Archive for 30 agosto 2013

cine TOMA 30: Luces, cámara… y más luz

agosto 30, 2013

La fértil imaginería: del cinefotógrafo al director

Esta es la portada del trigésimo número de la revista bimestral cine TOMA que circulará por todo el país durante septiembre y octubre de 2013. Y que en su quinto aniversario ofrece un dossier que realiza un acercamiento a la fotografía en el cine y a la relación creativa entre el director y el cinefotógrafro, en sus propias palabras. Se presentan, primero, algunos casos de estudio: el de Everardo Gout y Luis Sansans, respecto a su experiencia en la producción de Días de gracia; María Secco y Rodrigo Plá, en torno a la filmación de La demora; Armando Casas y Aram Díaz, respecto a la reciente filmación de Familia Gang,  y, finalmente, Eugenio Polgovsky como fotógrafo y director de sus propias cintas, Mitote, la más reciente de ellas.

Además se incluyen testimonios de Guillermo del Toro respecto a su incursión, junto con Guillermo Navarro, en el cine en 3D con Titanes del Pacífico; de Gabriel Figueroa sobre tres momentos claves de su trayectoria; de la generación intermedia de cinefotógrafos (Toni Kuhn, Ángel Goded, Rafael Corkidi, Arturo de la Rosa), y la cerrazón del sindicato que les impidió desarrollar su carrera; las experiencias con la luz Rodrigo García; la manera de integrar la imagen de Luz Silenciosa entre el director, Carlos Reygadas, el fotógrafo Alexis Zabé, y la directora de arte Nohemí González, además de la faceta como cineasta de Nacho López.

En otras secciones, Fotofijas ofrece un acercamiento al archivo de cine del gran maestro Héctor García; Desde la Filmoteca de la UNAMaborda a los cinefotógrafos de la Revolución Mexicana y los programas de cine mexicano que la institución presentará en el Festival de Cine Silente de Pordenone, Italia. En Industriase realiza da un vistazo a circuito de salas independientes de cine. Festivales brinda adelantos a los de Morelia, DOCSDF y cronica el recién terminado de Lima. En Estrenos se ofrecen entrevistas con Carlos Cuarón por Besos de azúcar y a Francisco Franco por Tercera Llamada. Finalmente, en Intérpretes se incluye una entrevista con el actor michoacano Damián Alcázar, respecto a su cuarto protagónico con Luis Estrada, La verdad sospechosa.

Cine TOMA 30, publicación especializada en el análisis, la reflexión, la crítica y la información cinematográfica de México, Iberoamérica y el mundo, circulará durante septiembre y octubre de 2013 en locales cerrados de todo el país.

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La “Blancanieves” muda y flamenca de Pablo Berger

agosto 24, 2013

Es un ataque terrorista al cine contemporáneo

Por Luis Carrasco García

Trasladada a la España ya extinta de los años veinte, es decir, casi un siglo atrás, la versión en el ámbito de la fiesta brava y de los sonidos flamencos de Blancanieves, de Pablo Berger, explora las posibilidades narrativas del cine mudo y en blanco y negro pero no para hacer un melancólico rescate de una era perdida, sino para entregarnos un filme contemporáneo de gran vitalidad.

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Paráfrasis del relato tan famoso como poco conocido en su versión original de los filólogos alemanes hermanos Jacob y Wilhelm Grimm, Blancanieves (España-Francia, 2012), de Pablo Berger, traslada los sufrimientos de la bella infanta a manos de su cruel madrastra al ámbito de la tauromaquia y de una España ya inexistente, previa a la Guerra Civil y a medio camino entre la tradición y la incipiente entrada de la modernidad –puede verse incluso un zeppelín flotando encima de la monumental plaza de toros.

En la cinta, realizada con el estilo del cine mudo y en blanco y negro, la bella Carmen (Macarena García), quien heredó el talento de su padre, Antonio Villalta (Daniel Jiménez Cacho), debe sobrevivir al odio y desprecio de Encarna (una Maribel Verdú dueña de una poderosa presencia ante la cámara), la nueva esposa del torero tras la muerte de su madre, Carmen de Triana (Inma Cuesta) en el parto, e incluso a un intento de asesinato. Salvada por una trouppe de siete enanos toreros, emprenderá una carrera ascendente que acabará dándole la oportunidad de torear en Sevilla, donde su padre recibió una cornada que le dejó en silla de ruedas y en una terrible depresión.

Acompañada por música flamenca fusionada con jazz de Alfonso Villalonga, Blancanieves es una propuesta atrevida y muy respetuosa de los avances en la gramática cinematográfica previa al advenimiento del sonido sincrónico, como un afortunado acercamiento de Berger (Bilbao, 1963) al uso de los intertítulos, los fundidos a negro, la apertura de tomas circular y un preciosista empleo del blanco y negro que no le pide nada a la tecnología de punta.

El éxito de su cortometraje Mamá (1988), que recibió numerosos premios, permitió a Berger ganar una beca, en 1990, para cursar una maestría de cine en la Universidad de Nueva York. A su regreso, encontró el éxito de taquilla con el largometraje Torremolinos 73 (2003). Ahora, con Blancanieves, ha despertado el interés internacional y en España se levantó como la gran ganadora, con siete premios, de la vigésimo séptima entrega de los Goya, de la Academia Española en febrero pasado así como el Ariel a Mejor Película Iberoamericana.

La cinta compitió en la sección Largometraje Iberoamericano de Ficción del vigésimo octavo Festival Internacional de Cine en Guadalajara, a propósito de lo cual ocurrió la siguiente entrevista.

¿El que tú, como otros tantos directores, estén volteando al cine mudo o a los inicios del cine no les hace, también, repensar las historias y no sólo los efectos especiales con los que están ahora plagadas ahora la mayoría de los películas?

Totalmente de acuerdo, Blancanieves es un ataque terrorista al cine contemporáneo. Creo que hay que mirar al pasado, sobretodo porque lo que hace diferente al cine de otras formas de expresión artística es la imagen; una imagen vale más que mil palabras, hay que contar con imágenes. Con el nacimiento del cine sonoro el cine dio un gran salto hacia atrás, se convirtió en teatro rodado, en el que la palabra domina y, de repente, el cine deja de ser una experiencia sensorial. El cine tiene que ser algo para sentir, más que para pensar.

Pareciera que ahora lo que menos cuentan son las historias, por eso creo mucho en el cuento, creo que el origen del cine es el cuento y antes que director yo soy cuentista; la esencia es la historia. He reunido a muchos colaboradores y un gran equipo de trabajo para contarles una historia: el guión es el cuento. No hay mejor efecto especial que un cuento con buenos actores.

¿Cómo puedes acercar a este tipo de relato fílmico, como guionista y director, a las nuevas generaciones, acostumbradas a que los efectos especiales se ponderen sobre las historias?

