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Las “Miradas múltiples”, en ojos de Emilio Maillé

septiembre 29, 2013

Hay tantas cámaras que se tiene que ser muy bueno

Por Sonia Riquer

La maestría con la cámara del cinefotógrafo Gabriel Figueroa, le permitió, prácticamente reinventar la imagen de México tanto al interior del país como en el extranjero, con sus filtros, encuadres y diversos secretos técnicos. Inspirado por su obra, Emilio Maillé abordó un documental en el que entreteje las potentes imágenes de Figueroa con las miradas de destacados cinefotógrafos de todo el mundo y la música de Michael Nyman y Manuel Rocha, para crear un documental con diversas y múltiples vistas.

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Imágenes cargadas de significados, de símbolos, de historias. Rostros convertidos en paisajes. La fotografía de Gabriel Figueroa es el tema inicial de las múltiples miradas que aparecen en el documental Miradas múltiples (La máquina loca) (México-Francia-España, 2012), de Emilio Maillé, trabajo dedicado al sentido de la vista, a la luz y a lo que contiene el cuadro elegido. A través de la mirada experta de destacados cinefotógrafos de distintas procedencias, logra un diálogo entre generaciones, artistas que reflexionan, cada uno consigo mismo, con el propio realizador y, por supuesto, con el espectador atento, sobre diversos temas sugeridos por las imágenes del gran artista mexicano, “el solista de la fotografía”, como alguno de ellos lo nombra.

El documental muestra la imagen de un país efectuada por un artista reconocido por su trabajo a lado de grandes directores, tanto nacionales como extranjeros; un fotógrafo que creó su propio sitio protagónico. Revisar el cine hecho por Figueroa a la luz de los maestros de este arte, es sólo una parte de la espléndida conversación a la que nos invita Emilio Maillé y su acercamiento a la máquina loca, es decir, la cámara de cine.

El productor, director, escritor y cinefotógrafo mexicano Emilio Maillé Iturbe, estudió en literatura y cine en la Sorbona de París, en Francia. Con su primer documental, Los Años Arruza, (México-Francia, 1996), obtuvo el premio fipa del festival de cine de Biarritz, en 1997. A partir de ahí, ha desarrollado una larga lista de películas, especialmente en el género documental, como los filmes Manolete (España-Francia-México, 1997), Curro Romero, la leyenda del tiempo (Francia-España, 1998), El fenómeno El Juli (Le phénomène Le Juli, Francia, 2000) y El viaje inmóvil (Le voyage immobile, Francia, 2002). En 2004 filmó su ópera prima de ficción, Rosario Tijeras (Colombia- México-España-Brasil, 2005). Estrenado en el 69 Festival Internacional de Cine de Venecia en agosto de 2012, Miradas múltiples tuvo su estreno nacional en el décimo Festival Internacional de Cine de Morelia en noviembre pasado y llegará a la cartelera comercial mexicana en estas semanas.

Entre los cinefotógrafos que intervienen en el documental se encuentran Vittorio Storaro, Christopher Doyle, Giusseppe Rotunno, Hideo Yamamoto, Walter Carvalho, Anthony Dod Mantle, Shoji Ueda, Gabriel Beristáin y Alexis Zabé. Ninguna mujer tiene voz en el documental, un buen sitio podría haber ocupado la cinefotógrafa María Secco.

Maillé es un cineasta muy activo que mantiene oficinas en varias partes del mundo y alterna proyectos propios con cine por encargo.

Al respecto, aclara: “Miradas múltiples es un proyecto mío que nació con la exposición dedicada a Gabriel Figueroa presentada en el Palacio de Bellas Artes hace cinco o seis años. Cuando terminó me nació la idea de hacer un trabajo con las imágenes de Figueroa, en el que haría hablar a los que nunca hablan o que lo hacen de una manera muy rara: los fotógrafos de cine, así fue como nació este proyecto. Desde el principio la idea fue tener fotógrafos que hablaran de Figueroa alternando con cuadros del cinefotógrafo mexicano. Nos tardamos mucho tiempo en conseguir financiamiento, hasta que a través del beneficio fiscal contenido en el artículo 226 de la Ley del Impuesto Sobre la Renta –Eficine– se pudo y arranqué el proyecto.

“Antes de empezar con las entrevistas vi muchas películas de Figueroa para saber con cuáles iba a trabajar. Así se planeó desde un inicio con mi editor, Octavio Iturbe, quien estuvo desde antes que se hicieran las entrevistas. Tardamos cinco o seis meses sólo viendo material, hicimos una selección de varias acciones de los personajes: fumando, bebiendo, bailando, besándose… una mujer abre un ventana, una mujer cierra los ojos y se duerme. Toda una extensa clasificación.

Más allá de una serie de entrevistas, Miradas múltiples es un diálogo entre cineastas. La selección fue minuciosa.

La entrevista es la columna vertebral de este documental. Una vez terminadas, comenzamos a hacer esta fusión entre las opiniones de los fotógrafos y las imágenes de Figueroa. Una relación creada de la manera más libre: pasar de una imagen de una película de Roberto Gavaldón, a una de Luis Buñuel, y luego a otra de Emilio “Indio” Fernández, para regresar, otra vez, a Gavaldón. Son imágenes hechas por el mismo fotógrafo para directores diferentes y yo quería que estuvieran juntas.

Es un documental muy subjetivo, seguro que hay imágenes maravillosas de Figueroa en otras películas y seguro que hay fotógrafos fantásticos que no están en el documental. Busqué a algunos de estos fotógrafos fantásticos pero no logré convencerlos o estaban ocupados y no pudieron trabajar  y darme su tiempo. Ya después del momento en que dije: “¡Chin! ya no van a estar estos fotógrafos!”, tampoco quise quedar infeliz, pues el grupo de fotógrafos que está me gusta. Primero hice una lista, les escribí a todos y les mandé un libro especial de Figueroa que editó la revista Luna Córnea, sólo para refrescarles un poco la memoria, eso era sobre todo a los fotógrafos extranjeros. Creo que no hay fotógrafo mexicano que no lo tenga de referencia y no haya visto sus películas y reflexionado sobre ellas. Aunque no quieras, como mexicano vives esas imágenes. En el caso de los fotógrafos extranjeros era distinto, todos evidentemente conocían el trabajo de Figueroa en las películas de Buñuel, entonces les mandé  este libro y una selección de secuencias que no intervine. Ahí empezó un vía crucis porque fue complicado, sobre todo en Estados Unidos. La asociación de fotógrafos estadounidense fue muy poco cooperativa con el proyecto. Desgraciadamente, los agentes estadounidenses bloquean este tipo de invitaciones porque les quitan tiempo para sus clientes, por eso faltan muchos fotógrafos que me hubieran gustado tener, pero pues ni modo, así es. La selección la hice con los fotógrafos que admiraba. Creo que de esa primer lista en el documental aparecen un setenta u ochenta por ciento de ellos, lo que estuvo bastante bien.

Yo hubiera querido más presencia mexicana, pero no se dejaron, no fue posible, y tampoco pasa nada. Todo el mundo me dice: “¿Por qué no está el “Chivo” (Emmanuel Lubeski)?”. Y les respondo pues porque no se pudo, le costó decirme que no iba a poder participar por estar muy clavado en otro proyecto. La película es lo que es, con los fotógrafos que están. Pero evidentemente México tiene una potencia, hay muy buenos fotógrafos hoy en México. ¡Qué bueno! Ojalá haya más.

Este documental no sólo aborda el trabajo de Figueroa, es también una reflexión seria y concentrada sobre el cine mismo, sobre la situación actual de la fotografía y las nuevas tecnologías.

Yo no sabía que el documental me fuera a llevar a eso y creo que es uno de los accidentes fantásticos que sucedieron. Cuando haces un documental buscas el accidente todo el tiempo, porque es ahí donde se encuentra la sorpresa y esta fue una de esas. Lo que los fotógrafos podían decir de Figueroa hubiera cansado muy rápido al espectador, hubiera sido un documental muy cerrado. Cada encuentro con cada fotógrafo fue una delicia absoluta: recorrer miles de kilómetros para dialogar con alguien que admiras fue fantástico. Creo que cualquier persona que no tiene la costumbre de hablar, si le das el tiempo y percibe la emoción que tienes de oírlo, de transmitir un poco lo que pueda decir es una delicia. Fue una relación muy bonita la que tuve con todos ellos, son miradas múltiples y voces múltiples, opiniones diversas sobre lo que es hacer imagen hoy día. Ese arco tan grande de puntos de vista, es una de las cosas más bonitas que tiene este documental.

