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“¿Qué le dijiste a Dios?”, el cine musical de Teresa Suárez

enero 31, 2014

Juan Gabriel es México

Por Sergio Raúl López

Aunque parezca muy sencillo lograr armar un musical con las canciones pegajosas, rítmicas y muy absolutamente populares de Juan Gabriel, es muy difícil, primero, convencerlo de otorgar el permiso. Pero una vez que Teresa Suárez lo obtuvo, enfrentó largos meses para convertirlos en ¿Qué le dijiste a Dios?, un musical cinematográfico basado en las canciones de éxito del “Divo de  Juárez”.

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Imbricadas ya en el imaginario colectivo, tanto las tonadas como los estribillos de Alberto Aguilera Valadez, forman parte indiscutible e indisociable, ya, del cancionero popular mexicano de la segunda mitad del siglo xx. Y estos incontables éxitos resultan tan entrañables para el cantautor, mucho más célebre por su nombre artístico, Juan Gabriel, que difícilmente permite que aparezcan en alguna película –es mucho más común hallarlas en telenovelas como María la del Barrio, Te sido amando o La fea más bella, y en series televisivas como Los Soprano, Havoc o Soy tu fan.

El cantante, productor musical, arreglista y compositor de origen michoacano (nacido en Pátzcuaro, en 1950), pero arraigado en Ciudad Juárez, Chihuahua, donde pasó gran parte de su niñez y juventud, fue protagonista de varias películas a fines de los años setenta e inicios de los ochenta gracias a su notable éxito masivo, buena parte de ellas autobiográficas como Del otro lado del puente (México, 1980), El Noa Noa (México, 1981) o Es mi vida (México, 1982), todas de Gonzalo Martínez Ortega.

Eso hace aún más notable que haya perdido toda reluctancia ante la propuesta de Teresa Suárez, de armar un filme musical en forma, con cantantes y bailarines profesionales en ¿Qué le dijiste a Dios? (México, 2014), un melodrama entre los conflictos amorosos, matrimoniales y de clases sociales entre dos matrimonios a punto de disolverse por infidelidades descubiertas entre Marcela (Erika de la Rosa), esposa de Héctor (Alejandro de la Madrid), con Santiago (Mark Tacher), quien está casado con Marifer (Mar Contreras).

En tanto, dos hermanas, Martina (Gina Vargas) y Lupita (Olinka Velázquez), esta última enamorada de Pepe (Víctor García), trabajan entre la servidumbre en la residencia de Marcela y se escapan para ir a una boda en su pueblo natal, con pertenencias de su patrona.

Así, entre amores, desamores, traiciones, llantos, risas y amores, colores abigarrados y escenarios que se pretenden folclóricos, transcurre esta producción con fotografía de Alejandro Cantú, diseño de producción de Juan Carlos Castillo, vestuarios de Naomi Crespo, coreografías de Guillermo Téllez y producción y dirección musical de Luis “Luca” Ortega.

¿Cómo surge la idea de hacer un musical con las canciones populares más entrañables y conocidas de este país en los últimos años, de esta visión del México real?

Pues de México, porque Juan Gabriel es México. Mira, yo empecé a escribir el guión y de pronto los personajes comenzaron a pedirme cantar y bailar. Cuando empecé a tener ese enfrentamiento, la primera persona que se me vino a la mente fue Juan Gabriel porque en sus canciones te habla de todas las emociones en sus canciones: encuentros y desencuentros, amorosos y personales, para mí Juan Gabriel es el número uno, tanto como cantante, productor y compositor porque sus canciones son muy sencillas pero muy honestas. Así empecé a armar el guión a partir de sus canciones y ya de ahí me fui en su búsqueda. Es una propuesta muy diferente, fruto del trabajo de muchos años.

Pero el asunto de llegar a Juan Gabriel es muy complicado y más proponerle un musical, cuando en el cine mexicano no resultan frecuentes.

Pasó lo típico que todo mundo, tanto gente cercana como los mismos de la disquera, me previno que iba a ser imposible, que para qué lo intentaba si era tan difícil. Pero me puse en el ánimo de que yo quería hacerlo con canciones suyas desde mi admiración y lo que representa para México. Hice una presentación que le gustó mucho, tuve una primera cita que fue gloriosa porque lo principal que me dijo fue: “Señora, yo quiero que presente un México bonito porque este país es precioso”. Y en ese momento ocurrió una especie comunión entre los dos, para contar una historia en la cual se pueda hacer incluso una crítica social de ese desencuentro entre clases y por los personajes que viven en una burbujita sin saber de otras realidades. Para mí el personaje de las trabajadores domésticas es entrañable.

Pero también se retrata este mundo consumista donde tal marca no sólo como símbolo de estatus sino como medio para ser.

Metí esta hambre fashionista porque si le preguntas a una chavita de 19 años qué va a hacer hoy está pensando en lo que se va a poner y cómo se va a vestir. Todos hemos pasado por esa etapa del ligue en la que quieres conquistar a alguien por cómo te ves, que aparentemente es frívola pero lleva todo un contexto más allá. Esta es una historia muy sencilla pero muy real.

Finalmente la historia no pueden ser tan complicada en un musical en el que tienen que embonarse canciones.

Exactamente. Todos los numeritos musicales tienen muchos detalles de humor que se prestan mucho para contarlo en comedia, cantan con pistola de juguete, en el salón de belleza con los peluqueros gay. Es un poco una película entre el musical y la revista, todas las películas de los cincuenta llevaban canciones. Finalmente fue un lujo hacer la película con canciones de Juan Gabriel e hicimos un trabajo exhaustivo con Luis Carlos Ortega “Luca”, que es un arreglista impresionante, armamos arreglos totalmente nuevos para traerlos a las nuevas generaciones y con interpretaciones diferentes, frescas. Lo mismo con el casting, pues es muy diferente cantar y bailar en los escenarios que hacerlo para cine. Me tardé casi ocho meses en armar los arreglos musicales y hacer todas las voces.

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Un cuarto de siglo de “El secreto de Romelia”, de Busi Cortés

enero 31, 2014

El Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) celebra los 25 años de nuestra primer cinta producida bajo el programa Ópera Prima: El secreto de Romelia (México, 1989), de Busi Cortés, con una función especial en Cineteca Nacional el próximo sábado 1º de enero de 2014, a las 20 horas, en la Sala 8 de la Cineteca Nacional (Av. México Coyoacán #389 Col. Xoco Del. Benito Juárez).

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Un melodrama femenino, atmosférico y literario

Por Perla Schwartz

El oprobio y la degradación provocados en una joven de profunda ingenuidad debido a la venganza de un hombre engañado, devienen, con los años, en traumas fantasmales difícilmente desarraigables en la cinta El secreto de Romelia, un melodrama en clave femenina y feminista, que este año celebra un cuarto de siglo de su estreno en pantalla.

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Existen ciertas presencias fantasmales que no son tan fáciles de ser vencidas, espectros que habitan en la interioridad ante los que llega el momento impostergable para confrontarlos, para vencer su compañía persistente, pues de otra manera, resulta imposible restablecer un equilibrio emocional. Esto le sucede a Romelia Orantes (Dolores Beristáin) , quién tras enterarse de la muerte de Carlos Román (Pedro Armendáriz Jr.), quien fuera su marido efímero en un pasado remoto, retorna cuatro décadas después al lugar donde fue víctima de una venganza perversa, de la que nunca se percató.

Ella es la mujer cinemática, protagonista de El secreto de Romelia (México, 1988), ópera prima de Busi Cortés (Ciudad de México, 1950), cineasta egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica (ccc). Este largometraje de ficción se basa en una versión libre de la novela corta “El viudo Román”, incluida en el libro Los convidados de agosto (1964) de Rosario Castellanos. La película cumple 25 años de haber sido filmada en el 2013 y es ejemplo de un melodrama femenino que se apoya en el entretejido de atmósferas, así como de una sabiduría literaria.

No podría ser de otra manera, puesto que la cineasta siempre ha tenido una gran pasión por la literatura latinoamericana, según lo ha declarado en diversas entrevistas y como deja constancia en trabajos fílmicos anteriores, como ocurre con sus cortometrajes escolares Las Buenromero (México, 1979), basado en el cuento “Circe”, de Julio Cortázar; El lugar del corazón (México, 1984), que parte del cuento homónimo de Juan Tovar, mientras que en el mediometraje Hotel Villa Goerne (México, 1981), desarrolla un homenaje al universo onírico de Gabriel García Márquez.

En dichos filmes breves, lo mismo que en El secreto de Romelia, la directora busca concretar un cine de autora, que conjuga parte de sus experiencias vivenciales –ella proviene de una familia de origen provinciano–, aunado a una necesidad de autorrepresentarse y, por ende, trazar el mundo de las mujeres que buscan ser. Aquí cabe recordar una aguda reflexión de la cineasta belga Chantal Akerman, cuando apunta: “En el cine y las artes también debemos encontrar un lenguaje adecuado a nosotras que no sea ni blanco ni negro”.