Creo que es necesario olvidarnos de esa clasificación que divide las películas entre las de autor y el cine comercial, antes sólo se hablaba de cine. Las películas tienen que hipnotizar al espectador. Mi sueño es hipnotizar. Se puede hipnotizar a los espectadores jóvenes, a los que no han visitado una filmoteca, con una historia y unos actores. Películas como El Artista (The Artist, Francia-Bélgica-Estados Unidos, 2011, de Michel Hazanavicius) o Blancanieves así lo demuestran.

¿Qué opinas de filmes como Amigos (Intouchables, Francia, 2011, de Olivier Nakache y Eric Toledano) o Elsa y Fred (Argentina-España, 2005, de Marcos Carnevale) que han sido un gran éxito en el mundo basadas en historias de buena factura?

No hay que tener miedo a contar siguiendo al corazón, a contar pequeñas historias locales. Nuestra película habla de una España desaparecida, de principios de siglo, pero que no quiere ser nostálgica y que juega con muchos niveles de lectura. Es una película que mira al pasado pero que es para un público de hoy.

Se está filmando cada vez más en formatos para salas equipadas con 3D y 4D ¿Cómo pensar las historias bajo a esa perspectiva?

A lo mejor, una vez que desparezcan las gafas, tal vez haya una nueva forma de narrar, pero, en ese caso, será como el ballet o como la ópera, en las que hay diversidad. Hay que estar abierto a la tecnología, pero la tecnología no es más que un medio para llegar, necesitamos historias y actores que las representen con emoción, con verdad. La tecnología no tiene un valor por sí misma, creo que no sirve para nada.

¿Cómo va a modificarse la manera de filmar con la llegada de la alta definición (HD) y otros avances digitales?

Yo filme en cine. Blancanieves es una carta de amor al cine y, junto con el director de fotografía, insistimos que queríamos rodar en 35mm. Sin embargo, ya hay muchas películas que se ruedan en digital, lo que la revolución tecnológica provoca a la hora de filmar, de montar, a la hora de exhibir, es democratizar el proceso y eso está muy bien. Yo no soy nostálgico, odio la nostalgia y odio ese momento cuando empecé mi carrera, en que había que rodar en 35mm, que era elitista y que solo se podía hacer de esa manera, ahora no. Ahora, cualquiera puede rodar una película y con la democratización del cine lo que sucede equivale a colocar un espejo delante del productor, plantarse y decir: “tengo algo que contar, tengo talento, ¿interesan mis historias o no?”.

Por otro lado, no se podían exhibir tan fácilmente, por eso sí creo que la tecnología es buena para el cine, pero la opción es fácil, ya que a veces se podrá rodar en 35 y a veces en digital. No soy de los que creen que hay que rodar necesariamente con filme y tampoco creo que el cine esté muerto. Por lo contrario, está vivo, por lo que debemos estar atentos a los avances tecnológicos pero sin olvidarnos que el origen es un buen guión y una buena historia.

¿Pero con esta proclamada democratización de los medios, no ha pasado que ahora todo el que tiene una cámara se siente cineasta? ¿Cómo se puede nivelar o equilibrar esta parte de lo tecnológico con la escritura de historias?

El cine digital es maravilloso, pero, hasta no hace muy poco, la única manera de rodar era en 35mm, pero no se podía exhibir.

Háblanos de tu pasión por la música y específicamente del jazz, lo que se ve reflejado con la perfecta sincronía entre las escenas, la música, los ritmos, las síncopas, todo eso que tiene el jazz.

Sí que soy musical, adoro la música. Incluso, cuando era chaval, quería ser músico y cantar, mi familia canta y es musical, pero yo canto fatal. La película la  edité con Fernando Franco, el montador, pero sin música, porque queríamos crear ciertos ritmos musicales en las imágenes. Incluso, animo a los espectadores a que cuando compren el video en DVD lo vean sin música, porque es otra experiencia. Y no fue sino después de montar la película que el músico se unió al grupo, ya tenía las imágenes con una serie de ritmos concretos.

Creo que el montaje es musical, matemático y, al mismo tiempo, mágico. Creo que hay ciertas ráfagas de montaje en mi película que provocan sensaciones y otros planos muy largos que provocan otro tipo de sensaciones. El cine es como una fábrica de emociones y sensaciones para el espectador.

¿Cómo visualizas el futuro del cine con los avances multimedia, incluso en lo sensorial? ¿Cómo se va a transformar el discurso, la narrativa?

Creo que hay que estar atento a lo que está ocurriendo. Esa experiencia multimedia o transmedia me parece importante, nuestra película lo ha hecho y ejecutado en varios lugares. Hemos sacado un libro maravilloso, un coffe table book de la película, hemos hecho una exposición de fotos con vestuario de la película, también un disco compacto. Hemos hecho, incluso, algo mágico que me gustaría traer a México y a otros países latinoamericanos: proyectar la cinta con una orquesta en vivo en el Gran Teatro Liceo de Barcelona con cinco mil personas y en el Teatro de la Zarzuela.

Y se nos siguen ocurriendo posibilidades. Me gusta pensar que mi película es como un equipo de futbol: hay una serie de personas que la sienten como suya, porque la película es del espectador, no del director y llega un momento que la película no llega a ser tuya. Es verdad que a lo mejor soy el padre, pero me gusta pensar que los espectadores son los primos de la cinta y que la sienten como suya.

El mundo vive una crisis económica muy intensa y Europa la está padeciendo, España en particular. ¿Cómo va a influir, para bien o para mal, al cine, en los costos de filmación, tiempo de rodaje, estrellas, en fin.

Desde que empecé en el cine, cuando era adolescente, escuchaba la palabra crisis. Tardé ocho años de hacer esta película y he pasado ocho años de crisis. Creo que de las crisis salen cosas nuevas, de la acción hay una reacción, se toca fondo, se buscan nuevos caminos. Lo que me queda claro es que vamos a seguir haciendo historias, las contaremos en video, en 3D, en 16mm, en 35 mm, como sea. Los que nos dedicamos a esto somos directores de la provocación, por eso vuelvo a insistir en el poder del cuento como forma de cambiar al mundo y transformarlo, y de esa necesidad que tenemos los directores de conectar. Viva la creatividad, viva la imaginación y el cine libre.

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Este artículo forma parte de los contenidos del número 28 de la revista cine TOMAde mayo-junio de 2013. Consulta AQUI dónde conseguirla.

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Décimo segundo Macabro FICH

agosto 22, 2013

Homenaje a las divas del horror

Por Edna Campos Tenorio, directora y fundadora de Macabro

La décimo segunda edición de Macabro, el Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México se realizará a finales de agosto e inicios de septiembre, con un especial énfasis en resaltar el importante rol femenino que ocurre en este género, desde las divas hasta las directoras jóvenes que buscan renovar la escena, además de contar con la visita de destacados directores del giallo italiano y mantener un destacado intercambio con otros festivales especializados tanto nacionales como del extranjero.

