Archive for 30 septiembre 2014

Spike Lee y Darren Aronofsky en el segundo TAG CDMX 2014

septiembre 30, 2014

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La segunda edición del TAG CDMX, el festival de tecnología y creatividad más grande de América Latina, para acercar al talento emergente de nuestro país a los grandes genios creativos., se realizará los días 7 y 8 de noviembre de 2014 en el Centro Banamex (Conscripto 311, colonia Lomas de Sotelo), ya ha confirmado la visita de dos importantes realizadores estadounidenses: Spike Lee y Darren Aronofsky.

El cineasta afroamericano Spike Lee será uno de los ponentes que encabezará el evento, gracias a haber dirigido películas con un alto contenido de crítica social enfocadas al racismo inherente en la sociedad estadounidense, como Haz lo correcto (Do the Right Thing, Estados Unidos, 1989); Fiebre salvaje (Jungle Fever, Estados Unidos, 1991); Malcolm X (Estados Unidos-Japón, 1992); La hora 25 (The 25th Hour, Estados Unidos, 2002), y Oldboy: Días de venganza (Oldboy, Estados Unidos, 2013); se han convertido en clásicos instantáneos. Spike Lee ha logrado imprimir su nombre no sólo en la historia del cine, sino también en las páginas de la lucha en contra del racismo y la injusticia hacia los afroamericanos.

En tanto, Darren Aronofsky, cineasta de Brooklyn, dará una cátedra que promete ser única, profunda y reflexiva, haciendo eco a su corta pero importante filmografía; obra que merece verse de principio a fin para entender al director, y su evolución como artista, pero también para ver la cara más oscura de la humanidad, que muchas veces puede ser sofocante y deprimente. Desde Pi: el Orden del Caos (1998); Requiem por un sueño (2000); El luchador (The Wrestler, 2008); El cisne negro (Black Swan, 2010); , y Noé (Noah, 2014).

Mientras que el 2013, en su primera edición, en TAG, Alfonso Cuarón entrevistó a James Cameron; Steve Wozniak predijo el futuro; Michael B. Johnson develó sus secretos, y Moby inspiró a bailar, este año, advierten sus organizadores: “En Tag estamos trabajando para volver a sorprenderte con las mentes más geniales de las industrias creativas. Tendremos decenas de conferencias, talleres y exposiciones; dinámicas de meet & greet, revisión de portafolios, firma de autógrafos; proyecciones de cine, retos, un par de conciertos y una zona Expo con lo mejor del arte digital, la tecnología y todas las formas de entretenimiento. Animadores, creadores cinematográficos, músicos, diseñadores, emprendedores y científicos reunidos para enseñarte, entretenerte y sobre todo, inspirarte.”

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Aurora Martínez, en el Maratón de Cine Alternativo del Martí

septiembre 26, 2014

Aurora Martínez

Fiel a lo acostumbrado, el último viernes de septiembre se realizará el Maratón Nocturno de Cine Alternativo del Martí, que esta ocasión estará dedicado a Aurora Martínez, “La dama peligrosa del videohome”, con cinco títulos de su autoría, que serán proyectados a partir de las 21:00 horas del viernes 26 de septiembre y hasta las 6:30 horas del sábado 27 de septiembre, en el Centro Cultural José Martí (Doctor Mora 1, Centro Histórico). Tanto la programación del ciclo como los comentarios correrán a cargo de Jorge Grajales. El donativo es de 31 pesos  y los boletos se venden entre las 20:00 y las 21:30 horas.

Es el propio Grajales, el autor del siguiente comentario: “Si bien la presencia de mujeres como directoras de cine en nuestro país se ha incrementando en años recientes, el caso de Aurora Martínez es único en el ámbito donde se desempeña: el videohome, ese otro cine mexicano ninguneado y despreciado por la crítica especializada. Allí, entre películas de narcos y cholos, de judiciales y traficantes, cuyas historias están tomadas principalmente de las noticias relacionadas ya sea con la nota roja o con historias de narcos, la obra de Aurora Martínez se distingue al ser la única mujer que funge como actriz, guionista y directora en una industria eminentemente dominada por el género masculino.
“Trabajando en el medio desde fines de los 80, la videografía de Aurora Martínez como realizadora (que casi llega a los cien títulos, en los cuales hay también cabida para el horror, la comedia y el thriller) puede interpretarse como una radiografía de las tendencias de la industria del videohome hecho en México y en donde aparecen sus estrellas más representativas: desde Mario Almada a Jorge Reynoso, pasando por Eleazar García, Miguel Ángel Rodríguez, Sebastián Ligarde y Roberto Ballesteros.
“Sirva pues este maratón nocturno de cine septembrino, mes de la patria, como un pequeño homenaje a una realizadora que ha podido imprimir un sello personal dentro del videohome, brindando un toque desparpajado al llamado narcocinema en donde parece desmontar gozosamente sus componentes al tiempo que sigue con los requerimientos del género como en El Mariachi Narcotraficante y El Fantasma de la Coca. En Tumbas Abiertas apuesta por el humor negro en una trama en la cual varios cadáveres se van apilando imposiblemente en la cajuela de un auto, mientras que en El Reflejo en el Espejo es un thriller con tintes del género fantástico. Y en Hay Amores que Matan se da el lujo de reelaborar la premisa de Misery de Stephen King para conseguir una delirante versión videhomera protagonizada por Guillermo Quintanilla y Amaranta Ruiz en algo que ya hubiera querido hacer Takashi Miike.
Y es que Aurora Martínez no es una directora más del cine mexicano, ella es “La Dama Peligrosa del Videohome”.

