Archive for 27 septiembre 2012

“Fogonero del delirio. Alejandro Colunga”, en el Cine Lido

septiembre 27, 2012

 

La película El Fogonero del Deliriode Gustavo Domínguez, producida por la Universidad de Guadalajara con al apoyo de Eficine, plasma a manera de documental el trabajo del artista plástico Alejandro Colunga, mediante un recorrido visual, exploratorio y curatorial por su vida y obra, uno de los artistas más emblemáticos, contradictorios y sorpresivos de las últimas décadas del arte mexicano.

El filme se exhibirá desde el viernes 28 de septiembre y hasta el 4 de octubre en The Movie Company, el Centro Cultural de España, el Cine Lido y la Estela de Luz, salas externas de la Cineteca Nacional.

Música incidental para cine con la Filarmónica de la UNAM

septiembre 25, 2012


El primer programa de la Tercera Temporada de la Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM), bajo la conducción del director huésped Eduardo Diazmuñoz e interpretación solista del violinista Sebastian Kwapisz, estará dedicada a la música escrita específicamente para musicalizar obras cinematográficas. En esta ocasión, se reúnen algunas obras musicales del compositor  neoyorquino John Williams. Las música incidental que será interpretada, corresponde a las películas del exitoso director estadounidense Steven Spielberg en arreglos para orquesta sinfònica: Tiburón (Jaws, Estados Unidos, 1975); La lista de Schindler (Schindler’s List, Estados Unidos, 1993); Indiana Jones (Estados Unidos, 1984 y 1989), y ET, el extraterrestre (ET, Estados Unidos, 1982). Para finalizar el concierto, se interpretará la famosa suite orquestal sobre temas de La guerra de las galaxias (Star Wars, Estados Unidos, 1977), de George Lucas.

Al respecto, el crítico musical Juan Arturo Brennan refiere en las notas al programa: “Lo primero que salta a la vista en esta enumeración fílmica es que es una lista ecléctica y variada; hay en ella películas buenas, regulares y malas; cintas taquilleras y cintas olvidables; filmes interesantes y filmes aburridos. Pero sobre todo, en esa lista se encuentran algunas de las películas más productivas de todos los tiempos en lo que se refiere a sus ganancias en taquilla y en renta de videos, además de la venta toda clase de mercancías paralelas. Esto, sin duda, ha hecho muy feliz (y probablemente muy rico) al único personaje que aparece en la lista de créditos de todas esas películas: el señor John Williams, compositor de la música de los filmes citados, además de muchos otros, y uno de los músicos más reconocidos y premiados en el ámbito de las partituras cinematográficas. En particular, en esa lista destacan muchas de las películas producidas y/o dirigidas por Steven Spielberg y George Lucas, los niños terribles (aunque ya no  están tan niños) de Hollywood, quienes se han hinchado de billetes gracias a sus casi siempre  infalibles fórmulas fílmicas. ¿Quién es, pues, este John Williams de tanto éxito en las músicas de cine?

“Nacido en Flushing, Nueva York, Williams es miembro de una familia ligada de cerca con la música, ya que su padre era un reconocido músico de estudio. Después de iniciarse con el consabido piano, John Williams aprendió a tocar el trombón, la trompeta y el clarinete. Ya establecida la familia en Los Ángeles (meca de músicos y cineastas) Williams comenzó a estudiar
música en serio, y uno de sus maestros fue el exilado compositor italiano Mario CastelnuovoTedesco. Pasó por la famosa Escuela Juilliard de Nueva York, donde estudió piano con Rosina Lhévinne. Casi desde el inicio de su carrera, enfocó su pluma y su papel pautado hacia el cine y la televisión, y muy pronto se hizo de una sólida reputación por sus partituras brillantes, extrovertidas, llenas de metales, percusiones y melodías memorables. Este estilo característico de Williams es  especialmente apreciable en partituras suyas como las que ha escrito para la serie La guerra de las galaxias y para Supermán. Sin embargo, en su partitura para Tiburón, Williams demostró que  también sabe componer música más refinada, de cualidades más económicas y austeras pero no
por ello menos efectivas. Con plena justicia, el tema del suspenso de Tiburón se ha convertido ya un fragmento clásico de la moderna música de cine”.

Los conciertos se ofrecerán en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario de la UNAM (Circuito Mario de la Cueva, sin número, en la Ciudad Universitaria de la Ciudad de México), el sábado 28 de septiembre a las 20:00 horas y el domingo 29 de septiembre, a las 12:00 horas. Los precios van de los 180 a los 350 pesos.

Segundo Coloquio Universitario de Análisis Cinematográfico en la UNAM

septiembre 25, 2012

El segundo Coloquio Universitario de Análisis Cinematográfico (CUAC), organizado por el Seminario Universitario de Análisis Cinematográfico (SUAC) se realizará en el Salón de Actos de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México entre el martes 25 y el viernes 28 de septiembre de 2013, con entrada libre y transmisión en vivo por Internet vía streaming.

Aquí sus programación:

Martes 25 de septiembre

16:00 horas

Inauguración

Renato González Mello (Instituto de Investigaciones Estéticas), José Felipe Coria
(Centro Universitario de Estudios Cinematográficos), Deborah Dorotinsky
(Posgrado en Historia del Arte, UNAM) y Javier Ramírez (Seminario Universitario de Análisis Cinematográfico). Modera: Jessica Conejo.

16:30 hrs.
Análisis 1. La expresión en la forma cinematográfica

Con Raffaella de Antonellis (UFF), Rejane Kasting Arruda(USP), Rodrigo Chávez (UdG), María Julia Évora Constantino(UFSCar). Comenta: Ana Sedeño Vedellós (Universidad de Málaga). Modera: Aliber Escobar

19:00 hrs.
Presentación de Montajes, Revista de Análisis Cinematográfico del SUAC.
Presentación

Miércoles 26 de septiembre

09:00 hrs.
Indicios 1

Yolanda Mercader (UAM), Talía Montiel Zacarías (UV), Cristina Gómez Moragas (UACM). Comenta: Helena López (PUEG-UNAM). Modera: Eloísa Rivera

10:40 hrs.
Análisis 2. La expresión sonora

Hugo Reis (UFSCar), Jessica Conejo Muñoz (SUAC), Pablo Linares Manjarrez (FFyL-UNAM), Rafael García Pavón (Universidad Anáhuac), João Henrique Tellarolli Tetrazini (UFSCar).  Comenta: Julián Woodside (Universidad del Claustro de Sor Juana, Centro de Estudios de Ciencias de la Comunicación). Modera: Rebeca Jiménez

