor presencia de cortometrajes y mediometrajes, un producto cinematográfico, cabe mencionar, que encuentra pocos espacios en los festivales de cine y que, sin embargo, representa una muy inspirada y propositiva faceta fílmica que involucra a realizadores menos convencionales.
En estos años, hemos podido crecer en la selección mexicana. Una novedad importante es que se suma una competencia de películas mexicanas a los dos concursos ya existentes, la Competencia Internacional y el concurso Aciertos, para estudiantes de escuelas de cine.
Al abrir el espacio de Ahora México hemos querido celebrar la producción nacional, en muchos casos, hemos estrenado películas realmente independientes, que consideramos meritorias de una competencia. FICUNAM quiere fortalecerse como plataforma para el cine de autor y el cine nacional.
¿Cómo definiría el proyecto? Estoy cada vez más convencida de la personalidad de ficunam como un espacio filoso para el cine contemporáneo y la celebración del cine de autor del pasado. Es el festival cinematográfico mexicano en el que mejor puede apreciarse hacia donde va moviéndose y evolucionando el cine. Además resulta un pequeño oasis en la cartelera de la ciudad para aquellos cinéfilos y consumidores de cultura que tienen alergias a los espacios comerciales.
Nuestra Máxima Casa de Estudios ha mostrado, y sigue mostrando, toda la confianza hacia el proyecto, por lo que está apostándole, como nosotros, a que exista un público exigente para nuestras propuestas de vanguardias y experimentaciones, sin necesidad de crear ningún gancho para seducir el público. Confío en que la Universidad Nacional ha sumado al proyecto su misión original de estar al tanto de las nuevas propuestas, tendencias, experimentaciones en cualquier disciplina, y lo mismo en el cine. De ninguna forma ficunam ha sentido presión alguna en términos de elección de programación. Al formar parte de la Universidad tenemos como compromiso incluir actividades académicas que completen la propuesta de contenido. Esto va de la mano con nuestra programación y nos permite tener a estos grandes maestros del cine, en la serie de Clases Magistrales que organizamos con la Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro.
A partir de 2013, ficunam implementó una gira, lo que fue una experiencia muy positiva: nos fuimos a 12 estados de la República, en recintos y espacios muy diferentes, como universidades, teatros, funciones al aire libre en colaboración con las secretarías de cultura, gobiernos locales y, en otros casos, en organizaciones e instituciones privadas. Los resultados han sido muy positivos y diferentes, en cada caso. Los resultados dependen de la propuesta cultural de cada región, afortunadamente nos encontramos con un público curioso y ávido de propuestas diferentes. En lugares donde ya existe una cultura cinematográfica como el estado de Oaxaca, literalmente, estaban esperando a que llegara FICUNAM. En Culiacán, en donde hay muchas iniciativas cercanas al arte contemporáneo, también había muchas expectativas. Y resultó sorprendente en otras zonas, como el estado Colima, donde el gobierno estatal, por medio de la Secretaría de Cultura, está apostándole a la cultura. La primera edición de la gira, nos dejó el ánimo para continuar e incluso a intentar complementarlo con un espacio de análisis, discusión y crítica.
La crítica cinematográfica es parte fundamental de nuestro proyecto general. ficunam nació con una vocación editorial importante, lo que puede notarse viendo el catálogo y, por lo tanto, uno de sus pilares es el pensamiento crítico, el de la crítica, que sostiene toda la reflexión que es la base del proyecto. Quisiéramos rescatar todos los espacios posibles y fomentar las posibilidades que ofrece la tecnología, para regresarle a la crítica el papel que debe tener en la sociedad contemporánea en la que se multiplican los estímulos, al mismo tiempo que somos una cultura masificada, en la que se expanden geografías pero al mismo tiempo se homogeniza. Es necesario, para un festival como ficunam –cuya propuesta se mueve muy fuera de la propuesta comercial– construir su discurso en conjunto con una reflexión crítica. Y da el nivel para una dimensión internacional, en la que el festival cuenta ya con reconocimiento.
Nos parece fundamental esta oportunidad de tener un encuentro y una confrontación con personalidades internacionales en el ámbito de la crítica y que se instaure un diálogo con aquellos profesionales en México que también trabajan con una perspectiva internacional.