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Teniendo como temática central un homenaje a las grandes divas del cine de horror, la décimo segunda edición de Macabro: Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México (Macabro FICH), presenta en su edición 2013 una programación que se enfoca en la reinterpretación de los personajes femeninos del cine de horror y del trabajo de las nuevas realizadoras que han irrumpido en años recientes la escena del cine de horror contemporáneo, aportando frescura y renovación del discurso del género.

Así, veremos filmes de directoras como Elisabeth Fies y Antonia Bird, los programas de cortometraje del Viscera Film Festival, –organización radicada en Canadá dedicada a concentrar y promover el cine de género hecho por mujeres–, así como una retrospectiva de cortometrajes de la artista experimental mexicana Sharon Toribio.

Presencia del giallo y otros festivales

Este año, entre otros invitados, Macabro tendrá el honor de presentar a un par realmente de lujo que cuentan con una importante trayectoria en el cine de horror italiano: Lamberto Bava y Lugi Cozzi. Bava se  inició en el cine trabajando como asistente de dirección de su padre, el legendario  Mario Bava,  también asistió dirección en filmes de Darío Argento y Ruggero Deodato, hasta que empezó su propia carrera en la dirección.  Entre las películas que presentará el propio director al público de Macabro, se encuentran Demonios 1 (Démoni, Italia, 1985) y Demonios 2 (Démoni 2, Italia, 1987).

Por su parte, Luigi Cozzi ha sido también, un cercano colaborador del maestro del cine de horror Dario Argento, participando como asistente de dirección y como guionista de algunas de sus películas más importantes. Durante su visita a México impartirá una charla sobre el cine giallo y su experiencia en el mismo. Entre los filmes de Cozzi que se exhibirán en Macabro, se encuentra Contaminación (Contamination, Italia-República Federal de Alemania, 1980).

Macabro ha mantenido, durante varios años, un programa de colaboración e intercambio con eventos de prestigio y tradición en México, al mismo tiempo en que se constituye como uno de los festivales fundadores de la Red Mexicana de Festivales Cinematográficos. De esta gestión han surgido colaboraciones que han dado como resultado la exhibición, por segundo año consecutivo, de programas de animación oscura por parte del CutOut Fest de Querétaro, entre otros intercambios.

Macabro también colabora en difusión y programación con eventos dedicados al cine de género fantástico y de horror en otros estados de la República, tales como Aurora: Festival Internacional de Cine de Horror de Guanajuato; Feratum: Festival Internacional de Cine fantástico, Horror y Scifi de Tlalpujahua, Michoacán, y Post Mortem: Festival de Cine de Horror y Bizarro de Aguascalientes.

A nivel internacional, Macabro ha generado alianzas para la promoción y difusión del cine mexicano de género fantástico en países como Brasil, Argentina, Colombia y Puerto Rico, de este último país se presentará un programa de cortometrajes y largometrajes, entre los que destaca el filme Aquelarre (Puerto Rico, 2011, de Alfredo Rivas), seleccionados por el Puerto Rico Horror Film Festival.

Competencia oficial y banco de guión

Por tercer año consecutivo, en la programación de Macabro destaca la sección competitiva en las categorías de Largometraje Internacional de Horror, Cortometraje Internacional de Horror y Cortometraje Mexicano de Horror. Para este fin, se recibieron aproximadamente 300 títulos entre largometrajes y cortometrajes, de diversos países al cierre de nuestra convocatoria. Por primera vez, además de las estatuillas, se entregarán premios por parte de las empresas Ibushak y CTT Exp&Rentals.

En la edición 2013, Macabro, en colaboración con la productora independiente Nuevas Resonancias, dará un paso significativo en el  compromiso que el festival tiene con la creación del cine de género en México, mediante una convocatoria para la elaboración de guión de terror. El proyecto, denominado Macabro lab involucrará festivales aliados como Aurora, Feratum y Post Mortem, además de especialistas, productoras independientes y empresas privadas, con la finalidad de impulsar la creación de cine de horror en México, a través de un banco de guiones en línea, una serie de cursos, así como talleres de producción y realización, y finalmente buscará enlazar a los ganadores con productores y empresas que puedan hacer realidad el paso del guión a la película.

Dado que Macabro es una organización sin fines de lucro que se realiza con apoyos institucionales y patrocinios privados, desde el año pasado diversificó su financiamiento a través de la plataforma de Fondeadora, una herramienta para recabar fondos de manera colectiva para la realización de proyectos culturales, mediante la cual aquellos que apoyan –llamados fondeadores– obtienen una recompensa a cambio de una aportación económica.  Entre las recompensas que Macabro ofrece a sus seguidores, están las entradas a funciones especiales, al maratón nocturno, memorabilia, piezas de art toys y accesos a charlas y clases magistrales.  De esta forma el festival cumple con dos metas: el financiamiento de una parte del evento e involucrar al público con la realización del mismo.

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Detrás de Macabro

Macabro es el primer y más experimentado festival de cine de género del país. Nacido en el año 2002 como Macabro, Festival de Horror en Cine y Video, cuenta con una sólida trayectoria de once años de experiencia en sus ediciones anuales, y es hoy una cita obligada para los amantes del cine y para el público deseoso de entrar en contacto con la cultura audiovisual del horror, sus creadores y sus muy diversas manifestaciones, nacionales e internacionales.

En el FICH, hemos presentado filmes de autores y directores destacados a nivel nacional y mundial, entre los cuales destaca el rescate de las filmografías de Juan López Moctezuma en 2004 –que culminó con el apoyo a la realización del documental Alucardos (México, 2011), de Ulises Guzmán–;  y de Rafael Corkidi en 2011, cineastas de culto ubicados por varios críticos dentro de la corriente del pánico. Organizamos, además, la primera retrospectiva en México de directores como Shinya Tsukamoto, a quien debemos títulos de gran culto como Tetsuo, El hombre de hierro (Tetsuo, Japón, 1989); del director checo de animación surrealista Jan Svankmajer,  así como la exhibición de la filmografía completa del director brasileño José Mojica Marins, creador del enloquecido y demoniaco personaje  de culto Zé de Caxiao (Coffin Joe).

Macabro es programado principalmente por su directora fundadora, Edna Campos y por el programador asociado Joao Fleck, quien también es programador y director del Festival Internacional de Cine Fantástico de Porto Alegre, Brasil (Fantaspoa), y este año cuenta con la colaboración de diversos especialistas y profesionales del género, tales como Rodrigo Duarte de Zinema Zombie Fest, de Colombia; Rafael Mediavilla, del Puerto Rico Horror Film Festival, y de Alejandro Montes, del festival Aurora.

La programación de Macabro se divide en varias secciones, las cuales van desde las competencias de largometraje y cortometraje (tanto nacional como internacional), hasta los homenajes, retrospectivas y rescates, hasta lo más extremo, no sin antes mencionar la sección que se enfoca en el cine mexicano de horror: México Macabro.