Virginidad y (malos) recuerdos

Busi Cortés traza a Romelia, una mujer de la tercera edad que oscila entre la marejada de sus recuerdos, mismos que desea exorcizar, demonios interiores que durante años la han atormentado, y le han impedido llevar una existencia tranquila y estable, siempre ha permanecido maniatada a un misterioso pasado, del cual no se atreve a hablar. En algún momento de la película, ella dice: “Lo mejor es recordar, así se pasan por alto muchas cosas”.

Melodrama femenino por sus sutilezas, así como introspectivo e intimista, donde surgen varias pinceladas oníricas, el filme visibiliza los sentimientos encontrados de una mujer cinemática educada de manera tradicional, quien cuando joven fue humillada de modo injusto y en el presente –donde inicia la cinta–, busca una redención, alejarse de ese malestar que la torturado y que la ha empujado a estar entre en el ostracismo y un inacabable desasosiego.

En forma paralela, la realizadora da cuenta de la relación que Romelia sostiene con Dolores (Diana Bracho), su hija divorciada, así como con sus tres nietas, que son su adoración, en especial, la pequeña Romi (Nuria Montiel), a quien la siente como una prolongación de sí misma. En una entrevista que la directora le concedió a Márgara Millán, para el libro Derivas de un cine en femenino (1999), le dice: “Con El secreto de Romelia fui más consciente, leí mucho a Rosario Castellanos. Como el tema era la virginidad, pensé en la manera de verla desde tres diferentes generaciones: el tabú para la abuela, lo absurdo para la mujer liberada y el juego para las niñas.”

En lo personal, considero que en esta película, más que la virginidad, lo que está en juego en el desarrollo de su narración, es el enfrentamiento a un pasado que marca en forma inevitable, pues las vivencias dejan huella indeleble en la sensibilidad. Y esto lo presenta la cineasta a partir de imágenes con fuerte contenido poético, algo que no suele ser muy habitual en el melodrama en general y menos en el mexicano.

Es necesario destacar que todas las mujeres cinemáticas que Busi Cortés construye, cuentan con una perspectiva femenina-feminista y el ejemplo claro se encuentra en la Romelia vieja, quién toma conciencia de sí misma, de su circunstancia y de la necesidad imperiosa de indagar qué es lo que la afectó tan profundamente. Está a la búsqueda de un afianzamiento en su presente, no obstante el sufrimiento que la erosionó.

Certera, apunta la teórica fílmica feminista Mary Ann Doane (1984): “Un aspecto vital e importante del cine de mujeres que concierne a la construcción de un espacio narrativo, es porque a decir de Judith Mayne, éste envuelve una clase de negociación entre la esfera privada y la pública, porque actualiza un espacio donde existen diferencias sexuales, la mujer se apropia del ámbito doméstico y los hombres de los ámbitos de acción y poder.”

Subjetividad femenina

La vida de Romelia se encuentra reducida a una esfera privada, la doméstica, mientras que el viudo Román, quien fuera su esposo, tuvo la oportunidad de ejercer como médico hasta que su salud física se quebrantó. Para compenetrar a su espectador(a) con la tristeza de Romelia, Cortés recurre a varios flash backs que se tornan en parte del continuum de un presente, es decir, recuerdos y ensoñaciones se entretejen en la cartografía íntima de su mujer cinemática protagonista.

En una conversación con Isabel Arredondo (2001), Busi comenta: “Con El secreto de Romelia, trato de crear conciencia sobre qué es ser mujer y quién eres como mujer, y creo que la película sí logra transmitir esa conciencia.”

La cineasta ofrece una representación de la subjetividad femenina, misma que busca mantenerse limpia de las influencias que están a su alrededor. Romelia refleja en su rostro una cierta melancolía y conforme avanza el metraje, se erige como una especie de Antígona, fiera, valiente, cuando se dispone a indagar qué vivió en su pasado.

El mundo familiar y sus entretelones son la materia prima de una película que se maneja en dos niveles narrativos, los cuales se entrecruzan: el presente, cuando Romelia llega a la hacienda provincial en compañía de su hija y nietas, y un segundo –mucho más intenso–, que son las escenas y secuencias que conforman a su mente memoriosa, que parecieran ser fotografías de un desgastado álbum familiar.

Al respecto, la estudiosa Márgara Millán escribe: “Romelia anciana se ve de joven al estar en ciertos lugares donde la acción sucedió; basta con que mire y se desencadena la escena, por ejemplo, Romelia vieja se sienta en medio de los árboles de la hacienda y la cámara recorre el punto donde ella está ya de espectadora de la acción de remembranza, al mismo tiempo es acontecer para nosotros.”

Todo el filme de Cortés va entretejiéndose desde una temporalidad con tintes míticos. Por ejemplo, hay una secuencia en la que Romelia evoca el tiempo cuando era dueña de una inocencia y se casa con Carlos Román, en 1938, y a los pocos días es rechazada por éste, pretextando que no es virgen. Se trata de una acusación falsa, pero que es parte de una confabulación en la que el hombre reafirma su honorabilidad, puesto que Elena, su primera esposa, fue amante de Rafael, el hermano de Romelia.

Ella guardará, durante mucho tiempo, las sábanas maritales manchadas de sangre, prueba fehaciente de que sí llegó virgen al matrimonio. Durante los flash back, Romelia recuerda sus juegos cuando era niña, cuando gozaba al treparse en el duraznero, para tener otra óptica del mundo desde las alturas. Estos flash back le dan a este melodrama un toque de especial vitalidad.

Refleja su gran disfrute de dichas jornadas campiranas, cuando tenía la sensación de sentirse libre de ataduras. Resulta muy significativa la leyenda de la placa que se encuentra en la oficina de Joaquín, el notario: “El pasado es un lujo de propietario”. Dicha frase es de la autoría del filósofo existencialista francés Jean-Paul Sartre, la cual evidencia lo que la realizadora reafirma a lo largo de su película.

La memoria de la mujer cinemática creada por Busi Cortés va hilando a través de sus recuerdos y ensueños un proceso que es laberíntico e intrincado, y no obstante, por más esfuerzos que se realice, es imposible recordar con plena claridad lo que se ha vivido y ésta es una de las premisas centrales de El secreto de Romelia.

El antropólogo Marc Augé (2005), reflexiona en ese sentido: “Y nuestro presente se divide con frecuencia entre las incertidumbres del porvenir y las confusiones del recuerdo.”

El pasado como rompecabezas

Dentro de su caos emocional, Romelia aspira a lograr acceder a una auténtica redención, aún y cuando sabe de antemano que no será una tarea fácil. Para ello es imprescindible un ajuste de cuentas, ella ya no puede permitirse el lujo de seguir anclada a ese pasado que tanto la hirió, debe librarse, presiente que su muerte está cercana y antes de abandonar la residencia terrenal debe ser dueña absoluta de sus deseos y decisiones más íntimas.

Aquí vale la pena recordar la reflexión de la teórica fílmica feminista Claire Johnston (1972): “Si el cine de mujeres va a emerger, ello no sólo implica sustituir a protagonistas femeninas con un carácter positivo o enfocarse a una problemática femenina, etc. Ello va mucho más lejos, al impactar en la consolidación de una auto conciencia.”

En este melodrama femenino con apuntes feministas, la toma de conciencia de Romelia es clara, desde el momento en que regresa al lugar donde fue maltratada emocionalmente, al que va protegida en cierto modo, al ir acompañada de su hija y nietas. El filme transcurre en un tiempo lento, puesto que tienen más peso las acciones internas de los personajes que aquello que sucede en el exterior; los silencios tienen peso en la progresión de la acción dramática, pues acompañan las cavilaciones de la mujer cinemática protagónica, silencios propios de una mirada femenina en el séptimo arte.

En varios de esos momentos, ella pareciera estar suspendida en una especie de tierra de nadie, como si se encontrara en un trance y, para remarcarlo, Busi Cortés utiliza una cámara irreal, y así da ciertas pinceladas oníricas a algunas de las escenas y secuencias, como por ejemplo, el flash back de la boda de Romelia con el vengativo Carlos Román, con una toma en contrapicada, en la que los personajes parecieran ser muñecos de una maqueta y aparecen cercanos y distantes a un mismo tiempo ante el espectador.

La mirada de la realizadora se centra, sobre todo, en el uso de varios planos secuencia y ello le permite detenerse en los pequeños detalles, en objetos significativos, los cuales se conectan con el fluir emocional de sus personajes, sobre todo las mujeres. Así, tenemos a Romelia vieja, a la hora de descender una escalera que parece infinita, como el torrente de memorias que atesora.

