Archive for 28 febrero 2011

El cineasta tailandés Apichatpong Weerasethakul en FICUNAM

febrero 28, 2011

Es necesario volver a las raíces, a cuando solíamos vivir en la selva

Texto y foto: Sergio Raúl López

La taxonomización de los distintos reinos de la naturaleza se extravía en las selvas en que suele filmar el recién encumbrado cineasta Apichatpong Weerasethakul. El artista tailandés no sólo es capaz de continuar con una película radicalmente distinta al terminar los créditos de un mediometraje homoerótico previo, sino subtitular los diálogos de los monos que protagonizan esa segunda parte.

Y de hacer desaparecer a uno de los enamorados, el campesino Tong, en la jungla y luego hacer aparecer una presencia mitológica a medias león, brujo y fantasma responsable de varias vacas degolladas, reactivando, así, viejas leyendas folclóricas y mitologías, casi prehistóricas, que conviven con la vida cotidiana en la Tailandia actual. O de hacer visible a la esposa difunta para cuidar amorosamente los últimos días del esposo desahuciado al tiempo que el sobrino extraviado vuelva en forma de distintas criaturas que habitan la parte salvaje, con la que pueden comunicarse. También puede reinventarse un icono occidental como lo es el imbatible agente secreto, personificado por una decrépita drag queen.
Ganador del Premio del Jurado del Festival de Cannes en 2004 por Malestar Tropical (Sud pralad, Tailandia-Francia-Alemania-Italia, 2004) y luego de la más reciente Palma de Oro por La leyenda del tío Boonmee (Loong Boonmee raleuk chat, Tailandia-Reino Unido-Francia-Alemania-España-Países Bajos, 2010), Weerasethakul es ya una presencia constante en festivales y muestras cinematográficas por todo el mundo, y buena parte de la sexteta de largometrajes que ha realizado se consideran obras maestras de inicios del siglo XXI.
Pero tan inclasificable la obra como el artista. De apariencia mucho menor que sus 40 años de edad (nació en Bangkok, en 1970) y mucho más humilde y sereno que el fervor que ha provocado tras el premio francés, sencillo para vestir y reposado para contestar, incluso tímido, es difícil imaginárselo enfrentando a sus vecinos, en la minúscula aldea del norte de Tailandia donde vive hace tres años.

-Me amenazaron con una pistola y les dije: “Está bien, dispárenme, si van a seguir esta mierda del karaoke”. No hay nada malo con el karaoke, pero cuando usas con bocinas tan grandes que toda casa en el área tenga que escucharlo, bueno, eso no está bien. Así que les dije que no jodieran conmigo. Y hago ese tipo de cosas para hacer sentir mi presencia ahí. Soy muy determinado. Claro que quiero formar parte de la comunidad y contribuir a su cultura, pero también necesito tener una voz fuerte. Tengo límites.

Arquitecto por la Universidad de Khon Kaen, ciudad del nordeste de Tailandia donde creció, más tarde estudió una maestría en Bellas Artes y Cine en el Instituto de Arte de Chicago, para volver a Bangkok a los 27 años e iniciar su carrera como cineasta e instalador, se encuentra de visita en México, invitado por el Festival Internacional de Cine UNAM -que se realiza hasta el 3 de marzo-, donde se le programó una retrospectiva que incluye 20 cortometrajes, además de la instalación Primitive en el MUAC -con videos, fotografías y un libro sobre la aldea Nabua, donde vivió el Boonmee histórico- y una conferencia magistral suya -ocurrida el sábado pasado- como parte de la Cátedra Ingmar Bergman.

-El cine es un medio mucho más industrial, respecto a su forma de producirse, que el video arte o la fotografía. Pero en su caso los relaciona.
-Disfruto, simplemente, explorar las posibilidades de ambos. En mi caso, hacer películas me representa una oportunidad de conocer todo tipo de personas, desde diseñadores de vestuario hasta abogados, es un trabajo fantástico. Las instalaciones me dan otra oportunidad, ahora de adentrarme en mí mismo, de presentar un trabajo más abstracto, y, claro, también de conocer gente. En este último proyecto pasé mucho tiempo en la aldea, cosa que no puedes hacer en el cine, ni filmar todos los días con una cámara de video durante varios meses. Son experiencias y procesos distintos, casi como un performance. Me ha hecho apreciar más la vida, casi como una excusa, pues de otra manera me quedaría en casa.

-En su caso, combina usted los procesos de creación cinematográfica y de obras artística, aunque no los trabaje de forma simultánea.
-Siempre las combino porque es el mismo performance, digamos. Algunas veces realmente no es un asunto de si es un video o si es una foto, paso un tiempo en este pueblo y veo cómo los adolescentes cultivan arroz de una manera mecánica. Y para mí resulta similar, aunque no sé cultivar arroz es un trabajo mecánico. No estoy pensando en cómo voy a lograr una muy buena composición de la imagen; al final tengo miles y miles de fotografías, y entre ellas selecciono las más interesantes.

-¿Por qué está tan interesado en mostrar la selva y las pequeñas comunidades como un tema principalísimo de su trabajo?
-Creo que es necesario volver a las raíces, a cuando solíamos vivir en la selva o en cuevas, cuando solíamos entender el lenguaje de la selva, lo que significan los animales, las aves, cosas que ahora no sabemos ni entendemos. Estas películas son un intento por regresar a las raíces. No diría que es posible, pero es sólo un símbolo. Puede ser que la película engañe y despierte nuestro pasado oculto, que nos dé la sensación de que estamos familiarizados con ello, aunque no lo entendamos. Son las cosas simples en las que no reparamos o simplemente ignoramos.

-Pero incluso al tratarse de filmes de bajo presupuesto presentan efectos especiales y elaboradas escenografías.
-Bueno, pienso que eso es la vida. Esa es la belleza que posee. Cuando la experimentas de una forma no lógica te encuentras con algo que de pronto se transforma de manera distinta y eso pasa muy frecuentemente cuando viajas a otros países. Cuando miras pinturas como si fueran figurativas te enfocas en ellas de manera distinta, pero yo quiero eliminar eso: ¿por qué necesitas entender tal pintura cuando no tiene significado ni figuras, es abstracta? Puedes apreciar, por ejemplo, los golpes del pincel. ¿Por qué no aplicar al cine esta forma de percibir? Ese es mi propósito.

