Archive for 31 marzo 2015

Noveno Gran Remate de Libros del Auditorio Nacional

marzo 31, 2015

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La novena edición del Gran Remate de Libros del Auditorio se realizará entre el lunes 30 de marzo y el martes 7 de abril, con la participación de 202 expositores de más de 350 sellos editoriales, en un espacio mayor a 2 mil 500 metros cuadrados, con exhibición, venta (con descuentos de hasta 70 por ciento) y diversas actividades paralelas de fomento a la lectura en el Foro “Gabriel Vargas”, es organizado por la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México y el Auditorio Nacional, que es la sede del mismo (avenida Paseo de la Reforma 50), con el apoyo de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana (Caniem), en un horario de 11:00 a las 19:00 horas, si bien el sábado 4 de abril se realizará una Venta Nocturna y el cierre será hasta las 23:00 horas.

En 2013, el Gran Remate de Libros alcanzó la cantidad de 143 mil 828 visitantes y en 2014 se vendieron 245 mil ejemplares.

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Quincuagésima octava Muestra Internacional de Cine

marzo 27, 2015

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Moebius, de Kim Ki Duk.

La quincuagésima octava edición de la Muestra Internacional de Cine se efectuará durante la Primavera del 2015 y su programa se integra por 14 películas que han sido seleccionadas por ser representativas entre lo más destacado de la cinematografía mundial de calidad. A partir del viernes 27 de marzo y hasta el lunes 12 de abril se exhibirá en las salas de la Cineteca Nacional, para emprender, desde ahí, un largo periplo por la Zona Metropolitana de la Ciudad de México en dos circuitos que incluyen salas de las cadenas Cinépolis (Perisur, Diana, Plaza Carso, Samara, Satélite) y Cinemex (Reforma, Altavista, Duraznos, Insurgentes, Pabellón Polanco), además de Cinemanía Loreto, el Centro Cultural Tlatelolco, la Casa del Cine MX, el Instituto Politécnico Nacional (Medicina y Zacatenco), la UNAM (Sala Julio Bracho, Cinematógrafo del Chopo, FES Acatlán, FES Aragón) y el Centro Cultural Carranza, a partir del 3 y hasta el 27 de abril. Finalmente, desde el 26 de abril recorrerá la República Mexicana y se ofertará en las ciudades de Aguascalientes, Guadalajara, Nuevo León, Zacatecas, Tamaulipas, San Luis Potosí, Oaxaca, Cd. Juárez, Tijuana, Saltillo, Tlaxcala, Torreón, Michoacán, Puebla, León, Querétaro, Durango, Nuevo Laredo, Chihuahua y Chiapas.

Estas son las películas programadas:

El capital humano (Il Capitale Umano, Italia, 2013), de Paolo Virzì.

Xenia (Grecia, 2014), de Panos H. Koutras.

El niño y el mundo (O merino e o mundo, Brasil, 2013), de Alê Abreu. Cautiva (The Captive, Canadá, 2014), de Atom Egoyan.

El pequeño Quinquin, (P’tit Quinquin, Francia, 2014), de Bruno Dumont.

Mentiras blancas (White lies, Nueva Zelanda, 2013), de Dana Rotberg.

Hagen y yo (Fehér isten, 2014), de Kornél Mundruczó.

Hermosa juventud (España, 2014), de Jaime Rosales.

La Tirisia (México, 2014), de Jorge Pérez Solano.

Moebius (Corea del Sur, 2013), de Kim Ki-duk.

El juicio de Viviane Amsalem (Gett, Israel-Alemania-Francia, 2014), de Shlomi y Ronit Elkabetz.

Sombra blanca (White shadow, Tanzania-Alemania-Italia, 2014), de Noaz Deshe.

Radicales (Night Moves, Estados Unidos, 2014), de Kelly Reichardt.

Amar, beber y cantar (Aimer, boire et chanter, Francia, 2014), de Alain Resnais.

