Archive for 22 diciembre 2010

cine TOMA 14: Cimientos de papel

diciembre 22, 2010

Guión fílmico y literatura

Aquí, como adelanto, les presentamos la portada del décimo cuarto número de la revista cine TOMA, con el que abriremos el 2011 y que circulará durante enero y febrero de 2011, cuyo dossier central gravita en torno al acto escritural en el cine, desde el guión hasta la literatura en amplio. Entre sus contenidos destacan sendas entrevistas con Vicente Leñero, Guillermo Arriaga y Michael Rowe, así como ensayos de Laura Esquivel, Beatriz Novaro, Ricardo Pohlenz (sobre Cronenberg y Burroughs, Scott y Dick, o Kaufman y Orlean), José Antonio Valdés Peña (sobre las versiones a El gallo de oro de Rulfo, de Gavaldón a Ripstein), Ursula K. LeGuin (sobre las adaptaciones fallidas de Terramar) y dos poemas sobre cine y literatura de Pablo Soler Frost.

Además, se incluyen adelantos a los festivales Ambulante, FICUNAM y FICCMÉXICO, entrevistas con Gustavo Loza, director de La otra familia; José Luis Gutiérrez Arias, realizador de Marcelino Pan y Vino; de Araceli Santana, documentalista, por Blattangelus, y el cortometrajista de animación Carlos Morett.  Además, Lauro Zavala entrega un ensayo sobre las paradojas de la investigación de cine en Latinoamérica; Alfredo Joskowicz realiza su última entrega de su repaso por la historia del documental; Jorge Fons nos comparte sus reflexiones a propósito del libro Surgimiento de la Industria Cinematográfica y el papel del Estado en México [1895-1940], de Rosario Vidal Bonifaz, y se incluyen fotografías sobre cine mexicano provenientes del archivo Tomás Montero Torres.

 

 

 

Marcelino Pan y Vino, actualizado por José Luis Gutiérrez Arias

diciembre 21, 2010

Manejé rasgos de esquizofrenia,

resultado de la soledad de un niño

Por Guillermo Vega Zaragoza

El gran clásico cinematográfico de la España franquista, un melodrama lagrimoso y profundamente confesional, de profunda influencia en el público mexicano hasta la fecha como lo es Marcelino Pan y Vino, encuentra una nueva versión mexicana en el 2010. La cinta, ubicada en la época revolucionaria, entre la violencia y la miseria, en la que el director, José Luis Gutiérrez Arias se basó en la novela original de José María Sánchez Silva y no en el guión que el propio autor español adaptó para cine.

La versión original de la película sigue muy presente en la mente del público. Cada Semana Santa la repiten una y otra vez en televisión.

Sí, pero ahora se trata de una muy buena adaptación de la historia original, tomada directamente de la novela de Sánchez Silva, no de la película dirigida en 1955 por Ladislao Vadja. Mikel contactó a la hija del autor y lo único que pidió es que nos basáramos en la última versión escrita de la novela de su papá, no en el guión que él también hizo. Se trabajó mucho el guión para consolidarlo, para que tuviera un dramatismo más contemporáneo, no el tono del melodrama original. Los niños y el público actual esperan otra cosa, más acción, incluso más violencia visual. Es otra época, diferente a la España de mediados de los años cincuenta.

¿Por qué decidieron situarla precisamente en ese contexto mexicano?

Para que el público se sintiera más identificado. Fue una casualidad que coincidiera con el centenario de la Revolución, no estaba pensada para eso. Pero ya que se ubicó en las celebraciones de la Revolución Mexicana, teníamos que ubicarla en un contexto más realista. En esa época se presentaron situaciones atroces para todos, pero sobre todo para los niños, que los dejaron marcados de por vida. Lo manejamos con mucha delicadeza para hacerla accesible a todo el público, pero no de una manera noña. Todo tenía que ser muy verosímil. Nos asesoró el historiador Pedro Salmerón para que el contexto funcionara como tal y ubicar temporalmente al espectador, sin llegar a ser tan didáctico.