APEGOS

Y otras trampas.

Describir a Apichatpong Weerasethakul como un cineasta tailandés es decir bien poco. Lo mismo ocurre al querer ubicarlo en el ámbito del arte contemporáneo. Su obra es particularísima y, más que con la experimentación de nuevas formas narrativas o de la búsqueda de la vanguardia, obedece a la expresión personal. No pertenece a la industria de cine tailandés ni a alguna escuela o corriente de teóricos.

-En el cine tailandés, lo mismo que en arte, tengo mi propio mundo, ni siquiera de forma local sino para el resto del mundo. No tiendo a relacionarme con lo que sucede en la actualidad, tengo mi propio paso y mis propias referencias, mis propios intereses y una lógica personal para hacer cine.

-Todo ha cambiado desde Cannes, supongo que la Palma de Oro ha impulsado sus filmes; pero, ¿no es, a la vez, un obstáculo para su búsqueda personal?

-Creo que me ha hecho sentir más confiado y he tenido la oportunidad de conocer más gente de Hollywood y estas cosas, y estoy agradecido por ello. Creo que una vez en la vida que este río fluye así y yo fluyo con él. Lo mismo con mi película: no espero nada, simplemente la hago; pero no me exacerbo por haberla acabado, simplemente estoy contento, pues las cosas siguen. Si te mantienes atado a este premio, a la fama o a lo que sea, para mí es una trampa, no lo disfrutas, siempre estoy pensando cómo trabajo y cómo vivo con menos apegos a las cosas y eso también afectará mi forma de trabajo. Esa es una de mis metas.

-La industria cinematográfica tailandesa no retrata ese fondo mítico que existe en su trabajo, no van tan profundo hacia las selvas, las tradiciones o las formas de pensamiento.

-Tengo que admitir que nosotros no tenemos un trabajo con los estudios: tenemos en mente el mercado local, trabajamos con presupuestos realmente bajos, así que las condiciones de trabajo no son muy buenas. Es por eso que filmamos solamente por 20 días, con lo que no logras un buen detalle en el guión ni cosas por el estilo.

-¿Le ha ayudado el proceso de salir de su país y hallarse frente a la escena del arte contemporáneo internacional, así como el medio fílmico?

-Lo encuentro muy enriquecedor porque puedes ver que el mundo es muy amplio y tienes todo este misterio que, de nuevo, tiene que ver con el significado. No intentas resquebrajar los significados de todas las cosas en el mundo, pero en ver- dad es encantador darte cuenta que el mun- do es grande. Con las redes sociales se afirma que el mundo se ha hecho más pequeño, yo no uso Facebook ni Twitter, así que mi mundo todavía es muy amplio. (SRL)

Este artículo se publicó originalmente en la sección de cultura del diario El Financiero (28/II/2011).
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Del Toro dio el certificado de nominado a Iñárritu en el Oscar

febrero 28, 2011

El director mexicano Guillermo del Toro, le entregó hace un par de días (el viernes 25 de febrero) a su colega y paisano Alejandro González Iñárritu, el certificado oficial que acredita a su cinta Biutiful (México-España, 2010), como nominada en la categoría de Mejor Película en Lenguaje Extranjero, para la octogésima tercera entrega de los premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos, en el Grand Lobby del Teatro  Samuel Goldwyn en  Beverly Hills, California. La ceremonia de entrega del Oscar será el domingo 27 de febrero en el Teatro Kodak en Hollywood, California.

La producción méxico-española competirá con las siguientes películas de su categoría:

Dogtooth (Kynodontas, Kino International), de Giorgos Lanthimos. Producción de Boo Production, Grecia.

In a Better World (Hævnen, Sony Pictures Classics), de Susan Bier. Producción de Zentropa Production, Dinamarca.

Incendies (Sony Pictures Classics), de Denis Villeneuve. Producción de Micro-Scope Production, Canadá.

Outside the Law (Hors-la-loi) (Cohen Media Group), de Rachid Bouchareb. Producción de Tassili Films , Argelia.

 

Maratón de sexy vampiras góticas en el Martí

febrero 25, 2011

El programador y cinéfilo extremo Jorge Grajales, anuncia su nuevo maratón de cine en el Centro Cultural José Martí para este viernes 25 de febrero, a partir de las 21:00 horas, con un ciclo de vampiros en homenaje al francés Jean Rollin, que acabará, convenientemente, el sábado 26 a las 6:00 horas.

Las cintas programadas son:

LA VIOLACIÓN DEL VAMPIRO (LE VIOL DU VAMPIRE), FRANCIA, 1968.

RÉQUIEM POR UN VAMPIRO (VIERGES ET VAMPIRES), FRANCIA , 1971.
EL AMANECER DE LOS VAMPIROS (LE FRISSONS DES VAMPIRES),FRANCIA, 1971.
LABIOS DE SANGRE (LÈVRES DE SANG), FRANCIA 1975.
LAS DOS VAMPIRAS HUÉRFANAS (LES DEUX ORPHELINES VAMPIRES), FRANCIA, 1997.

Al respecto, Grajales comenta: “De la misma manera que Sergio Leone le dio un giro al género del western en Italia, y Seijun Suzuki al de gángsters en Japón, el francés Jean Rollin haría lo propio en el cine de vampiros. Con toques estilizados que mezclan lo onírico, lo gótico y lo erótico presentamos una filmografía básica de este director importante dentro del género fantástico y de terror, prácticamente desconocido en nuestro país, que murió este pasado diciembre de 2010, a manera de tributo”.

El Centro Cultural José Martí se encuentra en Doctor Mora no. 1 en el Centro Histórico de la Ciudad de México, a la salida de la estación del Metro Hidalgo.