Desde que empezó el proyecto, se planteó que FICUNAM tuviera una parte académica que completara la propuesta de contenido. La Cátedra Ingmar Bergman unam en cine y teatro iba naciendo también y empezamos en conjunto. Fue una combinación natural. La colaboración nos ha funcionado muy bien, nos da la posibilidad de tener más recursos para traer grandes posibilidades a México, y de sumar energías. En la sesión que comparte con ficunam, la Cátedra ha ido enfocándose en la propuesta de cine y de sus contaminaciones con el arte contemporáneo. Creo que FICUNAM le aporta cierta frescura al proyecto y por esto nos entendemos a la perfección.
La idea del festival ha sido la de mezclar invitados muy reconocidos con otros más exóticos para nuestro entorno, o nuevas propuestas en el cine contemporáneo. Para muestra, los invitados de este año: Otar Iosseliani (Georgia, 1934), un clásico de la escuela rusa; Gustavo Fontán (Banfield, 1960), quien es un tipo muy original en el medio argentino y viene con su última película presentada recientemente –en noviembre de 2013– en el Festival de Roma El rostro (Argentina, 2013), y que es alguien que viene del medio teatral y del cinematográfico. Y luego, otro gran maestro, con un discurso político muy preciso, que se ha movido en el ámbito del arte contemporáneo
Hemos convocado a un premio para el cine nacional en la Competencia Mexicana, un paso importante y al mismo tiempo natural. El año pasado tuvimos seis películas mexicana en estreno, muchas presentadas por primera vez, como la de Nuria Ibáñez, El cuarto desnudo (México, 2013), que luego fue premiada como Mejor Largometraje Documental en el Festival de Cine de Morelia. Nos parecía que la atención que estaba generando el ficunam en el medio mexicano, y la confianza de los cineastas, deseosos de formar parte del contenido de un festival internacional, merecían ya una competencia. Hay muchos festivales en el país y siempre, afortunadamente, hay un espacio para el cine nacional, pero sucede que se crean círculos viciosos e infinitas repeticiones de los mismo. Aquí queremos abrir una ventana para nuevas oportunidades.
El cine que se premia en ficunam reúne una reflexión de forma a la propuesta de contenido, es decir, aquel que se rediscute, que se transforma y se renueva a través de las películas presentadas. Se ha escuchado hablar de La última película (México-Dinamarca-Canadá-Filipinas, 2013), filmada por el filipino Raya Martin y Mark Peranson, quien es editor de la revista Cinema Scope y programador del Festival de Locarno, entre otras cosas. Esta cinta es bastante paradigmática, en este sentido. La última película no significa que el cine esté muriendo, sino que va empujando hacia nuevos territorios y nuevas propuestas, expandiendo la galaxia del cine. Se trata de un cine que celebra a aquellos cineastas que han sabido experimentar y continúan propiciando el esmero de descubrir –reinventando y en homenaje al segundo largometraje de Dennis Hopper, filmado en Perú, The Last Movie (Estados Unidos, 1971), de accidentado rodaje y de culto en nuestros días.
El año pasado en la competencia internacional del Festival Internacional de Cine de Cannes, se presentó el primer largometraje del realizador alemán Philipp Hartman, El tiempo pasa como un rugido de león (Die Zeit vergeht wie ein brüllender Löwe, Alemania, 2013). Se trata de un filme-ensayo, brillante y propositivo, acerca del tiempo, y de los recuerdos. Conocíamos su trabajo anterior pues habíamos presentado un cortometraje el año anterior y nos pareció una gran oportunidad presentar su nueva película. Aceptó tener su estreno internacional en ficunam, lo que representó un atrevimiento: los grandes festivales perdonan que una película se exhiba antes en su país de origen, pero no que una producción alemana se estrene en México, lo que significaba quitarle la posibilidad de estrenar en certámenes como Cannes, Berlín o Venecia, entre otros. La película recibió una mención en y después tuvo una maravillosa gira por festivales. Lo importante fue que Hans Hurch, director de Viennale, reconoció el valor de la película al verla después, nos felicitó y la programó en el Vienna Internacional Film Festival, considerado en el ámbito internacional como el festival que programa lo mejor del año. Estar ahí significa un reconocimiento importante. Y con esta bendición, la película siguió moviéndose en un circuito importante, incluyendo el Festival Internacional de Cine Documental de Copenhague, CPH:DOX.
Respecto a la digitalización del cine, afortunadamente no tenemos problemas con esta satanización porque todavía usamos los envíos tradicionales, aunque ahora se trate de DCP (Digital Cinema Package o paquete de cine digital), ya que todo lo digital lo presentamos en ese formato. Pero aún, afortunadamente, nos toca proyectar el celuloide, con tanta retrospectiva. Nosotros seguimos con muchas ganas de presentar cine en celuloide y, en la medida de lo posible, vamos buscando en los archivos. Tenemos copias que vienen de la Cinémathèque Française, de la cinemateca de Vienna, etcétera.