Es una situación en donde ronda la muerte y los frailes tienen que criar a un niño en una situación muy difícil, casi de miseria, debido a lo que sucede afuera.  Manejé ciertas rasgos de esquizofrenia, no como un caso clínico, sino como resultado de la soledad de un niño. Fuimos muy sutiles para que no hubiera en todo el convento un crucifijo, para que no fuera tan obvio que el niño supiera que el hombre en el desván es Dios. El Cristo que nos prestaron es una reliquia del siglo XVI de un convento franciscano en Puebla.

¿Cómo fue el casting del papel protagónico? Está muy duro competir con Pablito Calvo, el protagonista original.

Mark Hernández es un monstruo de la actuación. Nació para actuar. Audicionaron alrededor de 500 niños, porque si no escogíamos al mejor Marcelino no teníamos película, porque tenemos el handicap del niño original, Pablito Calvo. Me decidí por Mark porque noté, además de su espontaneidad y de que tiene un rostro memorable, una extrema atención a las cosas y una inteligencia precoz. Había trabajado muy poco con niños y con Mark nunca sentí que estuviera trabajando con un niño, gracias a su responsabilidad y su talento natural. Estoy muy contento con todos los actores, aunque al principio tuvimos algunos problemas. Queríamos a don Germán Robles, pero no se pudo por diversos problemas, pero llegó Jorge Lavat y estuvo perfecto. Tere Ruiz, que sale como la mamá del niño Eleuterio, también es un monstruo actoral. Por otra parte, teníamos otro handicap con el personaje de Fray Papilla, que interpreta Gastón Peterson, a quien por cierto los productores ya lo habían descartado por feo, pero yo pensé que funcionaba muy bien para crear una química especial con Marcelino, como la del monstruo Sully con la niña de Monsters Inc.

Este artículo forma parte de los contenidos del  número 14 de la revista cine TOMA, de enero-febrero de 2011 (próximamente en circulación). Consulta AQUI dónde conseguirla.


El cuarto largometraje de Alejandro González Iñárritu

diciembre 15, 2010

Biutiful es una lucha contra los estereotipos

Por Clara Sánchez

Al darse a conocer las candidaturas finalistas a contender por el premio Goya que otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, la producción méxico-española Biutiful, de Alejandro González Iñárritu se hizo con ocho nominaciones: Mejor Guión Original (Alejandro González Iñarritu, Armando Bó, Nicolás Giacobone); Mejor Música Original (Gustavo Santaolalla); Mejor Interpretación Masculina Protagonista (Javier Bardem); Mejor Interpretación Masculina de Reparto (Eduard Fernández); Mejor Interpretación Femenina de Reparto (Ana Wagener); Mejor Dirección de Fotografía (Rodrigo Prieto); Mejor Montaje (Stephen Mirrione), y Mejor Dirección Artística (Brigitte Broch). La vigesimo quinta entrega de estos galardones se realizará el 13 de febrero en el Teatro Real de Madrid.

La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA, por sus siglas en inglés) dio a conocer sus candidaturas para la sexagésima entrega de los premios a los Globos de Oro, que se entregarán el 16 de enero próximo en el Hotel Beverly Hilton de Beverly Hills, California, en los Estados Unidos.

En la categoría de Mejor Película en Lenguaje Extranjera (Best Foreign Language Film), la cinta Biutiful, de Alejandro González Iñárritu, representando tanto a México como a España, ya que es una coproducción. Además, en la lista de candidatos aparecen la francesa El gran concierto (The Concert), la rusa The Edge(Kpaй), la italiana I Am Love (Io sono L’amore) y la danesa In A Better World (Hævnen). A continuación, les ofrecemos la entrevista con el director mexicano publicada en el número 13 de cine TOMA.

Una gran campaña mediática precedió el estreno de Biutiful en México. Su participación exitosa en Cannes fue el arranque de una carrera que este mes finaliza en la cartelera mexicana. Biutiful es una reflexión sobre la muerte y la paternidad plagada de símbolos y de imágenes, contradictoria como la condición humana, dice su autor.