Estás son las cintas programadas:

El Mariachi Narcotraficante (México, 1996), de Aurora Martínez.

El Fantasma de la Coca (México, 1999), de Aurora Martínez.

Tumbas Abiertas (México, 2003), de Aurora Martínez.

El Reflejo en el Espejo (México, 2013), de Aurora Martínez.

Hay Amores Que Matan (México, 2006), de Aurora Martínez.

Abierta, la convocatoria del segundo Festival de Cine de Ayacucho

septiembre 25, 2014

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La segunda edición del Festival Internacional de Cine de Ayacucho (FICA), se realizará del 14 al 20 de diciembre del 2014 en la capital de Huamanga, en Perú, con una programación que reúne cine regional, novísimas propuestas del cine latinoamericano y estrenos absolutos. Por ello, sus organizadores han lanzado la convocatoria para largometrajes –mayores a 30 minutos– de ficción y documental nacional y latinoamericano, cuya fecha de producción sea del 2013 en adelante. Con este material, se integrarán sus  secciones oficiales en competencia: Sección Latinoamericana y Sección Peruana, así como su selección paralela: Panorama Actual del Cine Latino; Galas (filmes peruanos recientemente estrenados) y actividades de formación cinematográfica. Se otorgará un monto en dólares y trofeo a la Mejor Película Latinoamericana y a la Mejor Película Peruana, así como un trofeo a la Mejor Película elegida por el Público.

Explican sus organizadores, los críticos fílmicos peruanos José Romero Carrillo y Héctor Turco: “El cine es una manifestación cultural, quizá de las más accesibles y fáciles de difundir que existan pero que a través del tiempo ha sufrido una alarmante banalización por parte del público espectador al ser considerado únicamente como un mero distractor o pasatiempo. Lo que nos proponemos con FICA es acercar el cine que se hace en nuestra Latinoamérica, en nuestro mismo idioma, al público ayacuchano que desgraciadamente no tiene acceso a él, primero porque en aquella ciudad no existen salas comerciales que bien o mal cumplirían el acercar ese otro cine aunque sea a cuentagotas. Y los otros escasos ámbitos de exhibición son muy restringidos y muchas de las veces se dedican a proyectar los éxitos taquilleros de la gran industria que avasalla las pantallas de todos nuestros países.”

La fecha límite para inscribirse y enviar material es el 15 de noviembre.

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FICA

Homenaje a Alberto Isaac en el Día de la Academia

septiembre 24, 2014

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El Día de la Academia, que mensualmente realiza la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) en la La Cineteca Nacional, estará dedicado al cineasta Alberto Isaac (Ciudad de México, 1925-1998), este miércoles 24 de septiembre, en la sala 9 “Juan Bustillo Oro”.

A las 17:00 horas el homenaje inicia con la exhibición de la cinta El rincón de las vírgenes (México, 1972).

Después, a las 19:00 horas, proseguirá con una mesa redonda en la que participarán el director y actor Julián Pastor; el actor Raúl Adalid ; el historiador Antonio Avitia; el actor y director Mario Casillas; teniendo como moderador al realizador Juan Antonio de la Riva.

Y a las 21:00 horas, las actividades cerrarán con la proyección de Tívoli (México, 1974).

Alberto Isaac fue maestro normalista, pero sólo ejerció dos años. Luego fue nadador y participó en los Juegos Olímpicos de Londres (1948) y Helsinki (1952). Fue caricaturista en publicaciones como Don Timorato, El Universal, El Universal Gráfico, Atisbos, El Sol de México y Novedades. Fue editor de la sección de espectáculos del Esto, durante 25 años y director de la Asociación de Periodistas Cinematográficos de México (Pecime). En 1981, recibió el Premio Nacional de Periodismo. Fue Director de Cinematografía en 1982 y, luego, primer director del Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine]), entre 1983 y 1986.

Dirigió las películas En este pueblo no hay ladrones (México, 1964), sobre un cuento homónimo de Gabriel García Márquez, ganador del primer Concurso de Cine Experimental del STPC y de La Vela de Plata en el Festival de Locarno; Las visitaciones del diablo (México, 1967); Olimpiada en México (México, 1968); Futbol México 70 (México, 1970); El pueblo del Sol (México, 1980); Los días del amor/Gabriel (México, 1971); El rincón de las vírgenes (México, 1972), basada en dos relatos de Juan Rulfo; Tívoli (México, 1974); Cuartelazo (México, 1976); Las noches de paloma (México, 1977); Tiempos de lobos (México, 1981), por la que ganó el Ariel a Guión Cinematográfico; Mariana, Mariana (México, 1987); Maten a Chinto (México, 1989), y Mujeres insumisas (México, 1993).