A lo largo del desarrollo de la película, prevalece un aura de misterio y sigilo, impreso desde su título El secreto de Romelia, un sigilo que también es componente de esa doble moral que preside a la sociedad provinciana: una manera es cómo se actúa ante los otros, y una segunda lo que se siente y se piensa.

En cuanto a los objetos, uno de los más importantes es el relicario, el cual ha pasado de generación en generación en la familia Orantes, el cual Romelia obsequia a su nieta Romi, cuando presiente que muy pronto ha de morir, pues desea que la pequeña perpetúe su memoria, su paso por la residencia terrena, deseando que tenga un destino diferente, menos accidentado que el suyo propio.

Escribe la ensayista alemana Jutta Bruckner (1986): “Las películas de mujeres buscan claves y huellas del pasado. La consolidación de la identidad es su tema y a la vez forma parte del proceso de hacerlas. Son testimonio de la esperanza de una vida consciente en que el pensamiento esté vinculado al sentimiento.”

El secreto de Romelia sigue muy de cerca esta consigna, al ser una especie de rompecabezas para ser construido. La mujer cinemática protagonista se va develando en forma paulatina, como ocurre, por ejemplo, en sus diarios, que sus nietas descubren accidentalmente, arrumbados en un viejo armario, o a través de los diálogos entrecortados que sostiene con su hija Dolores, o bien, cuando recorre los lugares donde vivió cuando joven.

Busi Cortés ofrece el retrato melodramático de una mujer a su regreso –cuatro décadas después–, para confrontar los fantasmas de su pasado, se trata de un proceso de sanación emocional y espiritual. Ella anhela que el futuro de sus nietas sea más luminoso, que ya no sean víctimas de un opresivo sistema patriarcal. Sabe que, por fortuna, los tiempos cambian y es posible aspirar a la renovación.

Este artículo forma parte de los contenidos del número 31 de la revista cine TOMAde septiembre-octubre de 2013. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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Noveno Festival Internacional de Cine Acapulco

enero 30, 2014

Sol, arena y mucho cine

Por Judith Bonfil Sánchez y Fabián de la Cruz Polanco

La novena edición del Festival Internacional de Cine de Acapulco hubo de mudar sus fechas tradicionales –en noviembre– a enero de 2014, tras los desastres ambientales que asolaron Guerrero el año pasado, pero también para demostrar la recuperación y vialidad de la bahía más famosa del país, con homenajes a Silvia Pinal y a Gustavo Rojo, talleres, conferencias magistrales, presentaciones de libros y una gran cantidad de películas, en once secciones.

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Silvester Stallone con el Jaguar de Plata del noveno FICA.
Fotografía: Pedro González.

Mostrándose como una plataforma de impulso a la promoción, difusión y realización de cine mexicano, la novena edición del Festival Internacional de Cine Acapulco (FICA), está lista para realizarse del 24 al 31 de enero de 2014, teniendo como sede principal la zona conocida como el Triángulo del Sol, conformada por Taxco, Ixtapa-Zihuatanejo y Acapulco, además de realizar actividades en las Grutas de Cacahuamilpa, Chilpancingo, Iguala y en pequeñas localidades de la entidad, que contarán con funciones al aire libre en plazas públicas.

Para esta novena edición, FICA tiene contemplado la realización de un homenaje a la actriz Silvia Pinal, máxima estrella y diva de la época dorada del cine mexicano, quien recibirá la presea más importante del festival, el Jaguar de Plata, al tiempo que se recordarán algunos momentos más brillantes de su carrera en cine, televisión y teatro de cámara y musical.

Para complementar su homenaje, como ya es tradición se realizará una retrospectiva en la que se exhibirán algunas de sus cintas: La mujer que yo perdí (México, 1949, de Roberto Rodríguez), El Inocente (México, 1955, de Rogelio A. González), María Isabel (México, 1968, de Federico Curiel), Cómo hay gente sinvergüenza (México, 1972, de René Cardona Jr.) y Modelo Antiguo (México, 1992, de Raúl Araiza), entre otras.

Además, reconociendo la trayectoria de 70 años de carrera del primer actor Gustavo Rojo, se le rendirá un tributo a este destacado actor, quien ha trascendido lo mismo en cine, teatro, televisión y radio en México y en el extranjero.

En sus ediciones anteriores, FICA rindió homenaje a reconocidas figuras del cine nacional, como el cómico y cantante Germán Valdés “Tin Tan”; el productor de cine Alfredo Ripstein; el documentalista y director de fotografía Demetrio Bilbatúa; la actriz Arcelia Ramírez; el violinista y compositor Ángel Tavira Maldonado; el entrañable ídolo del pueblo Pedro Infante; los actores Germán Robles, Luis Felipe Tovar, Ignacio López Tarso, Lorena Velázquez, Fernando Luján, el cómico Mario Moreno “Cantinflas” y el luchador El Hijo del Santo. Además, ha contado con la presencia de invitados internacionales, grandes figuras cinematográficas como Salma Hayek, Antonio Banderas, Melanie Griffith, Paz Vega, Alain Delon, y Sophia Loren, entre muchas otras.

En su programación, FICA mantiene una amplia oferta de cine nacional e internacional con temas y géneros diversos, aunque su lado más fuerte sigue siendo el buen cine comercial. Así, en el festival se podrán ver distintos programas para todo tipo de público: Película Inaugural; Película Clausura; Retrospectiva a Silvia Pinal; Retrospectiva Homenajeado Internacional; Programa de Cine Infantil; Programa Cinema Pool Party; Programa Reseña; Programa Estrenos Internacionales; Programa Estrenos Nacionales; Programa de Cortometrajes Imcine, CCC, CUEC e independientes, y Programa de Documentales.

Además, celebrando los 400 años de amistad entre México y Japón, se llevará a cabo una retrospectiva del realizador y productor nipón Hayao Miyazaki, creador de los Estudios Ghibli, con la proyección de sus cintas animadas: El secreto de la sirenita (Gake no ue no Ponyo, Japón, 2008); El increíble castillo vagabundo (Hauru no Ugoku Shiro, Japón, 2004), y La princesa Mononoke (Mononoke Hime, Japón, 1997).

El área académica estará conformada por talleres y charlas magistrales. Realizados a puerta cerrada, previa inscripción de los interesados, se ofrece un primer taller en el que los jóvenes guionistas participantes se adentrarán en las técnicas de actuación de Lee Strasberg, Stella Adler, Sanford Meisner y Anton Chejov, y estará impartido por Natalia Lazaus, del Promenade Conservatory de Los Ángeles, Estados Unidos, y su reto será  sensibilizar a sus alumnos en la forma de escribir escenas para potencializar el talento de los actores que interpretarán sus guiones. El segundo será un taller a cargo de profesores del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), en el que los alumnos trabajarán en torno a cómo hacer un corto con un dispositivo móvil.

Por su parte las charlas magistrales se impartirán en universidades públicas y privadas de Acapulco y abarcarán temas diversos como el manejo de las redes sociales para promocionar los proyectos culturales, mostrando dos casos de éxito, uno de ellos, vinculado al cine. Otra de estas charlas versará sobre el marketing de películas y la tercera se enfocará en el significado de la comida en el cine nacional.

Para esta edición se abrió una importante sección para la presentación de libros, comenzando con el libro Cine México, 1970-2011, coordinado por José Rodríguez López “Rolo”; también se presentará el libro Durango, Filmes de la Tierra del Cine, proyecto encabezado por Sol Levín Rojo y coeditado Gran Numeronce Producciones y el Conaculta,  en el que se hace un recuento de las películas filmadas en Durango, desde 1954 y hasta finales de 2013, y se  detallan las 180 películas rodadas en la entidad.  Este libro será el primero de una serie de publicaciones sobre filmaciones que Gran Númeroonce editará sobre la producción fílmica en cada estado de la República Mexicana, y que continuará con la filmografía de Guerrero y Jalisco. La tercera de las presentaciones de libros será la del Catálogo de locaciones de Guerrero, a cargo de José “Pepe” Moreno.

No menos importante resulta el espacio que FICA dedica al Foro de Industria, con sesiones de trabajo de los representantes de la industria cinematográfica mexicana, un foro incluyente para que los sectores de la formación, producción, distribución, exhibición y preservación del cine nacional se sienten a dialogar sobre los problemas por los que pasa esta industria en nuestros días.

A partir de la novena edición del FICA, se han desarrollado diversas estrategias de comunicación multimedia, por eso, se abrirán canales de comunicación propios, como: FICA-TV, FICA Radio, FICA Redes Sociales –en Facebook, Twitter, YouTube, Instagram y la Web–, así como FICA News, una revista impresa de promoción cinematográfica, turística, cultural y de fomento a la inversión en el estado de Guerrero, especialmente en proyectos de la industria cinematográfica y audiovisual.

