Archive for 27 enero 2017

Ganadores del IX Hazlo en Cortometraje

enero 27, 2017

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La premiación de la novena edición del Concurso Hazlo en Cortometraje, que convocan conjuntamente la Fundación Bancomer y la Fundación Cinépolis, se efectuó el jueves 26 de enero en Cinépolis Arcos Bosques, teniendo como temática la “Ciudadanía Creativa” y recibieron trabajos de 128 universidades de 26 entidades del país. Los proyectos seleccionados serán proyectados en diversos foros y festivales a nivel nacional. El primer lugar de cada categoría recibirá 70 mil pesos y el segundo sitio 30 mil pesos. En la categoría Experimental, el premio único es de 50 mil pesos. En esta edición, el Premio al Potencial Bancomer se otorga al cortometraje “Equilibrio” de María Bello, estudiante del Diplomado en Realización del SAE Institute, Condesa. El premio consta de un viaje todo pagado para que un integrante del equipo realizador del cortometraje tome un taller en la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV) en San Antonio de los Baños, Cuba. La Universidad Interamericana para el Desarrollo (UNID), Campus Taxqueña, ganó la Beca a la Facultad por participar con ocho cortometrajes participantes, consistente en una antología de libros de cine otorgada por la Fundación Bancomer.

Los cortometrajes ganadores son los siguientes:

Ficción:

Primer lugar

En un Mundo Paralelo, de Mario Genel Pulido, del Master in Arts, Film, Television and New Media, de la San Diego State University en California.

Segundo lugar

El Árbol de la Poesía, de Jorge Arturo Sosa Martínez, de Comunicación y Medios de la Universidad de Montemorelos de Nuevo León.

Documental:

Primer lugar

Equilibrio, de María Bello. del Diplomado en Realización, del SAE Institute Condesa, de la Ciudad de México.

Segundo lugar

Manantial, de José Francisco Martínez Rendón,de Diseño Gráfico de la Facultad de Estudios Superiores Acatlán, de la Universidad Nacional Autónoma de México, de Naucalpan, Estado de México.

Animación:

Primer lugar

Archipiélago, de Diego Antonio Acevedo Aguilar, de la Licenciatura en Animación y Arte Digital, del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey campus Querétaro.

Segundo lugar

Temporal, de Natalia Pájaro, de Artes Visuales de la Facultad de Artes y Diseño, de la Universidad Nacional Autónoma de México en Xochimilco, Ciudad de México.

Experimental

Premio Único

Un Todo Creativo, de Óscar Ortega Navoa, de la Licenciatura en Comunicación, de la Universidad Univer Millenium, en Toluca, Estado de México.

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Rodrigo Prieto, candidato a Mejor Cinefotografía en la LXXXIX Oscar

enero 25, 2017

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Al realizarse el anuncio de los trabajos que aspiran a ganar el Premio de la Academia al Mérito en su octogésima novena entrega –por primera vez mediante un video en línea, ya grabado y editado, en su página electrónica y en YouTube, y ya no en una rueda de prensa ante periodistas–, se destacó que el cinefotógrafo mexicano Rodrigo Prieto es uno de los cinco aspirantes en la categoría de Mejor Fotografía por su trabajo en Silencio, producción estadounidense, taiwanesa y mexicana del veterano y consagrado director neoyorquino Martin Scorsese. En tanto, el cortometraje español Timecode, de Juanjo Jiménez, fue incluido en la categoría de Cortometraje de Ficción, siendo los dos únicos representantes iberoamericanos, en un año en el que la inclusión de historias y personas de raza negra parece haber sustituido la filia hispanoamericana mostrada en entregas pasadas. Y la película con mayor número de nominaciones y, aparentemente, la favorita, es un músical de impecable factura que rinde homenaje a los clásicos del género, La La Land, dirigido y escrito por el estadounidense Damien Chazelle, teniendo como protagonistas a Ryan Gosling y a Emma Stone, al aparecer en 14 de las 24 categorías en competencia, mismas que reciben los votos de los 6 mil 687 miembros votantes de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos (AMPAS por sus siglas en inglés). Al anuncio acudieron dos de sus miembros mexicanos: el actor Demián Bichir y el director Guillermo del Toro.

La ceremonia de premiación del Oscar se verificará el 26 de febrero de 2017 en el Teatro Dolby de Hollywood, en Los Ángeles.