Creo que en el panorama mexicano es algo muy original, muy específico, perfilado hacia las vanguardias cinematográficas internacionales. En ficunam queremos traer el cine mas fresco, el que tiene un discurso claro, una reflexión inherente a su propuesta formal. El cine que está proponiendo algo. Nos sentimos muy cercanos a los festivales con los que colaboramos, como FidMarseille, Locarno, el Festival de Roma o el Bafici de Buenos Aires.
Este artículo forma parte de los contenidos del número 32de la revista cine TOMA, de enero-febrero de 2014. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.
El escritor Jorge Volpi, nuevo director del FIC, esta mañana, mientras
describía el programa general de la edición cuadragésimo primera.
Foto: Sergio Raúl López/cine TOMA.
La mañana del martes 30 de julio se dio a conocer la programación general del cuadragésimo primer Festival Internacional Cervantino (FIC) de Guanajuato, el festejo cultural más importante del país, mismo que incluye muestras de todas las artes dentro de sus actividades, que se realizarán del 9 al 27 de octubre de 2013, teniendo dos ejes temáticos: El arte de la libertad y Verdi vs. Wagner, además de contar como invitados de honor a Uruguay y a Puebla.
La selección de cine, que ha sido coordinada y curada por Jorge R. Pantoja Merino, el emblemático promotor cinematográfico que se encargó durante largos años del Cine Club de la Universidad de Guanajuato así como de Cine en el Once, pero que en la administración anterior fuera excluido de estos ciclos, que realizó durante mucho tiempo y a los que ahora vuelve.
La programación de cine del 41 FIC iniciará con la proyección de Heli, del realizador guanajuatense Amat Escalante, quien fue galardonado como Mejor Director del pasado 55 Festival Internacional de Cine de Cannes, y se complementará con un homenaje a Carlos Fuentes y Juan Ibáñez, con el ciclo Cine de festival al aire libre en “Las Escalinatas”, y otro en el Cine Club de la Universidad de Guanajuato. También se proyectarán óperas de Verdi y de Wagner en pantalla grande.
Proyección inaugural
Heli, de Amat Escalante. Proyección de la cinta y diálogo con el director.
Jueves 10 de octubre, 20:00 horas. Escalinatas de la Universidad de Guanajuato.
Homenaje a Carlos Fuentes y a Juan Ibáñez
Proyección de Los Caifanes
Viernes 11 de octubre, 20:00 horas
Escalinatas de la Universidad
Mesa redonda: Georgina García, Fernanda Solórzano y Julissa
Viernes 11 de octubre, 12:00 horas. Salón Fumador del Teatro Juárez.
Cine de Festival al aire libre en “Las Escalinatas”
Del 10 al 26 de octubre 20:00 horas. Entrada libre
Cinco de mayo, la Batalla, de Rafa Lara. Sábado 12.
Arráncame la vida, de Roberto Sneider. Domingo 13.
La leyenda de la nahuala, de Ricardo Arnaiz. Lunes 14.
Nikté, de Ricardo Arnaiz. Martes 15.
La revolución de Juan Escopeta, de Jorge A. Estrada. Miércoles 16.
Kirikú y las bestias salvajes, de Michel Ocelot y Bénédicte Galup. Jueves 17.
Cronópolis, de Piotr Kamler. Viernes 18.
Nazarín, de Luis Buñuel. Sábado 19.
Bella de día, de Luis Buñuel. Domingo 20.
Las Poquianchis, de Felipe Cazals. Lunes 21.
Los olvidados, de Luis Buñuel. Martes 22.
Un Buñuel mexicano, de Emilio Maillé. Miércoles 23.
¡Viva María!, de Louis Malle. Jueves 24.
El jardín del mal, de Henry Hathaway. Sábado 26.
Cine Club de la Universidad de Guanajuato
Auditorio Euquerio Guerrero. Del 11 al 25 de octubre. 12:00 horas. Entrada libre.
La noche americana, de François Truffaut. Viernes 11.
Cotton Club, de Francis Ford Coppola. Sábado 12.
Las señoritas de Wylko, de Andrzej Wajda. Domingo 13.
El año pasado en Marienband, de Alain Resnais. Lunes 14.
Los modernos, de Alan Rudolph. Martes 15.
Cuando pasan las cigüenas, de Mikhail Kalatozov. Miércoles 16.