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El homenaje a Elvis Presley en Acapulco.
Fotografía: Pedro González.
Este artículo forma parte de los contenidos del número 32 de la revista cine TOMAde enero-febrero de 2014. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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El invitado de honor para la ceremonia de inauguración del noveno FICA, realizada el viernes 24 de enero de 2014, en el Forum de Mundo Imperial en la zona Diamante de Acapulco, fue el actor hollywoodense Sylvester Stallone, quien reiteró en varias ocasiones su amor por México y en especial por Acapulco donde, recordó, hace más de tres décadas filmó Rambo Acorralado: Parte II (Rambo: First Blood Part II, Estados Unidos, 1985). En reconocimiento a su trayectoria le fue otorgado  el Jaguar de Plata, para después iniciar la gala con la película Ajuste de cuentas (Grudge Match, Estados Unidos, 2013), que coestelariza junto con Robert De Niro, en una comedia repleta de gags cómicos sobre dos de sus personajes boxísticos emblemáticos: el boxeador de Filadelfia Rocky Balboa, de la serie Rocky (que consta de seis películas, estrenadas entre 1976 y 2006), y el personaje histórico Jake LaMotta, del clásico Toro Salvaje (Raging Bull, Estados Unidos, 1980), de Martin Scorsese.
En su novena edición el Festival Internacional de Cine Acapulco ofrecerá más de 100 películas, entre documentales, largometrajes de ficción y cortometrajes, donde el cine mexicano tiene el reflector central.

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Novena Gira de Documentales Ambulante

enero 24, 2014

Curaduría rigorosa para un público diverso

Por Elena Fortes

La novena edición de la Gira de Documentales Ambulante encuentra a este festival en un proceso de crecimiento y expansión, al afianzar no sólo las plazas de México que cubre anualmente, sino a nivel internacional, tanto en festivales como en ciudades distintas, pero asimismo por los programas educativos, de apoyo a la producción e incluso editoriales, consolidando sus circuitos en la cartelera cinematográfica así como la profesionalización de sus coordinadores locales.

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Desde el 2007 hemos llevado a cabo muestras de la Gira de Documentales Ambulante en otros países, principalmente enfocadas en documental mexicano y latinoamericano, con la intención de promover los trabajos de la región en el circuito de festivales y el mercado internacional. En el caso de México, siempre hemos buscado la manera de generar una exhibición continua para el documental que trascienda las fechas mismas del festival. Por este motivo, organizamos muestras con colaboradores, de quienes consideramos compartimos valores similares, para realizar un proyecto de exhibición en conjunto. El lema de Ambulante es: “Descubrir, compartir, transformar”. Nos interesa, por lo tanto, descubrir historias junto con nuestros aliados, ejercer una curaduría rigurosa, compartirlas con un público diverso y generar encuentros que den lugar a una reflexión con la esperanza de transformar al espectador o aportar diversas perspectivas.

A partir de 2014, nos enfocaremos en el proyecto Ambulante Presenta, que tiene como objetivo exhibir documentales a lo largo de todo el año en el circuito del festival y en algunos otros estados que no están incluidos dentro del mismo. Por este motivo, dejaremos de organizar pequeñas muestras en otras plazas del país. A nivel internacional buscamos consolidar la presencia de Ambulante en California, en Estados Unidos, y en Colombia, de manera que exista un equipo local que pueda, a largo plazo, replicar el festival. Por este motivo, también dejaremos de organizar pequeñas muestras en otros festivales, a menos que ya tengamos una alianza de varios años con ellos, como es el caso de sxsw, el Festival de Lima o Cine Mexico en Tucson, Arizona.

En cuanto a la Gira de Documentales, la selección de plazas siempre ha sido un proceso difícil, ya que en algunas tenemos mucho público y poco apoyo del estado, y en otras mucho apoyo del estado y un público más pequeño. Sin embargo, pensando en la sustentabilidad de Ambulante, es fundamental para nosotros recibir el apoyo estatal para poder llevarlo a cabo, por este motivo, a partir de 2015, iremos únicamente a los estados que tienen interés en apoyar Ambulante. En 2014 estrenaremos Zacatecas como plaza nueva que se suma al circuito de la Gira, y para 2015 ya han mostrado mucho interés en sumarse los estados de Morelos, Tabasco, Campeche y el Estado de México.

Alianzas y extensión internacional

El proyecto Ambulante Global surgió a partir de los ocho años de experiencia que tenemos en la planeación y producción de la Gira de Documentales en México, y representa el primer intento oficial de establecer, a largo plazo, la presencia de Ambulante fuera del país. Con el paso de los años, hemos acumulado una valiosa experiencia en la producción de festivales de cine en una variedad de contextos geográficos y sociales. En un esfuerzo por alcanzar nuevos públicos, Ambulante ha logrado involucrar a una gran variedad de socios y colaboradores en la organización del festival: complejos cinematográficos, organizaciones de la industria del cine, instituciones, organizaciones no gubernamentales y de base, universidades, etcétera. El festival ha conseguido establecer una trayectoria impecable y prestigiosa, respaldada por los testimonios de los propios invitados a ediciones pasadas, por múltiples invitaciones a participar en festivales de cine en otras partes del mundo, además de diversos reconocimientos como el Premio wola de Derechos Humanos 2011, por la promoción del documental como una herramienta de cambio. Durante la edición de Ambulante Global, se buscará extender su red de colaboradores, trabajar con distintos socios locales y crear un contexto adecuado para la recepción del cine documental, además de potenciar el impacto y la visibilidad de este importante género.

Desde 2007, Ambulante ha presentado selecciones de documentales en más de 33 ciudades, en 17 países, en colaboración con distintos festivales, organizaciones, compañías de exhibición e instituciones. Ambulante ha viajado a Argentina, Australia, Canadá, Colombia, Costa Rica, Cuba, El Salvador, España, Estados Unidos, Guatemala, Inglaterra, Nicaragua, Noruega, Sudáfrica, Suecia, Tanzania y Kosovo. Sólo en 2012 y 2013, tuvimos ocho presentaciones internacionales en Kosovo, Reino Unido, Estados Unidos, Costa Rica, España y El Salvador. Ahora, con miras de establecer el circuito de Ambulante en otros países a largo plazo, estamos por estrenar la primera edición de Ambulante California, que estará a cargo de Christine Davila, y se llevará a cabo de manera itinerante en la ciudad de Los Ángeles, entre el 21 de septiembre y el 4 de octubre de 2014. La idea detrás de Ambulante Global es empoderar y capacitar a equipos locales, de la misma manera que lo hacemos con nuestros voluntarios y coordinadores en México, para poder llevar a cabo el festival.

El primer contacto con la World Cinema Foundation fue a través de Bruni Burres, quien asesora el programa de documental del Festival de Sundance y conoció a una de nuestras programadoras en un festival. Y nos pareció importante presentar algunas películas de esta organización en un programa que tiene como concepto general el tiempo, ya que son películas que contrarrestan una cultura cinematográfica que ha sido altamente influenciada por una mirada occidental y que, finalmente, se han restaurado y rescatado del olvido. La retrospectiva incluye obras de Egipto, la extinta Unión Soviética, Tailandia, Brasil, Filipinas, India, Marruecos, Senegal y México. Bruni Burres y Kent Jones, director del World Cinema Foundation, asistirán a la novena edición del festival para presentar las películas.

Libros y educación

Siempre ha sido importante para nosotros poder ligar a Ambulante a otras expresiones culturales que consideramos como herramientas poderosas para promover el cambio social y cultural. Ambulante Ediciones nació a partir de una preocupación por fomentar la lectura en México y también de volver accesible, a un público más amplio, la literatura acerca del cine. En ediciones anteriores, habíamos realizado publicaciones con la sección de Injerto y además incluíamos una sección de crítica en el catálogo. Todos estos impresos se formalizan ahora bajo el sello de Ambulante Ediciones, que este año editó Chris Marker Inmemoria (Ambulante Ediciones-Embajada de Francia-Cineteca Nacional). Por el momento estamos planeando nuestro próximo libro que se publicará durante el verano de 2014.

Además de los apoyos a la postproducción que ofrecemos mediante la beca Cuauhtémoc Moctezuma-Ambulante, ahora se añade el proyecto Ambulante más allá, que es extraordinario pues nace justamente como respuesta a la falta de oportunidades de formación profesional en diversas regiones del país. Reconocemos que se ha realizado mucho trabajo de video comunitario, pero muchas veces limitado a las agendas de las fundaciones que lo financian, y sólo en una serie de talleres intensivos que, a falta de fondos, pocas veces tienen la capacidad de seguimiento.