La entrada tiene un costo de $27 pesos.

 

La UNAM organiza su primer Festival Internacional de Cine

febrero 24, 2011

Cine de corte autoral e independiente

Por Eva Sangiorgi, directora de FICUNAM.

La primera edición del FICUNAM, a realizarse en febrero y marzo de 2011, busca proponer un cine acorde con la diversidad de habitantes de la Ciudad de México, que da preferencia al cine que utiliza modelos de producción originales. Incluirá un encuentro de escuelas, un foro coloquio de cine contemporáneo y la visita de realizadores como el tailandés Apichatpong Weerasethakul.

El equipo que organiza el primer Festival Internacional de Cine de la Universidad Nacional Autónoma de México (FICUNAM), está convencido de que la ciudad de México merece una propuesta cinematográfica que asemeje la diversidad de sus habitantes y complazca a la mayoría de sus espectadores. Es decir, una programación vasta y multifacética pero, sobre todo, dinámica; una iniciativa capaz de incluir las tendencias del cine comercial actual pero que enfatice en los trabajos de cine contemporáneo tanto independiente como de autor.

Desde hace varios meses, el equipo del festival, apoyado por tres instituciones de la UNAM, la Coordinación de Difusión Cultural, la Dirección General de Actividades Cinematográficas (Filmoteca) y el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), unen esfuerzos para construir la primera edición del FICUNAM, que se efectuará del 24 de febrero al tres de marzo 2011 y del que alrededor del 95% de los trabajos que se exhibirán no cuentan con distribución en México.

Por tanto, el festival aparece como un exclusivo foro de exhibición en un paisaje marcado, en lo general, por la ausencia de ventanas que proyecten cine no comercial. El equipo de programadores, compuesto por personas de diferentes nacionalidades y trayectorias, hace un esfuerzo por seleccionar trabajos que sean ricos tanto en propuestas narrativas, estéticas como en su realización. Encabezan el equipo Eva Sangiorgi, actual directora de FICUNAM, y Maximiliano Cruz, quienes trabajaron previamente en el Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México (FICCO), durante cinco años, al lado de Paula Astorga.

Competencia internacional y estudiantil

La programación del FICUNAM privilegia la proyección de cine de corte autoral, independiente, nacional e internacional, y da preferencia al cine que utiliza modelos de producción originales. Con más de 80 películas confirmadas para esta primera edición, FICUNAM abre dos espacios de competencia y los dedica a premiar nuevos talentos: uno para estudiantes, como parte de Aciertos. Encuentro Internacional de Escuelas de Cine, y otro para realizadores emergentes, nacionales y extranjeros, Competencia Internacional de Largometraje.

La Competencia Internacional de Largometraje está conformada por largometrajes que sin importar su género (ficción, documental, animación o experimental), se hayan producido entre 2009 y 2010 en el ámbito internacional.  Dentro de esta sección se entregarán tres Premios Puma, dos de los cuales, a Mejor Película y Mejor Director, incluirán la Estatuilla Puma y cien mil pesos en efectivo; mientras que el tercero, será el invaluable reconocimiento de los asistentes, el Premio del Público.

Por otra parte, Aciertos. Encuentro Internacional de Escuelas de Cine, es un espacio para estudiantes que promueve el intercambio y la construcción de redes entre los nuevos creadores fílmicos de todo el mundo. La selección de esta sección competirá por el premio Puma a Mejor Película de Aciertos. Encuentro Internacional de Escuelas de Cine, y al ganador se le entregará un premio de 35 mil pesos.

El jurado de las dos secciones de competencia estará conformado por personalidades distinguidas del medio tales como Sergey Dvortsevoy, Fernando Eimbcke, Javier Martín Lozano y Jonathan Daniel Rosenbaum.

Fiel a la intención de establecer alianzas con escuelas de cine de todo el mundo, en esta primera edición FICUNAM se presentará un programa en homenaje a los 25 años de trayectoria de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (EICTV), en Cuba, uno de los centros de formación cinematográfica más importantes de Iberoamérica.

FICUNAM también busca reunir a todo tipo de público alrededor de propuestas que enriquezcan su experiencia cinematográfica. Para lograrlo, ha preparado cuatro secciones generales de exhibición:

Trazos está dedicada al cine contemporáneo internacional, con largometrajes y programas de cortometrajes que presentan un panorama de lo mejor del cine de autor actual.

Territorios es una muestra interdisciplinaria que presenta el trabajo integral de un director de cine que también sea reconocido como artista contemporáneo en dos exposiciones paralelas. La filmografía completa de este invitado se exhibirá en las salas del Centro Cultural Universitario de la UNAM, mientras que su trabajo como artista será presentado en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MuAC).

En el marco de esta primera edición, el FICUNAM se complace en recibir, como invitado especial de Territorios, al director tailandés Apichatpong Weerasethakul, ganador de la Palma de Oro en Cannes 2010 con la cinta El abuelo Boonme (Tailandia, 2010).

Ahora México presenta lo más destacado del cine mexicano actual. Con esta sección, FICUNAM materializa su compromiso con el reconocimiento y la promoción del trabajo de cineastas mexicanos emergentes. Este año participarán en Ahora México directores como Andrea Borbolla, Gustavo Gamou, Sebastián Hiriart y Nicolás Pereda, entre otros.

Retrospectiva es una sección que presenta el trabajo integral de un realizador, al proyectar su filmografía completa. En esta primera edición, FICUNAM ofrecerá la retrospectiva de dos cineastas franceses y un cineasta ruso, cuyos nombres serán develados en febrero del 2011.

 

 

Signos de compromiso

Además, FICUNAM ofrece algunas presentaciones especiales como el encuentro con directores invitados en las salas de exhibición; un autocinema y algunas proyecciones al aire libre.