13:00 hrs.
Diálogos 1

Juncia Avilés Cavasola (SUAC), Raciel Damón Martínez Gómez (UV), Patricia Ordaz Cruz (FCPyS-UNAM), María Esther Chamosa Sandoval (Univerisdad Justo Sierra). Comenta: Aleksandra Jablonska (Universidad Pedagógica Nacional). Modera: Fernando Cruz

16:00 hrs.
Experiencias de documentalistas en formación

Sara Mariana Peña Escobar(CUEC-UNAM), Tomomi Tamaki (CUEC-UNAM). Comenta: Alfredo Mendoza (SUAC). Modera: María Inés Dieuzide

17:00 hrs.
Indicios 2

Aleksandra Jablonska (UPN), Ana María Sedeño (Universidad de Málaga), Yisel Arce (UAM-X),  Ximena Murillo (UBA). Comenta: Cynthia Tompkins (Arizona State University). Modera: Tonalli López

19:00 hrs.
Conferencia Magistral

Corrientes de palabras y de fantasías: el Tiempo. Una mirada a Theo Agelopoulus y Teresa Prata,  Josette Monzani (Universidad Federal de São Carlos). Presenta: José Ramón Mejía.

Jueves 27 de septiembre

09:00 hrs.
Análisis 3. Latinoamérica

Marina da Costa (UFSCar),  Juan Carlos Arias (Illinois University), Samuel González (UdG), Walmeri Ribeiro (UFC). Comenta: David Wood (Instituto de Investigaciones Estéticas-UNAM). Modera: Hugo Reis.

11:00 hrs.
Indicios 3. Representaciones

Pamela Rendón (FCPyS-UNAM), Marcela García (SUAC), Baldomero Ruiz Ortiz (FCPyS-UNAM), Alan Rodríguez (UdG). Comenta: Cristina Gómez Moragas (Universidad Autónoma de la Ciudad de México). Modera: Carolina Tolosa.

13:00 hrs.
Indicios 4. Análisis documental

Lauro Zavala (UAM), Gustavo Eduardo Ramírez Carrasco (Cineteca Nacional), José Ramón Mejía(SUAC), Maria Ines Dieuzeide (UFSCar).  Comenta: Ana Daniela Nahmad (SUAC). Modera: Juncia Avilés

16:00 hrs.
Diálogos 2. Subjetividades

Aliber Escobar(SUAC), Alicia Basilio Medina (UAM), Gemma Argüello (IIF-UNAM). Comenta: Yissel Arce (UAM). Modera: Isela Cruz Trejo

18:00 hrs.
Diálogos 3. Literatura

Gustavo Henrique dos Santos Aguiar (UFSCar), Nicolás Alberto Amoroso Boelcke (UAM), Vitor Vilaverde Dias (UFSCar), Daniela Ramos (UFSCar).  Comenta: Lauro Zavala (Universidad Autónoma Metropolitana). Modera: Marcela García.

Viernes 28 de septiembre

09:00 hrs.
Indicios 5. Historia

Alberto Soto Cortés (UIA), Oralia Ramírez Sánchez (BUAP), Tania Ruiz Ojeda (UMSNH), Alfredo Cid (UAM). Comenta: Álvaro Vázquez Mantecón (Universidad Autónoma Metropolitana). Modera: Ana Daniela Nahmad

11:00 hrs.
 Análisis 4. Comedia

Fabio Camarneiro (USP), Pablo Orube (FCPyS-UNAM), Javier Ramírez(SUAC), Gabriel Domínguez (UdG). Comentan: Josette Monzani y Walmeri Ribeiro (Universidad Federal de São Carlos). Modera: Rebeca Jiménez

13:00 hrs.
Diálogos 4. Filosofía

Danusa Depes Portas (UFRJ), Carlos Eduardo de Moura (UFSCar), Ana Claudia Rodrigues (UFSCar), Sonia Rangel (FFyL-UNAM). Comenta: Gerardo de la Fuente (Colegio de Filosofía-UNAM). Modera: José Ramón Mejía

16:00 hrs.
Análisis 5

Gabriela Vigil (SUAC), Tonalli López (SUAC), Humberto Hokama(UFSCar), Daniel Escoto (Historia del Arte-UNAM). Comenta: Alfredo Cid (Universidad Autónoma Metropolitana). Modera: Genoveva Corro.

18:30 hrs.
Conferencia Magistral

Aproximaciones a la representación del tiempo en la cinematografía latinoamericana reciente, de Cynthia Tompkins (Arizona State University). Presenta: Gabriela Vigil.

19:30
Clausura

Carlos Narro (Radio UNAM) y Alfredo Mendoza (Seminario Universitario de Análisis Cinematográfico). Modera: Javier Ramírez.

 

En el siguiente icono se encuentra el ENLACE para el streaming en vivo de las mesas del segundo CUAC.


 

Sebastián del Amo y “El fantástico mundo de Juan Orol”

septiembre 25, 2012

¿El surrealista involuntario?

Por Sergio Raúl López

La clasificación de “surrealista involuntario” o aquella otra que lo consigna como “rey del churro”, quizá se deba, mayormente, a que como productor privilegiaba los ahorros significativos, que su autoría como director. De cualquier manera, fue exponente destacado del cine de rumberas, de gángsters y de los dramas materno-familiares, por lo que el realizador mexicano Sebastián del Amo, ha decidido rendirle homenaje, reproduciendo en pantalla no sólo su vida mítica, sino sus métodos de producción.

 

Una sensación curiosa recorre al espectador contemporáneo que mira el cine dirigido, producido y protagonizado por Juan Orol (España, 1897-México, 1988) décadas atrás. Por ejemplo, un duelo de balazos en el que dos bandas rivales de mafiosos –o gángsters, pues importó el término directamente de Hollywood, mexicanizándolos–, se rocían mutuamente de proyectiles de plomo con un ritmo semilento, que prioriza la puntería por sobre la velocidad, y van cayendo, dramáticamente, uno tras otro sin producir un sólo vidrio roto. En el modelo de producción del cineasta gallego resultaba posible ahorrarse el costo de las ventanas dañadas, lo mismo que emplear locaciones falsas para retratar lugares supuestamente retratados en la historia. Y claro, lo que más importaba era mostrar números musicales con esculturales rumberas ataviadas con pocas y ceñidas prendas, cuyos meneos fuesen encubiertos en terribles melodramas clasemedieros en los que la corrupción sexual era más un trágico destino que una decisión personal, edulcorados de valores familiares conservadores y severas reprimendas con moraleja incluida, para llegar al mayor el público posible y lograr sustanciosas ganancias en taquilla.