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Homenaje por el octogésimo aniversario de Sophia Loren

septiembre 24, 2014

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La actriz italiana Sophia Loren celebró su octogésimo aniversario en México, con la apertura de la exposición Sophia Loren. Ayer, hoy y mañana, en el Museo Soumaya en Plaza Carso, además de con una retrospectiva con algunos de sus trabajos emblemáticos tanto en la Cineteca Nacional como en una sala provisional instalada en el Atrio en el Corredor Peatonal Madero, en el Centro Histórico, y con la entrega del Ariel de Oro de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

El viernes 19 de septiembre, Sophia Loren  acudió a la inauguración de su retrospectiva en la Cineteca Nacional, donde el director Felipe Cazals, en representación de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), le hizo entrega de un Ariel de Oro por su trayectoria. Es la primera vez que dicho reconocimiento -creado en 1986 y otorgado a María Félix en la vigésimo octava entrega- se entrega fuera de la ceremonia del Ariel así como a una figura que no ha trabajado nunca en el cine mexicano.

La muestra Sophia Loren. Ayer, hoy y mañana, abrió el 21 de septiembre en la Sala 5 del Museo Soumaya en Plaza Carso (boulevard Miguel de Cervantes Saavedra 303, colonia Ampliación Granada), y se integra por la colección personal de la actriz y abarca más de seis décadas en el cine, con guiones de sus películas, fotografías, vestuario, accesorios, como sombreros y joyas, además de portadas de revistas y varios de sus premios, como los dos Oscar, el Oso de Plata de la Berlinale y la Palma de Oro de Cannes.

El ciclo Sofía Loren en México, en la Cineteca Nacional se integra por las siguientes películas que se proyectarán en la sala 9 “Juan Bustillo Oro”, a las 20:00 horas:

Ayer, hoy y mañana (Ieri, oggi, domani, Italia-Francia, 1963), de Vittorio De Sica. Sala 8 “Hermanos Rodríguez”.

Arabesque (Estados Unidos, 1966), de Stanley Donen. Jueves 25 de septiembre.

Carichos de la moda (Prêt-à-Porter, Estados Unidos, 1994), de Robert Altman. Viernes 26 de septiembre.

Lástima que sea una canalla (Peccato che sia una canaglia, Italia, 1954), de Alessandro Blasetti. Sábado 27 de septiembre.

Matrimonio a la italiana (Matrimonio all’italiana, Italia-Francia, 1964), de Vittorio De Sica. Domingo 28 de septiembre. Sala 1 “Jorge Stahl”.

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Convocatoria para el primer FICMY en Yucatán

septiembre 23, 2014

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La primera edición del Festival Internacional de Cine Mérida y Yucatán (FICMY), se realizará entre el 17 y el 24 de enero de 2015, por lo que se ha lanzado su convocatoria para productores y directores de todo el mundo, para inscribir películas en su Sección Internacional, que premiará al Mejor Largometraje Ficción o Documental (con 250 mil pesos); Mejor Ópera Prima (con 150 mil pesos); Mejor Director (100 mil pesos), y Mejor Cortometraje (100 mil pesos). También han abierto una

Sección Mexicana que reconocerá al Mejor Largometraje de Ficción (con 150 mil pesos); al Mejor Largometraje Documental (con 150 mil pesos); al Mejor Director (con 100 mil pesos), y el Premio Especial del Jurado Nuevos Talentos (con 100 mil pesos). Y lo mismo la Plataforma Balam de Oro/Jaguar a la Mejor Película Hecha en Yucatán tanto a la Mejor Carpeta de Producción (con 200 mil pesos) y a la Mejor Película Hecha en Yucatán (con 200 mil pesos). También se ha creado la Plataforma FICMYLAB que reúne Incubadora de Nuevos Talentos (25 mil pesos); Short Film Race (25 mil pesos); Half Process (100 mil pesos), y Final Process (100 mil pesos).

También se seleccionarán trabajos para sus secciones fuera de competencia: Plataforma In Lak’Ech/Muestra de Cine Internacional, así como ciclos informativos, retrospectivas y panoramas representativos de la producción de alguna región.

La fecha límite para inscribir trabajos es el primero de noviembre de 2014.

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Ciclo del 56 Ariel en la Facultad de Ciencias Políticas de la UNAM

septiembre 23, 2014

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En el Auditorio “Ricardo Flores Magón” de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM, en colaboración con la Filmoteca UNAM y la Academia Mexicana de Artes yCiencias Cinematográficas (AMACC), han organizado una muestra con cuatro largometrajes galardonados durante la quincuagésima sexta entrega  de los premios Ariel . En cada proyección se contará con la presencia de los directores y del equipo de producción.

Estas son las cintas que integran el ciclo:

Lunes 22 de septiembre. 18 horas.

Quebranto (México, 2013), de Roberto Fisco. Ariel a Mejor Largometraje.

Jueves 25 de septiembre. 18 horas.