Macabro se presentará del 23 de agosto al primero de septiembre en diversas sedes: la Cineteca Nacional, la sala Julio Bracho del Centro Cultural Universitario, el Cinematógrafo del Chopo, el Centro Cultural Carranza, el Cine Lido, el Museo Laboratorio Arte Alameda y el Museo Panteón de San Fernando, para la muestra principal.

Posteriormente, durante el mes de septiembre, se presentará una selección de la programación con exhibiciones gratuitas dirigidas a públicos vulnerables en el circuito de las Fábrica de Artes y Oficios (Faro), en conjunto con la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de México.

Para mayor información pueden visitarse las páginas electrónicas: www.macabro.mx así como www.festivalmacabro.blogspot.com. En las redes sociales, el nombre de la cuenta en facebook y twitter es MacabroFich y cuenta, además, con un canal propio en la página de videos en línea Youtube: MacabroFest.

Este artículo forma parte de los contenidos del número 29 de la revista cine TOMAde mayo-junio de 2013. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

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El hallazgo del Sugar Man

agosto 22, 2013

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Por Sergio Raúl López

Difícilmente puede negarse que el documental Buscando al Sugar Man (Searching for Sugar Man, Suecia-Reino Unido, 2012), del sueco Malik Bendjelloul sea una fábula magnífica. El melancólico relato en torno al destino peculiarísimo de un albañil heptagenario, casi ciego, de la ciudad industrial de Detroit, en cuyo pasado reposan, empolvados, un par de long plays setenteros (Cold Fact, de 1970, y Coming From Reality, de 1971) y algunas fotografías en blanco y negro, pruebas casi deshechas y apenas suficientes para mostrar parte de su trunca y nunca lograda carrera como cantautor, vuelta a la vida con el nuevo siglo, merced a la casi detectivesca búsqueda de un par de seguidores sudafricanos, país en el que inopinadamente, ese par de grabaciones descatalogadas y sin disquera, tuvieron un éxito comercial mayúsculo.

La de Sixto Rodríguez, hijo de inmigrantes mexicanos indocumentados, es la historia de la Cenicienta, cierto, sólo que escenificada en el ámbito del rock, con el particular gusto de cantor de inconfundibles tonos e inobjetable poética que, en su juventud, intentó emular los pasos de tantos jóvenes poetas armados de guitarras que modificaron la letrística y las formas de la música que arribaba a las listas de popularidad –léase Bob Dylan, Simon and Garfunkel, Frankie, Neil Young o Chris Kristoferson, entre tantos otros–, con el consiguiente cambio en sus vidas personales: de la sobrevivencia en las calles, de cafetín en cafetín,  a la bonanza de las multitudes que consumían con avidez todo lanzamiento y presentación de las grandes figuras musicales de la época.

Esta película fue galardonada, en febrero pasado, con el premio Oscar al Mejor Documental y gracias a su éxito no sólo en festivales sino de audiencias, ha catapultado la carrera nunca extinta de Rodriguez quien, simplemente este año, se fue incluido en los dos más importantes festivales masivos de rock, Coachella, en Estados Unidos, durante abril, y Glastonbury, en el Reino Unido, a finales de junio. En México, tras su estreno en el Festival Internacional de Cine en Guanajuato en julio de 2012, fue incluido en la Gira de Documentales Ambulante 2013 y en el 33 Foro Internacional de la Cineteca Nacional. Ahora, desde el viernes 28 de junio, Canana presenta la estrenó, finalmente, en la cartelera mexicana.

Este artículo forma parte de los contenidos del número 29 de la revista cine TOMAde mayo-junio de 2013. Consulta AQUÍ dónde conseguirla.

El 12 de julio de 2013, en el programa Música de Fondo que transmite la estación de radio en línea Código DF, transmitió un programa especial sobre Sixto Rodríguez y el documental Searching for Sugar Man, de Malik Bendjelloul, , conducido por Rosalina Piñera, mismo que puede escucharse en el ENLACE.

Música de fondo

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Selección Oficial del octavo DOCSDF

agosto 16, 2013

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Este día se hizo pública la lista de 68 películas que conformarán la Selección Oficial, en sus siete distintas secciones, del octavo Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (DocsDF), que se realizará entre el 24 de octubre y el 3 de noviembre de 2013. Además, sus organizadores informaron que en este año se recibieron mil 480 filmes provenientes de 101 países.

Esta es la lista completa de filmes:

Largometraje internacional

Frutas madurando (Blush of Fruit, Australia-Vietnam, 2012), de  Jakeb Anhvũ.
A corazón abierto (Open Heart, Estados Unidos, 2012), de Kief Davidson.
Pussy Riot. Una plegaria punk (Pussy Riot. A Punk Prayer, Reino Unido, Rusia, 2013), de Mike Lerner y Maxim Pozdorovkin.
Gente enferma y loca (Sickfuckpeople, Austria, 2013), de Juri Rechinsky.
Romper y agarrar. La historia de las Panteras Rosas (Smash & Grab. The Story of the Pink Panthers, Reino Unido, 2013), de Havana Marking.
La escala humana (The Human ScaleDinamarca, 2012), de Andreas M. Dalsgaard.
El caos silencioso (The Silent Chaos, Italia, 2012), de Antonio Spanò y Edoardo Picciolo.
Esto no es California (This Ain’t California, Alemania, 2012), de Marten Persiel.
Un gran desorden bajo el cielo (España, 2013), de Ivan García.
¿Dónde está la primera línea del fuego? La vida y época de Tim Hetherington (Which Way is the Front Line from Here? The Life and Time of Tim Hetherington, Estados Unidos, 2013), de Sebastian Junger.

Largometraje iberoamericano
138 segundos. El enigma Gironès (138 segons. L’enigma Gironès, España-México, 2013), de Joan López Lloret.
Don Ca (Colombia, 2012), de  Patricia Ayala.
Elena (Brasil,  2012), de Petra Costa.
Flores de la frontera (Flowers of the Frontier, España-Gambia, 2012), de Alfredo Torrescalles.
La eterna noche de las 12 lunas (Colombia, 2013), de Priscila Padilla.
La gente del río (Argentina, 2012), de Martin Benchimol y Pablo Aparo.
Leontina (Chile, 2012), de Boris Peters.
Los mundos sutiles (España, 2012), de Eduardo Chapero-Jackson.
Más náufragos que navegantes (Mais náufragos que navegantes, Brasil , 2013), de Guillermo Planel.
Refugiados en su tierra (Argentina, 2013), de Fernando Molina, Nicolás Bietti.