Tales prácticas, no desconocidas para el resto de productores y directores de la llamada Época de Oro del Cine Mexicano, pero llevadas al extremo por este creador, conocido abiertamente como “el rey del churro”, pero luego revalorado de manera sardónica por ciertos intelectuales y ensayistas mexicanos, que le endilgaron el terrible epíteto de “surrealista involuntario”, que si bien pudiera mover a la sorna fácil, no correspondía ni con los intereses primarios del cineasta de origen español, que necesitaba primordialmente conseguir éxitos para seguir filmando y no perder su patrimonio invertido en la producción-

Incluso llegó a declarar en una entrevista publicada en el número dos de los Cuadernos de la Cineteca: “Yo hacía cine para ganar dinero como cualquier otro negocio; pero además tenía la satisfacción de mostrar a la humanidad sus propios defectos, sus rasgos inhumanos. Quería terminar con el asesinato mediante la película, porque yo representaba el crimen para luego castigarlo, ya que si no hay delito no puede haber escarmiento”.

Juan Orol, dejó una filmografía de 56 títulos que muestran lo barato, descuidado y escaso de rigor que puede ser el cine, pero que ha ido convirtiéndose en una figura de culto, tanto por los mitos que hizo correr en torno a su persona, como a su tangible influencia en la cinematografía mexicana por sus melodramas basamentados en la figura materna, los dramones ocurridos en cabarets en torno a ubérrimas rumberas, la incorporación de los gángsters en el imaginario de la villanía cinematográfica e incluso como precursor del cine de ficheras –en sus filmes se dieron a conocer María Antonieta Pons, Rosa Carmina o Mary Esquivel .

El cinefotógrafo mexicano Sebastián del Amo, formado en el Centro de Capacitación Cinematográfica­ y en la Escuela Libre de Fotografía , se había alejado del medio tras participar en cintas como Sexo, pudor y lágrimas (1999), de Antonio Serrano;¿De qué lado estás?, de Eva López-Sánchez, o Piedras verdes (2001), de Ángel Flores Torres, pero aprovecho una larga estadía en España, dedicado a otros negocios, para emprender la escritura de un guión, atraído inicialmente por las especies que corrían en torno a Orol, e invirtió seis años en concluirlo junto con su socio y amigo Raúl Fernández Espinosa.

En este camino, fue gradualmente enamorándose del personaje, más que de su historia real, de su fantástico imaginario construido no sólo para sus cintas emblemáticas como Madre querida (1935), Siboney (1938), Embrujo antillano (1945), Gángsters contra charros (1947), Cabaret Shangái (1949) o El fantástico mundo de los hippies (1968), sino en la invención de sí mismo, que relataba al final de su vida.

Si bien la intención original era vender ese guión para que otro director se encargara de su realización, pronto del Amo llegó a la conclusión que era más fácil vender la película terminada que el guión, y junto con los productores, Alejandro Blázquez y Carmen Ortega, se llevaron otros seis años le llevó llevar a la pantalla su primer largometraje de ficción, El fantástico mundo de Juan Orol (México, 2012), protagonizado por Roberto Sosa en el papel del cineasta y productor, acompañado claro, por una variedad de rumberas interpretadas por Gabriela de la Garza, Ximena González Rubio, Marisa Saavedra y Karin Burnett, así como apariciones especiales de Yolanda Montes “Tongolele”, Jorge Zamora “Zamorita”, Jesús Ochoa, Julio Bracho, Rodrigo Murray y Plutarco Haza, con buen recibimiento, sobre todo del público, en festivales. A la fecha ha logrado ya varios premios, como el Mayahuel a Ópera Prima en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara; una Mención Especial en Largometraje Mexicano Ópera Prima del Festival Internacional de Cine de Guanajuato y Mejor Largometraje Mexicano en el Festival Internacional de Cine del Centro Histórico de Toluca. La cinta se estrenó en la cartelera mexicana el 14 de septiembre.

¿Qué tanto te sirvió tu experiencia como cinefotógrafo para planear una película tan compleja pues requiere muchas variaciones de época, no sólo en vestuario o escenografía, sino con la imagen misma?

Sin duda fue fundamental, la intención fue lograr crear la sensación del paso del tiempo a través de las texturas, de la imagen, de la luz, de las diferentes difusiones, tanto en color como en blanco y negro. Me preocupó mucho y Carlos (Hidalgo, el director de fotografía de la cinta) y yo hicimos un trabajo muy concienzudo. No me aventé a fotografiarla porque a estas alturas yo venía un poco alejado de los fierros actuales, honestamente la tecnología me superó, pero sin duda era el tipo de película que a mí como fotógrafo me hubiera encantado haber fotografiado. Hicimos un trabajo de meses de investigación, alrededor de diferentes fotógrafos que respetábamos de diferentes etapas, analizando muy concienzudamente su utilización de la luz, como respondía la emulsión de la película, el reto era simular una emulsión y un grano a partir de un soporte digital, y creo que dentro de todo sí lo conseguimos.

¿Qué tanto aprendiste a respetar el trabajo de los técnicos de la época, porque actualmente el cine mexicano tiende al cine de autor y a despreciar estos oficios del cine industrial?

Orol no trabajó con un fotógrafo reconocido de la época como Gabriel Figueroa, sino con el que le tocara por parte del sindicato, pero sin duda, esos técnicos del cine mexicano –que eran, prácticamente, los que él usaba–,por lo menos en blanco y negro habían logrado un nivel de factura muy aceptable. En ese sentido, lo que resultó dramático fue el paso al color: ya habían conseguido la maestría para que funcionara bien una luz dura contra el fondo fulano y cuando llegó el color te das cuenta que el fondo era verde perico y el vestido de la chava era amarillo canario. Incluso se nota en las películas de los grandes cineastas, se nota que el color y la tecnología los rebasó, al igual que me pasó a mí (de repente yo quisiera iluminar con una pared de minibrutos, pero sí se notaban las sombras, por ejemplo). Y eso va de la mano con las políticas sindicales que había, el sindicato era muy cerrado y no permitía  la llegada de nuevos elementos. Fue junto un momento de cambio porque por otro lado se agotó la temática de las películas y entonces se pasó de las rumberas a las ficheras, lo que no fue muy afortunado, y bueno, ese fue todo el conjunto que llevó al cine al bajón que tuvo en los sesentas y setentas. No sólo fue técnico, sino temático y de factura, en general.