El Alcalde (2012), de Emiliano Altuna, Carlos F. Rossini y Diego Osorno. Nominado como Mejor Largometraje Documental y Mejor Música Original.

Viernes 26 de septiembre. 18 horas.

Huérfanos (México, 2013), de Guita Schyfter. Nominada a Mejor Actriz, Mejor Música
Original y Mejor Vestuario.

Martes 30 de septiembre. 18 horas.
La Jaula de Oro (México, 2013), de Diego Quemada Díez. Ariel a Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Coactuación Masculina, Mejor Guión
Original, Mejor Fotografía, Mejor Edición, Mejor Sonido, Mejor Música Original y Opera Prima.

Invitación Ariel corregida

 

Sebastián del Amo y la biografía laudatoria de “Cantinflas”

septiembre 20, 2014

Un homenaje desde el cariño y desde el respeto

Por Sergio Raúl López

El cine y las figuras de la Época de Oro del cine mexicano persisten no sólo en la memoria, sino que se mantienen en el gusto del público contemporáneo. Prueba de ello es la figura de Mario Moreno Reyes, “Cantinflas”, el popular cómico surgido de las carpas, protagonista de medio centenar de exitosos títulos de innegable vigencia, y del cual, luego de varios intentos inconclusos, se estrenará una cinta triunfalista y épica, que celebra sus triunfos y buscará consolidarse como un hito de taquilla, tal y como ocurre con las producciones en que intervino.

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El primer sueldo que Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes recibió del teatro Follies Bergere, propiedad del empresario Pepe Fustemberg –tras su paso por las carpas como La Valentina, El Salón Rojo o El Mayab −, ya con su personaje de “Cantinflas” totalmente desarrollado, consistió en una pila de tostones de plata que el propio cómico había solicitado. Acto seguido, salió a la calle y los repartió personalmente entre los boleros y los voceadores de la zona, en la glorieta de Santa María la Redonda, en un acto que recuerda la parte central del mural ejecutado por Diego Rivera en el Teatro de los Insurgentes.

Ahí, en el justo medio de la composición, Cantinflas toma el dinero de la oligarquía, de los militares y del clero, para repartirlo entre los menesterosos y los desvalidos, si bien es una obra inaugurada en abril de 1953, una época ya muy lejana del año 1935 en que su popular figura debutara en el teatro de la zona de Garibaldi, sobre el actual Eje Central “Lázaro Cárdenas”, en la zona donde nació y creció el histrión. Acaso se referirá a las fundaciones filantrópicas que Mario Moreno Reyes dirigía, una vez encumbrado como una de las principales figuras del cine mexicano y y asociado con el productor y coleccionista de arte, de origen ruso, Jacques Gelman.

La anécdota, empero, resulta un claro ejemplo del proceso por el cual Mario Moreno Reyes se fue alejando a sí mismo, lo mismo que al personaje de Cantinflas, de los entornos barriales, de las zonas periféricas y del habla y las costumbres populares, para insertarse poco a poco en un discurso oficialista, plagado de moralejas y de códigos de buena conducta, muy a tono con los controles sociales del Estado, para acabar convertido, él mismo, en una institución respetable, lejos ya de la picaresca del peladito, del doble sentido de las clases bajas y de la sobrevivencia del día a día muy lejana de la legalidad.

Una transformación que no se retrata en Cantinflas (México, 2014), el laudatorio largometraje biográfico dirigido por Sebastián del Amo (El fantástico mundo de Juan Orol, México, 2012), sobre un guión de Edui Tijerina y de él mismo, pues hay más preocupación por relatar el imparable ascenso del cómico de orígenes humildes y habla enrevesada, que tras frustrados intentos de convertirse en boxeador y torero, acabaría protagonizando, junto a David Niven, La vuelta al mundo en 80 días (Around the World in 80 Days, Estados Unidos, 1957, de Michael Anderson), gracias a la ambición y a la tremenda bocaza del productor Mike Todd, pero sin mover un ápice a Mario Moreno del pedestal broncíneo en que acabó trepado.

Interpretado de manera convincente por el actor catalán Óscar Jaenada, aparecen una larga lista de personajes que incluye al estadounidense Michael Imperioli (Mike Todd); Luis Gerardo Méndez (Estanislao Shilinsky); Ilse Salas (Valentina Ivanova); Ana Layevska (Miroslava Stern); Ximena González-Rubio (María Félix); Julio Bracho (Jorge Negrete); Barbara Mori (Elizabeth Taylor); Roberto Cobo (Agustín Lara); José Sefami (Diego Rivera), y Adal Ramones (Fernando Soto “Mantequilla”), entre muchas otras breves apariciones de figuras mediáticas intentando cubrir los zapatos de estos mitos del cine clásico.

Si bien esta visión acrítica se cuida de no abordar los aspectos más controversiales de Mario Moreno, como su corporativismo al pelear por la dirigencia de la Asociación  Nacional de Actores (anda) o que su cine fuera distribuido por la Columbia Pictures –y no por Películas Nacionales− un importante engrane para la vuelta de Hollywood en Latinoamérica, entre otros puntos críticos, resulta una colorida fábula triunfalista que, más que intentar convertirse en una biografía épica, retrata con nostalgia el sabor de aquella época en la que el cine mexicano conectaba de manera natural con su público.