Definitivamente hay una menor atención sobre la calidad de la imagen hoy. Antes necesitabas el dinero o una capacidad técnica muy compleja, ahora prácticamente lo que necesitas es tener un buen ojo, y definitivamente hay gente que lo tiene.

Lo dice Christopher Doyle, una persona que tiene un discurso muy padre, que menciona al YouTube y la obsesión por capturar imágenes, no de crearlas. Hay tantas cámaras ahora que se tiene que ser muy bueno en lo que se hace. Mantener una actitud honesta porque no se puede hacer trampa, es una afirmación que yo comparto. Alexis Zabé, aunque no lo diga, es alguien que tiene esa misma reflexión en lo que hace, en su trabajo y en las películas en las que participa, es una posición muy digna, muy íntegra de un trabajo que no siempre es fácil, por todo el poder que ha adquirido hoy la imagen.

Pero no sólo es importante la función de la imagen, sino la del sonido. En especial la música tiene un papel relevante en Miradas múltiples.

La película dura noventa minutos, tal vez fue compleja en su preparación pero es relativamente sencilla. La música de Michael Nyman y algunas piezas de Manuel Rocha Iturbide son parte integral del documental. A Michael lo conocí aquí en México, me lo encontré varias veces y platicamos mucho. Desde el principio supe que quería su música, que tiene esta cosa repetitiva, que te mete en un estado de trance. Esta cosa hipnótica podría, tal vez, casarse muy bien con las imágenes tan mexicanas del documental. Entonces Michael me dijo: “metete a mi discoteca y toma las cosas que te interesen”. Creo que parte de la emoción que genera el documental es la fuerte carga emotiva que viene de la música de Nyman y el viaje en el que te instala. La música, junto con las entrevistas  y las imágenes de Gabriel Figueroa,  hacen que de pronto caigas en un  letargo. Christopher Doyle habla de eso, del gusto por dormirse en las películas, de disfrutar de la ensoñación que algunas veces provoca el cine; yo también me dormía en las películas  y me acuerdo que alguna vez escribí de la relación que tenía esto con (Andrei) Tarkovsky, porque siempre vi sus películas a la mitad y luego enteras, porque la primera vez me dormía. Nostalgia (Nostalghia, Italia, 1983), es una película  que me impactó mucho pero la vi entresueños, me despertaba y luego la seguía viendo.

Los personajes que participan en el documental fueron los precisos para obtener eso que siempre he buscado en mis documentales, que generalmente son muy diversos: la emoción es algo que me gusta en el documental. Por eso siento que no hay mucha diferencia entre  lo que hago en ficción y en documental porque sigue estando esa emoción como una búsqueda continua.

Miradas múltiples puede llegar a un público muy amplio de distintas maneras: a los amantes del cine mexicano, a los de la fotografía de Figueroa, al gremio cinematográfico.

Lo que también quiero, con este documental, es que sea visto por la gente que esté interesada en el cine, estudiantes, gente del gremio. La película apenas se está empezando a ver, pero en todos los documentales busco al público con letras mayúsculas, es el que quiero que vea esto, cualquier persona debería de poder entrar a esta historia porque las imágenes son fantásticas.

El cine es una emoción absoluta y se sigue comprobando a pesar de que hoy se consuma por televisión de una manera mucho más personal, en casa y por todas partes. La emoción del cine sigue siendo algo que funciona, el comercio del cine es algo que funciona. ¡Qué bueno que esta película va a poder estar en las salas de cine también! Porque finalmente está hecha a partir de imágenes que estuvieron alguna vez en los cines, que estuvieron alguna vez en esa pantalla grande y por eso qué bueno que se pueda ver así.

Este artículo forma parte de los contenidos del número 29 de la revista cine TOMAde mayo-junio de 2013. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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Sayles, Dumont, Cuarón y Jodorowsky, en el XI FICM

septiembre 27, 2013
Festival Internacional de Cine en Morelia FICMConferencia de prensa para anunciar la XI edición del FICM.
Foto: Francisco Morales/DAMM Photo.

El miércoles 25 de septiembre, en el Cine Diana, se realizó la rueda de prensa para dar a conocer la programación del XI Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), que será inaugurada con la proyección de Gravedad (Gravity, Estados Unidos, 2013), del director mexicano Alfonso Cuarón, protagonizado por Sandra Bullock y George Clooney, con fotografía de Emmanuel Lubeski, la noche del 18 de octubre en Cinépolis Morelia Centro.

El invitado de honor será el mimo, cineasta, autor de cómic y lector de tarot chileno Alejandro Jodorowsky, quien presentará un ciclo de sus películas, que incluye el estreno en México de su autobiografía cinematográfica La danza de la realidad (Chile, 2013). Otros de los invitados especiales son el director francés Bruno Dumont, quien presentará el estreno en México de Camille Claudel 1915 (Francia, 2013) , interpretada por Juliette Binoche; así como el director estadounidense John Sayles, quien presentará junto al actor Edward James Olmos su película más reciente, Go For Sisters (Estados Unidos, 2013).

La actriz rumana Anamaria Marinca presentará la película Europa Report (Estados Unidos, 2013), del director ecuatoriano Sebastián Cordero; Francesca Gregorini, presentará su película Emanuel and the Truth About Fishes (Estados Unidos, 2013); el realizador chileno Sebastián Lelio presentará Gloria (Chile-España, 2013), ganadora en Berlín ; la actriz colombiana Catalina Sandino presentará la película Medeas (Italia-México-Estados Unidos, 2013) de Andrea Pallaoro; el realizador francés François Dupeyron presentará su nueva película Mon âme par toi guérie; y Jim Mickle, que presentará We Are What We Are, adaptación estadounidense de la película mexicana Somos lo que hay de Jorge Michel Grau, que también se presentará en Morelia.

En esta edición habrá un premio a Mejor Actriz y Mejor Actor en la categoría de Largometraje Mexicano.

Festival Internacional de Cine en Morelia FICM

Jorge Sánchez, director del Imcine y Daniela Michel, directora del FICM.
Foto: Francisco Morales/DAMM Photo.

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Barbara Sukowa, rostro histórico del cine alemán

septiembre 26, 2013

Nunca sueño con mis personajes

Por Sergio Raúl López

Es, probablemente, el rostro cinematográfico con el que se identifica al mayor número de personajes históricos femeninos de la cultura alemana. Los rasgos angulosos, duros y de gran carácter que caracterizan a la actriz Barbara Sukowa (Bremen, 1950), han dado vida cinematográfica a una extensa latitud de épocas e ideologías sobre todo bajo la dirección de Margarette von Trotta, lo mismo a la militante marxista Rosa Luxemburgo (1985), fundadora de la liga espartaquista a inicios del siglo XX; que a la compositora y monja visionaria Hildegard von Bingen, en el siglo xii, en Visión. De la vida de Hildegard de Bingen (2009). La lista continúa con Marianne, integrante del grupo Baader-Meinhoff encarcelada por terrorismo y muerta años después en Las dos hermanas (1981) y con la filósofa de origen judío Hannah Arendt (Alemania-Francia, 2012), estudiosa del totalitarismo.

SukowaBarbara Sukowa en la Cineteca Nacional. Foto: Sergio Raúl López

Sin embargo, la cara se le suaviza e incluso se enrojece casi imperceptiblemente cuando confiesa que posee una terrible memoria y suele olvidar muy pronto las montañas de datos que acumula sobre los personajes que encarna y que memoriza junto el guión, durante la creación fílmica. La compenetración llega a tal grado que, sin pensarlo, logró que su letra manuscrita fuera idéntica a la de Rosa Luxemburgo al redactar una carta para una escena. Este síndrome solía entristecerla, pero con el correr de su abundante y exitosa trayectoria ­­–ganó el Fénix Dorado en Venecia, en 1981, y en 1986 el premio a Mejor Actriz en Cannes– le hace muy feliz.