Largometraje mexicano
Cautivadas (México-Guatemala-España, 2012), de Mercedes Ortega.
Darkmoon (Luna negra, México-Alemania, 2013), de Thomas John y Enrique F. Hernández.
La Rosa y el Diablo (México, 2012), de Sandra Castillo Ruiz.
Luz en el encierro (México, 2013), de Rodrigo Occelli.
Of Kites and Borders (De cometas y fronteras, México-Estados Unidos-España, 2013), de  Yolanda Pividal. 
Rosario (México, 2013), de Shula Erenberg.
Salaverna (México, 2013), de Edin Alain Martínez.
Somos viento (México, 2013), de Kolektivo Kolibri.
Tochi (Conejo, México, 2013) de Misael Alva.

Largometraje para televisión
Hombre batería (Biba Struja, Serbia, 2012),de Dušan Čacić y Dušan Šaponja.
Burromental (Donkeymentary, Armenia, 2012), de Arman Yeritsyan y Vardan Hovhannisyan.

Confesiones forzadas (Forced Confessions, Reino Unido, 2012), de Maziar Bahari.
A la sombra del sol (In the Shadow of the Sun, Reino Unido-Estados Unidos, 2012), de Harry Freeland.
Retratos de viajes (Portraits de Voyages, Francia, 2013), de Bastien Dubois.
Pastores del paraíso (Shepherds of Paradise, India, 2013), de Raja Shabir Khan.
El capitán y su pirata (The Captain and his Pirate, Alemania-Bélgica, 2012), de Andy Wolff.
Enredo (Uwikłani, Polonia, 2012), de Lidia Duda.
En el ojo de Dios (W oku Boga, Polonia, 2012 ), de Wojciech Królikowski.
¡Qué circo! (Quel cirque!, Bélgica, 2012), de Philippe Cornet.

 

Cortometraje internacional
El sacrificio (A Sacrifice, India-Reino Unido, 2013), de Theo Hessing.
Adrift (Bélgica, Colombia, 2013), de Frederik Jan Depickere.
Chico de la playa (Beach Boy, Reino Unido, 2013), de Emil Langballe.
La hija del invierno silencioso (Hiljaisen talven lapsi, Finlandia, 2012), de Iiris Härmä.’
Jocelyn y el coyote (El Salvador, 2012), de Pilar Colomé, José Lovo y María Cilleros.
Minerita (España, 2013), de Raúl de la Fuente.
El lago celeste (Niebiańskie jezioro,Polonia, 2012), de Diana Aszyk.
La creación como la vimos (The Creation as we Saw It, Reino Unido-Vanuatu, 2012), de Ben Rivers.
El diablo (The Devil, Francia, 2012), de Jean-Gabriel Périot.
Rastros (Traces, México-Estados Unidos, 2012), de Fiamma Montezemolo.

Cortometraje mexicano
Anónimo (México, 2013), de Moisés Anaya.
Ciudad Merced (México, 2013), de Pablo Martínez Zárate.
El fruto (México, 2013), de Diego Topete Pérez.
El imaginario y su túnel  (México, 2012), de Javier Quiñones Sánchez.
La Ahorcadita (México, 2013), de  Pierre Saint-Martin y Carlos Torres.
Las montañas invisibles (México, 2012), de Ángel Linares.
Manos grandes (México, 2013), de Roberto Olivares Ruiz.
Paradero Norte (México, 2012), de Daniel Ulacia.
Un altar de muertos, una estela de luz (México, 2013), de Alberto Delgado de Ita.
Viva México  (México, 2013), de  Flavio Florencio.

Doctubre
Bajo la noche de Tokio (España, 2012), de Alfonso Nogueroles.
Bajo tortura (México, 2013), de Cristina Juárez.
El silbato (Gwizdek, Polonia, 2012), de Grzegorz Zariczny.
Mata a tu amada (Kill Your Darling, Holanda, 2012), de Jaap van Hoewijk.
La agenda setting. Palestina en los medios (España, 2012), de Helena Bengoetxea.
Los ojos de Dante (España, 2012), de Gonzalo Gurrea Ysasi.
Madera (Cuba, 2012), de Daniel Kvitko.
Mundial. La apuesta más alta (Mundial. Gra o wszystko, Polonia, 2013), de Michał Bielawski.
Semalu (Bélgica, Malasia, 2013), de Jimmy Hendrickx.
Dos americanos Two Americans (Estados Unidos, 2012), de Valeria Fernández y Dan DeVivo.

 

 

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Cine analógico: 8 regular y super 8, en el Taller Panóptico

agosto 15, 2013

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El Taller Panóptico invita a los interesados al curso Cine Analógico: 8 regular y super 8, en el que los alumnos filmarán con película de 8mm y Super8, aprenderán a revelar en blanco y negro tanto positivo como negativo, y en color, positivo y negativo, el proceso de virado de la película  y realizarás un transfer casero, además  de realizar cortometraje con estos formatos.

También se enseñará el manejo de las cámaras que utilizan película en 8mm y super 8, las películas que existen en el mercado y su manejo, así como las reglas cinematográficas básicas para hacer cine.

El taller se realizará del viernes 23 al domingo 25 de agosto, y continuará el sábado 31 de agosto para concluir el domingo primero de septiembre de 2013.

El Taller Panóptico se localiza en la accesoria 45 del  Antiguo Colegio de las Vizcainas, en el callejón de San Ignacio, colonia Centro, en la Ciudad de México. Mayores informes al teléfono 5510 3549 o al celular 04455 3210 1717. Al correo electrónico: panopticotaller@gmail.com o en su página de facebook: Taller Panóptico.
Panóptico

Convocatoria del octavo Contra el Silencio todas las Voces

agosto 15, 2013

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El VIII Encuentro Hispanoamericano de Cine y Video Documental Independiente: Contra el Silencio Todas las Voces se celebrará del 29 de marzo al 5 de abril del año 2014, y ha lanzado su convocatoria para los documentalistas hispanoamericanos, brasileños y caribeños, a inscribir trabajos independientes realizados a partir del primero de enero de 2012 , en cine o video, en las categorías: Movimientos Sociales y Organización Ciudadana, Derechos Humanos, Indígenas, Mujeres, Fronteras, Migraciones y Exilios, Medio Ambiente y Desarrollo Sustentable y Vida Cotidiana y Cambio Social, o a los Premios Especiales para documentales con temática de la Prevención de las Adicciones y  de la Discapacidad, realizados de enero de  2008 a noviembre de 2013.

La convocatoria cierra el 6 de diciembre de 2013.

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Kai Parlange y el secuestro como “Espacio Interior”

agosto 13, 2013

La verdadera historia es la lucha, la supervivencia

Por Sergio Raúl López

La más terrible de las convalecencias es aquella gratuita, fuera de toda razón y causa. En este caso, la del prisionero no del sistema penal, ni de las instituciones de salud y mucho menos psiquiátricas, sino del hombre secuestrado. Sano, poseedor de todas sus facultades, acaba reducido a un simple instrumento de enriquecimiento para un puñado de criminales.