El signo de compromiso del FICUNAM como foro de análisis y discusión cinematográfica en la ciudad de México se refleja igualmente en sus actividades paralelas, potenciadas y apoyadas por la Universidad Nacional Autónoma de México. Entre estas se encuentran:

La Cátedra Ingmar Bergman en Cine y Teatro, programa permanente que se incorpora al programa del Festival con el fin de nutrir y fortalecer la cultura cinematográfica y teatral entre los universitarios, especialistas y la sociedad en general. Será impartida, en el marco del FICUNAM, entre otros, por el kazajo Sergei Dvortsevoy y por el ganador de la Palma de Oro en Cannes 2010, Apichatpong Weerasethakul.

El Coloquio de Cine Contemporáneo, en el que críticos, académicos, estudiantes, cineastas y todo el público interesado se reunirán en un foro con la intención de analizar y discutir sobre uno o varios largometrajes programados durante el Festival.

FICUNAM busca ser un seleccionador, un catalizador y un foro de análisis y discusión cinematográfica, no una vitrina más de cine. De ahí que aliste cientos de butacas para el diverso público de la ciudad de México. Su programación completa será develada en una conferencia de prensa que se llevará a cabo en febrero de 2011.

 

 

Este artículo forma parte de los contenidos del  número 14 de la revista cine TOMA, de noviembre-diciembre de 2010. Consulta AQUIdónde conseguirla.

 

“El cielo abierto”, relato sobre Monseñor Arnulfo Romero

febrero 24, 2011

Pensaron que yo había pintado una figura incendiaria: Everardo González

A partir del 15 de abril, el documental El cielo abierto (México, 2010), de Everardo González, está disponible para todo el mundo por Internet, mediante un sólo pago de cinco dólares en la página mexicana Cinema Open!, un servicio de entretenimiento digital creado en marzo de 2011, que ofrece acceso instantáneo para un catálogo de películas con excelente calidad a través de la renta y/o compra. De este modo, es posible verla antes de su estreno en salas cinematográficas.

Repetidamente, algunos de los sacerdotes conservadores que rechazaron inicialmente las disposiciones del Concilio Vaticano II experimentaron gradualmente una profunda transformación de conciencia que los condujo a abrazar los Evangelios desde la lectura social de la teología de la Liberación. Y se les tachó de comunistas, revolucionarios, incendiarios.

Por Sergio Raúl López

Los casos pueden hallarse en diversos países y en muy distintas geografías del continente, pero ninguno tan emblemático, trágico y terrible como el del arzobispo metropolitano de San Salvador: monseñor Óscar Arnulfo Romero. La mutación de su prédica en contra de la represión militar y lainjusticia social, y a favor de los pobres, la paz y la democracia, ocurrió apenas un mes después de ser ungido en el cargo, tras la expulsión y el asesinato de varios sacerdotes por el régimen militar en el poder, especialmente la muerte de su amigo Rutilio Grande, encargado de la parroquia de Aguilares a partir del 12 de marzo de 1977: tres años después la bala de un francotirador acalló sus prédicas, el 24 de marzo de 1980, durante una misa ofrecida en la capilla del Hospital de la Divina Providencia.
El día anterior, domingo de Ramos, había ofrecido un histórico sermón con el que selló su destino y en el que exigía al ejército cesar la represión e incluso desobedecer a sus superiores: “Y ante una orden de matar que dé un hombre, debe prevalecer la ley de Dios… Una ley inmoral nadie tiene que cumplirla”.

A manera de homenaje, tres décadas más tarde, la Universidad de Notre Dame, mediante el cineasta Francisco Vargas, encargó al documentalista mexicano Everardo González (La canción del pulque, 2003; Ladrones viejos, 2007) una película documental sobre monseñor Romero. Un año después, al mirar el primer corte, el resultado les pareció tan radical e inaceptable que decidieron removerlo del proyecto.

-Pensaron que la película atacaba a la iglesia -explica el realizador-; pero no, simplemente, en mi opinión, a la iglesia se le fue de las manos un proceso bueno, que nació con ideas libertarias. Pensaron que yo había pintado una figura incendiaria de Romero, pero creo que si no hubiera sido una figura que afectara intereses no hubiera sido asesinado. Así funcionan a veces los reaccionarios.

De cualquier forma, con el trabajo ya realizado, con una película en la que creía y no quería que estuviera enlatada, Everardo González peleó por los derechos de coproducción mediante Ciénega Docs, casa productora que constituyó junto con Martha Orozco. Como resultado, El cielo abierto (México, 2011) se encuentra actualmente en cartelera como parte de la programación de la gira de documentales Ambulante, esta semana en la Ciudad de México y hasta el 5 de mayo en 11 ciudades más de la República.

-En sus películas, en general, se siente la tensión social en el ambiente, pero en esta específicamente hay un olor a muerte, a guerra.
-Espero que también refleje el proceso interno de los personajes. Pero sí, es claro que un país va a la guerra civil o que es inevitable que un personaje como Romero tenga que ser silenciado. Por eso me basé en las homilías grabadas de Romero, en su diario y en sus cartas personales, porque era la posibilidad de conocer y sentir los procesos emocionales por los que pasó. Cuando hace de pronto un llamado al desacato al ejército es un llamado de auxilio, ya es un momento en el que Romero ve que es inevitable que haya un derramamiento mayor de sangre. Eso se dice fácil, pero en el interior de una persona como Romero es un gran conflicto. Ahí firma su sentencia de muerte. La película está plagada de ese tipo de testimonios que hubiera sido un gran error no incluirlos. La voz de la monja que le dijo acaba usted de firmar su sentencia o del abogado que le dice que es ilegal o de la secre- taria que escucha a Romero cuando dice sí me van a matar, son detonantes dramáticos que yo creo que hay que cuidar.