¿Qué tanto te atrajo la figura de Orol, sobre todo a partir de la revalorización de su obra, por parte de Carlos Monsiváis y otros ensayistas que recuperaban al gran creador de churros y al surrealista involuntario?

El mundo oroliano es fascinante porque, efectivamente, responde a la expresión de surrealista involuntario, ya que no se planteaba muy bien lo que estaba haciendo, en parte para brincarse las rígidas leyes sindicales que había en su época. Él se inventaba coproducciones propias en Cuba, se llevaba a tres mexicanos a la isla para filmar sus historias de gángsters, en esta combinación espectacular  de los tipos con trajes cruzados a rayas con fondos de palmeras, y luego las distribuía en los circuitos mexicanos. Es un mundo realmente singular. Creo que es un personaje que define, sin duda, la estética del cabaret, que es una temática absolutamente fundamental para el cine mexicano; fue no sólo precursor sino inventor del cine de rumberas e incluso es el padre del videoclip, porque si comparas los números musicales de María Antonieta Pons o de Rosa Carmina con un videoclip de Paty Manterola, tampoco es muy diferente, la verdad.

Todas sus películas giraban alrededor de los números musicales, con un poquito de historia en medio, uno de estos melodramas de folletín: la chica que se tiene que prostituir en el cabaret para darle de comer a su abuelita y el cinturita que la saca de eso, la rescata y se la lleva en colectivo, una cosa imposible. Este mundo es realmente encantador y eso fue lo que me atrajo en definitiva. Conforme iba averiguando y me iba adentrando, fui averiguando más. Su cine es autobiográfico, por ejemplo él hace una película de un productor venido a menos y que conoce a una chica mesera de un café y la convierte en una estrella de cabaret, y al final ella lo deja. Finalmente Orol vivía sus películas. Ya mayor, viviendo en la colonia Roma, me cuentan los vecinos que iba a comprar el pan vestido como Johnny Carmenta, con su traje cruzado a rayas, sombrero de ala ancha, corbata de moño y zapato de dos tintas. Era muy simpático, muy entrañable y fundamental para el cine mexicano, y en ese sentido me parece una injusticia cuando se habla de la Época de Oro y se le ningunea o se le omite porque era considerado malo. ¿Cómo te explicas al cine mexicano sin el cabaret, sin la música cubana o sin Pérez Prado?

Recuerdo a Cuevas confesando que María Antonieta Pons, fue uno de sus primeros objetos eróticos del deseo.

Por ahí dicen que la Zona Rosa se llama así por Rosa Carmina, no estoy seguro, pero es lo que decía Cuevas y eso te da idea de la dimensión que llegaron a tener, porque a pesar de que eran divas de segundo nivel –no eran Dolores del Río ni María Félix–,al fin y al cabo eran divas hechas y derechas.

Buena parte de tu investigación se realizó en España. ¿Cómo lograste separar la historia del mito y por qué elegiste relatar el mundo fantástico que Orol se inventó?

Es complicado separar la historia del mito porque lo que se conoce de la vida de Orol es lo que él quería decir, es decir, lo que se quiso inventar alrededor de su persona a una edad ya avanzada. Entre que confundía fechas, cambiaba cosas o directamente se inventaba párrafos enteros de su vida y glorificaba otros, ya en una etapa muy temprana del proyecto comprobé que iba a ser difícil verificar todo lo que supuestamente le había sucedido y la decisión fue que en lugar de hacer una biografía normal, más en el terreno del documental o de la historia del cine, la intención fue todo lo contrario: ahondar más en el mito y llevarlo hasta sus últimas consecuencias. Además, a estas alturas yo ya le había desarrollado un cariño personal, por lo menos a este personaje que me inventé, no sé si me hubiera caído tan bien Orol, pero no me parecía muy correcto desmitificar esta historia que él se preocupó por mantener hasta su muerte.

Por ejemplo, su lugar de nacimiento. Como no conocía a su padre y no le gustaba reconocer que era un viajero que se ligó a su mamá y que por eso no lo conoció, se inventaba que había sido almirante de marina como para darle una pátina de heroicidad que nunca tuvo. También decía que había nacido en el pueblo de El Ferrol, la localidad natal del “generalísimo” Francisco Franco, y que es famoso porque es una base militar de la marina española, cuando en realidad nació en un pueblo que se llamaba Lalín, en Pontevedra, que es en el centro mismo de Galicia, donde el mar queda lejísimos. En realidad fue eso, un alto de carretera en el viaje del papá y listo. Pero creo que los hechos reales entran más en el mundo del documental, se lo dejaré más a los biógrafos y los historiadores de cine. Por eso quisimos ahondar en este mito y la decidimos llenar de imaginación estos grandes vacíos en la historia y hacer todo tipo de apariciones fantásticas, como el propio personaje de Johnny Carmenta que está buscando a su autor.

Aparecen también todas estas caracterizaciones como la de torero, corredor de autos, etcétera.

Él decía que había sido torero y que había  toreado en la Arena México con el nombre de Esparterito, pero alguien se metió a investigar en los anales de la plaza si alguna vez alguien había toreado con ese nombre y pues no, al menos no en la Plaza México, si bien muy cerca de ahí había otra plaza con el nombre de México Nuevo y posiblemente lo haya hecho ahí. Como te digo, su vida está llena de unos grandes episodios oscuros que él tampoco se preocupó de aclarar. Era un tipo muy reservado.

Cuando le di el guión a Pepe Díaz, por ejemplo, que hasta la fecha tiene en su oficina una foto suya con Juan Orol y es de los pocos amigos confesos que le sobreviven –porque era muy amigo de su padre y fue una figura importante en su desarrollo personal–,lo primero que me dijo fue que cómo que tenía un hijo. Y le respondí: cómo que no sabías si eres su amigo. Pero él tenía este tipo de relaciones humanas tanto con sus amigos como con sus mujeres, con su madre y con su hijo, que eran rarísimas, por no decir disfuncionales. Entonces, no quise concentrarme tanto en la figura y en desenmarañar todos estos misterios, sino más bien hacer una interpretación súper libre y por eso me centré más en lo que es el cine, más que en la persona. Por eso ese es el tono de la película y el homenaje al tipo de películas orolianas y el homenaje al cine dentro del cine.