“Digo, tengo buena memoria para memorizar parlamentos y textos. Sabía tanto sobre Hannah Arendt y Rosa Luxemburgo, investigué mucho durante un año y ya lo había interiorizado, pero tan pronto como acaba el trabajo, todo eso se va, es increíble. Por eso me resulta tan difícil hablar un año más tarde, me resulta ya tan lejano que, en verdad, es frustrante. Soy muy buena soltando los papeles, no necesito recurrir al sicoanálisis, además nunca sueño con mis personajes, nunca”.

Objeto reciente de un homenaje en la Cineteca Nacional, en el que se presentó una retrospectiva de sus trabajos más destacados, entre los que se incluyen su colaboración con directores de la talla de Rainer Werner Fassbinder (Berlin Alexander Platz, 1980 y Lola, 1981), Volker Schlöndorff (El caminante, 1991), David Cronenberg (M. Butterfly, 1993) o Lars von Trier (Europa, 1991), Sukowa visitó la Ciudad de México y ofreció la siguiente entrevista. Actualmente se exhibe en cartelera la cinta Hanna Arendt, que aborda la controvertida crónica que la pensadora entregó a The New Yorker del juicio realizado en 1961 contra el nazi Adolf Eichmann en Israel.

–Ha sido una gran responsabilidad, como intérprete, encarnar figuras de episodios históricos no sólo alemanes sino centroeuropeos. ¿Cómo la encara?

–Ciertamente es una responsabilidad, es cierto. Ha ocurrido que encuentro muy difícil elucidar la verdad, lo que en realidad ocurrió, dado que existen tantas opiniones y escritos diferentes del mismo suceso, hay tanta información que es muy duro hacerte un juicio propio. El juicio personal era muy importante para Hannah Arendt, siempre le disgustaron quienes afirman que no son nadie para juzgar, pero cada vez más llego al punto de decirlo ante tan grande cantidad de datos. Era muy distinto en ese entonces y por supuesto hago mi juicio en las referencias que encuentro por escrito. En este caso basé la mayor de la información en lo que la propia Arendt dijo y en las cartas que escribió aunque, por supuesto, también intenté encontrar las posturas y opiniones de sus oponentes. Pero es difícil y sí, es una responsabilidad, porque una película o un escrito pone algo nuevo en el mundo y nos hace formar parte de los hacedores de juicio. Por eso pienso que debiéramos sentirnos responsables de lo que decimos.

–¿Es posible, como actriz, poseer un punto de vista político en la interpretación de estos personajes o debe tener un acercamiento más humanista y un punto de vista más amplio?

–Son dos cosas. Está el punto de vista del personaje que debo retratar fielmente como actor, incluso si no comparto su opinión. Pero también puedo decidir qué clase de película quiero hacer, así que si voy a interpretar, por ejemplo, a un nazi, puedo retratar sus opiniones pero no tengo que hacer una película con un director que comparte esas opiniones, que no pueda ser crítico o hacer una cinta crítica hacia el personaje. Así que debes averiguar con quién estás trabajando, cuál es la intención del filme, qué pretende decir. Eso es muy importante, pero como actriz debo defender a mi personaje, es muy escabroso.

–Implica una decisión ética.

–Sí, es una decisión ética, pero intento asegurarme de filmar con las personas con las que comparto la intención en torno a la película, sin importar el personaje que hago. Intento hacerlos humanos y no personajes icónicos. Y me asusta, por supuesto, cada ocasión que me lo proponen, me pregunto cómo voy a lograrlo. Al final siempre es agradable.

–¿Ha cambiado algo desde los años primeros del llamado Nuevo Cine Alemán –ahora negado por directores como Herzog o Wenders–, en la manera de filmar, en los presupuestos, en el entorno de la industria cinematográfica?

–En los años ochenta, estos directores realmente tenían algo contra lo que reaccionar, que eran las cintas de los años cincuenta regularmente sentimentales y de entretenimiento, con grandes estrellas, y realmente querían hacer algo distinto. Así es que reaccionaban en contra de algo y si tienes algo a lo que oponerte puede hallar un estilo en este camino, lo que es muy difícil hoy en día, pues no estoy segura contra qué reaccionan o qué es lo que buscan las nuevas generaciones.

Continué mayormente con ese tipo de directores, pero por lo regular eran filmes con presupuestos más bajos que siempre hallaban productores muy arriesgados como el de Lola, Horst Wendlandt. Era distinto, definitivamente. He hecho muy pocas películas alemanas independientes con jóvenes directores que son incompetentes en este renglón. Todo mundo lucha siempre por obtener el dinero lo que les lleva a trabajar en conjunto con la televisión e implica ciertos compromisos en los que deben ceder, como la reducción de tiempos.

–Existe alguna diferencia cuando el personaje a interpretar surge de una novela o de la literatura, como Profesor Unrath, de Mann para Lola u Homo Faber, de Frisch, para El caminante, respecto a cuando usted interpreta a un personaje histórico como Hildegard von Bingen o Rosa Luxemburgo o la propia Arendt.

­–Tengo que realizar mucho más investigación, por supuesto, en el caso de los personajes históricos, debo intentar ser tan fiel hacia el personaje como me sea posible, pero en los roles de ficción debo echar mucho más mano de mi imaginación, aunque asegurándome que tenga sentido social, que no sea absolutamente estúpido y me parece que en un porcentaje contribuyes a crear a ese personaje, claro, junto con lo escrito en el guión de la película, pero contribuyes con tu propia imaginación y creatividad .

–Las formas de trabajo actuales han sufrido una especie de aceleración.

–Creo que los jóvenes cineastas están más enterados de cómo promover una película de lo que se hacía antes. No creo que Fassbinder haya puesto nada de atención a la promoción de las películas, había gente que se ocupaba de eso, el productor, por ejemplo. Pero a los jóvenes les preocupa tanto sobresalir pronto, que en la industria de la música si tienes más de 25 años y no has triunfado, prácticamente vas de salida. El problema es que van a vivir mucho más tiempo que nosotros, mis hijos seguramente alcanzarán los cien años, pero quieren haber logrado todo apenas a los 25 años. ¿Qué harán con el resto de sus vidas? Probablemente tendrán que estarse reinventando. Es una época totalmente diferente y yo no puedo más que simplemente observarla, no puedo hacer ningún juicio.

–¿Siente que su rostro encarna este ideal de la mujer alemana en la actualidad?

No lo sé, siempre me eligen para estos personajes. Cuando interpreté a Mieze en Berlin Alexander Platz no era un personaje tan inteligente. Y en la película sobre La invención de la salsa de curry (Die Entdeckung der Currywurst, 2008, de Ulla Wagner), un poco más. Pero me encanta interpretar a gente que no tiene esa formación intelectual, pero me ha sido difícil encontrar otros papeles, siempre me los dan. Algunas veces me gustaría hacer papeles más tontos.

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Curso: Introducción al Rockumental, de Eduardo Guillot, en la Casa del Cine MX

septiembre 24, 2013

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El Curso de Apreciación Cinematográfica: Una Introducción al Rockumental, será impartido por el crítico, periodista, guionista y realizador valenciano Eduardo Guillot, durante cinco sesiones, del 21 al 25 de octubre de 2013 en La Casa del Cine MX. Dirigido a profesionales y aficionados de los sectores de la música y el cine interesados en la historia del documental musical, los procesos de realización del mismo, sus diferentes modalidades y el modo de enfocar la materia a tratar, el curso pretende dotar a los participantes de información y, sobre todo, de los recursos necesarios que les permitan afrontar la posibilidad de poner en marcha una producción documental.

Desde la década de los cincuenta, la unión entre cine y rock ha dado lugar a decenas de películas que, de un modo u otro, han contribuido a crear un género singular cuyo desarrollo ha alcanzado dimensiones inesperadas en los últimos años. Una realidad que se acentúa todavía más en el caso del documental musical, es que ha experimentado un auge imprevisible hasta el punto de acceder con total normalidad a las pantallas comerciales. Ejemplo de ello son títulos como Shine a Light: The Rolling Stones (Shine a Light, Estados Unidos, 2008, de Martin Scorsese); Joe Strummer. The Future is Unwritten (Irlanda-Gran Bretaña, 2007, de Julien Temple); Mi historia sin mí (I’m Not There, Estados Unidos-Alemania-Canadá, 2007, de Todd Haynes), o Control (Reino Unido-Estados Unidos-Australia-Japón, 2007, de  Anton Corbijn).