Producida sin fondos cinematográficos ni subsidios estatales por Kenio Films –con una meritoria inversión de riesgo de capitales privados–, Cantinflas estrenó el 29 de agosto en Estados Unidos y el 18 de septiembre lo hará en la cartelera mexicana con distribución de Videocine, en mil 250 pantallas.

En un lapso relativamente breve, has estrenado dos películas al hilo no sólo biográficas sino sobre el cine de la Época de Oro y en torno a dos de sus figuras emblemáticas, primero Orol y luego Cantinflas.

Fue un poco una coincidencia. La verdad es que el proyecto de Cantinflas llegó a mis manos de una manera un tanto azarosa: yo me encontraba promocionando El fantástico mundo de Juan Orol, y me entrevistaron de un portal de Internet, luego resultó que los productores de Kenio Films la leyeron, algo habré dicho que les hizo algún sentido y me llamaron para ofrecerme el proyecto. Ya tenía noticia de los dos intentos previos que hubo para llevar al cine la vida de Cantinflas y que se habían caído por diferentes razones, pero cuando pregunté, me dijeron que este era un proyecto nuevo, que ya tenían un guión de Edui Tijerina. Es de Monterrey y fue quien llevó el peso de la investigación, no sé cuánto tiempo se habrá demorado en hacerlo, porque el guión era más largo, iba desde la niñez de Mario Moreno hasta su muerte, implicaba una película de cuatro horas. Al final, por criterios de producción, decidieron condensarlo a este periodo y a esta anécdota completa. Lo leí y me pareció muy atinada toda la curva dramática, la manera en que se hilaban las dos historias, al final les hice algunas sugerencias, algunos cambios y adaptaciones ligeras, pero fue un proceso realmente bastante rápido. Habrá pasado apenas un año de que el proyecto llegó a mis manos a que ya lo estábamos preproduciendo e incluso presentando. Haber tropezado con Cantinflas fue un gran regalo por parte de Orol, estábamos colados en la fiesta y la verdad ahora estoy ansioso del estreno y de ver qué posibles regalos nos puede traer.

Es que Cantinflas es una de las figuras mediáticas más importantes de la América Latina. ¿Qué era para ti antes de la película?

Desde luego, era un personaje entrañable. Yo soy muy fan del cine de esta época, crecí viendo Cine Permanencia Voluntaria y uno de mis canales, de cajón, es De película. De niño todavía me tocó ir a las salas de cine de cotsa a ver El patrullero 777  (México, 1978) y El barrendero (México, 1981) −ambas de Miguel M. Delgado−, que no son películas muy afortunadas, pero alcancé a vivir parte del fenómeno al final y eran películas realmente muy vistas. El mérito histórico que tuvo Cantinflas es que fue el actor mexicano más conocido, que traspasó fronteras y logró imponerse al paso del tiempo, porque sigue vigente en toda América Latina y en España y Portugal. Nada más por darse una idea, si Cantinflas logró hacer dinero, su productor, Jack Gelman, logró ser uno de los principales coleccionistas de arte, tiene un ala completa en el Museo Metropolitano de Nueva York, con su colección personal. Nada más para darse una idea, porque de pronto perdemos la perspectiva de quienes llegaron a ser Cantinflas, María Félix o Agustín Lara en el mundo.

La verdad, revisar este periodo y este personaje fue una cosa muy gozosa. Es un honor tener la oportunidad de hacer la película, meterse un poco con el icono. La intención, desde antes que yo llegara, fue hacerle un homenaje desde el cariño y desde el respeto. En esos términos, y al ser una película de encargo, con capital cien por ciento de riesgo y sin ningún fondo público, ni incentivo fiscal, ni ninguno de los mecanismos de subsidio con los cuales se está produciendo la gran mayoría del cine mexicano, es una película que implicaba retos en muchos niveles. El primero, desde luego, es técnico, el tema del actor, de la época. Luego un tema logístico para llevar toda esta gran producción y hacer lucir este presupuesto en cuadro, el reto de presentar la película ante el público, y ahora viene la corrida comercial, estamos esperanzados de que la película funcione en medida de la respuesta que tuvimos en los festivales de Guadalajara y de Guanajuato, ojalá sea un estímulo para los empresarios de este país, para realmente empezar a invertir en el cine mexicano, para que esta industria no sea tan dependiente de los fondos públicos y de los estímulos fiscales.

Además de homenaje a Cantinflas, la cinta es un acercamiento a La vuelta al mundo en 80 días, con la que ganó el Globo de Oro.

Exacto, se utiliza como anécdota la preproducción de esa película de la United Artists, en la que Mike Todd, que era este productor enloquecido, blofea con los productores del estudio que ya consiguió al actorcito mexicano realmente sin saber quién es, y la usamos como excusa para contar toda la historia de Mario, hasta que luego se vuelven a cruzar los caminos de ambos. En su día fue un proyecto un tanto descabellado, en el que el productor quería meter a 45 actores de primer nivel haciendo extras y bits, un poco siguiendo este espíritu la intención de esta película.