-El relato se va armando desde muy diversos testimonios: voces más que personas, pues no aparecen sus nombres ni oficios a cuadro.
-¿Qué personajes que-ría yo que contaran la historia? El propio Romero fue un hombre que tuvo un proceso de transformación profunda no sólo en su teología sino en su persona, porque su figura se construyó en sólo tres años: es un hombre que vivió hasta los 60 y tantos años pegado a los poderes oligárquicos de El Salvador, con una actitud moderada, impuesto por el Vaticano para ser el obispo de San Salvador para apaciguar un poco el conflicto que se venía y para mantener a raya a los teólogos de la liberación. Y, por otro lado, un pueblo que va pasando por un proceso de transformación consolado, confortado e inspirado por la teología de la liberación, por la idea del cielo en la tierra. Eso era el perfil de personajes que yo tenía que encontrar: mujeres campesinas que habían dejado el comal y la atención al marido para convertirse en activistas; catequistas que habían dejado la lectura bíblica para gestar lo que serán los movimientos políticos-militares; sacerdotes que pasan por una discusión moral fuerte entre aceptar o no la guerra justa, matar o no matar; militares que deciden pasarse al lado de la guerrilla, puros personajes que van a ver que aquellos a los que están atacando son los que deben ser defendidos.

-¿Qué tan definitorio fue el trabajo de investigación iconográfica y el metraje de archivo?
-Se consiguió, a partir de la recopilación de materiales que podían contar la historia, una narración complicada iconográfica porque en El Salvador había mucho material sobre la guerra, pero poco material previo. Entonces era complejo localizarlo o reconstruirlo. Por eso no está con la camisa de fuerza de la cronología de los eventos históricos. Espero que sea una película que emocione, porque si no emociona es que es una historia de libro, anacrónica, de sucesión de eventos históricos.

HEREDEROS
De la Guerra Fría.

Antes de recibir el encargo de trabajar en El Salvador un documental sobre Óscar Arnulfo Romero, Everardo González trabajaba otro documental “en una tierra perdida en la loma en una sierra de Coahuila”, en la localidad de Cuates de Australia, cuyo centenar de habitantes se encuentra en constante migración por la seguía. Aunque la temática de ambos documentales pareciera ajena, en las antípodas, comparten el ser un retrato de la triste realidad Latinoamericana.
-Lo que realmente va a contar son los ciclos de vida, en el ser humano y sobre la tierra. Son proyectos distintos que retratan una misma situación. Son seres aislados, no es el norte de la bonanza pero tampoco el del narcotráfico, quitando un poco el estereotipo, que es otra cosa maravillosa que el documental otorga: no puede uno estar trabajando nada más con los estereotipos.

-Tras sus frecuentes visitas a El Salvador para realizar el documental, ¿qué impresión tiene de ese territorio con alta efervescencia social y mucha descomposición?
-Me hace ver los problemas que hereda una sociedad de posguerra. Como los hijos de la guerra que hoy son la Mara, pero también me hace ver cómo empezaron a funcionar las redes del narcotráfico, cómo lo que hoy tenemos en México es hijo de las guerras centroamericanas y de las guerras civiles en América Latina: de la intervención y los movimientos pagados por la CIA que luego se convierten las rutas y las personalidades de trasiego, el armamento que quedó regado por toda América, la idea de que Estados Unidos tiene potestad para intervenir donde se le dé la gana; las conexiones de la mafia en México, de Rusia, Italia, los japoneses, todo tiene que ver con la Guerra Fría. Eso es lo que tenemos hoy en México. Lo que pasa es que no nos damos mucha cuenta, somos herederos de lo que sucedió con la Guerra Fría.

-Es curioso, pero los ataques contra Romero en los medios de comunicación salvadoreños es muy similar con lo que ahora ocurre en México contra ciertas figuras.
-Totalmente. Esta idea de atacar y luego tener nuestros mártires nos encanta en América Latina. Toda la vida hemos funcionado con los mártires, lo mismo los caudillos de la Revolución; pero lo interesante es ver cómo el poder mediático sirve para callar muchas voces. Lo triste es que hoy vemos que hay un vacío en general. Hacen falta figuras de liderazgo. Creo que eso es lo que nos tiene jodidos en México.

Este artículo se publicó originalmente en la sección de cultura del diario El Financiero (21/II/2011).

Lista, la Selección Oficial del 26 Festival de Guadalajara

febrero 24, 2011

Hoy se anunciaron las películas que formarán parte de las distintas secciones en competencia durante la vigésimo sexta edición del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG). Las cintas son las siguientes:

Asalto al cine, de Iria Gómez Concheiro.

Sección Oficial Largometraje Mexicano de Ficción

Al acecho del leopardo, de Enrique Rentería

Aquí entre nos, de Patricia Martínez de Velasco

Años después, de Laura Gardós

Asalto al cine, de Iria Gómez Concheiro

Burros, de Odín Salazar

Entre la noche y el día, de Bernardo Arellano

Flor de fango, de Guillermo González Montes

El efecto tequila, de León Serment

Los inadaptados, de Jorge Ramírez Suárez

Lluvia de luna, de Marysa Sistach

El premio, de Paula Markovitch

Reacciones adversas, de David Michan

Travesía del desierto, de Mauricio Wallerstein

Abolición de la propiedad, de Jesús Magaña

Post Mortem, de Pablo Larraín.

Sección Oficial Largometraje Iberoamericano de Ficción

Afinidades, Cuba, de Vladimir Cruz y Jorge Perugorría

En 80 días, 80 egunean, España, de Jon Garaño y José María Goenaga

Chico que miente, Venezuela, de Marité Ugas

Amador, España, de Fernando León de Aranoa

América, Puerto Rico, de Sonia Fritz

Jean Gentil, República Dominicana, de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas

La lección de pintura, Chile, de Pablo Perelman

El dedo, Argentina, de Sergio Teubal

18 comidas, España, de Jorge Coira

También la lluvia, España, de Iciar Bollaín

El mural, Argentina, de Héctor Olivera

Post mortem, Chile, de Pablo Larraín

La vigilia, Perú, de Augusto Tamayo

El cielo abierto, de Everardo González.