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Convocatoria al concurso Miradas del Centro Histórico

marzo 27, 2015

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Se ha lanzado la convocatoria para el concurso Miradas del Centro Histórico que seleccionará 15 cortometrajes de ficción, documental, animación o experimental, con duración máxima de tres minutos, entre los proyectos inscritos y que planteen ser realizados en el primer cuadrante de la Ciudad de México, en torno a tres de sus sitios paradigmáticos: el Centro Cultural Casa Talavera, el ex Convento de Regina y el Museo Panteón de San Fernando. Organizado por la Casa del Cine MX, el Fondo Mixto de Promoción Turística del Distrito Federal (FMPT) y la Autoridad del Centro Histórico de la Ciudad de México (ACH), otorgará tres premios de 450 mil, 275 mil y 125 mil pesos, respectivamente.

La inscripción de proyectos concluye el 22 de abril de 2015.

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La copia restaurada de “El tren fantasma”, en la sala Covarrubias

marzo 23, 2015

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El clásico mudo del cine mexicano, El tren fantasma (México, 1926), de Gabriel García Moreno, en versión restaurada y musicalizada en vivo por el Ensamble Cine Mudo, será proyectada en una Función de Gala organizada por la Filmoteca de la UNAM y la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), el martes 24 de marzo de 2015, a las 18:30 horas, en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000) de Ciudad Universitaria, con entrada gratuita.

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La generación indolente y sin fechas de “Güeros”, de Alonso Ruizpalacios

marzo 21, 2015

No los encabezados sino las noticias periféricas

Sergio Raúl López

Una road movie cuya acción transcurre en el año de 1999 sin ser, necesariamente, una película de época ni salir jamás de la Ciudad de México en el entorno de una huelga estudiantil en defensa de la educación universitaria gratuita pero que se aleja del panfleto y de todo activismo político. Así de contradictoria y controversial resulta Güeros, el primer largometraje de Alonso Ruizpalacios, premiada el año anterior como Mejor Ópera Prima de la sección Panorama en la Berlinale.

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Elusiva, por principio, respecto de la fidelidad cronológica –y también, y por qué no, de la ideológica−, lo mismo que a un estilo único o una sola forma de relato fílmico, la primera película de largometraje del actor, escritor y director teatral y cinematográfico, Alonso Ruizpalacios, Güeros (México, 2014), ha obtenido el reconocimiento casi unánime en el circuito internacional de festivales, quizá por su compulsiva búsqueda por irrumpir en la cinematografía nacional como un gran ejercicio de estilo, aunque resulte inestable y en construcción –notorias sus herencias tanto de la Nouvelle Vague francesa como del cine indie estadounidense.

No sólo porque la acción se inscribe durante la más larga y tensa huelga en la historia de la Universidad Nacional, que ocurre, y no, en 1999 –pero se semeja mucho a la del Consejo General de Huelga (CGH) en defensa de la educación gratuita en la institución y cuyas resoluciones y fines políticos son francamente ignoradas en el filme–, ya que se evita todo amago por volverla una cinta de época, pero la frenética e infructuosa actividad estudiantil, de violentas asambleas interminables y manifestaciones tumultuosas a ritmo de tambores africanoides provoca que un par de escolapios, “Sombra” (Tenoch Huerta) y “Santos” (Leonardo Ortizgris), se aíslen e hibernen en un departamento de la Unidad Habitacional Copilco Universidad –pero que recuerda poderosamente la de Tlatelolco, en el que ya no importa lo que no debía olvidarse y donde una década atrás se filmó otra cinta emblemática, Temporada de patos (México, 2004), de Fernando Eimbcke, de la que Güeros pareciera una segunda parte o una puesta al día del mismo tema–, en donde el tedio les invade hasta para robarse la energía eléctrica. La inercia del “Sombra” es rota por la indeseable llegada de “Tomás” (Sebastián Aguirre), su hermano menor, casi desterrado del puerto de Veracruz por su desaprensiva madre, lo que terminará provocando –junto con la ira de un vecino vengativo– un periplo automovilístico que les hará recorrer esa gran carretera laberíntica que es la Ciudad de México, y al que se añadirá la activista histérica “Ana” (Ilse Salas), su antigua novia, hallada justo en las instalaciones tomadas.