Con estudios de Filología por la Universidad de Valencia y de Periodismo en el CEU San Pablo de Moncada, en Valencia, Eduardo Guillot ha sido técnico en el departamento de programación del Instituto Valenciano de Cinematografía Ricardo Muñoz Suay (La Filmoteca) entre 2000 y 2005. Crítico de cine, columnista de opinión y responsable de la sección de música del semanario La Cartelera de Levante–EMV y colabora regularmente con el mensual Rockdelux y la web http://www.efeeme.com. Ha publicado diversas monografías sobre cine y música, y es el coordinador del volumen ¡Rock, acción! Ensayos sobre cine y música popular. Ha dirigido los cortometrajes Amadeo. Una historia real (presentado en el Festival de Sitges, 2004, y premiado en San Francisco) y Exterior noche (2007), así como varios videoclips y la serie documental para televisión Els territoris de la ficció (2007). Desde 2007 es asesor técnico de la sección internacional de Abycine. Festival de Cine de Albacete. Actualmente finaliza el documental Miles de Muchachos, sobre la escena punk valenciana de los años ochenta.

El curso se realizará en las instalaciones de La Casa del Cine MX (Uruguay 52 en el Centro Histórico de la Ciudad de México), que lo organiza junto con el Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF), en cuya octava edición será jurado. Mayor información en los teléfonos 5 55124243 y 55103174  o en el correo electrónico talleres@lacasadelcine.mx.

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Cine mexicano en el Festival de Cine Silente de Pordenone

septiembre 24, 2013

Desde la Filmoteca de la UNAM

Nacionales, los dos primeros programas extraeuropeos

  • Exhibirá cinco horas veinte minutos de imágenes de la Revolución Mexicana restauradas por la Filmoteca de la UNAM con material inédito.
  • El doctor Aurelio de los Reyes recibirá el Premio Jean Mitry, el reconocimiento más importante para un historiador de cine.

Por Karla Calviño Carbajal

Le Giornate del Cinema Muto, realizadas desde 1981 en Pordenone, Italia, son el festival de cine silente más importante del mundo, en el que se han presentado versiones restauradas de los clásicos fílmicos más relevantes. Por ello resulta más relevante la invitación doble, realizada a la Filmoteca de la unam, para integrar dos programas de cine mexicano en 2013 y 2014, el primero dedicado a los filmes de la Revolución Mexicana y el segundo a las cintas silentes de ficción.

Arco triunfal Toma de posesión de Madero

En su autobiografía, Charles Chaplin cuenta que cuando se enteró del surgimiento del cine sonoro pensó que los días de dicha novedad técnica estaban contados y decidió insistir en hacer cine mudo, pues creía que en el mundo podía haber un “sitio para toda clase de diversiones”. Sin embargo, la fuerza del sonido creció y todas las salas comenzaron a instalar la innovadora tecnología. Se inició así lo que el cómico y director inglés llama “el ocaso del cine mudo”. Casi un siglo después, las películas silentes se han convertido en el terreno de los especialistas y amantes del cine, en la tarea de los apasionados de la restauración y la conservación de la memoria.

Desde 1981, durante la primera semana de octubre de cada año, se celebra Le Giornate del Cinema Muto (La Jornada del Cine Mudo) en la ciudad italiana de Pordenone. También llamado Festival de Cine Silente de Pordenone, la Jornada fue precisamente organizada y encabezada por apasionados, estudiosos y conocedores del cine mudo como Livio Jacob, Paolo Cherchi Usai, Piero Colussi y David Robinson, entre otros, con la intención inicial de reunirse para ver películas antiguas del período silente. Hoy en día y gracias a la colaboración de diversos archivos fílmicos, principalmente europeos y estadounidenses, es el festival de cine silente más importante del mundo, en el cual se han presentado los más valiosos materiales fílmicos de ese período, con un estado de restauración casi total.

El Teatro Verdi es la sede de las exhibiciones del festival de Pordenone. El doctor Aurelio de los Reyes, investigador, historiador y estudioso del cine mudo mexicano, además de asiduo visitante de Pordenone desde los años noventa, al rememorar algunos de los materiales allí vistos, no olvida especialmente obras como El hombre de la cámara (Chelovek s kino-apparatom, Unión Soviética, 1929), de Dziga Vértov, que fue musicalizada por la Alloy Orchestra de Cambridge a partir de las instrucciones musicales escritas por el propio Vértov y que fueran localizada en el archivo fílmico de Moscú, Gosfilmofond. Filme soviético de avanzada, El hombre de la cámara anuncia, desde sus inicios, el deseo de experimentar con el lenguaje cinematográfico, sin recurrir a actores, intertítulos o escenarios, sino contar, simplemente, “un extracto del diario de un camárografo”.

De los Reyes tampoco olvida la exhibición de Avaricia (Greed, Estados Unidos, 1924), de Erich von Stroheim; de los filmes silentes del cine nórdico –de Finlandia, Noruega y Suecia–; de las obras soviéticas que muestran los experimentos con el montaje de Lev Kuleshov (1899-1970); de las sesiones dedicadas al cine chino de la Revolución de Mao, o al cine japonés, que aún en los años treinta realizaba películas mudas, cuya proyección era acompañada por la figura de un narrador o benshi. Además destaca la exhibición, en Pordenone. de toda la obra del gran revolucionario de la narrativa cinematográfica que fue el estadounidense David Wark Griffith (1875-1948), “más de 300 películas hasta su último largometraje”, lo que convirtió al festival de Pordenone en un referente en cuanto al rescate y la proyección de la obra de este autor.

Todas las exhibiciones del festival italiano están abiertas no sólo a sus invitados, sino al público local,  y se efectúan con reconstrucción de época y acompañamiento vocal o musical, a la manera de la funciones realizadas en la época del cine silente. El propio doctor de los Reyes recuerda su experiencia en esta travesía en el tiempo que suponen las proyecciones de Pordenone: “Otra de las sesiones que más recuerdo fue la exhibición de Napoleón (Napoleon, Francia, 1927), de Abel Gance, efectuada en Údine. El traslado de Pordenone a Údine fue en una maquinita de vapor, de carbón, para meternos una vez más en el pasado y en la época. Sí, suena bonito, pero a mí me tocó ir cerca de la máquina del tren y recibía todo el humo, de modo que no fue tan agradable (risas)… Pero sí, por donde pasaba la máquina –era una máquina del siglo xix rehabilitada–, todas las personas se quedaban asombradas de ver aquel tren antiguo, transportando gente. Y preguntaban desde abajo: “¿A dónde van?”, “¿de dónde vienen?” y un compañero recordando a los migrantes que iban del Sur al Norte, les decía en broma: “Da Catania”, me acuerdo muy bien.

“En el fondo, Pordenone persigue una idea muy romántica de reconstruir el cine mudo tal y como fue. No es más que sumirse en el pasado, en la historia, entonces se trata de una idea muy romántica, ¿verdad?”, añade el doctor de los Reyes.

Programación mexicana

Este romántico viaje al pasado se ha caracterizado, tradicionalmente. por la exhibición de materiales europeos o estadounidenses, sin embargo, la edición trigésimo segunda de Le Giornate para este 2013, a realizarse del 5 al 12 de octubre, así como para la edición XXXIII del 2014, nos honrará con la exhibición del primer programa enteramente extraeuropeo que se proyectará en Pordenone y que estará dedicado a México. Este año, el programa mexicano presentará lo que corresponde al documental de la Revolución Mexicana y en el 2014 se planea la exhibición de las películas de ficción realizadas en México en la época del cine silente.