Mejor Actor

Casey Affleck in “Manchester by the Sea”

Andrew Garfield in “Hacksaw Ridge”

Ryan Gosling in “La La Land”

Viggo Mortensen in “Captain Fantastic”

Denzel Washington in “Fences”

Mejor Actor de Reparto

Mahershala Ali in “Moonlight”

Jeff Bridges in “Hell or High Water”

Lucas Hedges in “Manchester by the Sea”

Dev Patel in “Lion”

Michael Shannon in “Nocturnal Animals”

Mejor Actriz

Isabelle Huppert in “Elle”

Ruth Negga in “Loving”

Natalie Portman in “Jackie”

Emma Stone in “La La Land”

Meryl Streep in “Florence Foster Jenkins”

Mejor Actriz de Reparto

Viola Davis in “Fences”

Naomie Harris in “Moonlight”

Nicole Kidman in “Lion”

Octavia Spencer in “Hidden Figures”

Michelle Williams in “Manchester by the Sea”

Mejor Película de Animación

“Kubo and the Two Strings” Travis Knight and Arianne Sutner

“Moana” John Musker, Ron Clements and Osnat Shurer

“My Life as a Zucchini” Claude Barras and Max Karli

“The Red Turtle” Michael Dudok de Wit and Toshio Suzuki

“Zootopia” Byron Howard, Rich Moore and Clark Spencer

Mejor Fotografía

“Arrival” Bradford Young

“La La Land” Linus Sandgren

“Lion” Greig Fraser

“Moonlight” James Laxton

“Silence” Rodrigo Prieto

Mejor Diseño de Vestuario

“Allied” Joanna Johnston

“Fantastic Beasts and Where to Find Them” Colleen Atwood

“Florence Foster Jenkins” Consolata Boyle

“Jackie” Madeline Fontaine

“La La Land” Mary Zophres

Mejor Dirección

“Arrival” Denis Villeneuve

“Hacksaw Ridge” Mel Gibson

“La La Land” Damien Chazelle

“Manchester by the Sea” Kenneth Lonergan

“Moonlight” Barry Jenkins

Mejor Largometraje Documental

“Fire at Sea” Gianfranco Rosi and Donatella Palermo

“I Am Not Your Negro” Raoul Peck, Rémi Grellety and Hébert Peck

“Life, Animated” Roger Ross Williams and Julie Goldman

“O.J.: Made in America” Ezra Edelman and Caroline Waterlow

“13th” Ava DuVernay, Spencer Averick and Howard Barish

Mejor Cortometraje Documental

“Extremis” Dan Krauss

“4.1 Miles” Daphne Matziaraki

“Joe’s Violin” Kahane Cooperman and Raphaela Neihausen

“Watani: My Homeland” Marcel Mettelsiefen and Stephen Ellis

“The White Helmets” Orlando von Einsiedel and Joanna Natasegara

Mejor Edición

“Arrival”Joe Walker

“Hacksaw Ridge” John Gilbert

“Hell or High Water” Jake Roberts

“La La Land” Tom Cross

“Moonlight” Nat Sanders and Joi McMillon

Mejor Película de Habla no Inglesa

“Land of Mine” Denmark

“A Man Called Ove” Sweden

“The Salesman” Iran

“Tanna” Australia

“Toni Erdmann” Germany

Mejor Maquillaje y Peinado

“A Man Called Ove” Eva von Bahr and Love Larson

“Star Trek Beyond” Joel Harlow and Richard Alonzo

“Suicide Squad” Alessandro Bertolazzi, Giorgio Gregorini and Christopher Nelson

Mejor Banda Sonora

“Jackie” Mica Levi

“La La Land” Justin Hurwitz

“Lion” Dustin O’Halloran and Hauschka

“Moonlight” Nicholas Britell

“Passengers” Thomas Newman

Mejor Canción original

“Audition (The Fools Who Dream)” from “La La Land”
Music by Justin Hurwitz; Lyric by Benj Pasek and Justin Paul

“Can’t Stop The Feeling” from “Trolls”
Music and Lyric by Justin Timberlake, Max Martin and Karl Johan Schuster

“City Of Stars” from “La La Land”
Music by Justin Hurwitz; Lyric by Benj Pasek and Justin Paul

“The Empty Chair” from “Jim: The James Foley Story”
Music and Lyric by J. Ralph and Sting