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Así, la desesperación resulta infinitamente más terrible e insoportable. Y aunque Espacio interior (México-España, 2012), del realizador debutante Kai Parlange –poseedor de una buena trayectoria en el medio publicitario y quien creó Glorieta Films para realizar este largometraje–, intenta convertirse en un claustrofóbico y devastador llamado a la esperanza de la manera en la que un arquitecto logra sobrevivir no sólo a sus captores sino a sí mismo, tras un larguísimo encierro, gracias a sus arrebatos de fe, a los recuerdos de la familia añorada y, sobre todo, a la fortaleza profunda que le brota con el implacable paso de los días, no logra evadirse de ser un retrato dolorido del México actual.

Uno más entre la reciente producción cinematográfica nacional, tan proclive a tocar, así sea de soslayo, la violencia del crimen organizado, la dura realidad del narcotráfico, la fragilidad del inmigrante ilegal, los abusos del ejército y las fuerzas policiales, los agujeros civilizatorios que son las regiones fronterizas o, claro, como en este caso, el extendido y fructífero ejercicio del secuestro.

Basado en las vivencias sufridas en carne propia por un destacado arquitecto capitalino que logró subsistir, en los años noventa, a los largos meses de encierro e incluso reblandecer a sus captores al grado de convencerles de liberarlo para poder devengar la cantidad exigida, el personaje de Lázaro, interpretado por un esquelético y traumatizado Kuno Becker, subsiste en una breve habitación blanca de nueve metros cuadrados apelando a sus recuerdos y al ejercicio imaginario de la existencia previa a su captura. Dicha interpretación le mereció a la afamada estrella –ya no más protagonista de melodramas telenoveleros o cinematográficos bien goleadores o enamoradizos–, el premio al Mejor Actor en el vigésimo séptimo Festival Internacional de Cine en Guadalajara, en marzo de 2012 y la cinta el Premio del Público –año en que Martha Higareda ganó el correspondiente a Mejor Actriz por Mariachi gringo, de Tom Gustafson, triunfadora como Mejor Película, tras lo que desapareció la Sección Mexicana de dicha competencia.

Con guión del propio director junto con Pierre Favreau, fotografía de Juan José Saravia, edición de Álex Rodríguez y Jorge García –además de Parlange–, y dirección de arte de Diana Quiroz, este largometraje de tonos trágicos y desesperantes que deviene en oda al optimismo y a la voluntad férrea del héroe involuntario, cuenta también con actuaciones de Ana Serradilla, Hernán Mendoza, Gerardo Taracena y Rocío Verdejo, entre otros.

La estancia de Espacio interior en la cartelera mexicana, con distribución de Alfhaville Cinema, da pie a la siguiente entrevista con Parlange.

¿Cómo consiguió el permiso para trasladar esta historia de una intimidad tan marcada y terrible, a la pantalla?

Tuve la oportunidad de conocer esta historia en el 2006 relatada por la persona que vivió este suceso tan cabrón, este aislamiento absoluto, y tuvimos que convencerlo que nos permitiera llevar su historia al cine. Nos tardamos un par de meses, pero lo logramos y tuvimos la oportunidad de estar muy cerca de él para escribir el guión, lo alimentábamos con las entrevistas que nos daba, además tuvimos la fortuna que nos permitiera tener más de 700 hojas del diario que llevó durante su encierro, escritas con la letra más pequeña que uno pueda imaginar, no para tener el recuerdo del evento sino como el ejercicio de libre conciencia que uno ejerce cuando piensa que nadie más lo va a leer. Eso hizo posible construir un guión tan rico, a partir del que empezamos a armar el proyecto. Yo busqué como protagonista a Kuno Becker, que era mi primera opción, pues además de que me gusta su trabajo yo veía que tenía un potencial actoral muy grande y no me equivoqué.

 

Curiosamente, Becker venía de filmar La última muerte, un proyecto para el que también tuvo que bajar de peso y enfrentar muchas exigencias físicas.

Sí, pobre, tuvo que enflacar mucho para La última muerte y cuando pasaron varios meses y recuperó su peso, llegó conmigo y le pedí que volviera a bajar de nuevo. Estaba que no lo creía. Creo que primero bajó 12 kilos y cuando ya los había subido tuvo que volver a bajarlos, entonces en un año tuvo un desafío muy grande, pero estaba muy contento de hacerlo porque es muy importante vivir en la piel propia lo que sufrió este personaje. Al final, esta transformación física aunque es la más superficial, también es muy importante, le hicimos unas entradas muy grandes en el cabello para aumentarle la edad, además de la palidez, no se pudo asolear durante muchos meses para tener el nivel de piel necesario para representar a un hombre que estuvo recluido durante tanto tiempo. Claro que el nivel más importante es la transformación y revolución interna, este crecimiento y este viaje interior es lo más complejo.

 

¿Cómo eligieron la paleta de colores y otros rasgos del set para este relato?

La historia comienza con una luz muy dura, con un espacio muy estrecho, muy claustrofóbico, que así es como el personaje lo siente en un principio, y conforme se va adaptando, la luz comienza a volverse más suave y el espacio a sentirse más grande. En un principio es un lugar muy agreste y duro, todo blanco, y conforme va metiéndole estos dibujos comienza a hacerlo más amable, más suyo, comienza a limpiarlo, a cuidarlo, la idea era vivir la adaptación en la piel del personaje. Ahora, en contrapunto en un principio ves a un cuate que, aunque está muy asustado, está más sano, pero conforme pasa el tiempo lo ves más lastimado físicamente, más flaco, con una mirada más huidiza, el pelo y la barba más largos, pero la mirada también va cambiando, en un principio es más asustada pero conforme va avanzando el tiempo tiene más tranquilidad, más paz, mucho más profunda. Es un hombre que comienza cada vez más a vivir dentro de él.

 

Más que una historia sobre el secuestro, trata de la voluntad férrea de una persona, de su esperanza.

Claro que sí, de un hombre en el límite, su lucha y su renacimiento, esa es la verdadera esencia de la película: la lucha de un ser humano ante una situación tan complicada que bien hubiera podido haber sido la historia de un hombre en una isla desierta, en un campo de concentración o un náufrago. El contexto es el secuestro, pero la verdadera historia es la de la lucha, la supervivencia, un hombre que lucha todos los días.

 

Este artículo se publicó originalmente en la sección de cultura del diario El Financiero (12/VIII/2013).

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“Heli”, de Amat Escalante o la vida no vale nada en Guanajuato

agosto 10, 2013

Son niños teniendo niños, moralmente desubicados

Por Sergio Raúl López

En los alrededores de Silao se han erigido, sucesivamente, una planta ensambladora de automóviles –y otras tantas maquiladoras– la Expo Guanajuato Parque Bicentenario y múltiples unidades habitacionales de interés social, además de los emblemáticos bares con variedad nocturna que funcionaban previamente como un escape al conservadurismo aparente de Guanajuato y León. En esos distintos poblados perdidos de esa periferia de las periferias, ocurren historias concentradas en asuntos de adolescentes, casi niños.

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El cineasta Amat Escalante. Foto: Sergio Raúl López/Cine TOMA.