Acerca de la procedencia de las imágenes, pertenecientes a las colecciones de la Filmoteca la unam, Francisco Ohem, subdirector de Preservación y Acervos, comenta: “Los materiales que se exhibirán en Pordenone empiezan con las vistas que tomó en México Gabriel Veyre, enviado de la casa Lumière, entre agosto de 1896 y enero de 1897, las cuales vienen a ser una especie de postales animadas con escenas desde cotidianas hasta históricas, como el traslado de la campana de Independencia hacia el lugar en que el todavía se encuentra en la actualidad, en el balcón central en el Palacio Nacional. Esta primera parte del material se complementa con imágenes que el doctor de los Reyes ubicó en la colección de papel de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. Se trata de vistas que un empleado de la Casa Edison tomó en México, en 1897. En ese sentido, tenemos dos muestras de materiales filmados en el siglo xix, si bien no hechos por mexicanos, pero sí tomados en nuestro país. Luego, en ese mismo programa, vienen los trabajos de dos pioneros de nuestra cinematografía: los hermanos Alva y Salvador Toscano. Gracias a la donación que recibió la unam de los fondos de Toscano, se puede completar, de una manera muy lograda, lo que viene a ser este primer programa de México en el festival de Pordenone.

Ohem agrega que al material anterior se suman las imágenes donadas a la Filmoteca de la unam por el afi (American Film Institute). Al respecto, Francisco Gaytán, subdirector de Rescate y Restauración, cuenta que se trata de imágenes que el cuerpo de ejército estadounidense filmó en México, cuando entró en nuestro territorio en la búsqueda de Pancho Villa, después de que atacara físicamente Columbus, en Estados Unidos. Y explica: “Entonces vino a México todo un ejército: cientos, miles de hombres, con el moderno equipo militar que tenía Estados Unidos, con automóviles, camiones, aviones, etcétera. Estamos hablando de 1911, 1912, y traían, por supuesto, a sus camarógrafos”.

De los Reyes subraya el intenso trabajo de investigación histórica, identificación y ordenamiento que ha supuesto la “restauración editorial” de todo este material, la cual ha implicado la búsqueda en la crónica periodística de la época; el recorrido físico por los lugares donde aconteció la historia; la revisión de cada imagen, fotograma por fotograma; la elaboración de intertítulos que identifiquen las figuras históricas implicadas; los espacios en que se encuentran y las acciones que desarrollan; así como la disposición cronológica de las escenas para que narren visualmente un todo coherente y ordenado.

Ángel Martínez, quien encabeza el Departamento de Catalogación de la Filmoteca de la unam y que ha trabajado a dos manos con el doctor de los Reyes, nos cuenta sobre el proceso de restauración fotoquímica de las imágenes: “Contábamos con materiales en nitrato de celulosa, por lo que tuvimos que hacer un duplicado de los mismos, es decir, una copia en material de acetato para poderlos manejar. Entonces, se enviaron a Canadá cerca de 16 rollos de película de dos mil pies, marcados todos, con pietaje, de modo que exclusivamente se restaurara lo que íbamos a utilizar para el programa de Pordenone. Allí hicieron un escaneo digital del material y restauraron, fotograma por fotograma, la inestabilidad, corrigieron el cuadro, el contraste, la escala de grises, las rayas de proyección, algunas manchas que se ven en pantalla como resultado de un desprendimiento de la emulsión, etcétera. En general, el programa de Pordenone fue como armar un rompecabezas, nada más y nada menos que identificando cada una de las piezas”.

Las imágenes que se exhibirán en el festival de Pordenone poseen un gran valor histórico y cinematográfico, como bien apunta Francisco Gaytán: “Es muy importante decir que la Revolución Mexicana es el primer movimiento social en el mundo que se registra con imágenes en movimiento. Éste es el primer material que retrata un movimiento social tan importante con película cinematográfica. Éste es el primer país que utiliza este recién descubierto medio de comunicación para registrar esos cambios sociales, que son tan cinematográficos.”

Finalmente, de los Reyes reflexiona sobre uno de sus principales aprendizajes en el festival de Pordenone: “La experiencia en Pordenone me ha servido para valorar el cine y la narrativa nuestras, porque la idea que yo tengo es que el cine tiene el mismo origen en todos los países: muestran objetos en movimiento y luego el cine se va convirtiendo en un espectáculo, va desarrollando su lenguaje. Pero en México, al menos en lo que yo he visto, tuvo la oportunidad de crear su propia expresión y no seguir ortodoxamente el desarrollo del lenguaje cinematográfico.

“Por otro lado, la producción documental del cine mexicano de la Revolución tiene características muy peculiares. No es que en los países europeos o en Estados Unidos no hubiera tomas de escenarios naturales, éstos existen desde Lumière hasta nuestros días. Pero la manera de organizar las imágenes, la forma de estructurar las películas en México, fue tomando una característica muy propia. Por eso es que esa narrativa choca y contradice un poco lo que algunos teóricos de la narrativa cinematográfica, como André Gaudreault, afirman. Insisto en que una cosa es el cine europeo, pero ese desarrollo nada tiene que con el desarrollo del cine acá en México. Se trata de cosas muy diferentes.

“Entonces, el problema es que a partir de categorías muy particulares, generalizan, y esas generalizaciones no siempre encajan con las diversas realidades de los países. Todas estas propuestas teóricas empiezan a surgir, derivadas en cierta medida de Christian Metz, pero todavía no toman coherencia, aún están en plan de búsqueda de un lenguaje más apropiado, plural”.

La resistencia y terquedad de Chaplin ante la pérdida del cine silente, lo llevó a la realización de uno de sus grandes clásicos, Luces de la ciudad (City Lights, Estados Unidos, 1931), que finalmente se convirtió en un éxito en taquilla. Un poco de esa terquedad y de la pasión por los encantos del silencio en el cine, mantienen a los amantes de este periodo en el trabajo por el rescate y la conservación de estas películas, y hace pensar no sólo en esa necesidad de un lenguaje más plural para estudiar las diversas cinematografías, sino en la urgencia de recuperar en nuestras sociedades esa variedad de diversiones que alguna vez Chaplin soñó tan sabiamente.

Este artículo forma parte de los contenidos del número 30 de la revista cine TOMAde septiembre-octubre de 2013. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

Fotograma entrevista a Zapata

Porfirio Diaz

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El documental “Entre serpientes y escaleras: Desaparecidos”, en la Cineteca Nacional

septiembre 24, 2013

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En México, han desaparecido más de 125 mil personas durante los últimos años. El documental Entre serpientes y escaleras: Desaparecidos (México, 2013), aborda el tema desde el punto de vista psicológico, social y político. Por medio de entrevistas a distintos actores involucrados en el fenómeno (especialistas, familiares de víctimas y activistas), se presenta un panorama nacional sobre este problema que se imbrica con migración, narcotráfico y violencia.

Con una idea original, dirección, realización y producción de Tres Gatos Films, colectivo integrado por Keisdo Shimabukuro, Luis Ernesto Nava y Omar Iturbe, el filme documental de 84 minutos de duración, muestra el camino de los migrantes hacia Estados Unidos siempre azaroso y difícil. Con el paso de los años el flujo migratorio fue perdiendo invisibilidad, sin embargo, al declararse la guerra contra el narcotráfico en México en 2006, la violencia se disparó y la situación de los migrantes, tanto nacionales como extranjeros, empeoró.

Hace seis años Tres Gatos empezaron a rodar un documental que en ese entonces creían trataría sobre niñez migrante, pero al encontrarse con una realidad mucho más compleja, la historia original se ramificó en una serie de documentales de la cual Desparecidos es la primera entrega y cuenta las historias de aquellos que un día salieron de sus casas en busca de una vida mejor y nunca volvieron, así como la de aquellos que les sobreviven.

La Comisión de Derechos Humanos del Distrito Federal, la Cineteca Nacional y Tres Gatos Films invitan a la proyección de Entre serpientes y escaleras: Desaparecidos, este jueves 26 de septiembre de 2013, en la Sala 8 “Hermanos Rodríguez”, de la Cineteca Nacional (avenida México Coyoacán 389 en la colonia Xoco), a las 19:00 horas. La entrada es libre y al finalizar la función habrá una mesa redonda de preguntas y respuestas.