Además llevas a la pantalla episodios muy conocidos y también míticos, como la balacera en la que no se quiebra ninguno de los cristales detrás de los balaceados o cuando resuelve el guión de otra manera porque era más económico.

Porque esas eran los ejemplos del tipo de cine oroliano en su máxima expresión. Hay una anécdota que ya no metí, estaban fotografiando en la prolongación de Reforma cuando se suponía que estaban filmando en Cuba o en algún sitio fuera de México, y el fotógrafo ve que en la esquina se ve la estatua de Simón Bolívar, y se lo advierte. Orol le dice: “enfrente del cuadro voy a poner a Mary Esquivel, que tiene las tetas del tamaño de tu cabeza, como alguien se fije en el pinche Simón Bolívar este, no me interesa lo que tiene que decir”. Y ese es el espíritu oroliano, era un tipo muy echado pa’lante, muy chistoso, con ese sentido muy práctico de la vida que tenía sus fórmulas de éxito y las repetía hasta la extenuación, incluso cuando estaban más que vencidas, él seguía en sus trece haciendo lo que entendía que le iba a conducir al éxito, que bueno, lo tuvo en algún momento de su carrera y al final ya lo pasó un poco mal, pero lo que le admiro es que fue un tipo absolutamente inflexible, que no se dejó amedrentar por el entorno y que creo que es una persona que las generaciones futuras y presentes de cineastas debieran revalorizar por muchas cosas, porque era un tipo muy valioso.

Este artículo forma parte de los contenidos del número 24 de la revista cine TOMAde julio-agosto de 2012. Consulta AQUI dónde conseguirla.

Tercer FIC Puebla

septiembre 25, 2012

Miradas hambrientas por sorprenderse

Por Óscar Casco Medel, director del Festival Internacional de Cine en la Ciudad de Puebla y de la Nueva Academia de Cine en Puebla Visual Arts School.

Se aproxima el Festival Internacional de Cine de Puebla, destacado del resto de los encuentros de cine que se realizan en el país, por su compromiso social, tanto por llevar cine al público de poblaciones vulnerables, como para fomentar la producción audiovisual entre los talentos que surjan de los sectores juveniles que de otra manera no podrían realizarla. Además, concluyendo su tercera edición, del 21 al 29 de septiembre, abrirán la escuela de cine Visual Arts School en octubre.

 

Toda propuesta para promocionar el arte y la cultura resulta encomiable. En Puebla, la iniciativa de organizar tanto un festival como una escuela de cine tiene el objetivo de impulsar la identidad cultural y los valores universales, al incrementar el interés hacia las propuestas independientes, tanto nacionales como internacionales, en aras de generar un aliciente para la industria cinematográfica en la entidad.

El Festival Internacional de Cine (fic) Puebla, es la punta de lanza de una serie iniciativas para construir una industria cinematográfica, la más viable posible, y a la vez modificar la percepción del cine actual. El festival, dentro de su idea de que “el cine lo hacemos todos” integra proyectos enfocados a la participación activa de la gente, con miras a detonar talentos dentro de la sociedad poblana y la inclusión en las prácticas culturales de públicos vulnerables, a través de manifestaciones creativas que coadyuven al crecimiento de los individuos y al reconocimiento de la diversidad social.

Antecedentes

Con el apoyo del Ayuntamiento de la Ciudad de Puebla y del Instituto Municipal de Arte y Cultura, el fic Puebla se convirtió en un espacio de encuentro entre creadores, nuevos talentos, promotores, críticos y trabajadores de la industria cinematográfica local, nacional e internacional. Desde 2010, el festival representa la mayor oferta cultural en Puebla para el cine independiente durante el mes de septiembre, con más de doscientas proyecciones gratuitas de cortometrajes y documentales poblanos, nacionales e internacionales en competencia.

En 2010 se realizaron eventos novedosos en México, como el primer Encuentro de Cines Móviles de Latinoamérica, el Encuentro de Actores y el Encuentro de Crítica. Además, con proyectos como el Cine Llanero y el Cine Itinerante se implementaron alianzas estratégicas y colaboraciones con asociaciones civiles, fundaciones e instituciones educativas en beneficio de los sectores sociales más desfavorecidos.

En 2011, incluimos el Cine para Imaginar, con un sistema de audio-descripciones, tanto invidentes como personas con capacidad visual pudieron aprovechar de la experiencia del cine. En el circuito de festivales internacionales, el fic Puebla se considera, hoy por hoy, como el más alternativo del país, distintivo que se ha ganado a pulso por basar sus acciones en un modelo cultural con un enfoque de desarrollo integral para la sociedad.

Propuestas sociales

Dentro de las propuestas alternativas que caracterizan al Festival Internacional de Cine de Puebla, se encuentran las siguientes:

Cine Llanero: Con el fin de generar nuevos realizadores avecindados de diferentes juntas auxiliares de la ciudad, que en condiciones ordinarias no tendrían acceso a la producción cinematográfica. Se seleccionan cinco historias con posibilidades de producirse y que reflejen una realidad social. Mediante una capacitación previa, impartida por profesionales y especialistas en el área, los participantes realizarán su cortometraje en un tiempo máximo de 48 horas, y podrán exhibirlo durante la programación de la edición 2012 en una función especial.

Cine Itinerante: Proyecto social que tiene como objetivo la exhibición de películas en lugares a donde usualmente el cine no llega, tales como cárceles, hospitales, asilos, escuelas, juntas auxiliares, plazas públicas, mercados, casas-hogar y municipios del estado de Puebla.

Cine para imaginar: Función de cine en la cual, a través de audio-descripciones –sistema diseñado originalmente para invidentes– permite vivir una experiencia cinematográfica distinta y sensibilizar a las audiencias para favorecer políticas culturales de integración.

Foro ficp: Plataforma pedagógica con fines de fomentar y divulgar la producción de contenidos académicos relacionados con la cinematografía a través de mesas redondas, foros de debate y conferencias en las que estudiantes, investigadores y profesionales compartirán sus experiencias y conocimientos.

Los objetivos de este proyecto a largo plazo son el fomento de la producción y difusión cinematográfica en Puebla; la educación a la imagen, fortaleciendo la crítica o para crear nuevos públicos para el cine mexicano y de arte en general; además de la creatividad del director para producir cine de calidad e insertar el cine independiente en los procesos internacionales de desarrollo.