El resto de la zona se compone de minúsculas localidades cuya única forma de sustento se encuentra, justamente, en enlistarse como obrero de la enorme planta automotriz o en alguna asociación armada, legal o no, y la inmigración, tanto a las capitales vecinas de León y Guanajuato, como la más radical: cruzar ilegalmente la frontera norte para hallar empleo en los Estados Unidos. Prácticamente abandonados de dios y del hombre, los habitantes del este trozo del Bajío subsisten, contradictoriamente, bajo la mirada permanente del enorme Cristo instalado en el cerro del Cubilete, una vista inevitable en toda la región.

Justamente es en este entorno, de caminos polvosos y sin pavimentar, salpicado de viviendas precarias en las que sólo abundan televisores permanentemente encendidos con programación ligera y la comida industrial, tanto de refrescos como de golosinas, en el que van creciendo un par de hermanos, entre aburridos y apresurados, que muy pronto han de dejar las ensoñaciones infantiles para enfrentar el despiadado mundo adulto repleto de violencia. Y es que Heli (México-Francia-Alemania- Países Bajos, 2013), el tercer largometraje de Amat Escalante, más que una denuncia en contra de la guerra intestina aún en marcha contra el narcotráfico o la impunidad de las fuerzas armadas, plantea las vidas apresuradas, inexpertas y atropelladas de ese par de menores, a quienes las condiciones de vida les llevan, irremisiblemente, a la tragedia.

Así, el protagonista de la cinta, Heli (Armando Espitia), ha de realizar jornadas obreriles para mantener al niño recién procreado con una menor duranguense aún menor de edad (Linda González), pero también ha de intentar cuidar a su hermana adolescente Estela (Andrea Vergara), de curvas apenas insinuadas y rostro aún infantil, ya novia de Beto (Juan Eduardo Palacio), miembro novel de la policía federal, a quienes la urgencia del deseo se les confunde con exóticos planes matrimoniales.

La cinta, filmada en nueve semanas de rodaje en Guanajuato –durante marzo, abril e inicios de mayo de 2012 – y luego editada en los estudios Splendor Omnia, de Carlos Reygadas –ganador del mismo premio en Cannes, el año anterior–, en Morelos, fue co escrita por Escalante junto con el escritor guanajuatense Gabriel Reyes, cuenta con fotografía de Lorenzo Hagerman, edición de Natalia López, decorados de Daniela Schneider y fue producida por Mantarraya producciones, de Jaime Romandía y del propio Reygadas, y Tres Tunas, de Escalante. Con este, su tercer trabajo luego Sangre (México-Francia, 2005, premio Fipresci) y Los Bastardos (México-Francia-Estados Unidos, 2008), ambas incluidas en la sección Una cierta mirada de Cannes, Heli formó parte de la Sección Oficial y le mereció al director guanajuatense el premio a Mejor Director en el 66 Festival Internacional de Cine de Cannes. Ahora, la cinta tendrá su estreno latinoamericano en el XVI Festival Internacional de Cine Guanajuato (giff), previo a su arribo a la cartelera nacional el viernes 9 de agosto.

–Pienso en Heli como una relato sobre la precocidad con que se vive en Guanajuato más que en una denuncia sobre la violencia o el narcotráfico, pues la vida comienza y concluye muy rápido ya sea con embarazos, alistamiento en el ejército o enrolarse de obrero en una planta ensambladora de autos.

–Sí, ese es el tema importante en la película y se remarca hacia el final. Esa es la inquietud que tengo en Guanajuato. Por ejemplo, la madre del bebé de seis meses que aparece en la película  tenía 14 años y lo tuvo a los 13. La actriz protagonista tiene 12 años aunque el personaje tiene 13. Al final, las cosas que pasan después, como la tortura y todo eso, son consecuencia de los niños que nacen así, casi como huérfanos, pero de otra forma. Son niños teniendo niños, moralmente desubicados. Como si a un cachorro lo entrenas de cierta forma, va a ser así de adulto también y es peor todavía con los humanos. Y creo que parte de los síntomas que ahora sufre México se deben a eso y por eso lo quisimos mostrar. En Los Bastardos los personajes también eran así, el chavo en la película tenía 15 o 16 años y esa era la idea, que a esa edad se van a Estados Unidos, muy jóvenes.

–También se relaciona con el personaje de su primer cortometraje, Amarrados, que enfrentar la vida dura de la calle desde sus muy escasos años.

–Pensé en los niños viendo Televisa y en las revistas súper violentas que hay y toda esa mezcla. Inclusive en la comida, había unas escenas en la película en las que tomaban Coca-Cola, lo que probablemente hace que no puedan pensar muy bien. Si no toman agua en la vida, sino pura Coca-Cola, y si sólo ven Televisa y las imágenes de violencia, pasan estas cosas.

–A lo que añadiría la presencia constante del Cristo del Cubilete y la sombra religiosa que representa.

–Eso fue accidente, pero no hay como evitarlo en Guanajuato: todos los ángulos dan hacia allá. De hecho, durante el rodaje, el Papa fue a Guanajuato y tuvimos que parar tres días. Pasó frente a mi casa, lo vi desde el techo y mi hermano grabó un poco. Aunque no fue mucha la gente que convocó ya que creían que iba a ser una multitud de ahí hasta el centro, uno no se podía mover en la ciudad. Pero en la tele, en Televisa, nada más enseñaban una acumulación de gente, cuando había fotos que mostraban que no había mucha. Yo fui ahí y no fue como todos creíamos que sería.

–Otro hecho curioso es que la misa masiva se realizó en el Parque Bicentenario, en Silao, junto a la General Motors, parte del área de este filme.

–Claro, y la película también está inspirada justo por esta zona, por la General Motors y lo que los rodea: por las nuevas casas y las nuevas familias que van ahí. Y están surgiendo generaciones de gente que llegaron ahí por la planta y, a la vez, viven muy aislados. De hecho, cuando hacíamos scouting, llegamos a un pueblo, no voy a mencionar cuál es, pero nos dijeron que si algún día estamos buscando que maten a alguien, nomás tenemos que ir ahí y encontraríamos mucha gente no que vive de eso, pero que eso hacen. ¡Ta’cabrón!

–Y es que el México bronco no se ha ido a ningún lado. La película, por cierto, no muestra a ningún narcotraficante, pese a que hay violencia, muerte y droga.

–No hay ningún narco, realmente. Hay militares y muchachos vulnerables, digamos. Y son vulnerables no sólo porque carecen de educación, sino económicamente. Y claro, si no tienes cómo vivir en la sociedad y te ofrecen dinero para torturar a otro, es muy probable que vas a hacer eso. Es por eso que en la secuencia de tortura, los que la inflingen no son exactamente lo que uno se imagina, fantasmas o monstruos, la realidad es que son humanos de todo tipo, niños incluso. Son gente normal y a mí me cuesta mucho trabajo entender qué puede llevar a alguien a cometer ese tipo de violencia, resulta un fenómeno difícil y no sencillo de explicar. Una cosa es decir que toda esta violencia existe por el tráfico y porque Estados Unidos consume toda la droga, pero el hecho de que alguien pueda llegar a hacer esas cosas con tanta crueldad es ya un misterio.