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Segunda edición de “¡Quiero ver sangre!”, lunes 23, en la Cineteca Nacional

septiembre 21, 2013

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La segunda edición de ¡Quiero ver sangre!, el lunes, en la Cineteca Nacional

Son películas hechas para divertirse

Por Sergio Raúl López

Durante largas décadas, el periodista José Xavier Návar fue objeto de burlas e invectivas permanentes de sus colegas y de los especialistas tanto en cine como en la materia de la lucha libre. Cada que afirmaba que existieron versiones dobles de algunos filmes de Santo El Enmascarado de Plata, una familiar y otra soft-porno de exportación, con desnudos integrales, que seguramente permanecían enlatadas en alguna bodega del productor Guillermo Calderon Steel, se le solía tildar de loco y maniático, cuando no de inventor de mitos. Y el par de lobby-cards que ofrecía como prueba de la existencia de la cinta El vampiro y el sexo (versión para adultos de Santo en el Tesoro de Drácula, producción mexicana de 1969, dirigida por René Cardona), merecían apenas una mueca. La explicación generalizada es que ese y otros mitos en torno al popular deportista no eran sino meras bromas.

Pero en el año 2009, el misterio se disipó, cuando Viviana García Besné –sobrina nieta de Guillermo y Pedro, y nieta de Mate Calderón Steel, quien se casó con el productor Jorge García Besné–  estrenó el documental Perdida, en el que relata la historia de su familia desde la fundación de cines en Chihuahua y su involucramiento en el medio cinematográfico, no sólo porque su abuela estuvo comprometida con Ricardo Montalbán y uno de sus tíos abuelos casi se casa con Ninón Sevilla, sino porque trajeron a México a Pérez Prado y no sólo produjeron cine de rumberas, sino otros géneros netamente nacionales como el de luchadores, el de rumberas y el de ficheras. En ese recorrido íntimo que deviene en muestrario de la historia del cine mexicano, se muestran unas cuantas escenas de la tan discutida versión erótica de la cinta de Santo. Y algunos meses más tarde mandó restaurar el metraje de tan discutido título para exhibirlo en festivales –luego que el Hijo del Santo impidió su reestreno en Guadalajara, finalmente se proyectó en la Cineteca Nacional, como parte del décimo Festival de Cine de Horror Macabro.

Una vez que tanto el documental como la versión extraviada son transmitidas con regularidad por el canal de cable Cine Mexicano y que se encuentran accesibles en el mercado de video –así sea en copias pirata–, Návar, con una sonrisa de satisfacción que difícilmente podrá borrársele, procedió a incluir un largo ensayo sobre las peripecias que ha enfrentado este mítico título en la segunda edición, del profuso y abundante volumen ¡Quiero ver sangre! Historia ilustrada del cine de luchadores, escrito en conjunto con los investigadores cinematográficos Raúl Criollo y Rafael Aviña, y editado por la Dirección General de Publicaciones de la UNAM.

Esta edición más aumentada que corregida, pues se le añadieron cien páginas y pesa dos kilogramos –la primera edición, de 388 páginas pesaba kilo y medio–, incluye además una sobreabundante muestra de la vitalidad del mexicanísimo género del cine de luchadores, que va desde la animación con El Santos vs. la Tetona Mendoza, de 2012, dirigida por Andrés Couturier y Alejandro Lozano, con un cartón inédito de sus autores, Jis y Trino, hasta el documental de denuncia política de Principe Azteca, de 2011, realizado por A. González, en torno a uno de los asesinos confesos de la matanza de Acteal, e incluso rescataron una entrevista con el luchador y guionista español Fernando Osés (La Sombra Vengadora), publicada en el primer número de la revista estadounidense Santo Street, de 1994.

El volumen –ya prácticamente un libro de arte repleto de ilustraciones–, tendrá su presentación formal el lunes 23 de septiembre en la sala 2 “Salvador Toscano” de la Cineteca Nacional (avenida México Coyoacán 389 en la colonia Xoco), con comentarios del ensayista Juan Villoro y del cantautor Fernando Rivera Calderón, además de los autores, y la presencia de varias estrellas del género como Tinieblas, Canek y Octagón, entre otros miembros de la triple A y del Consejo Mundial de Lucha Libre.

Elaborado a lo largo de un quinquenio por esta tripleta de investigadores, periodistas y fanáticos del género, esta ambiciosa enciclopedia intenta reseñar la totalidad de películas del cine de lucha libre filmadas entre 1938 y 2012, junto con una profusa imaginería visual resumida en más de 800 fotografías, carteles, fotomontajes en torno a estos fantásticos largometrajes repletos de fantasías desbocadas y estelarizadas por los héroes del encordado junto a ubérrimas actrices y a inocultables villanos de rostros fuera de lo común, que nutrían los cines de barriada y atiborraban las taquillas a partir de los años cincuenta y hasta bien entrados los setenta.

Todas las fichas y reseñas fueron redactadas con mucho humor y sabor, confiesa “Pepe” Návar, ya que en esa clave debe entrarse a este género, pues aunque la gente reclama que los directores del cine de luchadores “eran muy chafas”, no debe pretenderse ver “otro tipo de cinematografía en ellas, porque así es el cine de luchadores con todas sus carencias y todas sus aspiraciones. Son películas hechas para divertirse”.

Este artículo se publicó originalmente en la sección de cultura del diario El Financiero (20/IX/2013).

Portada

Décimo séptimo Tour de Cine Francés

septiembre 18, 2013

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La décimo séptima edición del Tour de Cine Francés presenta una selección de cine francés contemporáneo –subtitulado– alrededor de la República Mexicana y Centroamérica, en una muestra itinerante previa a su estreno comercial en salas, en un esfuerzo conjunto de Cinemas Nueva Era, Cinépolis, la Embajada de Francia en México y la Federación de Alianzas Francesas. En México, se exhibe entre el 6 de septiembre y el 24 de octubre, y en Centroamérica del 3 al 17 de octubre.

Durante siete semanas, el itinerario del Tour de Cine Francés itinerará, abarcará siete semanas y 62 ciudades –en 99 complejos Cinépolis–, así como en 22 instalaciones culturales de 14 ciudades de la República Mexicana. Previo a la proyección de cada largometraje, se presentará un cortometraje producido por el Instituto Mexicano de Cinematografía, entre los 19 que compitieron por el premio La Palmita.

Esta es la lista completa de largometrajes:

Camille regresa (Camille redouble), de Noémie Lvovsky. Premio SACD en la Quincena de Realizadores, de Cannes 2012. 

En la casa (Dans la maison), de François Ozon. Ganadora de la Concha de Oro en San Sebastián 2012, premio FIPRESCI en Toronto.

El lobo seductor (Le grand méchant loup), de Nicolas Charlet y Bruno Lavaine. Coprotagonizada por Kad Merad,ganador del César.

Mi historia entre tus dedos (Populaire), de Régis Roinsard.

Paseando con Molière (Alceste à bicyclette), de Philippe Le Guay, protagonizada por Fabrice Luchini, el ganador del César.

Renoir (Renoir), de Gilles Bourdos. Selección Oficial de Una cierta mirada en Cannes, 2012.

Los sabores del palacio (Les saveurs du palais), de Christian Vincent.

 

Lista de cortometrajes:

El cortometraje ganador del octavo premio La Palmita 2012 al mejor cortometraje mexicano es La tiricia o como curar la tristeza, de Ángeles Cruz. El resto de cortometrajes fueron: Bajo el sol, de Arcadi Palerm; Clarissa, de Víctor Audiffred; Cuando despierte, de Yoame Escamilla Del Arenal; Defectuosos, de Gabriela Martínez Garza y Jon Fernández López; Dentro de uno , de Salvador Aguirre; Un domingo cualquiera, de Claudia de la Cabada, La herida de Lucrecia, de Sabrina Maldonado, Huellita, de Ehécatl García; Ismael, de Sebastián Hofmann; El jazz, de Andrés Peralta; Lucy vs. los límites de la voz, de Mónica Herrera; La noria, de Karla Castañeda; Un ojo, de Lorenza Manrique; Quince años, de Liliana Torres; Shui, de Bárbara Balsategui; Sueña, de Ana Zamboni; Las tardes de Tintico, de Alejandro García Caballero, y El último consejo, de Itandehui Jansen.

 

 

 

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La revista cine TOMA alcanza cinco años de existencia en su número 30, correspondiente a septiembre y octubre de 2013

septiembre 13, 2013

LUCES, CÁMARA… Y MÁS LUZ

La fértil imaginería: del cinefotógrafo al director

• Aproximaciones a la creación de imágenes en equipo, así como a la relación del cinefotógrafo con el director, mediante cuatro casos de estudio: Everardo Gout con Luis Sansans, María Secco con Rodrigo Plá, Armando Casas con Aram Díaz, además de Eugenio Polgovsky.