Sección Oficial Largometraje Documental Mexicano

O.56%, de Lorenzo Hagerman

Agnus Dei-Cordero de Dios, de Alejandra Sánchez Cordero

Aquí sobre la tierra, de Mauricio Bidault

Ch´ulel, de Jorge Creuheras Orozco

Cielo abierto, de Everardo González

Ciudad rural, de Roberto Canales

Circo, de Aarón Schock

Dosis personal, de Mario Mandujano

El lugar más pequeño, de Tatiana Huezo

Mosca, de Bulmaro Osornio

Morir de pie, de Jacaranda Correa

La ruta del conejo rojo, de Carlo Montaño Arámbula

El secreto de Candita, de Kenya Márquez

Fogonero del delirio, de Gustavo Domínguez

Nostalgia de la luz, de Patricio Guzmán.

Sección Oficial Documental Iberoamericano

Huellas y memoria de Jorge Prelorán, Argentina, de Fermín Rivera

Sofía cumple 100 años, Argentina, de Hernán Belón

Soi Cumbio, Argentina, de Andrea Yannino

Al final de la escapada, España, de Albert Solé

Newen Mapuche, Chile, de Elena Varela López

Nostalgia de la luz, Chile, de Patricio Guzmán

Leche y fierro, Brasil, de Claudia Priscilla

Paquita y todo lo demás, España, de David Moncasi

El problema, testimonio del pueblo saharaui, España, de Jordi Ferrer y Pablo Vidal

Sin ti contigo, Venezuela, de Tuki Jencquel

El misterio de las lagunas, Venezuela, de Atahualpa Lichy

Tres Chinchineros, Chile, de Roberto Riveros

El casamiento, Uruguay, de Aldo Garay

O samba que mora en mí, Brasil, de Georgia Guerra-Peixe

Borreguito, de Antonino Isordia.

Sección Oficial Cortometraje Mexicano

Angustia, de León Rechy

Borreguito, de Antonino Isordia

Cenizas, de Ernesto Martínez Bucio

Con una nota, de Jordi Mariscal

Cristeros y federales, de Isabel Cristina Fregoso

Los derribados, de Damián Cano

En aguas quietas, de Astrid Rondero

Juan y la borrega, de J. Xavier Velasco

La otra Emma, de Jhasua A Camarena

El pacto, de Pablo Alejandro Gómez

Qué importa corazón, de Ehecatl Garage

Sin frenos, de Pancho Ortega

Sitios prestados al aire, de Maider Oleaga

El Stanley Kubrick de los comerciales, de Roberto Flores López

Un día común, de Daniela Cruz Rodríguez

Afuera, de Carlos Godínez

Candy, de Giorgi Pineda

Noches de tungsteno, de María Torres

Mari Pepa, de Samuel Kishi Leopo

La hinchazón de la familia Ibargüengoitia, de Christian Acero

Nunca nunca dejé ir, de Moisés Aisemberg

Retrato anónimo, de Paola Chaurand

Un camino, de Raúl Zendejas

3x3, de Nuno Rocha

Sección Oficial Cortometraje Iberoamericano

3×3, Portugal, de Nuno Rocha

La autoridad, España, de Xavi Sala

Picnic, España, de Gerardo Herrero

Mar blindado, Venezuela, de Gerald Uzcátegui

El orden de las cosas, España, de César Esteban Alenda

Balancos et milky shakes, Brasil, de Erick Ricco y Fernando Mendes

Birdboy, España, de Pedro Rivero

La ducha, Chile, de María José San Martín

Caos, Brasil, de Fabio Baldo

A casa das horas, Brasil, de Heraldo Cavalcanti

Cuando corres, España, de Mikel Rueda,

Ensolarado, Brasil, de Ricardo Targino,

Fábrica de muñecas, España, de Ainhoa Menéndez

Lapis de cor, Brasil, de Alice Gomes

Marina, España, de Alex Montoya

Las piedras no aburren, España, de Marta Parreño

Pode piorar, Brasil, de Joao Tenorio

El sueño sueco, Argentina, de Gustavo Riet

Los teleféricos, Argentina, de Federico Actis

Tijereto (Flycatcher), Colombia, de Camila Jiménez

Um outro ensaio, Brasil, de Natara Ney

Uniformadas, España, de Irene Zoe Alameda

Eu nao quero voltar sozinho, Brasil, de Daniel Ribeiro

Zumo de limón, España, Jorge Muriel y Miguel Romero

Sección Oficial Cortometraje de Animación

Poder a la carta, de Colectivo 333

Prita Noire, de Sofía Carrillo

Por un desgarre, de Dominique Jonard

Mutatio, de León Fernández

Eskimal, de Homero Ramírez-Tena

Cortometraje invitado: Carne que recuerda, de Dalia Huerta


Retrospectiva de Peleshyan de FICUNAM, en la Cineteca Nacional

febrero 23, 2011
Como parte de las actividades del Festival Internacional de Cine Universidad Nacional Autónoma de México (FICUNAM), a celebrarse del 24 de febrero al 3 de marzo, se ha programado una retrospectiva del cineasta armenio Artavazd Peleshyan, cuyo trabajo se mostrará por primera vez en las pantallas de nuestro país en una retrospectiva presentada por la Cineteca Nacional,
Influenciado por artistas como Paradjanov, Bergman, Resnais y Youtkevitch, Peleshyan comenzó su carrera como director en 1964, mientras estudiaba en el Instituto de Cinematografía de Moscú, escuela donde desarrolló la mayor parte de su obra fílmica y donde desde un principio dejó ver sus capacidades innatas y talento para filmar. La importancia de su obra en el mundo cinematográfico es tal, que realizadores como Jean-Luc Godard lo definen como uno de los artistas más sobresalientes de nuestros tiempos. Se le atribuye la creación del montaje de la distancia sintaxis contrapuntística, innovadora técnica utilizada en su cine que en el 2006 le mereció el Premio Parajanov’s Thaler Lifetime Achievement.
Nacido el 22 de noviembre de 1938 en Leninakan (hoy nombrada Gyumri), su cine que se ubica entre la frontera del documental y la ficción, filmado en blanco y negro, ausente de diálogos mismos que sustituye por música y efectos de sonido que prácticamente juegan el rol principal en sus historias.
Su filmografía abarca un poco más de una docena de trabajos, entre cortos y mediometrajes que en total suman aproximadamente tres horas.
El viernes 25 se exhibirán los cortometrajes El principio (URSS, 1967), Los habitantes (URSS, 1970), y su mediometraje Nuestro siglo (URSS, 1983).
El sábado 26 integran el programa Nosotros (URSS, 1969), Las estaciones (URSS, 1975), Vida (República de Armenia-Rusia, 1993), y Final (República de Armenia-Rusia, 1994).