Y un poco siguiendo el espíritu de esa película, y en la medida que estamos haciendo un homenaje a un icono del cine mexicano, la idea es que los papeles de todas las grandes estrellas que se codeaban con Mario lo hagan personajes icónicos o grandes actores del cine nacional. Era un poco un juego de espejos para intentar que entrara a esta convención, luego, cuando surgieron críticas a la nacionalidad de Óscar Jaenada, también hubo críticas a la elección de algunos actores para ciertos personajes, pero creo que era parte del juego, de esta convención, porque se trata un poco no sólo de un homenaje a Mario sino a todo el momento y al entorno del cine mexicano.

 

México ha estado y está plagado de imitadores de Cantinflas, lo mismo niños que cómicos albureros, pero eso no significan que sean intérpretes capaces para un filme. ¿Cómo te planteaste este problema?

Cuando el proyecto cayó en mis manos nos dimos a la tarea, nada fácil, de encontrar al actor protagónico. Empezamos a hacerle casting a varios actores mexicanos e incluso hubo amagos de acercarnos a actores muy conocidos y estuvimos a punto de decidirnos por uno no muy conocido y justo estábamos en ese proceso cuando apareció Óscar Jaenada, y lo encomiable del caso es que realmente se ganó el papel. Primero nos mando unas fotos, caracterizado de Cantinflas, porque había estado asociado a los dos proyectos anteriores que se cayeron, y realmente el parecido físico es realmente asombroso. Ya tenía esta inquietud muy grande y se agarró un avión, vino a México y la verdad hizo el mejor casting de todos, la verdad se ganó el papel a pulso por sus dotes actorales. Evidentemente todos tuvimos la preocupación del acento, pero cuando vimos lo que nos podía entregar y el momento que vive en su carrera, que sin duda es el actor español con más proyección internacional y estoy seguro que se va a consolidar. Entonces la decisión fue muy fácil, porque lo hizo muy bien y nos enamoró. Entonces, el tema de su nacionalidad realmente pasó a un segundo plano, asumimos la controversia como algo muy natural, pero nos sorprendieron tantas protestas y desplegados, que no las hubo ni cuando Antonio Banderas hizo a Pancho Villa ni cuando Marlon Brando hizo a Emiliano Zapata o Alfred Molina a Diego Rivera. Pero muchos detractores se van a terminar convenciendo porque hizo un trabajo espectacular.

Otra complicación, me imagino, fue ir sumando esa numerosa cantidad de personajes de la época que aparecen reatados en el filme.

El resto de la gente se fue sumando de una manera generosa, los actores entendieron muy bien este juego y muchos querían estar simplemente por estar, por el hecho de cruzar cuadro y yo estoy infinitamente agradecido con todos los que estuvieron. Tuvimos muchas complicaciones de logística como el día de la manifestación de las estrellas en la explanada del Palacio de Bellas Artes que sólo teníamos permiso para esa locación tal día y nada más, muchos no pudieron estar porque se nos cayeron de último momento y al final se nos sumaron otros, pero creo que fue uno de los momentos más entrañables de la película, sin duda, y tuvimos la suerte de tener 25 actores en 20 segundos de película, lo que es también increíble.

La escena del Teatro de los Insurgentes también fue complicada porque teníamos que esperar a que terminara de funcionar el Metrobús porque un emplazamiento era justo en el camellón de Insurgentes y el otro lado, lo hicimos un lunes en la madrugada, cuando pudiéramos controlar y limpiar un poco el cuadro de la modernidad que lo ensucia. Parte de la historia es que la Ciudad de México es otro personaje, aparece la Santa María La Redonda, que es donde nació; sale el Teatro de los Insurgentes que él inauguró –con la obra Yo Colón, de Alfredo Robledo y Carlos León–; sale Bellas Artes; recreamos los estudios de la United Artists en la Universidad Autónoma de Chapingo; recreamos Veracruz en el centro de la Ciudad de México, en fin, por temas ya de producción.

Es una producción abundante de actores, de vestuario, de locaciones. ¿Qué tantos lujos se permitieron con un proyecto tan grande?

A pesar de que contábamos con una producción importante, tomando en cuenta el promedio que lo se gasta en una película mexicana, que fue de 44 millones de pesos, la intención era intentar mantener un balance, no gastarse mucho pero hacerlo lucir, siempre tuvimos muchas limitaciones para el tipo de historia que estábamos queriendo contar, porque es multitudinaria, Mario siempre estaba rodeado de multitudes. Por ejemplo, la Plaza México la llenamos con 50 extras nada más, clonándolos y clonándonos. O la escena en el teatro con su discurso de “Si yo fuera diputado”, se veía la silueta de Óscar en los asientos del teatro Coyoacán de lo que no habíamos podido llenar de extras.