Filmada en blanco y negro, en el formato convencional 1:33 –justo la proporción 4:3 casi universal de cámaras fotográficas, televisores y películas hasta hace pocas décadas–, esta crónica en género de road movie de una juventud abandonada de sí misma y de su circunstancia, resulta una recolección de boutades, junturas puestas casi por capricho. Por ejemplo el hecho de que este par de huérfanos en busca de identidad, resguardan religiosamente una única reliquia del padre muerto: el único cassette editado por Epigmenio Cruz, un roquero malogrado al que un acostón le impidió consagrarse en el Festival de Avándaro, una música setentera que conocen de memoria y escuchan hasta la saciedad, pero en el filme la banda sonora prefiere nutrirse insistentemente con añejas interpretaciones melancólicas de Agustín Lara –algunas reinterpretadas por Natalia Lafourcade. Además, si la acción ocurre en el cambio de entre siglos, en la escena de una fiesta pretenciosa de un estreno reciente del cine mexicano, tan pretencioso como inentendible –un episodio en el que la película se muerde la lengua–, abundan las comunicaciones y mensajes de texto en teléfonos inteligentes en un ambiente absolutamente contemporáneo. Y claro, el rompimiento brechtiano en el que un huelguista rompe con la ficción y explica a cuadro sus objeciones al guión, por su mirada cínica y despolitizada a la huelga.

Estrenada como parte de la sección Panorama de la sexagésima cuarta edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, en 2014, donde ganó el premio a Mejor Ópera Prima (Best First Feature Award), que otorga la GWFF (el Organismo Alemán para los Derechos de Cine y Televisión), por sus siglas en inglés, Güeros ha logrado, desde entonces, varios galardones más, como el de Mejor Película Latinoamericana en San Sebastián; Mejor Fotografía y Mención Especial en Tribeca; el FIPRESCI en Jerusalén; Mejor Ópera Prima en Lima; Mejor Primer o Segundo Largometraje en Morelia, y la sección Competencia en Los Cabos.

Triunfos mayúsculos para un realizador debutante como Ruizpalacios (Ciudad de México, 1978), con estudios de dirección teatral con Ludwik Margules y de actuación en The Royal Academy of Dramatic Arts de Londres, que ha dirigido series televisivas como Ideas Planet de Discovery Channel; Expeditions, de NatGeo y XY para Canal Once. Que además, ya tenía dos premios Ariel a Mejor Cortometraje por Café Paraíso (México, 2008) –también Mejor Cortometraje Mexicano en el FICG de Guadalajara– y El último canto del pájaro Cú (México, 2010). Además, fundó y dirige la compañía de teatro Todas las fiestas de mañana de montajes tan exitosos como Besos. Luego de formar parte de la quincuagésima séptima Muestra Internacional de Cine, con distribución de Cine Caníbal, Güeros estrenará en la cartelera mexicana a partir del 20 de marzo con 60 copias.

¿Cómo decidiste que era hora de hacer un largometraje, en este largo proceso de tu trayectoria artística, tanto teatral como en el largometraje?

La verdad siempre fue uno de mis planes. Desde chiquito era muy fan del cine, era adicto, era de los chavitos que iban dos veces por semana al Pedregal 70, a los Cinemas Gemelos Coapa o a la sala que fuera, y me veía todo, todo, todo. Siempre supe que quería hacer cine, pero había hecho mucho teatro y cuando llegó la hora de decidir, luego de ver una obra dirigida por Ludwik Margules, Cuarteto, de Heiner Müller, supe que primero quería hacer teatro y entender qué hace un actor para luego ya poder dirigirlos. Siempre fue mi intención terminar haciendo cine, lo que decidí a la mitad del camino fue no estudiarlo, sino aprenderlo empíricamente, leyendo libros y haciendo televisión. Canal Once fue mi escuela, ahí me dieron una cámara, un espacio para editar y pude hacer lo que quise, como productor en Once Niños, donde había más libertad y era todo muy juguetón, además era dirigido por Patricia Arriaga, que es cineasta. Leía de tales encuadres, de contraluces o de lentes angulares versus telefotos y al día siguiente iba y lo aplicaba, entonces realmente esa fue mi escuela.