Séptima edición del festival Kinoki

febrero 21, 2011
La séptima edición del festival  KINOKI, se realizará esta semana, del 21 al 25 de febrero y presentará los cortometrajes seleccionados en el género de Animación y Experimental, así como un ciclo de cortometrajes de la Universidad de Nueva York. Además de varias Master Class, del maestro Nelson Carro quien dará una clase sobre crítica de cine. Para terminar, se proyectará el filme Gennevilliers, que contará con la presencia de los realizadores de FICUNAM.

KINOKI es el Festival Internacional de Cine Universitario, organizado por estudiantes de la Universidad Iberoamericana que se realiza cada año en el mes de febrero a través del Departamento de Comunicación y el área de Cine.

Les compartimos su programación completa.

 

Oso de Plata en Fotografía y Diseño para “El Premio” en la Berlinale

febrero 20, 2011

Al dar a conocer los ganadores de los premios principales de la sexagésima primera edición del Festival Internacional de Cine de Berín, la actriz Isabella Rosellini, presidenta del Jurado, el sábado 19 de febrero, dio a conocer que la producción méxico-francesa-polaca-alemana El premio (2011),obtuvo el Oso de Plata en el renglón de Logro Artístico Notable en dos rubros,  para el polaco Wojciech Staron en el rubro de Fotografía, ex aequo con Bárbara Enríquez, por el Diseño de Producción.

De esta manera, la cinta, que representa debut como directora de la guionista argentina afincada en México, Paula Markovitch (Sin remitente, Elisa antes del fin del mundo, Temporada de patos, Dos abrazos, Lake Tahoe), triunfó en el festival donde tuvo su estreno.

La lista completa de Premios del Jurado Internacional de la Berlinale es la siguiente:

Oso de Oro a Mejor Película

Jodaeiye Nader az Simin (La separación de Nader y Simin, Irán), de Asghar Farhadi.

Oso de Plata Gran Premio del Jurado

A torinói ló (El caballo de Torino, Hungría), de Béla Tarr.

Oso de Plata a Mejor Director
Ulrich Köhler, por Schlafkrankheit (Enfermedad del sueño, Alemania).
Oso de Plata a Mejor Actriz
Al trabajo en conjunto de Sareh Bayat, Sarina Farhadi y Leila Hatami en Jodaeiye Nader az Simin, de Asghar Farhadi.

Oso de Plata a Mejor Actor

Al trabajo en conjunto de Peyman Moadi, Ali Asghar Shahbazi, Babak Karimi en Jodaeiye Nader az Simin, de Asghar Farhadi.

Oso de Plata al Logro Artístico Notable

Wojciecj Staron, por la Fotografía en El premio, de Paula Markovitch,

ex aequo con

Barbara Enriquez por el Diseño de Producción en El premio de Paula Markovitch.
Oso de Plata a Mejor Guión
Joshua Marston y Andamion Murataj por The Forgiveness Of Blood (El perdón de la sangre), de Joshua Marston.

Premio Alfred Bauer a la Inovación Artística

Wer wenn nicht wir (Quién, si no nosotros, Alemania), de Andres Veiel.
Además de Rosellini, los integrantes del Jurado de la 61 Berlinale fueron el iraní Jafar Panahi (quién no acudió pues enfrenta una sentencia de seis años de arresto domiciliario en su país como preso político), la productora australiana Jan Chapman, la actriz alemana Nina Hoss, el actor y director indio Aamir Kahn, el director canadiense Guy Maddin, y la diseñadora de vestuario inglesa Sandy Powell.

José Antonio Zúñiga, protagonista de Presunto culpable

febrero 19, 2011

Vuelvo a ver la película y lo rico no es ver mi cara

Por Salvador Perches Galván

Fruto no de un equipo de cineastas, sino de abogados que decidieron usar la cámara como un arma para denunciar las deficiencias del sistema penal en México, Presunto culpable ha logrado una gran cantidad de reconocimientos internacionales además de tener un estreno comercial amplio.

Acusado sin una sola prueba contundente, José Antonio Zúñiga “Toño”, fue condenado a 20 años de prisión. Dos jóvenes abogados, Roberto Hernández y Layda Negrete, decidieron pelear el caso echando mano de las cámaras de cine para mostrar el funcionamiento deficiente e incluso retrógrado del sistema de justicia mexicano, y lograron, además de reabrir el caso y conseguir la libertad del joven iztapalapeño, realizar el documental Presunto culpable (México, 2009) que, tras su estreno en Toronto, ha ganado una docena de premios como el Humanitas Award en Los Ángeles, el Premio del Público en festivales de Budapest, Sarajevo, Documenta Madrid, Los Ángeles, además de Mejor Documental en Guadalajara, Morelia, San Francisco, Londres y Belfast.

“Inicialmente, nuestro afán era meramente documentar lo que había conducido a Toño Zúñiga a una condena injusta. Pero cuando surgió la posibilidad de filmar su juicio, descubrimos que podíamos captar directamente el drama de quien vive la situación de ser juzgado en México. Sin embargo la complejidad del pietaje que captamos representó un reto intelectual mayúsculo que requería una combinación de destrezas jurídicas y cinematográficas muy difíciles de reunir. Fue fundamental tener un equipo de trabajo que pudiera entender la importancia de ambos aspectos”, cuentan Layla y Roberto.