–El guión ganó el premio Sundance nhk en 2010, pero se retrabajó muchas veces. ¿Qué tan importante fue el oído del co guionista, en este caso Gabriel Reyes, para captar los usos locales del habla?

–Una cosa que me choca mucho cuando veo una película mexicana es este uso indiscriminado de las groserías en un tono chilango, llena de “guey” y no quisimos hacer Heli así. Por ejemplo, cuando la niña le dice a Beto que no se quiere embarazar, él le responde: “¿Ya tienes suficiente con el perrito, di?”, eso lo he escuchado mucho allá. Me gusta y no lo voy a quitar sólo porque no lo van a entender, es casi lo contrario. Beto tiene un acento muy local y usa muchas palabras de ahí, de hecho era como el dialogue coach, y, eso es interesante. En términos de diálogo, el guión se mantiene siendo una escaleta y ya en el momento de la filmación le doy una repasada, en el set lo tenía todo tachado, los diálogos están muy manipulados en el momento, lo cual no es muy práctico, porque todo se alarga más, pero es necesario porque no quiero meter unas palabras que yo me imaginé a alguien que ni siquiera las diría y cuya cara no da. Siempre hay un constante trabajo en los diálogos y en las escenas.

Este artículo se publicó originalmente en la sección de cultura del diario El Financiero (24/VII/2013).

HELI 4Escena de la cinta Heli. Crédito:  :ND/Mantarraya/Tres Tunas.

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Da click en el enlace para ampliar la imagen y consultar las salas en que se exhibe Heli:

Horarios Heli

 

Selección Oficial en competencia del 11 FICM

agosto 10, 2013

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Este día, viernes 9 de agosto de 2013, se dio a conocer la Selección Oficial de la décimo primera edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, que se efectuará en la capital michoacana del 18 al 27 de octubre de 2013, misma que se conforma por 88 títulos entre cortometrajes y largometrajes de ficción, documental y animación, tanto mexicanos como michoacanos.

Esta es la lista completa:

Largometraje Mexicano de Ficción

A los ojos, de Michel y Victoria Franco
Club Sándwich, de Fernando Eimbcke
Las horas muertas, de Aarón Fernández
Los insólitos peces gato, de Claudia Sainte-Luce
La jaula de oro, de Diego Quemada-Diez
Manto Acuífero, de Michael Rowe
Paraíso, de Mariana Chenillo
Penumbra, de Eduardo Villanueva
Somos Mari Pepa, de Samuel Kishi Leopo
La vida después, de David Pablos
Workers, de José Luis Valle.

González, de Christian Díaz Pardo.

Documental Mexicano

Largometraje
Los años de Fierro, de Santiago Esteinou
Atempa, sueños a orillas del río, de Edson Caballero Trujillo
El cuarto desnudo, de Nuria Ibáñez
Elevador, de Adrián Ortiz Maciel
El hombre detrás de la máscara, de Gabriela Obregón
Lejanía, de Pablo Tamez Sierra
Oasis, de Alejandro Cárdenas
Quebranto, de Roberto Fiesco
Rosario, de Shula Erenberg
Tochi, de Misael Alva Alva

Cortometraje

La ahorcadita, Pierre Saint-Martin y Carlos Torres
Amor en tiempos de incendios, Gilberto González Penilla
B-boy, de Abraham Escobedo Salas
Familia desconocida, de Ezequiel Reyes
Fuera de foco, de Adrián Arce y Antonio Zirión
El imaginario y su túnel, de Javier Quiñones Sánchez y Javier Niño Barrios
Manos grandes, de Roberto Olivares Ruiz
Mi punto de partida, de Uriel López España
Las montañas invisibles, de Ángel Linares
La Parka, de Gabriel Serra
Parque Colosio, de Bruno Varela
Túmin. Economía solidaria, de Melissa Elizondo Moreno
Un salto de vida, de Eugenio Polgovsky

Cortometraje Mexicano

Ficción

Algo tan pequeño. Gabriel Mariño
Arma blanca. Mauricio Calderón Rico
La ausencia. Saulo Corona
Avenida Progreso. Mauricio Guillén
Aviéntame. Haroldo Fajardo
La banqueta. Anaïs Pareto Onghena
Blackout capítulo 4 “Una llamada a Neverland”. Manuel Camacho
Dissonance. Alejandro Jiménez
El dolor fantasma. José Pablo Escamilla González Aragón
En el bosque. Alejandra Ibarrola Medina
Estatuas. Roberto Fiesco
El fin de la existencia de las cosas. Dalia Huerta Cano
Frente al espejo. Carlos Kasuski
Gajes del oficio. Mariana Gironella
Hermanas. Cristina Kotz Cornejo
Inframundo. Ana Mary Ramos
Jerusalén. Alicia Segovia Juárez
La laguna encantada. Pablo Pérez Lombardini
Música para después de dormir. Nicolás Rojas Sánchez
Ni aquí ni allá. Gina Herrera
El palacio de las flores. Regina García Solórzano
Paradisio. Rodrigo Ruiz Patterson
Pasajeros. Miguel Fernández
Porcelana. Betzabé García
Príncipe. Indra Villaseñor
Protocolo. Rodrigo Hernández
El regalo. Sergio Umansky
El río ahí entre los árboles. Pepe Gutiérrez
Sable. Jean-Marc Rousseau Ruiz
Silent. José Yapur
Sofía de Bucarest. Santiago Mohar Volkow
Syjamscy. Joaquín del Paso
El triunfo. Baltazar Peña Ríos
El último velo. Luis Palomino
Zero Hour. Dan Carrillo

Animación

La casa triste. Sofía Carrillo
Dry Gulch. Alejandro Ayala Alberola
Electrodoméstico. Erik de Luna
Lluvia en los ojos. Rita Basulto
Moskina. Beatriz Herrera Carrillo
¿Qué es la guerra? Luis Beltrán
Tierra seca. Ricardo Torres
Un día en familia. Pedro “Zulu” González

Sección Michoacana

Largometraje

Enero, de Adrián González Camargo

Cortometraje

Algo del universo. Diego Isham
Ciudad capital. Agustín Bracho Adalid
Dr. Onco. Yadira Arellano
Esteban Grabinski. Víctor Rodrigo Pérez Hernández
Larga espera. Julio Alberto Ávila Díaz
Llamada nocturna. Mauricio Calderón
Secreto. Jorge Sistos Moreno
Terreno baldío. Gerardo Martínez Aguilar
Tiempos supermodernos. Lubianca Durán Becerra
Una estatua mutilada. Juan Carlos Oñate

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