La Palma de Oro que ganó Javier Bardem en Cannes por su trabajo en Biutiful también es un reconocimiento para ti. ¿Cómo te sientes al respecto?

Muy contento por  Javier y por la película. Él es el actor principal y su personaje conforma el 90 por ciento de la película, el reconocimiento significa que él funciona y, entonces, funciona la película.

¿De  donde surge el nombre de Biutiful?

Siempre me ha dado mucha risa como los españoles pronuncian el inglés, me parece que tienen una limitación, lo hacen muy castellanizado. En un pequeño momento en el que escribía sobre Uxbal y su hija, me pareció una palabra contradictoria en apariencia a la condición del personaje. Es una palabra que tiene cierta ironía. Además, me gusta que los títulos de las películas no se traduzcan en ningún lado del mundo

Tu cine siempre es de opuestos, ¿cómo los encuentras en las historias?

Parte de mi naturaleza es muy contradictoria y eso me hace ser quien soy, me hace  congruente. Veo la contradicción en casi toda la naturaleza, creo que, de hecho, las estaciones del año lo dictan. Algo tan hermoso como el mar puede destruirlo todo. La dualidad, la dicotomía, la contradicción  de la que está hecha la materia y la naturaleza humana, me atrae mucho. Me molesta lo maniqueo, es una visión simple y muy occidental. Me gusta que los personajes sean contradictorios, tridimensionales, así es como vivimos . Creo que por eso Biutiful hace sentir incómoda a la gente, es una película que muestra la realidad más que los estereotipos. Es una lucha en contra de los estereotipos.

Y por eso termina siendo una confrontación tan fuerte para el espectador porque está atrapado frente a lo que ve, pero esa realidad no le gusta y lo asusta…

Si, ese es el verdadero objetivo del arte, provocar. En televisión tu ves la realidad, que es brutal, pero la gente puede estar cenando con sus hijos viendo los descabezados y asesinados. Tienen un impacto emocional mínimo porque han permeado en la realidad, ya no impacta. Muchas veces, la ficción tiene la capacidad de ser más real que la misma realidad porque hay una profunda exploración y no se banalizan las cosas. No son los siete asesinados hoy en Sinaloa, en el caso de Biutiful es un sólo personaje, pero tiene un peso y un valor que no se le da en los medios a los que estamos expuestos todos los días.

Biutiful explora todo el tiempo la paternidad …¿qué  significa para ti?

Creo que es una reflexión que todo padre hace cuando tiene hijos y más cuando son pequeños: te preguntas que harán sin ti, cual sería la condición o la consecuencia de tu ausencia; es un miedo primario que sentimos todos los seres humanos. La relación con nuestros padres siempre es compleja y nos define, y la ausencia de un padre o el miedo a su ausencia, son muy fuertes.

¿Cómo vives tu propia paternidad?

Muy intensamente, me siento muy cercano a mis hijos. Reflexiono, es una lucha, uno de los grandes retos. Para mí un buen padre es quien puede darle las herramientas a los hijos para ser plenos, para que construyan ellos mismos una persona de bien, con plenitud, con integridad y darles esas herramientas, hacia dónde  apuntar y tensar esa flecha y cuándo soltarla, es una cosa muy compleja. Es un reto cabrón.

Dedicaste esta película a tu padre. ¿Cuál es la enseñanza que más le agradeces?

Yo creo mi padre tiene varias virtudes y limitaciones. Pero creo que  su nobleza se muestra a través de su aceptación.

En el pressbook afirmas que el proceso de filmación de una película es como un sueño.¿Biutiful fue un sueño plácido o una pesadilla?

Ambas cosas, a veces era un sueño hermoso y otras una pesadilla continua; una película de esta naturaleza demanda muchísimo y el proceso es bastante intenso

La película está llena de simbolismos, ¿cómo elegiste la presencia de las mariposas y las hormigas?