“How Far I’ll Go” from “Moana”
Music and Lyric by Lin-Manuel Miranda

Mejor Película

“Arrival” Shawn Levy, Dan Levine, Aaron Ryder and David Linde, Producers

“Fences” Scott Rudin, Denzel Washington and Todd Black, Producers

“Hacksaw Ridge” Bill Mechanic and David Permut, Producers

“Hell or High Water” Carla Hacken and Julie Yorn, Producers

“Hidden Figures” Donna Gigliotti, Peter Chernin, Jenno Topping, Pharrell Williams and Theodore Melfi, Producers

“La La Land” Fred Berger, Jordan Horowitz and Marc Platt, Producers

“Lion” Emile Sherman, Iain Canning and Angie Fielder, Producers

“Manchester by the Sea” Matt Damon, Kimberly Steward, Chris Moore, Lauren Beck and Kevin J. Walsh, Producers

“Moonlight” Adele Romanski, Dede Gardner and Jeremy Kleiner, Producers

Mejor Diseño de Producción

“Arrival” Production Design: Patrice Vermette; Set Decoration: Paul Hotte

“Fantastic Beasts and Where to Find Them” Production Design: Stuart Craig; Set Decoration: Anna Pinnock

“Hail, Caesar!” Production Design: Jess Gonchor; Set Decoration: Nancy Haigh

“La La Land” Production Design: David Wasco; Set Decoration: Sandy Reynolds-Wasco

“Passengers” Production Design: Guy Hendrix Dyas; Set Decoration: Gene Serdena

Mejor Cortometraje Animado

“Blind Vaysha” Theodore Ushev

“Borrowed Time” Andrew Coats and Lou Hamou-Lhadj

“Pear Cider and Cigarettes” Robert Valley and Cara Speller

“Pearl” Patrick Osborne

“Piper” Alan Barillaro and Marc Sondheimer

Mejor Cortometraje de Ficción

“Ennemis Intérieurs” Sélim Azzazi

“La Femme et le TGV” Timo von Gunten and Giacun Caduff

“Silent Nights” Aske Bang and Kim Magnusson

“Sing” Kristof Deák and Anna Udvardy

“Timecode” Juanjo Giménez

Mejor Edición de Sonido

“Arrival” Sylvain Bellemare

“Deepwater Horizon” Wylie Stateman and Renée Tondelli

“Hacksaw Ridge” Robert Mackenzie and Andy Wright

“La La Land” Ai-Ling Lee and Mildred Iatrou Morgan

“Sully” Alan Robert Murray and Bub Asman

Mejor Sonido

“Arrival” Bernard Gariépy Strobl and Claude La Haye

“Hacksaw Ridge” Kevin O’Connell, Andy Wright, Robert Mackenzie and Peter Grace

“La La Land” Andy Nelson, Ai-Ling Lee and Steve A. Morrow

“Rogue One: A Star Wars Story” David Parker, Christopher Scarabosio and Stuart Wilson

“13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi” Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush and Mac Ruth

Mejores Efectos Visuales

“Deepwater Horizon” Craig Hammack, Jason Snell, Jason Billington and Burt Dalton

“Doctor Strange” Stephane Ceretti, Richard Bluff, Vincent Cirelli and Paul Corbould

“The Jungle Book” Robert Legato, Adam Valdez, Andrew R. Jones and Dan Lemmon

“Kubo and the Two Strings” Steve Emerson, Oliver Jones, Brian McLean and Brad Schiff

“Rogue One: A Star Wars Story” John Knoll, Mohen Leo, Hal Hickel and Neil Corbould

Mejor Guión Adaptado

“Arrival” Screenplay by Eric Heisserer

“Fences” Screenplay by August Wilson

“Hidden Figures” Screenplay by Allison Schroeder and Theodore Melfi

“Lion” Screenplay by Luke Davies

“Moonlight” Screenplay by Barry Jenkins; Story by Tarell Alvin McCraney

Mejor Guión Original

“Hell or High Water” Written by Taylor Sheridan

“La La Land” Written by Damien Chazelle

“The Lobster” Written by Yorgos Lanthimos, Efthimis Filippou

“Manchester by the Sea” Written by Kenneth Lonergan

“20th Century Women” Written by Mike Mills

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Marco Julio Linares, nuevo director del CCC