Lo que nosotros ofrecemos es una capacitación de un año, mediante la cual los alumnos pueden explorar a profundidad cada una de las áreas de la realización cinematográfica –preproducción, producción, iluminación, fotografía, edición, sonido, postproducción– y cuentan con la oportunidad de rodar su propio proyecto. Nos interesa ejercer una capacitación profunda con la intención de generar redes de cineastas y productores, además de fortalecer las capacidades locales para que puedan continuar con la producción audiovisual. El proceso de selección es complejo, ya que buscamos alumnos comprometidos que tengan interés en continuar con la labor, más allá de su formación.

En diciembre concluyó el segundo ciclo de Más Allá, que resultó en diez documentales que formarán parte de la Gira. Del ciclo anterior, varios de ellos han participado en festivales nacionales e internacionales como el de Cine de Morelia, Imaginative de Toronto y el de Puebla. Para el tercer año, vamos a combinar a los alumnos de las dos primeras generaciones con el fin de profesionalizarlos aún más, para que puedan fortalecer las redes entre ellos y realizar una segunda película.

Público y gestores en aumento

Respecto a la cartelera comercial, por lo pronto, me parece que ante la ocupación de la mayoría de las pantallas por parte de las producciones de los grandes estudios, nos toca seguir la labor de construcción de público. Parte de esta labor es generar otras alternativas de exhibición, acercar de diversas maneras a la gente al cine mexicano y al cine documental, y romper con los prejuicios que aún se tienen. Por lo pronto, a través de nuestro proyecto Ambulante Presenta, hemos alcanzado un promedio de 60 asistentes por función –lo cual es destacable si consideramos que, a diferencia de la mayoría de las funciones en el festival, se trata son exhibiciones pagadas–, así que soy optimista al respecto. Los títulos de Ambulante Presenta se estrenarán próximamente también en salas de la cadena Cinépolis y, afortunadamente, contamos además con su respaldo de difusión por lo que confiamos tendrá muy buenos resultados.

Yo creo que la clave del éxito de Ambulante ha sido empoderar y delegar mucha responsabilidad a nuestros coordinadores y voluntarios de cada localidad a la que llega la Gira de Documentales, eso permite que, como un virus, pueda replicarse nuestro trabajo en distintos niveles, además de que me parece importante que se sientan con la confianza de su capacidad para la gestión cultural, ya que de alguna manera el futuro de Ambulante –y me atrevería a decir del cine independiente–, está en ellos. Sin ellos no podríamos generar los circuitos de exhibición ni aumentar el público como lo hemos logrado a lo largo de los últimos años. Y, como ellos, nos desarrollamos todos en el equipo de Ambulante. Desde muy jóvenes contábamos con mucha responsabilidad.

La novena edición

La novena edición de la Gira de Documentales Ambulante se realizará del 30 de enero al 4 de mayo de 2014 e iniciará en el Distrito Federal, Guerrero, Zacatecas, Puebla, Veracruz, Nuevo León, Coahuila, Michoacán, Chiapas, Jalisco, Baja California y Oaxaca. Además de la retrospectiva de World Cinema Foundation, tendremos una serie de eventos imperdibles que van desde rodadas en bicicleta que culminarán en proyecciones, hasta batallas de Youtube en las cuales competirán reconocidas personalidades de la música, el cine, y el arte, con una selección de sus videos favoritos de esta página de videos en línea, mismos que serán juzgados por el público asistente.

La sección de Injerto ha sido curada este año por el cineasta experimental estadounidense Ben Russell, e incorporará el trabajo de cineastas y artistas contemporáneos de muy diversos orígenes, entre ellos Croacia y Palestina.

Nuevamente contaremos con una participación en el Festival Vive Latino –del 27 al 30 de marzo– con una selección de documentales de música de los años recientes, así como un programa que se presentará en la décimo quinta Cumbre Tajín –del 20 al 24 de marzo en Veracruz.

En la sección de Reflector contamos con tres títulos que actualmente ocupan la lista de posibles nominaciones al Óscar: The Act of Killing (Dinamarca-Noruega-Reino Unido, 2012), de Joshua Oppenheimer y Anonymous; Cutie and the Boxer (Estados Unidos, 2013), de Zachary Heinzerling, y Blackfish (Estados Unidos, 2013), de Gabriela Cowpertwaite.

En cuanto a los invitados, para la Ciudad de México, tendremos a Jehane Nouhaim, Harry Freeland, Louis Hock, Sebastian Mez, Bruni Burres, Kent Jones, Ahmed el Maanouni, Emmett Malloy, Gregory Allen, Bernardo Loyola, María Antonia Ramírez Marcelino, Gilberto González Penila, Tin Dirdamal, Nuria Ibañez, Pablo Tamez, Lourdes Grobet, Hatuey Viveros, Eduardo Villanueva, José Cohen y Alejandra Liceaga.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 32 de la revista cine TOMAde enero-febrero de 2014. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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Los amores tardíos en Gloria de Sebastián Lelio

enero 17, 2014

Una familia debe ser disfuncional

Por Sergio Raúl López

La sonrisa casi magnética y los ojos deslumbradoramente alegres incluso detrás de unos anteojos demasiado grandes, hacen de Gloria una mujer tremendamente atractiva a sus casi sesenta años, especialmente cuando acude a clubes de baile para adultos solteros. Pero detrás de sus bailes, bromas y charlas superficiales, se halla la brutal fragilidad humana, tan de todos.

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Pareciera que las rabietas, los descontrolados estados de ánimo y la indecisión frente al enamoramiento pertenecieran, únicamente, al exacerbado reino de los adolescentes, siempre de carácter cambiante y propensos a la indecisión. Sin embargo, en un personaje cincuentón o sexagenario, cabría suponer la mesura y, sobre todo, la contención, a la hora de elegir una nueva pareja y de introducirlo a su vida privada, con familia, hijos e incluso nietos.

Pero en el caso de Gloria (Chile-España, 2012), cuarto largometraje de Sebastián Lelio, pareciera ser un signo más de la condición frágil, aparentemente de gran estabilidad pero repleta de pequeñas craqueladuras, que rodean a esta profesionista de 58 años, que vive sola en su departamento, tras largos años divorciada y con su par de hijos ya independientes, evitando la soledad en bares y clubes nocturnos para adultos solteros, presa de vaivenes emocionales e imposibilitada de hallar una paz en el exterior que reiteradamente se niega para su mismo interior.

Y es que en su primer protagónico, la actriz Paulina García se transforma ante nuestros ojos, envejeciendo y arrugándose cuando se halla deprimida, pero también irradiando belleza y alegría en sus momentos de euforia, especialmente junto a Rodolfo (Sergio Hernández), un empresario recién separado que aparentemente podría convertirse fácilmente en su nuevo cónyuge.

Reconocida con el Oso de Plata a la Mejor Actriz en la sexagésima tercera edición de la Berlinale –además del Premio del Jurado Ecuménico–, pareciera que la complejidad de las reacciones emocionales de esta mujer no son sino reflejo de las de su propia familia, pero también las de una sociedad chilena que, en su estabilidad, acaba por despojarse de toda certeza ante un pasado dictatorial y militar, y un presente de aparente prosperidad, entre movimientos estudiantiles y sociales crecientes.

La película, con guión de Gonzalo Maza y el propio Lelio, producida por Fábula, compañía de los hermanos Pablo y Juan de Dios Larraín, asesorada por Pedro Peirano, resulta una buena muestra del cine chileno actual, lejos de la denuncia y del panfleto simplones, pero siempre con un discurso que articula lo político y lo social dentro del relato, se presentó en el undécimo Festival Internacional de Cine de Morelia y se estrena en la cartelera mexicana en enero de 2014, con distribución de Canana.

¿No te fue difícil como director de cine ya con premios y trayectoria, cambiar de pronto de apellido, de Campos a Lelio?

No, bueno. Si uno fuera un político, claro. Pero yo primero soy una persona y, en realidad, lo que yo hice fue recuperar mi verdadero apellido, el que tuve hasta los diez años. A mí me cambiaron el apellido por el de mi segundo papá, pero después mi mamá se separó de él y me quedé con este apellido, que no era el mío, luego me reencontré con mi padre, entonces me parecía lógico recuperar el nombre de mi familia. Después de eso viene el cálculo: si fue bueno o fue malo, da lo mismo. Lo hice justo después de filmar La sagrada familia (Chile, 2005), entonces me resultaba muy coherente hacerlo y muy importante personalmente.

El tema conecta con la propia película y con cómo se concibe la familia en este mundo contemporáneo. De pronto surgen estas complejidades.