Recuerdo haber leído un poema, pero no recuerdo el autor, y recuerdo haber ido a un museo en Barcelona donde había una exposición de Dalí, quien también estaba obsesionado con las hormigas. Recuerdo haber leído declaraciones de gente bipolar que sienten hormigas en su cuerpo en su ansiedad. Cuando escribí la historia había una obsesiva aparición de hormigas y me pareció un elemento interesante, un pequeño insecto que representaba algo muy misterioso, algo inquietante. Fue una cosa muy intuitiva, muy subconsciente, sólo después de  mucho tiempo trato de entenderlo. Las mariposas igual. Cuando era chico vivía en la colonia Narvarte, cerca de un panteón, y muchísimas mariposas panteoneras se metían a mi cuarto y eran espantosas, cafés y con ojos en las alas, grandotas. Me impresionaban mucho, me daban miedo y mucho asco, y siempre tenía una sensación rara cuando habían dos o tres en el techo. Quizá salió de ahí como símbolo de una especie de premonición… ese nido de mariposas que va creciendo y al final desaparece como símbolo de liberación.

Biutiful exhibe dos enfermedades cruciales, ¿por qué elegiste la bipolaridad?

Me parece una enfermedad terrible. Es compleja como todas las emocionales y de gran sufrimiento para quien la padece y sus familiares. Es brutal, porque es contradictoria, es pendular, para quienes viven la enfermedad alrededor de la persona no hay brújula, no hay método. Me pareció interesante explorarla.

Si pudieras filmar sobre un tema en particular que te preocupa de la realidad de México, ¿cuál sería?

Hay tanto que ahondar, hay cosas muy interesantes y otras muy complejas como el racismo y el clasismo que existe, aunque no lo reconozcamos. Existe una segregación muy grande del 10 por ciento de la población, que son los indígenas, y un clasismo en diferentes capas de la sociedad que se traduce en el abuso y la carencia de educación. El gran problema de México desde hace cien años fue no haber empezado un programa de educación serio, masivo. Más allá de la tierra y los latifundios, si el compromiso hubiera sido educar a toda la población, si se hubiese invertido en eso, tendríamos problemas pero no como ahora. La diferencia de oportunidades que tiene un niño zapoteca en una zona rural o un niño de la ciudad es abismal. Me gustaría abordar la segregación, el clasismo, el racismo y la falta de educación que me parecen un cáncer; ahí inició absolutamente todo. Eso nos ha llevado al abuso y a la opresión. La gente que no tiene educación será explotada toda la vida. Es algo que hemos vivido antes de los españoles, con ellos y después de ellos. Estos cien años de no haber cumplido las promesas de la Revolución nos tienen al borde del barranco, pero no por la repartición de las tierras, que también es una necesidad, sino por la educación. Tenemos al frente del país a poderosos que tienen más poder y dinero que educación, y mientras exista eso nos va a llevar la chingada.

¿Crees que debemos que festejar el centenario de la Revolución?

Creo que toda la gente tenemos la sensación de que vamos a tener un festejo agridulce, como cuando es Navidad y se ha muerto alguien, hay motivos para celebrar pero ahí esta ese dolor que está viviendo México, de tantos muertos y niños huérfanos, por más que sea Nochebuena o Año Nuevo, hay dentro de nosotros una profunda tristeza. Yo invitaría a que fuera un festejo sobrio, sereno y reflexivo. Eso de tirar la casa por la ventana me parece peligroso.

Como la Estela de luz para celebrar la Independencia que costará de 690 millones de pesos…