Fue un rodaje muy acotado, sólo tuvimos seis semanas y media para hacerlo, lo que fue una complicación añadida, por eso estoy muy contento con el resultado y con la manera como mi equipo de trabajo reaccionó. Fue una súper producción guerrillera, por decirlo de alguna manera.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 36 de la revista cine TOMAde septiembre-octubre de 2014. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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“Cantinflas” representará a México en los Oscar y “La dictadura perfecta” en los Goya

septiembre 19, 2014
_PGC0330El productor Vidal Cantú y el director Sebastián del Amo, de Cantinflas, 
junto con los miembros de la AMACC, Inna Payán, Everardo González 
y Adriana Castillo. Fotografía: Pedro González.

Tras realizar el proceso de elección de las películas que representarán a México ante sus organismos pares en Estados Unidos y en España, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas  dio a conocer que el Comité de Selección, integrado por 128 de sus miembros, eligió a Cantinflas (México, 2014), de Sebastián del Amo, como el filme que enviará a consideración de la Academy of Motion Pictures Arts and Sciences en la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa, para la octagésima séptima entrega de los premios Oscar, a realizarse el 22 de febrero de 2015. En tanto que La dictadura perfecta (México, 2014), de Luis Estrada, fue elegida, entre las 19 películas inscritas, a competir en la categoría de Mejor Película Iberoamericana en la vigésimo novena edición de los premios Goya, que entrega la Academia de las Artes y  las Ciencias Cinematográficas de España y que será celebrada en febrero de 2015.

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“Cantinflas”, de Sebastián del Amo, portada del número 36 de la revista cine TOMA, en su sexto aniversario

septiembre 11, 2014

UN INCONFUNDIBLE SABOR LOCAL

Los géneros mexicanísimos del cine nacional

• De la comedia ranchera a los charros cantores; de las ficheras de Bellas de noche a la sexycomedia nacional; del cine de luchadores y las batallas campales en las salas viejas, al bizarro mexicano gourmet; la falsa identidad de Los Chidos; la influencia del cine soviético de vanguardia. La metamorfosis de María Félix.

• Académicas: La elección de los representantes mexicanos al Oscar y al Goya en la amacc. Desde la Filmoteca de la unam: Historia del cine chino de animación. Cátedra Bergman: Hacia un cine 3D latinoamericano. Industria: La difusión y apoyo al cine colombiano; la próxima discusión de la Ley del Cine y el Audiovisual; el tercer encuentro de la RedMexFest. Curso de actuación para cine: Robar todo lo que puedas. In Memoriam: Columba Domínguez.

• Festivales: 12º Festival Internacional de Cine de Morelia y una década del Morelia Lab; 9º Short Shorts Film Festival México; 3er mic Género. Estrenos: Cantinflas, de Sebastián del Amo; La dictadura perfecta, de Luis Estrada; Amor de mis amores, de Manolo Caro.

Portada Cine Toma 36Una profunda paradoja ha irrumpido la noción histórica del cine nacional: la gran identidad —casi de marquesina y con mayúsculas— del cine mexicano, ha reposado en las películas atávicas, con un artificial sabor originario, un indigenismo de postal y un sentido urbano modernista más allá del progreso real. La industria fílmica nacional se erigió en torno al cine de fórmula, a los géneros básicos adaptados al imaginario local, y a la buena taquilla, tanto local como internacional, de las producciones baratas, rápidas y hechas en serie.

Así aparecieron en la gran pantalla los charros cantores, de pistola al cinto, botella de mezcal en la mano, traje con lujosas botonaduras de plata y machismo obediente de la autoridad materna, en un panorama campirano idílico. Y a esta invención, pronto siguieron otros iconos fílmicos Made in Mexico: rumberas de piernas torneadas y vaporosas prendas de chaquiras; justicieros ídolos de la lucha libre que devenían, fuera del cuadrilátero, en agentes secretos y vencedores de toda invasión diabólica-exótica-extraterrestre; cómicos besucones y casquivanos, con picarescas cuan amorales formas de sobrevivir el día al día; pobres, feos y panzones maestros del albur que logran acabar en la cama, inopinadamente, con las más ubérrimas ficheras, entre compases tropicales; protagonistas de narcocorridos imbatibles en las peores balaceras de AK-47, en adarga y Chrysler 300 corredor… una lista que prosigue casi interminablemente.

Largamente vilipendiadas e incluso exiliadas al videohome, las películas mexicanas originadas en la industria no subsidiada, repletan las páginas del dossier principal del trigésimo sexto número de la revista cine TOMA, que circulará por la República Mexicana durante septiembre y octubre de 2014, en establecimientos cerrados.

Las reflexiones abren con la reproducción del ensayo histórico sobre las fuentes de las que abrevó la comedia ranchera, publicado por el crítico e historiador Jorge Ayala Blanco en el fundacional volumen La aventura del cine mexicano (Editorial Era, 1968), y prosiguen con un repaso a la creación del estereotipo del charro cantor por parte del investigador Eduardo de la Vega Alfaro; para completarse con el testimonio en primera voz de uno de los últimos cultores de las artes de la charrería en el cine nacional, el zacatecano Hernando Name.