enero 20, 2017

Nota bene: El profesor Marco Julio Linares fue electo director general del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), por acuerdo de la Secretaria de Cultura federal, María Cristina García Cepeda, el pasado jueves 19 de enero. La ceremonia de nombramiento fue presidida por el Subsecretario de Desarrollo Cultural, Saúl Juárez Hernandez en las instalaciones de la escuela, en el  Centro Nacional de las Artes. De esta manera, Linares, quien ha sido docente del Centro durante más de dos décadas sustituye al cinefotógrafo Henner Hoffman, quien ocupara la dirección desde el primero de diciembre de 2008 hasta noviembre de 2016. A propósito de este hecho, es que reproducimos la entrevista que Luis Carrasco sostuvo con el cineasta en octubre pasado, cuando aún era candidato al cargo, misma que se encuentra publicada en el número 49 de la revista Cine Toma,  que circula desde noviembre pasado.

Dedicación, constancia, rigor y preparación permanenteMarco Julio Linares, nuevo director del CCC

Por Luis Carrasco García

Egresado de la Facultad de Ingeniería de la UNAM, con estudios en Medios de Comunicación y Cine por la Universidad de Chapel Hill en Carolina del Norte, Estados Unidos, Marco Julio Linares fue director general de los estudios Churubusco-Azteca, de 1985 a 1993, ha producido y dirigido un sinnúmero de documentales para cine y televisión y, actualmente, es coordinador ejecutivo del Eficine 189, en el Imcine; sin embargo, en su profesión, la docencia ha sido una constante que, además, lo ha llenado de múltiples satisfacciones, entre ellas: haber sido uno de los fundadores de la UAM Xochimilco, recibir el CILECT Teacher Award 2014 como Mejor Maestro de la Asociación mundial de escuelas de cine y Televisión, fundado en Cannes en 1955 y, más recientemente, ser candidato a la Dirección de una de las mejores escuelas de cine en México y América Latina, el CCC.

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Foto: Pedro González Castillo.

¿En tu experiencia de tantos años como docente, cuál es la importancia que puede tener la educación, dentro del cine, sobre todo en un país donde tenemos tanta tradición audiovisual, pero que no se ha traducido en que vayamos ver nuestras películas, el cine que hace en nuestro país?

Hoy, con las nuevas plataformas, más personas tienen acceso al cine mexicano, pero ¿cuál es la razón fundamental? En lo personal, el cine, al ser el último arte inventado por la humanidad y al ser un trabajo colectivo, es lo que más me emociona, lo que más pasión me da. El cine se tiene que hacer con pasión, va más allá de una profesión.

Y eso lo he traducido en compartir mi conocimiento. Lo que más requerimos en nuestro país es educación, formación, capacitación, estar siempre preparados para hacer mejor nuestro trabajo. En ese sentido, pienso que el cine necesita más que una gran formación técnica. El buen cineasta es un gran narrador de las imágenes y, hoy, de las imágenes audiovisuales.

Si el narrador no tiene ni la capacidad ni la formación de contar historias, no se va a ver lo que sucede en México y en el mundo. A lo largo de estos años aprendí que todos los países tienen una gran cinematografía en volumen, pero sólo el 10% es de altísima calidad; si México producía y ha producido en los dos últimos dos o tres años 100 películas, 10 son de alta calidad, y está demostrado.

En la Época de Oro era distinto, era el único cine producido con el afán de entretener a un mundo en guerra, de ahí que las comedias mexicanas trascendieron en todos lados. Yo pienso que la Época de Oro es la que vivimos, porque ahorita estamos planteando y haciendo historias nuevas, actualizadas. Hay muchos más jóvenes participando en la producción, la dirección, los guiones, y la fotografía.

Tenemos dos grandes fortunas: las dos escuelas más sólidas de América Latina en la enseñanza del cine, el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (cuec) y el Centro de Capacitación Cinematográfica (ccc). Debemos preparamos a contar historias. Mi abuela materna nos contaba historias y nos las creíamos, tal vez fueron reales, tal vez no, pero es eso lo que debe hacer el narrador, lo que es un cineasta, y ésa ha sido la razón de ser de estos 40 años que me he dedicado a la enseñanza del cine: contar historias, que los guiones sean sólidos.

 

En la enseñanza del cine te has especializado en guión, ¿crees que ha habido una evolución en la manera de contar historias? Mucho se ha dicho sobre que, en el cine mexicano, el talón de Aquiles son los guiones. ¿Estás de acuerdo en ello?