¿Qué lugar ocupa Güeros en tu filmografía personal, como el primero largometraje que lograste realizar entre varios proyectos imaginados?

La empecé a escribir hace once años, tras regresar de estudiar fuera del país. Regresé de Londres y estaba desempleado, sin un peso, en un estado que llamábamos de jubilado prematuro y empecé a escribir esta película como terapia ocupacional. Iba a entrar a la UNAM cuando empezó la huelga, que fue un trauma para mucha gente, y ya pasó lo que pasó, pero el tema siempre se me quedó ahí. Entonces, Güeros es una película muy personal, porque ahí están vaciadas imágenes e ideas que recolecté durante mucho tiempo. Dicen que tu primer filme tarda en hacerse desde que naces hasta el momento en el que la filmas, en cambio la segunda o la tercera ya sólo es el espacio entre películas. Güeros tiene muchas frases de amigos queridos e incluso sus nombres. Por ejemplo, este asunto de que los chavos no tienen luz, se van a dormir a las ocho de la noche y se empiezan a sincronizar, como los animales, con el ritmo circadiano, fue algo que le ocurrió a Gibrán (Portela), mi coguionista: le desconectaron la luz y entró en una inercia de no cuestionarse ya su situación, estuvo como dos meses viviendo así y durmiéndose a las ocho de la noche.

Digamos que son referencias muy íntimas y que eso le otorga cierta cualidad juvenil, muy humana a la cinta, repleta de errores y referencias cercanas.

Está llena de cosas personales y ese es el lugar que ocupa Güeros: una película muy querida, completamente artesanal, en la que todo es muy personal: el guión, la fotografía (de Damián García), la edición. Hay una parte, por ejemplo, en la que unos niños sueltan un ladrillo que le cae al auto; eso me ocurrió a mí, desde un puente, se estrelló mi cristal, casi nos embarramos, perseguimos a los niños, los encontramos y fue todo un rollo. Eso lo incluí, pero era un cortometraje que tenía escrito, guardado y que nunca se filmó. A la hora de pensar cómo íbamos a resolver los problemas de la búsqueda −del agonizante cantante alcohólico Epigmenio Cruz−, regresé a ese corto y lo metí tal cual, íntegro, en medio de la película. Lo menciono como un ejemplo de cómo está hecha de muchas ideas fílmicas, de mucho tiempo y creo que ese es el lugar que ocupa. Ahora estoy desarrollando dos guiones al mismo tiempo, que son completamente diferentes, pero creo que Güeros tiene mucho de mí.

¿El propio hecho de filmar en blanco y negro, en formato tradicional –que es, digamos, culto– fue una imposición de rigor cinematográfico o una decisión estética?

Pues un poco de ambas. Primero fue una idea, una autoimposición, una solución, pues la primera parte de la película transcurre en un departamento y los protagonistas casi no salen, así que quería que se sintiera algo enclaustrado y el formato me parecía muy bueno para acentuarlo. Originalmente, el plan era cambiar a panorámico, a widescreen, cuando salieran a la calle, como si se les ampliara la visión, pero luego nos pareció muy literal, además nos enamoramos del formato 4:3 porque ya estamos desacostumbrados a él, pues las pantallas de los televisores y de los cines ya son todas alargadas, cuando fue el estándar inicial. Y el rodaje fue un proceso de enamoramiento de ese formato, de redescubrir por qué se filmaba así y las razones son muy lógicas: permite ver el piso y el techo al mismo tiempo, a diferencia del anamórfico que es muy selectivo, aunque pareciera todo lo contrario. Para espacios cerrados es muy bueno, lo mismo para filmar las escenas en el auto. Es un formato muy lógico, la verdad no tiene nada de extraordinario usarlo. Nosotros no lo hicimos por moda sino por investigación, por creer que eso es lo que tenía que ser.

Finalmente el blanco y negro, además del formato tradicional, dan cierta impresión de cine de arte o para festivales, y no para la cartelera comercial.