• También se incluyen testimonios de Guillermo del Toro, Rodrigo Prieto, Alexis Zabé, “Batán” Silva, Toni Kuhn, Rafael Corkidi, Guillermo Granillo, Ángel Goded, Gabriel Figueroa y Nacho López. Los pioneros cinefotógrafos de la Revolución.

• Fotofijas: Héctor García en el cine. Entrevista con Blanca Guerra, presidenta de la AMACC. Industria: el circuito de salas independientes.

• Festivales: 11º Festival de Morelia, 8º docsdf, 17º de Lima. Estrenos: Besos de azúcar, de Carlos Cuarón; Tercera llamada, de Francisco Franco. Intérpretes: Damián Alcázar.

030-CINETOMA-BAJAComo creación audiovisual, en la que imagen y sonido poseen casi el mismo peso en el espectáculo cinematográfico, mucho depende de la estética de lo fotografiado para que un relato fílmico nos arrobe, nos conmueva, nos atraiga, nos cautive y embelese. Además de hallarse en la imaginación personal y en el talento artístico del director de fotografía, que debe ser capaz de gobernar un conjunto de maquinarias, desde los lentes con media docena de elementos ópticos, los filtros adecuados, la apertura de la lente, la velocidad a la que corre la película y su sensibilidad, el tipo de cámara y las ventajas que posee por sobre otras, su oficio también implica el sitio dónde se instala, las luces con que se iluminará cada escena lo mismo que otros aditamentos añadidos, los momentos del día en que se rueda y, en fin, el complejo universo que implica la captura del entorno en un cuadro que muestra imágenes que corren. Todo ello requiere de mezclas y equilibrios, tan frágiles, que sólo una mano experta, sensible, puede sacarles el mayor provecho posible.

Son esos artistas, los cinefotógrafos, quienes no refulgen en su fama como las estrellas de la actuación ni cargan el crédito como creadores de una cinta, como sí ocurre con los directores, sino que resultan figuras más ocultas respecto al glamour, pero fundamentales, sin duda, en la industria fílmica. Justo a revisar este oficio mediante distintos casos ejemplares, está dedicado dossier del trigésimo número de la revista cine TOMA, que circulará por la República Mexicana durante septiembre y octubre de 2013, en establecimientos cerrados y con el que celebra cinco años de existencia.

Las paginas inician con cuatro casos de estudio: una charla entre el director Everardo Gout y el cinefotógrafo Luis Sansans, productores y responsables de la película Días de gracia (México-Francia, 2011), filmada en tres formatos de cine: 35mm, 16mm y 8mm, y rememoran el proceso de creación de un proyecto tan ambicioso. Les sigue el testimonio de la directora de fotografía uruguaya María José Secco, en torno a la filmación en Montevideo de La demora (Uruguay-México-Francia, 2012), filme dirigido por Rodrigo Plá. Más adelante, se aborda el caso de Familia Gang, proyecto recién filmado por Armando Casas y el fotógrafo Aram Díaz que llegará a las pantallas en 2014, en una entrevista de Salvador Perches. Finalmente, el documentalista Eugenio Polgovsky reflexiona su doble labor como director y camarógrafo en Mitote (México, 2012), su trabajo más reciente.

Páginas adelante, Guillermo del Toro explica los avatares que enfrentó, junto con el director de fotografía Guillermo Navarro, de la cinta que marcó su regreso a la realización, Titanes del Pacífico (Pacific Rim, Estados Unidos, 2013). En seguida, Octavio Maya aborda la complejidad de la creación de imágenes en boca del documentalista Ken Burns; de los directores Sebastián “Batán” Silva, Alfonso Cuarón y Martin Scorsese, y de los cinefotógrafos William Fraker, Michael Chapman, Vittorio Storaro y Michael Balhaus. Junto, se reproduce la interesante conversación del director de fotografía Rodrigo Prieto con el iluminador escénico Víctor Zapatero, incluida en el libro Diálogos de luz (Fundación Expresión En Corto, 2013). Adelante, Elisa Lozano entrega un ensayo en el que aborda la colaboración entre el director Carlos Reygadas, el fotógrafo Alexis Zabé y a la directora de arte Nohemí González para conformar el triángulo perfecto para la internacionalmente premiada Luz silenciosa (México-Francia-Países Bajos-Alemania, 2007). Un ensayo del documentalista Jesse Lerner nos desvela los proyectos fílmicos y las cintas de Nacho López, uno de los más importantes fotógrafos de México en el siglo xx, parte del catálogo Nacho López. Ideas y visualidad (INAH-UV-FCE-Parametría, 2012).

En seguida, se recuperan tres momentos clave del director de fotografía más emblemático del cine mexicano, Gabriel Figueroa, en una entrevista recuperada por el investigador Hugo Lara Chávez, quien también ofrece un recorrido por la generación de cinefotógrafos de los años setenta: Rafael Corkidi, Toni Kuhn, Alexis Grivas, Ariel Zúñiga, Arturo de la Rosa y Ángel Goded, entre otros. Otro testimonio es el de Víctor Ugalde, quien explora la cerrazón tanto del sindicato de trabajadores del cine como de los productores privados para permitir laborar a los cinefotógrafos de esa generación. Y se reproduce una ponencia ofrecida por Guillermo Granillo, en torno a las razones por las cuales filmar con película cinematográfica, ofrecida junto con Luis Chávez, de Kodak, en el reciente Festival Internacional de Cine Guanajuato.

En otros contenidos, la sección Fotofijas ofrece un acercamiento inédito al fondo fotográfico de cine de la Fundación y Archivo Héctor García, con un ensayo de la investigadora Mayra Citlalli Rojo Gómez. En la sección Desde la Filmoteca de la unam, el maestro Aurelio de los Reyes repasa a los cinefotógrafos pioneros de la Revolución Mexicana, y Karla Calviño adelanta los dos programas de cine mexicano –los primeros fuera de Europa–, que se presentarán en el Festival de Cine Silente de Pordenone, en Italia, en octubre de este año y del siguiente, por parte de la institución universitaria.

En Industria, Mariana Cerrilla ofrece un estudio en torno al circuito de salas de exhibición que podríamos llamar independientes, sin las cuales, no podrían estrenarse buena parte de los títulos tanto mexicanos como internacionales que no pertenecen a Hollywood. En Académicas se ofrece una entrevista con la nueva presidenta de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (amacc), la actriz Blanca Guerra, en entrevista con el periodista Luis Carrasco, y se incluye su discurso de presentación En defensa de la Academia y de nuestro cine.

En Festivales, se incluyen adelantos del XI Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), con un texto de su productora, Daniela Alatorre. Sobre el VIII Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DOCSDF), Alejandro Morales nos ofrece algunos adelantos. Y desde Perú, se incluye una relatoría del XVII Festival de Cine de Lima escrito por nuestro corresponsal Gonzalo Hurtado. En Estrenos, se incluye una entrevista con Francisco Franco, director de la multi estelar comedia teatral Tercera Llamada, mientras que Carlos Cuarón aborda el segundo largometraje que ha dirigido, Besos de azúcar. Y para finalizar, en Intérpretes, el actor Damián Alcázar habla de su trayectoria y de su cuarto protagónico bajo la dirección de Luis Estrada, La verdad sospechosa, a estrenarse en el primer semestre de 2014.

El trigésimo número de cine TOMA, editada por PasodeGato, Ediciones y Producciones Escénicas, circulará durante septiembre y octubre de 2013 por todo el país en locales cerrados como SanbornsCaffé Caffé, librerías Educal y Gandhi.

Para entrevistas o mayor información, comunicarse a los teléfonos 56 88 92 32 y 56 88 87 56; al correo electrónico cinetoma@gmail.com, o a las oficinas ubicadas en callejón de Eleuterio Méndez 11, 

Colonia Churubusco-Coyoacán, C. P. 04120 en la ciudad de México.

Además, los invitamos a seguirnos por Facebook y Twitter.
Así como la página Internet de Paso de Gato.