Sí, yo pienso que hay un cliché muy grande respecto a lo que es la familia y lo que debería ser. Ya es suficientemente complejo que un ser humano, en sí mismo, sea armonioso, por decirlo así. Pedirle que lo sea a un grupo humano es imposible. Siempre me dicen que filmo a estas familias disfuncionales y les contesto que no hay que hacer redundancias, decir familia disfuncional es repetir dos veces lo mismo. Una familia debe ser disfuncional, a no ser que nos iluminemos todos y consigamos una sociedad iluminada producto de que los individuos están iluminados. Pero todavía no estamos ahí.¿Qué esperamos, que las familias sean perfectas cuando los individuos no lo son? No. Y hay una belleza en esa complejidad, hay una formación única que cada familia tiene y que habla de cómo vibran y quiénes son. Y es muy fascinante observar eso a través del cine.

Me da la imagen de un árbol genealógico, donde los nombres están fijos, pero detrás de eso hay capas y capas de complejidades.

Son fundaciones orgánicas, como los árboles o como las plantas, que tienen su propia lógica. Habrá familias que se parecen más a un cactus, otras que son más rizomaticas, qué se yo.

En este retrato femenino aparece el tema de los movimientos civiles y políticos, de los jóvenes saliendo a la calle, de las privatizaciones salvajes que han afectado a Chile, quizá como en ninguna otra parte de Latinoamérica. En fin, a partir de la familia realizas el retrato de una sociedad, de un país.

Sí, es un poco el tema de los fractales. Si uno entiende que un sistema social es producto de la suma de muchos componentes, entonces uno puede revisar una de las partes y hacer comentarios o descubrir propiedades sobre el sistema completo. Entonces, es la parte por el todo. Explorando un campo de batalla determinado, puedes descubrir propiedades del sistema general. Es como cambiar el foco, quizás, de una lógica más general como era el cine militante, y mirar la parte para ver el todo, porque es dialéctico. Es necesario entrar en la paradoja para poder abrazar las complejidades. Si no se cae en la simplificación.

Recuerdo ahora la película de Patricio Guzmán sobre el desierto de Atacama, sobre el telescopio milimétrico, pero también sobre los cadáveres abandonados por la dictadura de Pinochet.

Esos huesos lo son todo, son una galaxia y es la historia política chilena. Para mí esa película, Nostalgia de la luz (Francia-Alemania-Chile-España-Estados Unidos, 2010), es una de las grandes películas chilenas y latinoamericanas de los últimos años, es La batalla de Chile mezclada con Cosmos, de Carl Sagan, es una obra maestra. Además, muestra cómo el cine funciona a partir de la paradoja, la necesita para poder hablar. El cine, digamos, es una proyección de luces y de sombra, en sí mismo es una proyección continua a partir de una interrupción, está en su esencia esta condición flip-flop, de no ser ni lo uno ni lo otro, pero ambas cosas al mismo tiempo. Es contradictorio.

Pero esto que suena tan complejo en palabras, cinematográficamente se resuelve con estos elementos que vas intuyendo.

Es lo bello que tiene, que en el fondo, en el cine se pueden abrazar ideas de alta complejidad filosófica a través de formas expresivas que son muy simples.

Sí, porque la película habla de la liberación de una mujer, que a una edad madura quiere volver a sentir el amor, disfrutar su sexualidad. Esos son prejuicios sociales, claro que lo hacen, pero sucede que en pantalla se muestran, regularmente, los cuerpos de las estrellas hollywoodenses jóvenes y no personas de sesenta años.

Sí, yo creo que al irse haciendo, la película fue descubriendo una de sus misiones, que era justamente ofrecer una representación de la edad adulta o de la entrada a los últimos episodios, menos infantil, menos eufemística, que ojalá sea capaz de encontrar cierta belleza ahí donde no debería estar, según el cliché social, que es infantilista, que además está obsesionado con la juventud y que niega la muerte. Eso es lo que pasa, a mí me parece que la obsesión con la juventud es una negación de la muerte: no queremos ver los cuerpos viejos porque no queremos enfrentar la muerte. Pero nadie que no enfrente la muerte puede, realmente, vivir, que es una de las cosas que la película propone por debajo.

Además existe una sensación de fragilidad absoluta en el personaje de Gloria. No es una mujer que se libera, sino con episodios de violencia y contradicciones, a quien el enamoramiento, hace perder la cabeza. ¿Cómo planteas este asunto del amor?

Yo creo que hay ahí algo tan humano, que somos frágiles y no sabemos, nadie sabe nada. Estamos instalados en una incertidumbre tan gigante y vivimos inventándonos que somos grandes y maduros, pero en realidad estamos flotando en una roca, en medio de la nada, que si no existiera alguno de los planetas del sistema solar desapareceríamos. Es muy fuerte, es muy tremendo y poner esa fragilidad en pantalla es bello porque es cierta, creo yo.

¿Cómo lograste dirigir a Paulina García en una interpretación tan contundente, por lo que carga a sus espaldas, que es la película entera, que además está escrita para ella? ¿Por qué te atrajo tanto como actriz?

Bueno, siempre la admiré y siempre me sorprendió mucho que nadie la llamara para hacer un protagónico en el cine. Ella siempre hizo papeles menores y muy pocos, tiene una carrera notable en teatro, genial, muy respetada, pero en cine, teniendo esa presencia que tiene, me da la sensación como de que nadie la había descubierto, ¿te fijas? Y entonces ahí hay una reivindicación para con ella y también darse el lujo de trabajar con un artista que está en el pico, en el dominio casi absoluto de sus herramientas expresivas. Y lo ves, el rango que usa, cómo se mueve, ella está en estado de gracia y lo mantiene y lo cuela y contamina todo, pero porque la película es eso, es esa actuación, es un dispositivo para disparar ese talento y es una apuesta a todo o nada: si ella fallaba la película fallaba con ella porque son una y la misma cosa. Por algo se llama Gloria y no Los misterios de la edad.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 32 de la revista cine TOMAde enero-febrero de 2014. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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“La mujer del puerto”, restaurada, será exhibida en el Centro Cultural Roberto Cantoral

enero 17, 2014

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Como parte de su programa de actividades del 2012, la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas ‎encargó la restauración digital de algunas películas históricas mexicanas a la Filmoteca de la UNAM, mismas que ahora serán  exhibidas públicamente .

El material que será presentado es el filme La mujer del puerto (México, 1933), de Arcady Boytler, protagonizada por  Andrea Palma, así como imágenes inéditas de inicios del siglo XX e históricas de la Revolución Mexicana, de los archivos Salvador Toscano y Hermanos Alva.

El programa incluye: 

Primeras películas filmadas por el ingeniero Salvador Toscano: El Zócalo de la ciudad de México (México, 1898), El Zócalo de la Ciudad de México (México, 1900), El Zócalo de la Ciudad de México (México 1905).

Películas filmadas por los Hermanos Alva: Desfile de carros alegóricos (México, 1910), Desfile Histórico de las Fiestas del Centenario de la Independencia (México, 1910), Viaje triunfal de Francisco I. Madero, de Ciudad Juárez a la ciudad de México. Escenas multitudinarias de júbilo popular por el triunfo de la Revolución a lo largo del viaje de la ciudad fronteriza a la capital del país (México, 1911), Llegada de la viuda de Aquiles Serdán a México para recibir a Madero (México, 1911), Manifestación celebrada en la ciudad de México el 1º de mayo de 1913, en conmemoración del Día del Trabajo.  Primer Día del Trabajo celebrado en México por los obreros en las calles céntricas de la ciudad de México, y frente al monumento a Benito Juárez (México, 1913).

La mujer del puerto (México, 1933), de Arcady Boytler.

La proyección se realizará en una Función de Gala, el viernes 31 de enero en el Centro Cultural Roberto Cantoral (Puente de  Xoco, Puerta A, en la colonia Xoco de la Ciudad de México), a las 20:00 horas, y será musicalizada en vivo por el Ensamble Cine Mudo. Los boletos están disponibles en el teléfono 56881751 o en la compañía de boletaje Ticket Master.

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Abre la convocatoria para el décimo séptimo GIFF

enero 17, 2014

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La décimo séptima edición del Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF), se celebrará del 25 de julio al 3 de agosto de 2014, en San Miguel de Allende y en Guanajuato, teniendo a Polonia como País Invitado de Honor, siendo nominador a los premios Oscar y a los BAFTA por cuarto año consecutivo, por lo que se ha lanzado la convocatoria para inscribir películas en sus secciones competitivas de Cortometraje Ficción, Cortometraje Experimental, Cortometraje Animación, Cortometraje Documental, además de Documental Largometraje y Largometraje Ópera Prima.

La fecha límite de inscripción es el primero de mayo, 2014.