Eso me parece triste porque a mí me fascina el blanco y negro, sobre todo ahora que estamos tan saturados de imágenes. El blanco y negro tiene esta cualidad que te hace mirar dos veces las cosas y te hace partícipe de la foto porque de alguna forma tú rellenas los colores. Además le venía muy bien a la película, porque ocurre en una época incierta, para que no fuera precisamente 1999 ni tuviéramos que reconstruir la época, porque además no teníamos la lana para hacerlo. El blanco y negro funcionaba perfecto, tú la ves y no sabes en qué época está ocurriendo.

Es un retrato de un momento con muchas implicaciones políticas, pero más allá de marcar ideologías, las desmarca. Es justo la generación previa al cambio de milenio, a la fallida transición política en México, a la hiperteconologización que estamos viviendo, pese a que está sólo tres lustros atrás.

Es sobre la etapa de maduración. Y es una película que hice en un momento de madurar con gente que, curiosamente, ya estamos grandecitos y no hemos acabado de hacerlo. Sí, es el retrato de una generación, marcada de una forma u otra por la huelga del 99, es algo que nos tocó, de alguna forma, a todos los jóvenes que estábamos en la Ciudad (de México). Pero este asunto de la temporalidad funciona a nuestro favor porque no estamos anclados a ese año y no nos clavamos en problemáticas tan específicas como el reciente nacimiento del Internet, que sí estaban en algún tratamiento previo, pero que fuimos sacando porque achicaban el relato, lo hacían menos universal y creo que lo que logramos. Si bien parte del retrato de una generación en específico, también retrata a cualquier generación que se tope con este momento de maduración. A mí no me interesa tanto la parte política como la parte social de estos movimientos.

No se olvida de lo político ni de lo social, sin embargo no es un alegato ideologizante ni un panfleto, es un retrato de lo humano dentro de ciertas circunstancias de crisis.

Creo que esa es la intención de Güeros, y habrá quienes se decepcionen, porque no estoy usando la película para hacer un retrato fidedigno del CGH y llevarlos entonces a la inmortalidad o, al contrario, hacerlos ver como una bola de parásitos, pues no van a quedar satisfechos con nuestra película. Es, simplemente, un contexto para adentrarse en lo que ocurre al interior de un movimiento social: qué pasa con las relaciones que se desgastan con tanto tiempo de resistencia, de dónde sale la vocación para seguir resistiendo, cuáles son los efectos secundarios, qué pasa con la gente que no encajó. Esas son las cosas que siempre me interesan, no los encabezados sino las noticias periféricas son las que siempre me han parecido más interesantes.

Pero aborda lo que ocurre con la gran Universidad de México parada y qué pasa con la juventud que vive en torno a ella.

Intento retratar esa complejidad, no sé si lo logro, eso ya lo dirá cada quién, pero esa es la intención no hacer un panfleto y decirle a la gente como fueron las cosas, no tirarles la neta.

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El director Alonso Ruizpalacios. Foto: Sergio Raúl López.

Este artículo forma parte de los contenidos del número 39 de la revista cine TOMAde marzo-abril de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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Cine Toma en la primera Expo Rodaje

marzo 20, 2015

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Fotografías: Sergio Raúl López.

El jueves 19 de marzo, a las 10:00 horas, se inauguró la primera edición de la Expo Rodaje, en los Estudios Churubusco (Calzada de Tlalpan 1670, colonia Churubusco Coyoacán) y entre los expositores se encuentra la editorial Paso de Gato, en cuyo stand se ofrecen a la venta y con importantes descuentos todos los ejemplares de la revista Cine Toma, desde su primer número, aparecido en octubre de 2008, hasta el más reciente, el 39, actualmente en circulación.

La Expo Rodaje se mantendrá abierta hasta el sábado 21 de marzo y la entrada es gratuita.

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Convocatoria para el concurso Colima en Corto

marzo 20, 2015

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La cuarta edición del Festival Colima de Cine, a realizarse del primero al 5 de octubre de 2015, por lo que se ha lanzado la convocatoria al concurso Colima en Corto, en la categoría de ficción, con tema libre, de acción viva o animación, de entre 3 y 15 minutos, realizados entre 2013 y 2015, y en el que hayan participado al menos 2 personas nacidas o residentes en Colima o que la mitad de sus locaciones estén en la entidad.