Selección oficial de segundo Feratum Film Fest 2013

septiembre 3, 2013

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El Festival Internacional de Cine Fantástico, Terror y ciencia ficción de Tlalpujahua, Feratum 2013, realizará su segunda edición del 3 al 6 de octubre de 2013, como consecuencia del auge que ha tenido el cine fantástico y de terror en México y en el mundo, apostando por estos géneros y abriendo brecha también hacia la ciencia ficción (Sci-Fi), triada narrativa que se ha convertido en el motor de la industria cinematográfica. Y este día se dio a conocer su Selección Oficial de 26 Largometrajes de Ficción, y Cortometrajes (44 Internacionales, 13 animados y 17 Mexicanos), para este año, en el pueblo mágico michoacano.

SELECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES

1. Apio verde (Chile, 2013) de Francesc Morales
2. Delivery (EUA, 2013) de Brian Netto
3. Nahuales (México,2012) de César García
4. Cannibal diner (Alemania, 2012) de Frank W. Montag
5. The dead experiment (Canadá, 2013) de Anthony Dixon
6. Thanatomorphose (Canadá 2012) de Eric Falardeu
7. El vuelo de los cuervos (Chile, 2013) de Cristian Toledo
8. El xendra (Honduras, 2012) de Juan Carlos Fanconni
9. El lado oscuro de la luz (México, 2013) de Hugo Carrillo
10. Exorcismo documentado (Guatemala, 2012)de Rodrigo Estrada Alday
11. El cosmonauta (España, 2012) de Nicolás Albala
12. El bosque de los sometidos (Argentina, 2012) de Nicolas Amelio-Ortíz
13. Generation last (México, 2012) de Joél Juárez
14. GUT (EUA, 2012) de Elias
15. La gente del sol (Argentina, 2012) de Gonzalo de Mice & Nicolás Lira
16. Levanta muertos (México, 2012) de Miguel Núñez
17. La levedad del pugil (Chile, 2013) de Jorge Mella
18. Leccion debida (España, 2012) de Ivan Ruíz flores
19. Junkie (EUA, 2012) de Adam Mason
20. Polos (México, 2013) de Alan Cottón
21. Quest for the power sphere (Argentina, 2013) de Tetsuo Lumiere
22. Regina (México, 2012) de Javier Avila
23. Sin sangre nunca (Chile, 2012) de Yerko Espinoza
24. In the house of flies (Canada, 2013) de Gabriel Career
25. Volver a morir (Colombia, 2012) de Miguel Urrutia
26. Visceral: en las cuerdas de la locura (Chile, 2013) de Felipe Eluti

 

SELECCION OFICIAL DE LARGOMETRAJE DOCUMENTAL

1. Adjust your tracking (EUA, 2013)de Dan M. Kinem, Levi Peretic
2. Birth of the living dead (EUA, 2013) De Rob Kuhns
3. Los exóticos (México, 2013) de Michael Ramos Araizaga
4. Los archivos secretos de Santa Teresa (México, 2013) de Ricardo Velazko
5. Necros (México, 2013) de Tonatiuh Loza
6. Rewind this! (EUA, 2013) de Josh Johnson

 

SELECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES INTERNACIONALES

1. Ascension (Reino Unido, 2013) de James Hart
2. Apague la luz antes de entrar (Brasil, 2013) de Pedro Munrad
3. Best friend (2013, Rusia) de Egor Chichkanov
4. Ceramic tango (Canada, 2013) de Patricia Chica
5. Carne (Colombia, 2012) de Carlos Gómez Salamanca
6. Desalmados (Brasil, 2013) de Raphael Borgi
7. Desapareciste (España, 2013) de Alvaro Firguerola
8. Domicile (Alemania, 2012) de Maéva Ranaïvojaona
9. Encosto (Brasil, 2012) de Joel Caetano
10. Eat (Alemania, 2012) de Moritz Krämer
11. Ecce muller (l’enfer) (Francia, 2013) de Vanessa Pavie-Crottier
12. El hombre sin tiempo (España, 2013) de Manuel Rubio López
13. Familiar (Canadá, 2012) de Richard Powell
14. Forever (EUA, 2013) de Niav Conty
15. Goblin market (Reino Unido, 2013) de Anna Valdez Hank
16. Hambre (España, 2012) de Mario de la Torre
17. Hello world =) (Francia, 2013) de Etienne Larragueta & Rafael Mathé
18. Having krebs (Alemania, 2012) de Anne Maschlanka
19. Honeymoon suite (China, 2012) de Zao Wang
20. La ciudad de Gao-Feng (España, 2012) de Oriol Martínez
21. La cruz (España, 2012) de Alberto Evangelio
22. La numero cuatro (España, 2013) de Isabel Garrido
23. Loco con ballesta (España, 2013) de Kepa Sojo
24. Leñador y la mujer América (España, 2013) de Nsyu
25. Monsters do no exist (España, 2012) de Paul Urkijo
26. Mother (Italia, 2013) de Chiara Natalini
27. Moritz und der waldschrat (Alemania, 2012) de Bryn Chainey
28. Mr. Bear (España, 2013) de Andrés Rosende
29. Morgue street (Italia, 2012) de Alberto Viavattene
30. Memories vivres (Francia, 2012) de Fabrice Mathieu
31. Night at the sea monkey (EUA, 2013) de Michael S. Rodriguez
32. Obedecer (España, 2012) de Dani Andreu & David izquierdo
33. Pequeños electrodomesticos (España, 2012) de Manuel Arija
34. Puglia está de muerte (Italia, 2013) de Silvia Cannarozzi
35. Rellik (Reino Unido, 2013) de David Lilley
36. Rubik cube terror (Estonia, 2013) de Sander Maran
37. Sticky fingers (Reino Unido, 2013) de Graham Gunners
38. The last of nights (España, 2012) de Luis Galán
39. Titre indertermine (Belgica, 2012) de Stephane Papet
40. Vienna waits for you (Austria, 2012) Dominik Hart
41. Walkie talkie (España, 2012) de Ruben Perez Barrena
42. Voice over (España, 2012) de Martin Rosete
43. Yyx (España, 2012) de Alex Lora
44. Whispers (España, 2013) de Ferran Brooks

 

SELECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES MEXICANOS

1. Atroz (2012) de Lex Ortega
2. Aurora del atardecer (2013) de Nila Guiss
3. Caminando la noche (2012) de cristina Esquerra
4. Contrafábula de una niña disecada (2012) de Alejandro Iglesias
5. Contra natura (2013) de Lex Ortega
6. Corre sin mirar hacia atrás (2013) de Luis Mariano García
7. El ojo de agua vs las mujeres sexies zombies (2013) de Luis Alfredo Aguilera
8. El relojero (2013) de Alfonso Coronel
9. El bautizo (2013) de Loret Flores
10. La invasión de los vampiros (2013) de Omar Jacobo garcía
11. La hierba del diablo (2013) de Gastón Andrade
12. La sagrada familia (2013) de Alfonso Virués
13. Monstruo (2013) de Luis Mariano García
14. Por un puñado de canicas (2013) de Estibalíz Márquez
15. Un día en familia (2013) de Pedro “Zulu” González
16. Viajero eventual (2013) de J. Xavier Velasco
17. Vivo muriente (2013) de Kristov Manu

 

SELECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJE ANIMADO

1. Blue and malone (España, 2012) de Abraham López
2. Bendito machine (España, 2012) de Jossie Mails
3. Beerbug (España, 2012) de Ander Medina
4. Candy hearts (España, 2013) de Joan Martín
5. Curiosity kills (Estonia, 2012) de Sander Maran
6. El ruido del mundo (España, 2013) de Coke Rioboo
7. El regreso del vampiro (México) de Christian Alain Vázquez Carrasco
8. Inertial love (España, 2013) de César Esteban Alenda & José Esteban Alenda
9. Noir de Fumeé (Francia, 2013) de Blick
10. Pandemonium virus nz1 (México) de Jorge Díez de Bonilla Fuchs
11. Planet utero (EUA, 2012) de Faiyaz Jafri
12. ¿Qué es la guerra? (México) de Luis Beltrán
13. Zombirama (Argentina, 2012) de Ariel López V. & Nano Benayón


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