La luna es azul, de Otto Preminger. Jueves 17.
Soy curiosa-amarillo, de Vilgot Sjöman. Viernes 18.
Historia de Tokio, de Yasujiro Ozu. Sábado 19.
La regla del juego, de Jean Renoir. Domingo 20.
El caballo de dos patas, de Samira Makhmalbaf. Lunes 21.
Harry y Tonto, de Paul Mazursky. Martes 22.
Jú Dóu, amor prohibido, de Zhang Yimou y Yang Fengliang. Miércoles 23.
Pascualino siete bellezas, de Lina Wertmüller. Jueves 24.
El mariachi, de Robert Rodriguez. Viernes 25.
Verdi vs . Wagner en pantalla gigante
Ciclo de las mejores óperas de los dos compositores.
Patio de Relaciones Industriales de la Universidad de Guanajuato. 18:00 horas. Entrada libre.
• Cinco ensayos en torno a la relación del cine con su sociedad: de Julio Bracho a Luis Estrada, y de Federico Fellini a Pier Paolo Pasolini, pasando por Costa-Gavras, y un cuento: “Efectos de la proyección”.
• Un vistazo al 28 ficg: la inclusión de la Sección Mexicana en la competencia Iberoamericana; el homenaje a Ernesto Gómez Cruz y a Jean Troell, y la presencia de los países nórdicos.
• Jorge Sánchez Sosa, nuevo director del Instituto Mexicano de Cinematografía, organismo que conmemora 30 años de vida.
• Industria: El cine digital y la plataforma mexicana NuFlick; las iniciativas audiovisuales pendientes en el Congreso mexicano.
• Festivales: 2º Riviera Maya Film Festival, 9º Festival Kinoki. Estrenos: Ciudadano Buelna, de Felipe Cazals; Cuates de Australia, de Everardo González; La demora, de Rodrigo Plá, y El premio, de Paula Markovitch. La voz de Geraldine Chaplin.
Si bien el arte cinematográfico ha fallado en sus intentos recurrentes por reproducir la realidad de manera fidedigna –lo cual resulta notorio en las recientes salas sensoriales y con movimiento, llamadas 4d–, lo que sí logra es reflejarla constantemente, además de ser un resguardo histórico, emocional e ideológico de los tiempos grabados ya en cinta de celuloide o en respaldo electrónico. Incluso ha logrado –sobra decir que inconscientemente la mayor parte de las veces– prever la realidad y hasta darnos una vista del porvenir. Y los ejemplos sobran.
Esta fuerza innegable, este mérito incomprensible, ha provocado, claro está, la tentación de censurar o, al menos, de controlar los contenidos de lo que se proyecta en la pantalla grande –y en el resto de las pantallas que tenemos disponibles actualmente, como los actuales intentos de restringir los contenidos de la Red Mundial–, en una larga y negra historia.
La compleja relación de la producción cinematográfica con la sociedad en que se produce es motivo de infinitas anécdotas y remembranzas. Y algunos ejemplos de ello se reúnen en el dossier del vigésimo séptimo número de la revista cine TOMA, que circulará por toda la República Mexicana durante marzo y abril de 2013, con cinco ensayos y un cuento largo en torno a la fascinante relatoría de las películas y los hechos que producen, reflejan o profetizan.
La cinta producida para conmemorar el cincuentenario de la Revolución Mexicana y que acabó prohibida por casi treinta años, La sombra del caudillo, de Julio Bracho, es pretexto para abordar la soterrada censura del Ejército y otros poderes gubernamentales, por parte del investigador e historiador Eduardo de la Vega Alfaro. Páginas adelante, se aborda la contradicción entre la necesidad humana y la falta de libertad que conlleva, junto con la ausencia de códigos morales que caracterizan tanto a los miembros del crimen organizado como a los personajes de la cinta El infierno, de Luis Estrada, desde la óptica de la filósofa de la educación Luisa Álvarez Cervantes.
La aparente metáfora que relacionaría la escena final de La dolce vita, de Federico Fellini, con el asesinato de la joven Wilma Montessi en Roma –siempre negada–, es motivo de un extenso ensayo del investigador fílmico Ernesto Román. Otro caso italiano, ahora el asesinato del poeta y realizador Pier Paolo Pasolini, plagado de múltiples descuidos e indolencias oficiales, planteado en paralelismo con el del poeta granadino Federico García Lorca, es tema de un texto del escritor y ensayista veracruzano Pedro Paunero.