El cierre de inscripciones es el 31 agosto de 2015.

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Primera edición de Expo Rodaje

marzo 19, 2015

Reconocimiento a los técnicos

Por Carlos Sánchez

Para que exista una industria cinematográfica en forma en el país no basta que se produzcan más de un centenar de películas al año, ni que sean reconocidas en festivales y premiaciones internacionales, pues los profesionales técnicos que hay en México participan en una pequeña porción de esos rodajes. Para visibilizarlos e invitar a todos los integrantes del gremio a trabajar unidos, se realizará la primera Expo Rodaje.

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Aunque el 2013 fue un gran año para el cine mexicano, tanto en la taquilla local como en los premios internacionales, seguimos siendo una industria estancada y que aún no es reconocida como tal. Al organizar Expo Rodaje, que se realizará del 19 al 21 de marzo en los Estudios Churubusco, buscamos conglomerar a todos los miembros del gremio, tanto productores, directores, cinefotógrafos y público en general, para que conozcan realmente el cine, a fondo y desde adentro para robustecer y seguir incentivando la industria.

Hace varios años se realizaba, en los Estudios Churubusco, la Expo Locaciones, impulsada por el ya fallecido Sergio Molina, pero que sólo contaba con la representación de algunas casas de renta de equipo y de algunos estados para exponer locaciones que ya conocemos como Veracruz o Durango, importantes sedes de producción cinematográfica. A diferencia de aquella, el principio básico de Expo Rodaje, es conglomerar no únicamente locaciones, ni productores, sino también a todas aquellas personas que se requieren para hacer una película: vestuaristas, maquillistas, diseñadores, expertos en sonido, guionistas, músicos, productores, inversionistas, para que el público en general esté enterado de que existe una gran industria, aunque está medio paralizada y necesita movilizarse para fortalecerse.

Si bien hay mucha producción e incentivos, que el Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine) ofrecen importantes apoyos y fondos especializados, los grandes productores de México tuvieron que retirarse en un cierto momento porque no había ganancias reales, o eran mínimas, en esta industria, por lo que dejaron de hacer cine y queremos que regresen, que Expo Rodaje sea un espacio para que se acerquen. Que ellos y todos los demás productores vean que hay nuevas oportunidades no sólo en el Distrito Federal sino en toda la República.

Talleres de profesionales

Estamos enfocados en la industria de cine mexicano, sabemos que Hollywood realiza producciones en cualquier parte del mundo, inclusive en México, aunque por las circunstancias que atravesamos, muchos productores estadounidenses deciden irse a otros mercados. Sin embargo, sabemos que en México existe un potencial increíble, no solamente de creativos como lo demuestran Alejandro González Iñárritu, Emmanuel Lubezki, Rodrigo Prieto o Alfonso Cuarón, sino muchos más. Uno de los principios de la Expo Rodaje es el de conglomerar a todos aquellos prestadores de servicio que se requieren para hacer una película y que sean conocidos pro el público general y los estudiantes de las escuela de cine. A mediano plazo, uno de los sueños o metas de la Expo Rodaje es que realmente pueda tener importancia internacional en los próximos años.

Tendremos, en nuestras actividades académicas, a un grupo de profesionales con gran trayectoria que impartirán los talleres, entre productores, realizadores, directores de fotografía, escenógrafos, decoradores, maquillistas, peinadores, diseñadores, para aprender cómo desglosar un guión, cómo hacer una carpeta para participar del presupuestos que el gobierno destina a la producción. También habrá talleres de gaffer, de grips, de tramoyistas y un sin fin más, a los que está invitado el público en general. Además serán interactivos.

Los especialistas van a ser expositores, impartirán los talleres, las conferencias y algunas mesas redondas. Expo Rodaje está enfocada a los estudiantes, a todos los universitarios, por eso se convocó a un concurso de cortometraje, “Entre Cortos”, dotado con un premio de 50 mil pesos para el primer lugar. Así que no será únicamente para la gente del medio cinematográfico sino también para el medio audiovisual y, sobre todo, estará enfocada a los estudiantes y al público en general.