Este Festival sirve como detonante artístico en las áreas de realización, exhibición y apreciación cinematográficas, al involucrar distintos sectores de la sociedad, los cuales se verán envueltos en una dinámica activa de participación e integración cultural. El efecto que se consigue es el de generar una sociedad más conciente, crítica y participativa.

El fic Puebla ha tenido siempre, como talante fundamental, el alto compromiso social del equipo que lo hace posible y en este sentido estoy seguro que “tanto hace por el cine el que lo hace como aquel que lo promueve”.

Existe un gran camino por andar. En estos tres años aprendimos de manera empírica que la identidad cultural de un pueblo se enriquece y se renueva por el contacto con los valores y las tradiciones de las demás, de ahí la importancia de tener presencia con estas expresiones fílmicas provenientes de más de 60 países que en Puebla han tenido un hogar en la conciencia de 30 mil espectadores.

En el fic Puebla apuntamos a dinamizar las posibilidades de realización de la especie humana, lo que llamamos Desarrollo Integral, mediante un ejercicio que nos acerque a nuestro cine, a nuestra cultura y que a la vez pueda hacer suyos diferentes puntos de vista que vamos recogiendo de todo el mundo con las obras que llegan a nuestros ojos y con esto continuar el proceso de nuestra propia creación y recreación.

Su tercera edición se llevará a cabo del 20 al 29 de septiembre de 2012, en la ciudad de Puebla.

Cuando recordamos los años anteriores al interior del festival volvemos a traer al corazón las imágenes de un público que no se conforma, que es atrevido, miradas hambrientas por sorprenderse, jóvenes realizadores con ganas de escuchar y crecer de la mano del otro. Lo anterior constituye nuestra principal fuente de motivación para seguir innovando y buscando hacer que se sucedan las mejores condiciones para producir cine en nuestro país. Es por esto que con esta misma esencia nace via, un nuevo proyecto apuntando a cumplir nuestro mayor objetivo y nuestro compromiso con la industria cinematográfica en la generación de nuevos talentos altamente comprometidos con la realidad de la que forman parte, con la idea de que el cine es una opción para aquellos que tienen la convicción de hacerlo al levantarse cada día.

La academia de cine

La Escuela de Cine Visual Arts School (Via) es una academia de cine que pretende ser una organización clave en el desarrollo de la cultura y la industria audiovisual en Puebla, en lo local, y en México, en lo particular, al estimular una bolsa de trabajo a través de la formación continua de profesionales en todos los oficios del cine y un mercado de producciones audiovisuales nacionales, creando nuevas audiencias y contribuyendo así en la creación de ventanas de exhibición alternativas.

En Via, estudiantes, profesores y público, podrán encontrar un espacio que resignifique el quehacer audiovisual, que acoja el espíritu creador de sus estudiantes y profesionales, al brindar las condiciones tecnológicas y el ambiente idóneo para aquellos que aman su carrera y buscan un lugar en el que su potencial creativo pueda desarrollarse al máximo y ser compartido con otros, encontrando el camino para vivir con plenitud al ejercer su profesión.

Los estudiantes adquirirán bases teóricas firmes para la producción, así como una guía precisa en el uso de las herramientas necesarias para realizar proyectos audiovisuales. Asimismo, agudizarán sus habilidades con disciplina hasta dominarlas y estarán en posibilidades de trabajar con personas de proyectos similares a los suyos. De todos los cursos que se ofrecen, resultará una producción audiovisual que muestre las capacidades y resulte un apoyo tangible para su autopromoción. via se compromete a acercar a sus alumnos con la industria para provocar dinámicas de trabajo y una constante participación en proyectos de alto nivel.

La Visual Arts School busca ofrecer un modelo de aprendizaje innovador, dinámico y fuera de lo tradicional. Su oferta académica no se rige por un esquema escolarizado regular sino a través de diversas modalidades de estudio: masters, workshops, cursos propedéuticos, talleres, clases magistrales, conferencias y eventos que promuevan las artes audiovisuales. Quienes imparten las clases son profesionales que trabajan en la industria y comparten de primera mano sus experiencias.

A partir del mes de octubre, Via abrirá sus puertas para todo aquel interesado en inmiscuirse en el mundo del séptimo arte.

Este artículo forma parte de los contenidos del número 24 de la revista cine TOMAde julio-agosto de 2012. Consulta AQUI dónde conseguirla.

Convocatoria abierta al IX Encuentro Iberoamericano de Coproducción y a Guadalajara Construye 7 en el 28 FICG

septiembre 24, 2012

El vigésimo octavo Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), a realizarse del 3 al 9 de marzo de 2013, ha lanzado las convocatorias para el IX Encuentro Iberoamericano de Coproducción Cinematográfica, del 3 al 5 de marzo, así como a Guadalajara Construye 7, el 5 y 6 de marzo, en la capital jalisciense.

Al noveno Encuentro Iberoamericano de Coproducción Cinematográfica participarán un máximo de 25 proyectos tanto de largometrajes de ficción como documentales aún no filmados, que cuenten con un guión terminado, 20% de financiación asegurada y una duración mayor a 70 minutos. Los proyectos seleccionados podrán presentarse en sesiones individuales ante los profesionales nacionales e internacionales que acudan así como aparecer en el Catálogo de Industria y en el de Proyectos. La fecha límite para inscribirse es el 30 de noviembre de 2012.

Por su parte, Guadalajara Construye 7  presentará seis películas de ficción y documental en estado provisional y en búsqueda de financiamiento para presentarse a profesionales acreditados al área de Industria del Festival con posibilidad de contribuir a la terminación de los proyectos y su posterior exhibición. Adicionalmente se gestionarán apoyos a la postproducción y distribución de las películas y se publicarán en el Catálogo de Guadalajara Construye 7. La fecha límite para inscribir proyectos es el 7 de diciembre de 2012.

 

 

 

 

 

 

Ganadores del séptimo Short Shorts México

septiembre 24, 2012

 

 

A continuación, la lista de ganadores que entregó la séptima edición del Festival Internacional de Cortometrajes de México /  Short Shorts Film Festival México 2012, finalizada el pasado 14 de septiembre, en el Polyforum Cultural Siqueiros:

Mejor Guión Mexicano
Cuando yo era viejo, de Armando Narváez del Valle

Mejor Cortometraje Internacional
Normal People (Polonia), de Piotr Zlotorowitcz.

Mejor cortometraje Iberoamericano

Salón Royal (Argentina), de Sabrina Campos.

Mención especial
La Matraca de Benfhazi (España e Irlanda), de Paco Torres.