Cuando vi eso en la televisión estuve a punto de vomitar. Cuando vi al Secretario de Educación –Alonso Lujambio–, diciendo que estábamos haciendo laminitas en Finlandia con un cuarzo de Brasil que está siendo trabajado en Italia, pensé: ¿De verdad México está ahora en un momento donde puede gastarse esa cantidad? ¿Podemos darnos ese gran lujo? ¿No hay un escultor mexicano que pueda hacer, con un material o tecnología mexicana, una escultura decente, sobria, moderada, serena para los tiempos que estamos viviendo? En la República Mexicana creo que el 65 por ciento de las escuelas públicas no tienen baños, ¿no se podría invertir ese dinero en hacer que todos los baños de las escuelas públicas fueran dignos? Esas cosas pasan cuando alguien tiene más poder que cultura y educación. Por eso hablo de la cultura y la educación que conllevan a la segregación, al racismo y al clasismo. Para mí, el problema no es el narcotráfico, es un síntoma más, durísimo y dolorosísimo, muy dramático y muy gráfico, de las consecuencias de tantos errores que se han cometido principalmente en la educación. Si los narcotraficantes estuvieran educados no harían narcotráfico. El narcotraficante es un producto de la célula maligna que se llama falta de educación y cultura, todo lo demás viene solito.

Este artículo forma parte de los contenidos del  número 13 de la revista cine TOMA, de noviembre-diciembre 2010 (ya en circulación). ConsultaAQUI dónde conseguirla.



Lista, la imagen oficial del primer FICUNAM

diciembre 14, 2010

Esta semana se dio a conocer el diseño que será el que identifique la primera edición del Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM), mismo que se llevará a cabo del 24 de febrero al 3 de marzo de 2011 en diversas instalaciones de la Universidad Nacional Autónoma de México, como el Centro Cultural Universitario, el Cinematógrafo del Chopo, el Centro Cultural Universitario Tlatelolco y las FES Aragón y Acatlán, entre otras. Ya se encuentra confirmada una exposición de la obra artística del director de cine tailandés Apichatpong Weerasethakul, ganador de la Palma de Oro 2010, por la película La leyenda del tío Boonmee, actualmente programada en la 52 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional, que será exhibida en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MuAC). También se confirmó la visita del documentalista kazajo Sergei Dvortsevoy, quien ofrecerá una conferencia magistral como parte de la Cátedra Ingmar Bergman. La segunda charla magistral de dicha cátedra será el armenio Artavazd Peleshyan, conocido por sus ensayos fílmicos y por ser un respetado historiados y crítico de arte.

Puedes recibir noticias del festival a través de su página de Facebook o de Twitter.

 

 

Cinco producciones mexicanas premiadas en La Habana

diciembre 14, 2010
Alamar, de Pedro González Rubio.

El muy guadalupano domingo pasado, 12 de diciembre de 2010, concluyó la trigésima segunda edición del Festival Internacional de Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, en Cuba. Anunciados con antelación y entregados en la ceremonia de clausura del festival, en el teatro Karl Marx de La Habana, los premios recayeron en algunas producciones o coproducciones mexicanas.

Entre ellas, se encuentra la gran ganadora de la trigésimo segunda edición del festival cubano, la cinta Post Mortem (Chile-México-Alemania, 2010), segundo largometraje del director chileno Pablo Larraín (con el apoyo de la productora mexicana CANANA Films), que obtuvo el premio FIPRESCI, además del Segundo Premio Coral en la categoría Largometrajes de Ficción, además de premios Coral  de Guión, de Actuación Femenina para Antonia Zeger, y de Actuación Masculina para Alfredo Castro.

El Tercer Premio Coral en largometraje de ficción fue para la cinta Las buenas hierbas (México, 2010), de María Novaro, misma que también ganó el Premio Coral para Música Original, compuesta por Santiago Chávez y Judith de León. Y el Premio Coral de Fotografía fue para otro mexicano, Damián García, por su trabajo en Chicogrande (México, 2010), de Felipe Cazals.

En el renglón de Ópera Prima, el Primer Premio Coral fue para Alamar (México, 2010), de Pedro González Rubio (con producción de Mantarraya Producciones).

El documental Jean Gentil (República Dominicana-México), de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas (también producido por CANANA Films), obtuvo una mención especial en el premio Signis. Finalmente, en el concurso de guiones inéditos, Workers, del mexicano José Luis Valle González ganó otra mención especial.

Las buenas hierbas, de María Novaro.