Otro caso de censura y restricción, el de la cinta Desaparecido, de Costa-Gavras, lleva al crítico cinematográfico Ricardo Pohlenz a rememorar la filmación de la historia sobre el golpe militar de septiembre de 1973 en Chile, en el estadio de Ciudad de los Deportes y otras locaciones de la Ciudad de México. Para cerrar el dossier se incluye un cuento en tono lezámico del poeta chiapaneco Roberto López Moreno, “Efectos de la proyección”, en torno a las experiencias lúbricas vistas en la sala oscura pero imposibles de ser reproducidas fuera de ella.
El vigésimo octavo Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) es motivo de un segundo dossier, en el que se aborda, primero, la decisión de que la Sección Mexicana fuese absorbida en la Competencia Iberoamericana general, mismo que es explicado tanto por su Director General, Iván Trujillo Bolio, como por su Director de Programación, Gerardo Salcedo, junto al resto de cambios, modificaciones y crecimiento para este 2013.
También se ofrecen perfiles de dos de los homenajeados del 28 ficg: el director sueco Jean Troell, por parte del crítico José Antonio Valdés Peña, y del emblemático actor mexicano Ernesto Gómez Cruz, en la pluma del periodista Fabián de la Cruz Polanco. Y se ofrece un recorrido por las cinematografías de los cinco países nórdicos, región invitada de honor en 2013: Dinamarca, Islandia, Suecia, Finlandia y Noruega.
La sección Desde la Filmoteca de la unam, invita a la Muestra de Cine Chileno. Jóvenes Realizadores, que se realizará a mediados de marzo, detallada por Alejandra Valenzuela y Eduardo Machuca; además del documental Cuidadito, cuidadito, sobre María Victoria y un curso sobre Luis Buñuel, que será impartido por Vittorio Boarini, fundador de la Filmoteca de Bolonia.
Jorge Sánchez Sosa, nuevo director del Instituto Mexicano de Cinematografía, comparte algunos de los puntos fundamentales de lo que será su plan de trabajo, entre los que incluye aumentar el acceso del público a la producción de cine nacional así como subir la rentabilidad de las mismas, y claro, festejar los 30 años del organismo, creado el 25 de marzo de 1983, en entrevista con el periodista Luis Carrasco.
En la sección Industria, se abordan las posibilidades crecientes de los estrenos en línea así como del cine digital por Celeste North, fundadora de la plataforma mexicana NuFlick, y más adelante, el guionista Víctor Ugalde comparte un análisis detallado de las iniciativas tanto para modificar la Ley de Cinematografía como el artículo 226 de la Ley del isr, pendientes en el Congreso mexicano, además de repasar el importante papel que ha jugado el organismo en el terreno del audiovisual en los últimos 15 años, al que se añade un compilado de la mayoría de ellas.
En Festivales, la directora del Riviera Maya Film Festival, Paula Chaurand, adelanta algunos aspectos de su segunda edición, a realizarse del 21 al 27 de abril, en Quintana Roo; mientras que los estudiantes que organizan el Festival Internacional de Cine Universitario Kinoki, nos invitan a su novena edición, del 11 al 15 de marzo.
En Estrenos, se incluye una larga entrevista con Felipe Cazals a propósito de su reciente filme sobre la Revolución Mexicana, Ciudadano Buelna; el documentalista Everardo González aborda su quinto largometraje, Cuates de Australia, en charla con Salvador Perches; Rodrigo Plá habla sobre la producción uruguayo-mexicana La demora, y Paula Markovitch sobre la película argentino-mexicana El Premio, también en entrevista con Salvador Perches. Para finalizar, se incluye una entrevista con la actriz Geraldine Chaplin, en su visita al Festival de Morelia, realizada por Luis Carrasco.
Esta es la portada del número vigésimo séptimo de cine TOMA, revista bimestral que circulará por toda la República Mexicana durante marzo y abril de 2012, cuyo dossier contiene cinco ensayos y un cuento largo en torno a la relación entre cine y sociedad, desde La sombra del caudillo, de Julio Bracho, hasta El Infierno0, de Luis Estrada, pasando por La dolce vita, de Federico Fellini; el asesinato del poeta Pier Paolo Pasolini, y la filmación en la Ciudad de México de Desaparecido, de Costa-Gavras, además de la ficción “Efectos de la proyección”, del poeta chiapaneco Roberto López Moreno. Se incluye, además, un amplio y detallado dossier sobre la vigésimo octava edición del Festival Internacional de Cine en Guadalajara.
Cine TOMA 27 circulará durante marzo y abril de 2013 por todo el país en locales cerrados.