Mejor Cortometraje Documental
Fuimos gigantes de Víctor Navarro

Mejor cortometraje de Animación

Dame posadas, de Cecilio Vargas Torres.

Mejor corto de Ficción / Best Live Action Short Film

La herida de Lucrecia, de Sabrina Maldonado.

Mejor Dirección

Sebastian Quintanilla por La Habitación.

Mejor Actor

Juan Carlos Barreto por Apocrifo, de Ernesto Fundora.

Mejor Actriz

Karina Gidi por La Habitacion, de Sebastián Quintanilla.

Mejor Guión

Alexandra Marquez por Dos de tres, de Paulina Rosas.

Mejor Fotografía

Alejandro Cantú por Revelación, de Acán Coen.

Mejor Edición

Miguel Ferraez por Assemble, de Miguel Ferráez.

Mejor Sonido

MCO estudios por Apocrifo, de Ernesto Fundora.

Mejor Arte

Rol Juárez Pérez por El Banquete del Clown, de Franco Carmona

Premio KUBRIK de la Universidad de la Comunicación

En documental Fuimos gigantes, de Víctor Navarro.
En animación A secas, de Andreas Papacostas.
En ficción Assemble, de Miguel Ferráez.

La revista cine TOMA cumple cuatro años y edita su número 24

septiembre 20, 2012

VANGUARDIAS Y RUPTURAS

Buñuel, el surrealismo y otras ensoñaciones

 • La película emblemática del surrealismo, Un perro andaluz, las influencias      y la obra de Luis Buñuel, el ojo cercenado y la filmación de Nazarín en Jonacatepec, en Morelos. 

• Otros movimientos de vanguardia como el estridentismo mexicano; La mancha de sangre, de Adolfo Best Maugard, y el otro español, Juan Orol, además del falso surrealismo mexicano.

• Industria: El primer semestre de 2012 en la industria latinoamericana, los apoyos e incentivos a la producción internacional.

• Jorge Sánchez, nuevo presidente de la AMACC; una visita a los trabajos de restauración de la Cineteca Nacional.

• In Memoriam: Jorge Luke en palabras de Juan Antonio de la Riva.

• Festivales: 7 Short Shorts Film Festival México, 3 Festival Internacional de Cine de Puebla, 4 CutOut Fest de Querétaro y 16 Festival de Cine de Lima.

• Entrevistas con Carlos Reygadas y Julie Taymor.

El surrealismo es una de las corrientes artísticas más reconocidas masivamente, en torno a la que circulan más leyendas y mitos falseados que realidades históricas y estéticas, sobre la cual no abundan los ejemplos de obras cinematográficas ligadas directamente con este movimiento parisino de ruptura y vanguardia.

Así, pues, tomando como figura principal del cine surrealista a Luis Buñuel, explorando la relación del surrealismo y el cine, y abordando algunos otros grupos de las estéticas vanguardistas en la primera mitad del siglo xx, como el estridentista mexicano, hemos tejido temas e investigaciones que conforman el dossier principal del vigésimo cuarto ejemplar de la revista cine TOMA, mismo que circulará por todo el país durante septiembre y octubre de  2012, y que dedica largas páginas establecer relaciones e influencias entre el arte cinematográfico y los movimientos vanguardistas y de ruptura, surgidos en Europa pero pronto replicados en otras partes, especialmente en torno al más reconocido masivamente, el surrealismo, y a su realizador más emblemático y apreciado, el español Luis Buñuel.

El dossier abre con un largo ensayo del historiador e investigador español Javier Espada, director del Centro Buñuel de Calanda, quien aborda las obsesiones y la influencia del surrealismo en el cineasta aragonés. Líneas adelante, se reproduce un fragmento del ensayo del crítico e historiador mexicano Carlos Bonfil sobre la breve pero prolífica edad de oro del cine que en verdad podría etiquetarse como surrealista. En seguida, un ensayo del erotómano y literato veracruzano Pedro Paunero, relata las influencias y primeras apariciones del ojo y la navaja, imágenes fundamentales del filme Un perro andaluz, realizado en París, en 1929, por Luis Buñuel y Salvador Dalí, el ejemplo más acabado del género en el cine.

El dossier continúa con un prolífico ensayo de la investigadora estadounidense Elissa J. Rashkin en torno a las relaciones entre el movimiento vanguardista mexicano del estridentismo con el arte cinematográfico, pese a que no exista una cinta propiamente perteneciente a este movimiento. Junto a ese texto, se publica un ensayo sobre la cinta recientemente recuperada del pintor y poeta estridentista Manuel Maples Arce, La mancha de sangre, filmada en 1937, de la investigadora Karla Calviño Carvajal, con las que se inaugura la sección “Desde la Filmoteca de la unam”, con colaboraciones de dicha institución en la revista.

El epíteto endilgado al cineasta español-cubano Juan Orol, de “surrealista involuntario”, da pie para una entrevista con el realizador mexicano Sebastián del Amo, director del largometraje El fantástico mundo de Juan Orol, que ocupa la portada de este tomo. Aprovechando el tema, el investigador de la Cineteca Nacional, José Luis Ortega Torres, desmiente aquellos asertos que insisten en identificar la cultura y el cine mexicanos –especialmente los de raigambre popular, como los géneros de horror y luchadores– como parte sustancial del surrealismo.

Más adelante, se ofrecen fragmentos del libro Jonacatepec en el cine, de Eduardo Espinosa Campos, que refieren las filmaciones acontecidas en dicha población del estado de Morelos, especialmente algunas escenas de Nazarín (1958), uno de los filmes más emblemáticos de la producción de Buñuel en México, con imágenes inéditas de la filmación, realizadas por el fotógrafo Gabriel Figueroa, provenientes del acervo de Fundación Televisa.

En otros contenidos, en la sección Industria, el investigador argentino Roque González ofrece un estudio sobre los resultados de la exhibición durante el primer semestre de 2012 en el mercado cinematográfico en Latinoamérica, y Mariana Cerrilla ofrece un comentario sobre el cuarto cuaderno de la Fundación Nuevo Cine Latinoamericano, Cine latinoamericano y nuevas tecnologías audiovisuales. Además, Octavio Maya Rocha nos brinda un acercamiento a los incentivos mexicanos a la producción internacional cinematográfica, y lo poco competitivos que resultan en la escena mundial.

En un recorrido fotográfico, se ofrecen algunas imágenes, así como información sobre la reconstrucción de la Cineteca Nacional, que se encuentra cerrada al público desde mediados de enero y se promete reabrir en la primera quincena de noviembre.