El cine mexicano requiere más rigor en los guiones que prepara, definitivamente, es una situación universal. La cinematografía más prolífica es la India, que produce 1 500 películas al año, ¿cuántas nos llegan a México?, tal vez una o dos, porque sus historias están pensadas para su mercado; los chinos, de manera semejante, son la segunda; los japoneses, la tercera; los norteamericanos, la cuarta; los franceses, la quinta.

En este sentido, cada uno tiene su mercado. ¿Qué sucede con el mercado mexicano? La mexicana es la cuarta población que ve más cine en el mundo, pero tenemos el impacto de todas las majors que se asocian con los exhibidores y captan la exhibición; no digo que sea bueno o malo, simplemente es un mercado.

Tenemos que contar nuestras historias a nuestro modo, porque México fue la quinta cinematografía emergente en el mundo; nació en Francia, pasó a Inglaterra, Alemania, Estados Unidos y México fue la quinta nación que tuvo una cinematografía. Tenemos más de 100 años de cine, tradición, formación, había que narrar historias.

Al principio, el cine mexicano fue fundamentalmente documental, de ahí que ahora las historias se tengan que documentar. Se puede tener una imaginación creativa en torno a un hecho de la realidad, y mientras más distancia tomes de esa realidad, más ficción le vas a poder dar. Eso hay que hacerlo con rigor, con metodología.

Los que queremos hacer cine tenemos que aprender la metodología y ésa es la razón de ser de la enseñanza; académicamente, tenemos que ser cada vez mejores. La técnica la aprendes, la tecnología hay que usarla en beneficio de lo que uno quiere decir o comunicar. De qué sirve que la película tenga unos efectos maravillosos, si no me dice nada, si no hay nada que contar; siempre hay que tener algo que decir. Si es profunda, se vuelve universal.

 

Hablando en términos de guión, hay muy buenas historias, como Norteado, Fecha de caducidad o La delgada línea amarilla, que son propuestas muy bien elaboradas, pero no funcionan en la pantalla, por alguna razón la gente no va a verlas.

Aquí hay que ver quién va al cine. Unos, los que tenemos la fijación de ir al cine, de conocer el mundo, la vamos a buscar. En términos generales, por la situación que vive el país, los recursos para divertirse son mínimos. Una familia con dos o tres hijos tiene que racionalizar su gasto, ésa es una de las razones por las que nuestra población, que es cinéfila natural, ve más cine mexicano en promedio en la televisión que en las salas, lo cual se puede revisar en las estadísticas de los Anuarios que publica el Imcine.

Hoy ir a las salas es mucho más caro. La preocupación del Imcine ha ido siempre generar audiencias complementarias a las que están en (el cine) comercial, se está haciendo, pero no hay los recursos suficientes. En este sentido, tenemos que seguir contando historias, la gente debe tener el convencimiento de que para contar historias se necesita saber contarlas, tener rigor, prepararse, meterse a todos los talleres posibles para poder tener laa capacidad, que no todos tienen, de visualizar.

Cualquier cinematografía del mundo tiene un basamento de literatura narrativa fundamental y se apoya en ella, ya no digamos la norteamericana, que es semejante a la inglesa. Si se revisa una buena película de esas nacionalidades, lo más seguro es que esté apoyada por un libro o alguna historia de literatura o de algún reportaje, pero además necesita de la investigación, de ir a todas las fuentes posibles que abreven nuestras historias.

El buen cine requiere dedicación, constancia, rigor y preparación permanente.

 

En el tiempo que llevas dando clase, ¿has notado diferencias o cambios en la manera de escribir guiones?

El cineasta tiene que ser antropófago, no en el sentido físico, sino metafórico; uno se nutre de los demás, cada vez hay más cambios. Desgraciadamente, algunos toman la vía rápida de “ahí escribo” y se van generando proyectos fallidos; hay que darle a la historia estructuras dramáticas sólidas, puede no gustar lo que sucede, pero se reconoce que está bien contada. Hay unos cineastas que lo traen genéticamente, como es el caso de Jonas Cuarón con Desierto.

En esta universalidad de la globalización comercial que vive la humanidad, lo profundo nacional, lo profundo local, lo profundo personal se vuelve universal si es realmente de raíces profundas; los seres humanos son uno en todo el mundo.

 

En términos de contar historias, ¿qué hemos ganado y qué hemos perdido?