Especialistas a la sombra

Aunque Expo Rodaje se realizará después del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, que organiza un importante Mercado fílmico, será un complemento o una suma. En realidad hay grandes diferencias entre ambos. Guadalajara es un Festival con premios, en cambio Expo Rodaje es una exposición y se basa en un eje: las personas que están detrás de cámara, esas sombras que son la mayoría de los staff y que componen el crew, no somos competencia sino complemento y un punto muy importante será el reconocimiento a los técnicos del medio cinematográfico.

Aunque se dan subsidios y apoyos múltiples para la producción del cine nacional, lo que ha provocado un gran auge, esta no es una gran industria como tal. Nosotros, como técnicos y yo como el gaffer Carlos Sánchez, inmerso en la industria cinematográfica, puedo afirmar que de esas ciento y tantas películas que se producen al año, los profesionales capacitados, participamos en veinte, treinta o cuarenta de ellas. Puedo asegurar que todos los sindicatos y asociaciones de profesionales, el Sindicato de Técnicos y Manuales (stym), el Sindicato de Trabajadores de la Industria Cinematográfica (stic) y Asociación Nacional de Técnicos Cinematográficos (Antec), juntos, no llegan a trabajar en más de treinta o cuarenta películas al año. Uno de los motivos para realizar la Expo Rodaje es que esa industria se regularice. Hay productores a los que les gusta irse por la libre y sin prohibirlo o limitarlos, queremos invitarlos a que trabajen realmente con los profesionales con una experiencia mínima de veinte o quince años y un alto sentido de responsabilidad, pues los resultados serán espectaculares, los productos son mucho mejores. Ha habido accidentes con gente lastimada de por vida porque no son profesionales. Pero si toda la gente apoya, los medios, los productores, los cinefotógrafos, creo que podemos hacer, verdaderamente, una industria.

Una sociedad de técnicos

Expo Rodaje nació a partir de que la formación de la Antec, conformada por nueve técnicos del medio del cine, con una experiencia mínima de quince años, basada en el principio de que ofrecemos las mejores garantías de poder llevar a cabo el proyecto que los productores quieran realizar. No solamente somos personas preparadas académicamente, sino gente que conoce y que entregó su vida al cine. En la Antec hubo reuniones, platicas mesas redondas y en ellas surgió la ideas de conglomerar a los profesionales del medio cinematográfico. En un principio se habló de una pequeña expo, pero nos dimos cuenta que ya se habían organizado varias y únicamente de locaciones. Al grupo se integraron personas como Mireya Ortega, Frida Sánchez, Rosario López, Lorena Barocio, Aniela Sánchez y Pedro Barragán, y la idea empezó a crecer. Estamos convencidos que este evento será la punta de lanza para la reintegracion de todos los técnicos del medio cinematográfico, tanto directores como productores, maquillistas.

El futuro ya llegó

Hace diez o doce años recuerdo que platicaba sobre el futuro del cine con Sergei Saldívar Tanaka, con quien he trabajado muchos años, y con otro fotógrafos como Juan José Saravia o Rodrigo Prieto, y ya nos alcanzó, lo tenemos aquí: las nuevas tecnologías nos ha permitido agrandar la producción cinematográfica, las cámaras que se utilizan para hacer cine de alta definición, con latitudes muy altas por lo que no hay grandes, salvo capacitarte bastante y tener un conocimiento extenso, porque te descubren o desnudan. A muchos los alcanzó la tecnología y esa es una de las ideas en Expo Rodaje, que aquí se capaciten porque todo cambia, hasta el maquillaje, el vestuario, muchas cosas. La tecnología cambió la historia del cine. Esperamos que Expo Rodaje sea una punta de lanza para mucha gente. Hay miles de personas a las que les encantaría saber cómo se hace el cine y muchos de ellos van a querer participar en algún proyecto.