Además, se dio a conocer que por segundo año, gracias al festival, dos productores mexicanos fueron seleccionados para asistir al Rotterdam Lab: Adriana Rosique y Máfer Suárez por El Tercer Misterio, y Toiz Rodríguez por Los Ojos de Schrodinger. Y por primera vez, junto con el Goethe Institut y el Medienboard Berlín-Brandenburg, el GIFF presentó el programa Guanajuato-Berlín 24/7, residencia artística de dos meses para cineastas alemanes y mexicanos, en la que fueron seleccionados el cineasta mexicano Pablo Delgado, con el proyecto Lisboa, con el que residirá en Berlín, así como el cineasta alemán Viktor Jakovlesky con Brimstone and Glory, quien residirá en San Miguel de Allende.

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Abre la convocatoria para el XII JamesonNotodofilmfest

enero 16, 2014
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El JamesonNotodofilmfest, festival internacional de cortometrajes fundado en el año 2001 en España, con la vocación de apoyar y servir de escaparate a los jóvenes creadores audiovisuales a través de Internet, por iniciativa de La Fábrica a partir de una idea original de Javier Fesser, convoca a personas físicas o jurídicas de cualquier nacionalidad, mayores de 18 años, a presentar un número ilimitado de cortometrajes a concurso para su décimo segunda edición, siempre que sean originales e inéditos de un máximo de tres y medio minutos y medio. El festival otorga los siguientes premios: Gran premio Jameson a la Mejor Película, Premio Jameson a la Mejor Película de Triple Destilación (para cortometrajes de máximo 30 segundos), Premio La Térmica al Mejor Proyecto de Serie web, Premio AECID Latinoamérica en corto, Premio TAI al Mejor Director, Premio al Mejor Guión, Premio al Mejor Actor, Premio a la Mejor Actriz, Premio IED Madrid a la Mejor Dirección Artística, Premio TVE Cámara Abierta 2.0 al Mejor Documental, Premio a la Mejor Película de Animación, Premio de Distribución, Premio Filmin, Premio del Público El País, Premio Nuevo Talento A6 Cinema.

La fecha límite para inscribir cortometrajes es el 18 de febrero de 2014.
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A inicios el 2014, la revista cine TOMA entrega su número 32, que circulará durante enero y febrero

enero 16, 2014

LOS OTROS OJOS

Historias en torno a los cineclubes y las salas alternativas

• Orígenes y multiplicación de los cineclubes en el seno de la Universidad Nacional y sus facultades; la libertad y la vanguardia del cineclub de la Universidad de Guanajuato; repaso por las cinetecas y salas alternativas en Morelos, Zacatecas, Tijuana, Oaxaca, San Luis Potosí y Tamaulipas.

• La Casa del Cine MX en el Centro Histórico de la Ciudad de México; el Film Club Café en Ciudad Satélite; la distribución de cine radical e inaccesible del Tianguis del Chopo; los Maratones Nocturnos del Centro Cultural José Martí, en peligro de desaparecer.

• Fotofijas: Los rostros de Arturo de Córdova. Industria: Alejandro Pelayo, nuevamente director de la Cineteca Nacional; los apoyos a la difusión y distribución de cine mexicano; las mesas académicas en los festivales.

• La actuación en el set, experiencias fílmicas de José Sefami. In memoriam: Gustavo García.

• Festivales: 4º FICUNAM; 9ª Gira de Documentales Ambulante; 8º FICA de Acapulco. Estrenos: Gloria, de Sebastián Lelio y ¿Qué le dijiste a Dios?, de Teresa Suárez.

 

Portada TOMA 32No todas las salas cinematográficas son iguales. Aunque la experiencia fílmica suela ser generalizada al hecho de acudir a los complejos de multicinemas insertos en plazas comerciales, con una oferta dominada por las producciones de Hollywood e inundados por refrigerios de comida industrial, es decir, por el cine del consumo masivo fílmico como experiencia uniforme, tal panorama no resulta del todo cierto. Existen muchas otras salas de proyección que, sin necesariamente poseer la más alta tecnología digital ni ofertar los últimos estrenos de los productos fílmicos más publicitados, proponen opciones cinematográficas mucho más amplias, provenientes de todos los continentes y con un público más crítico pero, sobre todo, cuya finalidad no radica en la ganancia económica por sí misma, sino el deleite de la cultura cinematográfica compartida, discutida y reflexionada.

La añeja tradición primero francesa, luego europea y finalmente internacional, de un grupo de cinéfilos que se asocian y congregan en torno a una pantalla para exhibir, discutir y compartir la cultura fílmica, conocida como cineclub, es la raíz y el origen, la inspiración al menos, de buena parte de las salas alternativas que escapan al uso de la cinematografía entendida solamente como negocio de altas ganancias y de consumo indiferenciado, para tornarlo una actividad de cariz cultural, de formación, educación, goce y entendimiento estético. Pues en las películas se encuentra un medio que permite el deslumbramiento y el hallazgo ante el hecho artístico.

Si bien pareciera que el cineclubismo ha muerto ante el arribo de las tecnologías que permiten la reproducción personal, casera o grupal, del cine, bien como el video en DVD y en Blu-ray o con archivos en Internet ya sean en línea o descargables, así como la exponencialmente creciente oferta televisiva por cable o en señal abierta, entre muchas otras opciones, lo cierto es que esta actividad continúa practicándose en muy diversos ámbitos, especialmente universitarios, y se encuentra prevista en la Ley Federal de Cinematografía , que exige estímulos e incentivos fiscales por parte del Gobierno Federal. La Legislación Universitaria contiene un reglamento para los cineclubes, a los que define como “organizaciones culturales autónomas, independientes”, que deben contribuir a la “formación de un criterio y una cultura cinematográficas”.

A ofrecer un repaso a la historia del cineclubismo en México, así como mostrar un panorama de la organización actual de salas alternativas de cine, se dedica el dossier del trigésimo segundo número de la revista cine TOMA, primero del año, que circulará por la República Mexicana durante enero y febrero de 2013, en establecimientos cerrados.

La apertura del dossier no podía ser otra sino un extracto del folleto clásico, publicado en 1961, por Manuel González Casanova, titulado ¿Qué es un cine-club?, que contiene un repaso por el origen y desarrollo de la actividad en Europa, así como su establecimiento en México y su particular desarrollo en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Le siguen un par de testimonios desde las facultades de la unam, la del documentalista Javier Morett quien relata la militancia y la movilidad del Cine Club Economía, que organizó la primera retrospectiva integral de Luis Buñuel en el mundo, y otro del matemático y comentarista político Marcelino Perelló sobre el Cine Club Ciencias, en cuya sala oscura se formó como activista y revolucionario. En seguida, el periodista Lepoldo Soto rememora tres momentos de cinefilia que atestiguó: las proyecciones particulares del cineasta Ismael Rodríguez; el cineclub del Centro Universitario Cultural (CUC), afuera de Ciudad Universitaria, organizado por dominicos, así como el de la Universidad Iberoamericana cuando se ubicaba en Churubusco.

Otro importante reducto universitario, sólo que en el Bajío, fue el Cine Club de la Universidad de Guanajuato, dirigido largos años por Jorge Pantoja Merino, de quien recuperamos el ensayo que redactó para conmemorar el quincuagésimo quinto aniversario de su fundación, en el que aborda los orígenes franceses del cineclubismo así como las coincidencias y las divergencias que guarda con el proyecto guanajuatense.

Al ofrecer un repaso sobre las formas alternativas de ofrecer cine, Miguel Ángel Mendoza, director del Cine Morelos de Cuernavaca, habla sobre el proyecto Ecocinema, de cine itinerante alimentado con energía solar. Gabriela Marcial, directora de la Cineteca Zacatecas, resume los cinco años de trabajo del establecimiento, totalmente gratuito, que impulsa el cine nacional, internacional y el de los realizadores locales. Los dos años de la Cineteca Tijuana, así como los anteriores proyectos de cine de arte en Baja California, son relatados por Carlos Sarabia, director fundador del proyecto, inserto en el Centro Cultural Tijuana (Cecut).También a dos años de su fundación, la gestora y productora cinematográfica Isabel Rojas, habla sobre el proyecto OaxacaCine, que programa meticulosas temporadas mensuales en el Teatro Macedonio Alcalá.

Desde San Luis Potosí, Alex Valencia, ex director de la Cineteca Alameda, creada en junio de 2006 explica sus orígenes y los dos problemas que enfrenta: la falta de presupuesto para renovar su equipamiento y la intención de la Secretaría de Cultura de la entidad de que el recinto sirva como sede a la Orquesta Sinfónica estatal. Dueño de una larga trayectoria como cineclubista, iniciada de manera precoz, desde el cine casero hasta el trabajo con grupos sociales en desventaja, Fabián Ramos relata la creación del proyecto Sociedades Fílmicas en Tamaulipas y Veracruz. En el tercer año de operación de La Casa del Cine mx, su director, Carlos Sosa, explica cómo ha logrado consolidarse este proyecto accesible económicamente y con programación de alta calidad, el único de su tipo en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Los siete años de funcionamiento del Film Club Café, prácticamente el único espacio cultural y fílmico en Ciudad Satélite, Naucalpan y el resto del norte del Distrito Federal, son relatados por Claudia Luz Vega , encargada de promociones públicas del lugar.