Con respecto al guión, el cine mexicano ha ganado siempre, esto no quiere decir que no haya baches, aunque también ha habido buenas etapas como el cine que se producía antes, en las décadas de los setenta y ochenta, con los nuevos directores como los Fons, los Cazals, los Ripstein. Hoy, más que nunca, con escuelas de cine como el CUEC y el CCC, que ya tienen 40 y 50 años, es determinante para que nuestros cineastas estén siendo preparados.

Para mí, el guión es una herramienta, pero adentro de ella hay carnita, ¿cuál es la esencia, el corazón?, contar historias, que la narración fluya; tal es el caso de Sopladora de hojas, una historia que se le ocurrió a un joven que piensa en los más jóvenes. En la actualidad se siguen contando historias nuevas, relativamente, porque no hay nada nuevo en la humanidad, simplemente la forma de contar es distinta; por ejemplo, ahora se utilizan los innovadores.

Si se quiere experimentar, primero hay que conocer las estructuras de los diferentes géneros —terror, comedia, del drama moderno, del melodrama grave, etc.—, para saber dónde se van a modificar, eso es determinante. En el cine todo es posible, pero en lo que se refiere al guión, hay que hacerlo con rigor; de entrada, debe tener el lenguaje correcto y sin faltas de ortografía. Un buen guionista debe tener la vocación.

Desde que estaba como director de los Estudios Churubusco he tenido un sueño: la conformación de un banco de guionistas como en Estados Unidos, conformado por miles de guionistas que viven de escribir guiones. En México tenemos que escribir guiones por necesidad, cuando lo idóneo es dedicarle de seis a 12 meses; aunque hay que reconocer que son sociedades distintas y no tenemos que copiarlos o compararnos con ellos.

Si uno revisa las comedias de la Época de Oro del cine mexicano de Pardavé, Tin Tan o del mismo Cantinflas, de la primera época, son comedias a la mexicana, porque están adecuadas a nuestra realidad, están cuidados los tres actos que definió Aristóteles.

 

¿No tendrá mucho que ver que los jóvenes no leen tanto o no tienen muchas referencias?

Sí, me ha sucedido, quizá no tanto con los guionistas como con los realizadores; en el caso del guionista, su nutriente son las palabras y para nutrirte, tienes que leer, aunque sea noticias, pues si no lees lo que sucede a diario, no sabes qué sucede en el universo. Estoy de acuerdo contigo, al pulverizarse el conocimiento a través del internet, no puedes integrarte, pero también por medio del internet la gente ha podido leer obras completas y encuentran el goce de la lectura.

Es una transición que debemos reconocer, los guionistas son cada vez mejores y yo, como compartidor del conocimiento a través de la docencia, aprendo mucho de ellos. Los jóvenes tienen mucho que decir, que no sepan cómo es una cuestión de la metodología, mas no de la técnica, que tienen que adquirir. Es muy común ver que los documentalistas quieren hacer ficción y los ficcionistas, documental; no toman distancia de la realidad.

El documentalista tiene que incursionar en la realidad, lo más profundo que puedan y el ficcionista tiene que impregnarse de la realidad y distanciarse para ver qué es lo que van a contar de la realidad, son dos enfoques distintos de una misma situación. Actualmente se hace mixturas, mezclamos documental y ficción y decimos que es un falso documental o falsa ficción. Todo se vale, hay que darle un sentido, una razón de ser a la historia.

 

En tu trabajo como profesor has tenido momentos importantes, claves. ¿Podrías compartir algunos de ellos que te hayan marcado?

Sí, hay muchos momentos que me han marcado como profesor, entre ellos, haber sido fundador de una universidad como la uam Xochimilco; me marcó porque tuve la libertad de aportar todo lo que podía imaginar de mi experiencia, el rector me dio toda su confianza y logramos arrancar los talleres de Comunicación Social de una universidad nueva, con una metodología nueva, con una visión distinta de formación.

Posterior a ello, he formado parte del Taller de Óperas Primas del ccc, donde participó Carlos Carrera con La mujer de Benjamín; me han invitado de universidades en Hidalgo y Tabasco para proponer cursos donde se vincule el guión y la dirección, el guión y la producción, el guión y la actuación, para profesionales que están vinculados al quehacer cinematográfico, lo que me ha satisfecho mucho. Parto de la premisa de que la educación es poder transmitir lo que uno ha aprendido para que los demás la utilicen y me superen, que sean mejores que yo.