Además, tenemos muchos proyectos, como crear una escuela de cine, pues aunque hay ya unas veinte, son para directores, cinefotógrafos, productores y no existe una para técnicos, para que se preparen los keygrip, los bestboy, los gaffer y toda esa gente que son las sombras detrás de cámara siempre trabajando como profesionales. Estamos tratando que la Asociación Mexicana de Cinefotógrafos (amc) nos apoye con sus especialistas. La Antec y la Expo son mucho más que un simple proyecto o una expo, tenemos metas enormes a futuro y a corto plazo para integrar a la gente a la industria del cine.

¡Vivan el cine desde adentro! ¡No falten!

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 39 de la revista cine TOMAde marzo-abril de 2015. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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Resultados de las Convocatorias del cuarto RMFF

marzo 19, 2015

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La cuarta edición del Riviera Maya Film Festival (RMFF), se realizará del 23 al 29 de abril de 2015 en Quintana Roo y, una vez cerradas sus convocatorias, se ha dado a conocer los trabajos seleccionados para sus distintas secciones en competencia, que contaron con una nutrida participación, pues la Plataforma Mexicana recibió 71 producciones nacionales; en tanto que en el RivieraLab se inscribieron 94 proyectos en etapa de desarrollo, originarios de 20 países, en su Foro de coproducción y otras 93 películas en etapa de postproducción, de 22 países, para su Work in Progress. Estos son los trabajos elegidos por su comité de selección:

SELECCIÓN PLATAFORMA MEXICANA

Alexfilm (2015), de Pablo Chavarría.
El regreso del muerto (2014), de Gustavo Gamou.
El señor de las 3 caídas (2015), de Roberto Olivares Ruiz.
El silencio de la princesa (2014), de Manuel Cañibe.
Juanicas (2014), de Karina García Casanova.
La maldad (2015), de Joshua Gil.
Los muertos (2014), de Santiago Mohar Volkow.
Lucifer (2014), de Gust Van den Berghe.
Me quedo contigo (2014), de Artemio Narro.
Memoria oculta  (2014), de Eva Villaseñor.
Muchachas (2015), de Juliana Fanjul.
Noche de resurrecciones (2015), de Raúl Rico.
Plan sexenal (2014), de Santiago Cendejas.

SELECCIÓN RIVIERALAB

Foro de Coproducción

Am I Demon (Estados Unidos), de Joel Potrykus.

Carroña (México), de Sebastian Hiriart.

Tiempo vertical (España), de Lois Patiño.

Rojo (Argentina), de Benjamín Naishtat.

Nona (Chile), de Camila José Donoso.

Soy una estrella del rock (México), de Raúl Fuentes.

Mis violentas flores (México), de Tin Dirdamal.

Pistolero anónimo (México), de Leo Marz.

Mariana (Colombia), de Chris Gude.

 

Work in Progress

La balada del Oppenheimer Park (México), de Juan Manuel Sepúlveda.
Lazar (Macedonia-Croacia-Bulgaria-Francia), de Svetozar Ristovski.
I, Olga Hepnarova  (República Checa-Polonia-Eslovaquia-Francia)de Petr Kazda y Tomas Weinreb.
El rastreador de estatuas (Chile), de Jerónimo Rodríguez.
¿Dónde estás? (México), de Maricarmen Merino.
Maquinaria Panamericana (México), de Joaquín del Paso.
Silenciosa (Argentina), de Sofía Medrano.

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Convocatorias del segundo FLICC

marzo 18, 2015

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La segunda edición del Mercado Audiovisual Latinoamericano FLICC se efectuará del 27 al 31 de Octubre de 2015 en la Ciudad de México, por lo que se ha lanzado la convocatoria a realizadores y productores latinoamericanos para postular trabajos en su Foro de Coproducción 2015, destinado a proyectos cinematográficos latinoamericanos en etapa de desarrollo que estén en búsqueda de financiamiento para su realización, al que se seleccionarán un máximo de 10 proyectos, así como al Work In Progress 2015, para obras cinematográficas que busquen  financiamiento para su postproducción, así como de agentes de ventas o distribuidores para iniciar su promoción y distribución.

La fecha límite para inscribir trabajos es el 30 de junio de 2015.

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