 

A continuación, la lista completa de Premios Corales de la 32 Edición del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano:

Largometrajes de ficción

Primer Premio Coral: La vida útil, de Federico Veiroj (Uruguay, España)

Segundo Premio Coral: Post Mortem, de Pablo Larraín (Chile, México, Alemania)
Tercer Premio Coral: Las buenas hierbas, de María Novaro (México)
Premio Especial del Jurado: La mirada invisible, de Diego Lerman (Argentina, Francia, España)
Mención del Jurado: Casa vieja, de Lester Hamlet (Cuba)
Premio Coral de Dirección Artística: Erick Grass, por José Martí: el Ojo del Canario (Cuba, España)
Premio Coral de Fotografía: Damián García, por Chicogrande(México)
Premio Coral de Banda Sonora: Raúl Locatelli y Daniel Yafalián, porLa vida útil (Uruguay, España)
Premio Coral de Música Original: Santiago Chávez y Judith de León, por Las buenas hierbas (México)
Premio Coral de edición: Eliane Katz, por Por tu culpa (Argentina, Francia)
Premio Coral de Actuación Femenina: Antonia Zegers, por Post Mortem (Chile, México, Alemania)

Premio Coral de Actuación Masculina: Alfredo Castro, por Post Mortem (Chile, México, Alemania)
Premio Coral de Guión: Pablo Larraín y Mateo Iiribarren, por Post Mortem (Chile, México, Alemania)
Premio Coral de Dirección: Fernando Pérez, por José Martí: el Ojo del Canario (Cuba, España)

Premio FIPRESCI:

Post mortem, de Pablo Larraín (Chile, México, Alemania)

Operas Primas

Primer Premio Coral: Alamar, del director Pedro González-Rubio (México)

Premio especial del Jurado: Hermano, del director Marcel Rasquin (Venezuela)

Segundo Premio Coral: Octubre, de los directores Diego Vega y Daniel Vega (Perú, Venezuela, España)
Tercer Premio Coral: Del amor y otros demonios, de la directora Hilda Hidalgo (Costa Rica, Colombia)
Premio Coral a la Mejor Contribución Artística: Rompecabezas, de la directora Natalia Smirnoff (Argentina, Francia)

Mención: La casa muda, del director Gustavo Hernández (Uruguay)

Premio SIGNIS:
José Martí: el ojo del canario, de Fernando Pérez (Cuba)

Mención SIGNIS:
Jean Gentil, de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas (Republica Dominicana-México)

Documentales

Primer Premio Coral: Pecados de mi padre, de Nicolás Entel (Argentina, Colombia)
Segundo Premio Coral: El edificio de los Chilenos, de Macarena Aguiló Marchi. (Chile, Cuba, Francia)
Tercer Premio Coral: Memoria Cubana, de Alice de Andrade e Iván Nápoles (Brasil, Cuba, Francia)

Premio Coral a la Mejor Obra sobre América Latina de un realizador no latinoamericano: Operación Peter Pan: cerrando el círculo en Cuba, de la directora Estela Bravo. (Estados Unidos, Cuba)

Premio Especial: El tesoro de América – el oro de Pascua Lama, de Carmen Castillo Echeverría. (Chile, Francia)
Mención: Cuchillo de palo, de Renate Costa (Paraguay, España)

Animación

Primer Premio Coral: Sambatown, del director Cadu Macedo (Brasil)

Premio especial del Jurado: Nikita Chama Boom, del director Juan Padrón Blanco (Cuba)
Segundo Premio Coral: Marcela, del director Gastón Siriczman (Argentina)
Tercer Premio Coral: El alicanto y la veta de cobre, del director Roberto Avaria (Chile)

Mención: Tempestade, del director Cesar Cabral (Brasil)

Premio del ALBA Cultural Latinoamérica Primera Copia:
Gran Premio Alba Cultural Latinoamérica Primera Copia (ex aequo):
Las Acacias, de Pablo Giorgelli (Argentina, España)
Chamaco, de Juan Carlos Cremata (Cuba)

Reconocimiento especial:
El fin del Potemkin, de Misael Bustos (Argentina)

Guiones inéditos
Coral de Guión inédito: Clever, de Federico Borgia Stagnaro y Guillermo Madeiro Bonelli (Uruguay)

Mención Especial: Workers, de José Luis Valle González (Mexico)

Jean Gentil, de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas.