La historia en torno al gran taquillazo que fue Bellas de noche (México, 1975, de Miguel M. Delgado), y que marcó la irrupción del soft porn en el cine mexicano —popularmente conocido como ficheras—, es abordado por el escritor Pedro Paunero; en tanto que el crítico Irving Torres Yllán aborda el género maldito de la sexycomedia y estudia cómo los directores y productores de la Época de Oro eran los mismos que realizaban estos exitosos filmes.

Pero quizá el género nacional que más influencia ha tenido a nivel internacional es el de luchadores, pues los enmascarados se han multiplicado en producciones de todo el mundo, tal como lo demuestra el artículo del escritor Raúl Criollo; mientras que el crítico y programador Gerardo Salcedo, rememora cómo eran las funciones de las cintas de El Santo, en las grandes salas de antaño, como el Cine Fausto Vega; en tanto que el periodista José Xavier Návar define el amplio catálogo de lo que bautizó como cine bizarro mexicano gourmet —motivo de un libro enciclopédico que prepara junto con Criollo.

Otro crítico, Ricardo Pohlenz, da ejemplos de la falsa identidad mexicana que intenta crearse en el filme Los Chidos, del rockero Omar Rodríguez-López. Se incluye, además, una reflexión del crítico y programador David Ramón sobre la influencia de la súper vanguardia rusa, en torno al libro La difusión e influencia del cine vanguardista soviético en México, de Eduardo de la Vega Alfaro. Se ofrece un adelanto de la novela Acuérdate María, de Sergio Almazán, publicado recientemente por Editorial Planeta, sobre la gran diva del cine mexicano, María Félix. Y la sección In Memoriam, reproduce el texto leído en el homenaje a Columba Domínguez, en el Día de la Academia, por el actor Raúl Adalid.

La sección Académicas reporta el proceso mediante el cual se eligen, en el seno de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), los largometrajes que representarán a México en las ceremonias de entrega de los premios Oscar, por parte de la Academia de los Estados Unidos, y el Goya, de la Academia Española.

En otros contenidos, la sección Desde la Filmoteca de la unam ofrece un ensayo del investigador Li Zhen en torno a la historia del cine de animación de China, y otro sobre el desarrollo tecnológico bélico en la i Guerra Mundial, del investigador Juan Manuel García Ortega. La sección Enseñanzas de la Cátedra Bergman aborda la posibilidad de generar un cine latinoamericano 3D, en texto de Gabriel Rodríguez Álvarez y de Víctor Fajnzylber. La quinta entrega de la sección Curso de actuación para cine, del actor José Sefami, incluye un consejo de Michael Cane: “Robar todo lo que puedas”.

La sección Industria aborda los fondos, estímulos y difusión que se hace al cine nacional en Colombia, en una investigación del periodista Luis Carrasco; además, el académico Tonatiuh Lay, aborda la discusión cameral que se avecina de la Ley de Cinematografía y el Audiovisual, mientras que el director de programación del Festival de Cine en Guadalajara, Gerardo Salcedo, relata el tercer encuentro de la Red Mexicana de Festivales Cinematográficos (RedMexFest), realizada en San Luis Potosí hace algunas semanas.

Además, en Festivales se incluye un artículo sobre el duodécimo Festival Internacional de Cine de Morelia (ficm), por parte de su asesora y coordinadora de Producción, Daniela Alatorre; de su asesor, Alejandro Lubezki y de su coordinadora de Difusión, Paula Amor, junto a un artículo sobre los diez años de existencia del Morelia Lab, por parte de su coordinadora, Andrea Stavenhagen; se ofrecen adelantos del noveno Short Shorts Film Festival México (ssff), por parte de Alexis Aguilar, su encargado de contenidos, mientras que sobre la tercera Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (mic Género), lo hace Gonzalo Lira, su coordinador de Medios y Difusión. En Estrenos se incluyen dos entrevistas: una con el realizador Sebastián del Amo, por su biografía fílmica Canfinflas (México, 2014); y otra más con Manolo Caro, por su segunda cinta romántica, Amor de mis amores (México, 2014), realizada por el periodista José Juan Reyes; la sección finaliza con los apuntes del realizador y productor Luis Estrada, en torno a su reciente película, La dictadura perfecta (México, 2014).

En su sexto aniversario, el número trigésimo sexto de cine TOMA. Revista Mexicana de Cinematografíapublicación editada por PasodeGato, Ediciones y Producciones Escénicas, circulará durante septiembre y octubre de 2014  por todo el país, en locales cerrados: Sanborns, Caffé Caffé, Cineteca Nacional Filmoteca de la UNAM; así como en librerías: Educal, Sótano, FCE, Gandhi, Julio Torri de la UNAM, El Foco, Ceuvoz y Foro Shakespeare.

Para entrevistas o mayor información, comuníquese a los teléfonos: 56 88 92 32 y 56 88 87 56; al correo electrónico cinetoma@gmail.com, o acuda a las oficinas, ubicadas en el callejón Eleuterio Méndez 11, colonia Churubusco-Coyoacán, C. P. 04120, en la Ciudad de México.

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