Así, se añadieron al equipo Geoffrey Smith en la co-dirección junto con Roberto, Martha Sosa e Yssel Ibarra en la producción junto a Layda, Martín Hernández en el diseño sonoro, Lynn Fainchtein en la supervisión musical, Felipe Gómez en la edición, y John Grillo, Amir Galván, Luis Damián Sánchez y Lorenzo Hagerman en la fotografía, entre otros.

Con apoyo de Cinépolis, la cinta se estrenó en el circuito comercial con la inusitada cantidad de 120 copias cuyas ganancias irán a la organización Renace, de Monterrey

La entrevista siguiente es con el personaje del documental, José Antonio Zúñiga.

José Antonio ¿te gusta el cine?

No sólo me gusta, me encanta y no de ahora sino de toda la vida. Creo que en las películas se puede conocer la mente y el corazón de las personas que trabajaron en ellas, entonces es fascinante verlas y pensar por qué se hizo, es totalmente difícil de saberlo, pero se pueden ver mentes inmensas y corazones gigantes. Y aparte un esfuerzo y un trabajo grandes, que no está por demás decirlo.

¿Te gusta el documental sobre tu caso?

Me encanta lo que simboliza, lo que tiene de contenido, me encanta que me hace saber que tengo una esposa maravillosa, increíble; que tuvimos la suerte de tener una hija en ese momento tan difícil que, gracias a Dios, fue un impulso mas. Entonces a mí me hace saber que nunca se me vaya a olvidar, porque es triste, de repente, que después de un tiempo comencemos a olvidar que pasó.

Además, en México, tenemos una gran proclividad a la desmemoria, a la amnesia.

Si, nos sucede. Somos medio volubles, de repente hoy soy el hombre más feliz del mundo y mañana ya lo olvide. Pero bueno, gracias no sólo a la película, creo que cada momento que vivo ya volví a nacer.

Presunto culpable nos provoca una gran indignación por el deficiente sistema judicial que tenemos, nos solidarizamos con tu caso específico, te vimos dentro de las rejas y ahora estas fuera, ¿qué te dejó esa experiencia? ¿Saliste diferente a como ingresaste?

Perdí dos años y medio, aproximadamente, realmente no sé el tiempo exacto porque nunca he tratado de recordarlo. Realmente para mi y no sé, mucha gente allá dentro lo hace, es reinventarse; comienzo a ver qué tengo mal yo, comienzo a ver qué egoísta soy yo, comienzo a verme y entonces la cárcel da un aprendizaje empírico, no hay una escuela ni unas reglas que seguir, simple y sencillamente sabemos que cuando hay situaciones muy fuertes nos movemos a la izquierda o a la derecha.

La verdad es que yo creo que naces de nuevo. Lloré con mi madre, cosa que era difícil porque uno dice: “yo soy hombre, yo no lloro”, es un aprendizaje día a día. Siendo positivo, la verdad es me enseñó que la vida es un tris y de verdad hay que verla de manera increíble, hay que ayudarse uno mismo, hay que ayudar a los demás, hay que quererse y a todo el mundo, hay que quitarse eso de que si hoy está nublado, mal, si esta soleado, mal, eso es lo de menos.

Mientras estuviste preso hubo cambios radicales en tu vida, cambio tu estado civil, te convertiste en padre.

Si, no lo había pensado hasta que salí. De repente digo: soy esposo, soy padre, soy yerno, soy libre, tengo amigos. Salí siendo otra persona, más maduro, al menos eso quiero pensar, quiero pensar que aprendí mucho, que la vida me enseñó que hay que compartir.

¿Hay resentimiento?

Creo que no, en lo absoluto. De hecho, cuando estaba allá adentro no sentía coraje contra nadie, es mas bien un sentimiento de preguntarse qué le pasó a esta gente para ser así.  Debieron haber sufrido mucho, tal vez no tuvieron unos padres que les enseñaran, es un acertijo. Unos tipos me decían: “es que lo tienes que odiar”. Pero no puedo porque trato de utilizar el cerebro y razonar, entonces se me hacía feo. Me preguntaba¿por qué eran capaces de hacer cosas de ese tamaño? Y ¿cuántas veces lo han hecho? , no se si muchas, no se si pocas.

¿Qué te remueve por dentro cuando ves en la película esa experiencia tan traumática?

Hay cosas que finalmente ya asimilé, otras que ya pasaron por mi corazón, que las he pensado tanto, con el amor de mi familia, de mis amigos, que veo realmente la suerte que tengo y que Dios está ahí, con el dedo apuntándome, la verdad es que las atesoro  pero ya las tengo guardadas porque es justo y necesario. Igual hay otras cosas que me siguen partiendo a la mitad.

Vuelvo a ver la película y lo rico no es ver mi cara, sino que le pongo la cara del tipo que conocí, con el que platiqué y podría yo jurar que es inocente, me duele saber que hay historias tal vez mas terribles que la mía. Hay una persona, obviamente no voy a decir su nombre,  que es inocente, le dieron 21 años y su mamá se le está muriendo y dice: “yo sólo estoy esperando que me vengan a decir  que ya murió”. Es cuando digo que yo tuve una suerte increíble.

La musicalización de la película se hizo basado en letras de rap tuyas, además apareces bailando.

Como músico a lo mejor sí me gustaría tener una carrera y obviamente hacerlo con todo el amor del mundo, con la calidad que verdaderamente quiero, o sea, una altura bastante grande, de lo contrario no tiene chiste hacer las cosas, hay que dar el cien.

¿Cómo te sientes ahora formando parte del gremio cinematográfico, alternando con artistas, directores, prensa, publico, en festivales?

De verdad que nunca me había imaginado esto, al igual que la cárcel. Pasa uno frente a la cárcel y piensa que es un edificio donde están los malos; también en los festivales uno dice: qué padre que estén ahí los actores, los directores, pero de verdad que es un mundo que hay que explorar y que es para todos, yo feliz de estar aquí y la gente es increíble, o sea que gustoso.

Este artículo forma parte de los contenidos del  número 15 de la revista cine TOMA, de marzo-abril de 2010. Consulta AQUIdónde conseguirla.