Por otra parte, tengo satisfacciones muy grandes, como el Premio a la Docencia por la Excelencia Pedagógica que me dio la Asociación Internacional de Escuelas de Cine y Televisión (Centre International de Liaison des Escoles de Cinéma et de Television, cilect), el cual responde a todo esto. Las personas reconocieron, de alguna manera, que compartir conmigo el conocimiento fue importante para ellos, y aportaron cartas, entre ellas la de Alfonso Cuarón, que el cilect tomó mucho en cuenta.

El premio vine a consolidar tantos años dedicados a la docencia. El hecho de que el cilect reconozca mi trayectoria y me nombre el mejor maestro de la enseñanza del cine y la televisión en el mundo en el 2014 es una gran satisfacción. La educación, la formación y la capacitación tienen que ser casi una postura, digo casi una postura, porque yo no he vivido, salvo una cierta etapa de mi vida, de dar clases. Yo doy clases y sigo de actividad profesional, ésa ha sido una premisa que siempre he planteado.

Tenemos que incentivar a los estudiantes a que avancen en su proceso y una vez que aprendan algo, que regresen para que compartan el conocimiento. La educación es lo único que aporta elementos para ser mejor, crecer en el sentido del conocimiento y de la actitud ante la vida. Otra satisfacción ha sido reunirme en clases con los grandes cineastas del país, compartir visiones del cine con los alumnos es un goce increíble.

 

Hemos hablado de la importancia que tiene la educación. ¿Por qué en México no se reconoce la labor del profesor, por qué se le trata mal y no se le da el reconocimiento que debe tener?

Yo pienso que sí se le reconoce, aunque la circunstancia no es generada por razones formativas y educativas, sino por razones políticas y prefiero no opinar, porque son justificaciones a lo largo de la historia. Si tú consolidas este sindicalismo institucionalizado y, de pronto, ya no lo necesitas y lo pateas, me parece un equívoco.

La razón por la que no se le da el reconocimiento es la capacitación permanente de los maestros, la cual ha estado ausente a lo largo de muchos años. Ésa es una de las premisas fundamentales que estoy planteando si llego a ser director del ccc, y no me refiero a los exámenes, que son un juego político-laboral al que no me quiero meter. El maestro es un ser vivo que tiene que prepararse al máximo, actualizarse y capacitarse; la norma formativa de los maestros no es nada más que estudien en una normal o en la Universidad Pedagógica —que deben seguir existiendo—, sino que se capaciten en su formación, es decir, la premisa que yo aplico de compartir con mis alumnos es la misma que los maestros deben compartir con otros maestros, entre pares. La capacitación es lo que debemos priorizar.

 

¿Y apropósito de ello, en que momento llega tu nominación como parte de los candidatos para dirigir el CCC?

El que esté en la terna, ahora ya son cuatro, para dirigir el CCC, a petición del Consejo de la propia escuela llega en un momento de revitalización de mi vida. Cuando alguien reconoce que tu trayectoria puede ser útil para los demás, qué más puedo pedir. Yo tengo un Ariel, una Diosa de Plata, hacer una película, eso uno lo busca.

La nominación se da como un colofón, como un reconocimiento a mi trabajo como parte del cine mexicano. Estoy consciente de que es una selección de cuatro personas, pero creo que si uno no pone su máximo esfuerzo en la acción del día, no vale la pena nada.

 

En caso de que quedes en la dirección del CCC, ¿cuáles serían tus prioridades en tu plan de trabajo? ¿Qué te gustaría apuntalar en una escuela tan prestigiosa?

Lo primero que hay que hacer es inmersionar en la profundidad de lo que es el CCC para retomar lo que ha sido acertado en los últimos años. La última administración, la de Henner, ha tenido resultados maravillosos. Le ha dado una fuerza increíble a la fotografía, lo que me parece muy bien; sin embargo, hay que reforzar de la misma manera el guión, la dirección; darle mayor peso específico a la narración cinematográfica tanto en el guión y la dirección como en la producción y la consolidación de la metodología.

 

¿Existe alguna carencia en la que haya que trabajar?

La carencia es la misma que se genera por ser una dependencia del Gobierno Federal: los recursos; pero si hay pocos, con eso hay que hacer cine. Ésa es una de las primeras enseñanzas que uno aprende del ccc, “cuánto tienes y con eso, hacer la película que quieres”, de ahí que ha crecido tanto el número de egresados que han logrado, con imaginación, creatividad y solidaridad, desarrollar sus proyectos.

 

¿Nunca has pensado dejado la docencia y dedicarte sólo al cine o a escribir guiones?