Para rematar el dossier, se abordan dos ejemplos de cultura fílmica alternativa y fuera de las instituciones. El primer testimonio es del doctor Juan Heladio Ríos Ortega, cuyo local en el Tianguis Cultural del Chopo ha sido, durante 32 años, un espacio privilegiado para la difusión en video del cine de culto y de los títulos más extraños y difíciles de conseguir de la cultura fílmica. La inexplicable cancelación, a finales de noviembre de 2013, de los Maratones Nocturnos de Cine Alternativo del Centro Cultural José Martí, por la Secretaría de Cultura del GDF, organizados desde hace 14 años por Jorge Grajales, con proyecciones de cine de género y popular de distintas partes del mundo, se aborda con dos artículos: uno de su propio organizador y otro de José Luis Ortega Torres, cofundador de la revista Cinefagia y jefe de redacción de la Cineteca Nacional.

En concordancia, la sección Desde la Filmoteca de la unam, ofrece un artículo del investigador Gabriel Rodríguez Álvarez, en el que aborda el desarrollo del cineclubismo desde la apertura de la Ciudad Universitaria y las décadas siguientes, a partir de la organización central y hasta las organizaciones propias en cada escuela y facultad, incluido un repaso de la época actual. Fotofijas presenta una selección de Los rostros de Arturo de Córdova, exposición presentada en el décimo primer Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), sobre el acervo de Fundación Televisa, con curaduría y texto de Eduardo de la Vega Alfaro.

En Industria, se incluye una entrevista con Alejandro Pelayo, nombrado director de la Cineteca Nacional a inicios de noviembre del año anterior, quien informa del proyecto que tiene para la institución –que ya dirigió entre 1997 y 1999– de programar más clásicos para crear cinéfilos, volver al organismo centro aglutinador de los investigadores de cine, además de concluir las obras de remozamiento, a las que falta aún un 25% de trabajos. En la misma sección, Kenya Márquez y Luis Gallardo estudian los resultados del Estímulo a la Distribución Cinematográfica EPRO Cine y proponen mejoras para el fondo destinado a promoción y publicidad previsto en el artículo  229 de la Ley del Impuesto Sobre la Renta (LISR), que asciende a 50 millones de pesos. El investigador Tonatiuh Lay analiza las mesas de discusión de académicos, historiadores y analistas cinematográficos en los festivales cinematográficos y otros foros, que permiten entender mejor los fenómenos de la producción y exhibición de cine.

En este número se abre la serie La actuación en el set, del actor José Sefami, en cuya primera entrega analiza las diferencias entre la interpretación para teatro y para cine. En In memoriam, se rememora la figura del crítico cinematográfico Gustavo García, fallecido a inicios de noviembre de 2013, por parte de dos colegas suyos, los maestros Federico Dávalos Orozco y Guillermo Rivera Escamilla, quienes participaron en un cine-debate en su honor en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM.

En Festivales, Eva Sangiorgi, directora del Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM), adelanta algunos contenidos de la cuarta edición de este espacio para el cine de vanguardia y experimental; la novena Gira de Documentales Ambulante, en un proceso de expansión nacional e internacional y con apoyos a la producción descentralizada, ofrece un avance por parte de su directora general, Elena Fortes, y con cambio de fechas, el noveno Festival Internacional de Cine Acapulco (FICA), a realizarse la última semana de enero, ofrecerá homenajes a Silvia Pinal y Gustavo Rojo, entre otros contenidos que detallan Judith Bonfil y Fabián de la Cruz Polanco.

En Estrenos, se incluye una entrevista con el realizador chileno Sebastián Lelio por la cinta Gloria, ganadora del Oso de Plata a Mejor Actriz en la Berlinale y otra con Teresa Suárez, por su filme musical ¿Qué le dijiste a Dios?, con canciones de Juan Gabriel.

El trigésimo segundo número de cine TOMA. Revista Mexicana de Cinematografíapublicación editada por PasodeGato, Ediciones y Producciones Escénicas, circulará durante enero y febrero de 2014  por todo el país, en locales cerrados: Sanborns, Caffé Caffé, Cineteca Nacional Filmoteca de la UNAM; así como en librerías: Educal, Sótano, FCE, Gandhi, Julio Torri de la UNAM, El Foco, Ceuvoz y Foro Shakespeare.

Para entrevistas o mayor información, comunicarse a los teléfonos: 56 88 92 32 y 56 88 87 56; al correo electrónico cinetoma@gmail.com, o acudir a las oficinas, ubicadas en el callejón Eleuterio Méndez 11, colonia Churubusco-Coyoacán, C. P. 04120, en la Ciudad de México.

Además, los invitamos a seguirnos por Facebook y Twitter.

Así como la página Internet de Paso de Gato.

Retrospectiva Óscar Menéndez en la Cineteca Nacional

enero 15, 2014

Marcos Menéndez
La profusa producción cinematográfica de uno de los documentalistas más activos de México, Óscar Menéndez, con más de medio siglo de trayectoria y más de 60 filmes, quedará a resguardo de la Cineteca Nacional, por lo que la institución ha organizado una retrospectiva en la que se mostrarán 23 títulos de su obra, entre el jueves 9 y el miércoles 22 de enero en la Sala 9, Juan Bustillo Oro.

Con estudios de cine en la Universidad de Carolina, en Praga, de la actual República Checa y egresado de pintura en la Academia de San Carlos, Óscar Menéndez ha apoyado y estimulado el cine independiente con la realización de los primeros concursos en Super8 en 1969 y 1970, y fundó junto con Gonzalo Martínez el Archivo Etnográfico del Instituto Nacional Indigenista (INI), del que fue director en 1982. También ha colaborado para el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), Imevisión y TV UNAM, entre otras instituciones. Actualmente preside la Asociación de Documentalistas de México y dirige la distribuidora de documentales La Rana del Sur. Ha ganado los premios Quinto Centenario y ha sido reconocido en los festivales de cine de Badajoz, España, y Tashkent, en Uzbekistán.

Entre las amplias temáticas de Menéndez se encuentran lo mismo temas históricos como México bárbaro (México, 1966), inspirado en el libro homónimo de John Kenneth Turner; que los movimientos sociales como el estudiantil de 1968 con cintas como Únete pueblo (México, 1968); Dos de octubre, aquí México (México, 1968), e Historia de un documento (México, 1970), con material realizado clandestinamente en 1970 en el penal de Lecumberri.

Menéndez también ha reflejado la cosmogonía del México indígena con cintas como Las manos del hombre(México, 1974), sobre la tradición artesanal del barro en el pueblo de Metepec, Estado de México; La música y los mixes (México, 1978), producido por el Instituto Nacional Indigenista (INI) o Hablan los tarahumaras (Raramuri ra’itsaara, México, 1979), nominado al Ariel de Plata como Mejor Cortometraje Documental. Sobre el levantamiento del Ejército Zapatista de Liberación Nacional realizó Marcos, Marcos (México, 1994), con voz del propio subcomandante Marcos.
En torno a la literatura y al arte ha realizado Espacios de Juan Rulfo (México, 1993), basado en el libro El sonido en Rulfo, del compositor Julio Estrada; Malcolm Lowry en México (México, 1988), que relata la estancia del escritor inglés en Cuernavaca, durante la que escribió Bajo el volcán, así como Libertad de expresión. Trayectoria de Adolfo Mexiac, artista plástico(México, 2009), inspirado en el grabado “Libertad de expresión” de Mexiac.
Estas son las películas programadas:

Sala 9, Juan Bustillo Oro. 19:00 horas.

Jueves 9

Todos somos hermanos / México bárbaro.

Viernes 10

Únete pueblo / 2 de octubre, aquí México.

Sábado 11

Historia de un documento / Homenaje a José Revueltas.

Domingo 12

Las manos del hombre / Homenaje a Diego Rivera / En un lugar de la tierra.

Martes 14
Primer cuadro.
Miércoles 15

La urbe / México Vietnam, dos pueblos hermanos / La música y los mixes.

Jueves 16
Hablan los tarahumaras.
Viernes 17

Malcolm Lowry en México / Sáname con tu poder.

Sábado 18

Tiempos de Guerra / Espacios de Juan Rulfo.

Domingo 19

Marcos, Marcos… / Marcos en el Zócalo de Cuernavaca. 

Martes 21
Rubén Jaramillo.
Miércoles 22

La batalla del Casino de la Selva / Libertad de expresión.

Menéndez 68
Cartel Oscar Menendez