En una entrevista preliminar, el promotor y productor cinematográfico Jorge Sánchez Sosa habla sobre su nueva encomienda como presidente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (amacc), tras la votación en su favor acaecida en la Asamblea General a mediados de agosto de este año.

Respecto al reciente fallecimiento del emblemático actor mexicano Jorge Luke, el realizador mexicano Juan Antonio de la Riva nos ofrece un texto luctuoso sobre el protagonista de su más reciente filme –el último en que apareció Luke– Érase una vez en Durango. Al cumplirse medio siglo del fallecimiento de uno de los iconos más representativos de la historia del cine, Marilyn Monroe, se reproduce el conocido poema de Ernesto Cardenal, incluido en la antología Los poetas van al cine, compilado por Ángel Mikel, coeditado por Juan Pablos Editor y Ediciones sin nombre.

En Festivales se incluye un texto de Jorge Magaña sobre la séptima edición del Short Short Film Festival México; otro de Óscar Casco respecto del tercer Festival Internacional de Cine de Puebla; un tercero de Ulises Santamaría en torno al cuarto Festival Internacional de Animación CutOut Fest de Querétaro, y Rosamar Chávez nos adelanta información de la novena Muestra de Mujeres en el Cine y la Televisión. Desde Perú, Gonzalo Hurtado nos brinda una reseña del décimo sexto Festival de Cine de Lima.

Es el mismo periodista limeño nos ofrece, en exclusiva, una entrevista con el cineasta mexicano Carlos Reygadas, recientemente galardonado en el Festival Internacional de Cine de Cannes como Mejor Director por su cinta Post Tenebras Lux, también ganadora en el festival peruano. La sección Directores se completa con una entrevista con la directora de cine, teatro musical y ópera estadounidense Julie Taymor, realizada por Fabián de la Cruz Polanco, realizada en el marco del XV Festival Internacional de Cine de Guanajuato.

El vigésimo cuarto número de cine TOMA, editada por PasodeGato, Ediciones y Producciones Escénicas, circulará durante septiembre y octubre de 2012 por todo el país en locales cerrados como SanbornsCaffé Caffé, librerías Educal y Gandhi.

Para entrevistas o mayor información, comunicarse a los teléfonos 56 88 92 32 y 56 88 87 56; al correo electrónico revistatoma@gmail.com,

o a las oficinas ubicadas en callejón de Eleuterio Méndez 11, Colonia Churubusco-Coyoacán, C. P. 04120 en la ciudad de México.

Además, los invitamos a seguirnos por Facebook y Twitter.

Así como la página Internet de Paso de Gato.

“Después de Lucía”, de Michel Franco, representante de México a los premios Oscar y Goya

septiembre 20, 2012

Esta tarde, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas A.C., dio a conocer los resultados de la votación de sus miembros (77 votos) para elegir la película que representará a México, en el 2013, tanto en los premios Oscar como en los Goya, que organizan sus organismos pares tanto en los Estados Unidos como en España. En ambas premiaciones, la cinta representante del país será Después de Lucía, de Michel Franco, recientemente galardonada en el Festival de Cannes con el Premio del Jurado en la sección Una cierta mirada (Un Certain Regard).

Novena Muestra Internacional de Mujeres en el Cine y la Televisión

septiembre 20, 2012

Un viaje alucinante

Por Rosamar Chávez, vicepresidenta de Mujeres en el Cine y la TV

La novena edición de la Muestra Internacional de Mujeres en el Cine y la Televisión ofrece una muestra de la producción fílmica femenina de todo el mundo a fines de septiembre de 2012, en diversas salas de la Ciudad de México para descubrir lo que significa ser mujer en estos tiempos.

En la novena edición de la Muestra Internacional de Mujeres en el Cine y la Televisión (MCTV) nuevamente podremos disfrutar de los últimos trabajos de las mujeres cineastas en un viaje alucinante  por todos los confines de la Tierra, para  conocer cuales son los temas que las ocupan y descubrir, a través de su lente, lo que  significa ser mujer en nuestros tiempos.

La novena Muestra se inaugura este año con la ópera prima de la cineasta tapatía Kenya Márquez, Fecha de caducidad (2011), protagonizada por Ana Ofelia Murguía y Damián Alcázar, premiada en los festivales de Guadalajara y Moscú. Entre los  largometrajes mexicanos tendremos el estreno de Soñando con Tulum (2009), dirigida por Tiahoga Ruge, sobre el delirante viaje que Federico Fellini realizó a México así como Aquí entre nos (2010) de Patricia Martínez de Velasco,  comedia sobre la lucha de los sexos.

Entre los documentales mexicanos destacan Cada cosa tiene su historia (2012), de Carolina Kerlow, sobre la trayectoria profesional del primer actor Max Kerlow; La guerrera (2011), de Paulina del Paso, que narra los últimos tres años en la carrera boxística de Ana María Torres; Flor en otomí (2012), de Luisa Riley, descarnado retrato sobre las consecuencias de la guerrilla urbana en el seno de una familia mexicana, y Las sufragistas (2012), de Ana Cruz, crónica de la  lucha política por conseguir el voto  de las mujeres mexicanas.

Esta vez mctv incluirá, junto con ovni –Observatorio de videos no identificados– la sección Geografía de lo Femenino que mostrará las diferentes perspectivas que las mujeres tienen sobre sí mismas de acuerdo a  su cultura, presentando un mosaico por demás interesante. Así podremos ver Beauty Refugee, de Claudia Lisboa; Había una vez, de Jacaranda Correa; Angel, de Lilly Wolfenberger; Il Corpo delle Donne, de Lorella Zanardo, y No queréis saber porque las matan?.. por nada, de Mercedes Fernández. Así como otros documentales de Irán, Abu Dhabi, Marruecos y Burkina Faso.

Por último, tendremos la oportunidad de volver a ver La tête de maman (2007), de Carine Tardieu; Ceux qui rested (2007), de Anne Le Ny, y Bakarat (2005), de Djamila Sahraoni.

La novena Muestra Internacional  se llevará a cabo del 25 al 30 de septiembre en las salas de la unam, el Cine Lido y la Casa  de la Cultura de la Universidad de California. Se podrá consultar la cartelera en la página electrónica: www.mujerescineytv.org.

Este artículo forma parte de los contenidos del número 24 de la revista cine TOMAde julio-agosto de 2012. Consulta AQUI dónde conseguirla.