Nunca pasó por mi mente, porque mi razón para hacer cine no es nada más el guión; tiene años que escribí mi libro, porque me di cuenta, después de viajar por Estados Unidos, de que nosotros no tenemos un libro que nos diga cómo debemos escribir un guión y que haya historias que contar.

Ahora que estoy en el Eficine, cuando veo un guión, digo: “ésta es la historia que me gustaría filmar”. El guión es el embrión de la historia, si el guión está bien, el embrión va a vivir y va a tener vida cuando esté en la pantalla. Doy clases de guión porque quiero encontrar el guión que quiero dirigir.

 

¿Cómo llegaste a la docencia?

Formé parte de una generación que nos educó con una historia educativa fundamental que se llamaba Somer Hill, quien fue una experiencia que, cuando teníamos 25 0 30 años, nos marcó para siempre. Era la educación perfecta en Inglaterra y después fue un fracaso terrible, porque la gente se suicidaba; era una escuela aislada, donde los estudiantes hacían lo que querían.

Cuando se crea la Universidad Autónoma Metropolitana, me invitan, acepté y le dediqué horas, días enteros a preparar los talleres de Comunicación (Diseño para la Comunicación, Foto Fija, Cine, Televisión, Sonido), donde estuve cinco años. Los siguientes cinco años los dediqué a mi libro, luego me invitaron de la escuela de la Sogem y de distintas universidades a dar pláticas sobre guión; entonces, fui caminando en ese sentido, porque hay que tener el soporte para contar una historia. Pero ¿por qué me dedique a enseñar?, por eso, por la necesidad de tener guiones que leer, porque es lo que le hace falta a este país.

No tenemos suficientes guionistas para una cinematografía como la nuestra. Para tener cien proyectos se necesitan por lo menos 150, entonces, se recurre a esta mexicanización de multichambas, donde los directores hacen el guión que da la esencia a lo que se va a contar.

Por otro lado, adecuar historias ya existentes significa investigar, no copiar. No hay fórmula.

Mi trabajo como profesor me ha llenado de satisfacciones por todos los egresados que han estado en los cursos que he impartido, porque, como dice el dicho popular, las historias se pueden contar con rigor, con disciplina y, lo más importante, con goce, pero si no es así, el consejo es que mejor no se haga.

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Foto: Pedro González Castillo.

Guanajuato, rumbo a su vigésima edición

enero 20, 2017

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Sarah Hoch, directora fundadora del GIFF. Foto: Sergio Raúl López.

La vigésima edición del Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF), se celebrará del 21 al 25 de julio en San Miguel de Allende y del 26 al 30 de julio, en Guanajuato capital, por lo  que abrió su Convocatoria para su Competencia Oficial de Largometraje y Cortometraje en las categorías de  Largometraje Ficción, Largometraje Documental, Cortometraje Ficción, Cortometraje Animación, Cortometraje Documental y Cortometraje Experimental, en las plataformas Withoutabox.com y FestHome.com, y en la página electrónica del festival (giff.mx), siendo gratuita para los filmes mexicanos

La convocatoria estará abierta hasta el primero de abril .

Además, se anunció que Canadá es el País Invitado de Honor 2017, sumándose a su celebración del 150 aniversario de la Confederación canadiense y al vigésimo del propio festival, que en alianza con la Embajada de Canadá y la Delegación General de Quebec en México y otras 15 instituciones de la industria fílmica de aquel país –Telefilm Canada, el Toronto International Film Festival, Hot Docs, Vancouver Film School, Festival du Cinema de la Ville de Quebec, el Inside Out LGBT Film Festival, entre otras– buscarán establecer relaciones entre ambos mercados. También se realizará el Foro Bilateral México–Canadá, en conjunto con el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine), en el que se analizará el impacto del Tratado de Libre Comercio para América del Norte en la industria cinematográfica.

Junto con el Festival Internacional de Cine Rotterdam, el GIFF seleccionó a dos cineastas mexicanos como participantes del  Rotterdam Lab, del 25 de enero al 5 febrero de 2017: la productora Rosa Galguera (Lucifer, Arma Blanca) y el realizador Joshua Gil (La Maldad).

La imagen para esta edición del GIFF es un iceberg, representando todo eso que puede estar oculto, pero que fortalece y edifica lo que cada verano se presenta ante el mundo y representa, para sus organizadores: “la sólida estructura que permite ofrecer cada año un festival íntegro y vital.”

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