Guillermo del Toro y su historia de una ida y una vuelta

diciembre 10, 2010

De la Tierra Media a las montañas de la locura

Es un gran mito que las películas de fantasía sirvan para la evasión y la diversión. Las de gran presupuesto significan una inmensa carga de trabajo, al menos para sus directores. En el caso de El Hobbit, el encargo que aparentemente consagraría a Gillermo del Toro acabó por detener dos años su carrera.

Por Sergio Raúl López

El 31 de enero de 2008 los augurios no podrían ser más promisorios para Guillermo del Toro. Ese día la noticia se había hecho oficial: el jalisciense radicado en Los Ángeles sería el director del díptico fílmico El Hobbit, la primera de las novelas que relatan el mundo de la Tierra Media imaginado por el escritor y lingüista inglés John Ronald Reuel Tolkien,  misma que sería producida por el neozelandés Peter Jackson.

De este modo, la carrera ascendente del inventor de películas como Cronos (1992) o El Laberinto del Fauno (2006), continuaría con uno de los proyectos fílmicos más importantes de los años recientes, las historia previa a la que aparece en las tres películas sobre El Señor de los Anillos (The Lord of the Rings, 2001-2003), que Jackson había llevado a la pantalla grande con dos características favorables: una adaptación relativamente fiel de las tres novelas que le sirvieron de base –que no pocos lectores le agradecieron– y un apabullante éxito de taquilla, que la colocó en términos de público, en el nivel de otras series fílmicas de éxito absoluto como La guerra de las galaxias y Harry Potter.

La decisión parecía acertada, ya que si un director especializado en cine gore de altas dosis de violencia y litros de sangre derramada, como Jackson, había sabido conseguir una inteligente mezcla entre las criaturas fantásticas, los lenguajes inventados y la poesía que pueblan las historias de Tolkien con gigantescas batallas llenas de adrenalina y muy bien elaborados efectos visuales, no cabría esperar menos del especialista mexicano en los relatos de terror y personajes peculiares como demonios, fantasmas y vampiros.

En el verano de ese año 2008, del Toro estrenaría en la cartelera mundial la segunda de sus películas sobre el personaje de cómic Hellboy y quedaba libre para abordar un proyecto tan grande que implicaba un presupuesto de 300 millones de dólares y dos entregas programadas para 2009 y 2010. Incluso, Hellboy II. El ejército dorado, podía ser visto incluso como un ejercicio de estilo para la siguiente magna producción que estaba por abordar, pues en la cinta abundaban personajes fantásticos como elfos, trolls y batallas de enormes ejércitos generados por gráficos de computadora.

Pero no podía esperarse otra cosa de un autor que ha dejado marcas tan personales en todos los filmes que ha dirigido –incluso aquellos por encargo–, más que el proyecto fuera creciendo y volviéndose paulatinamente más ambicioso en su planeación. Para agosto de 2008, en una entrevista para The Times on Sunday, del Toro declaraba:

“Estoy intentando ser fiel a lo que leí cuando era joven. Ese es El Hobbit al que estoy sirviendo. No puedo servirle a una película de Peter Jackson. Además, esperamos lograr transformarlo en una trilogía. Crearemos una expansión de lo que yace en los cuatro libros y en los numerosos apéndices. Yo no voy a ir a Nueva Zelanda por dos años para hacer una película. Me mudo por cuatro años”.

Sin embargo, precisamente cuando corrían los rumores sobre los actores que podrían conformar el elenco y el número de entregas que podrían acabar conformándose en torno a la historia, en el aire se presentían una serie de dificultades que, poco a poco, fueron tornándose visibles. La principal de todas fue el retraso del rodaje, porque la Warner Bros.  y New Line Cinema no poseían los derechos exclusivos para llevar la novela al cine, sino que los compartían con la Metro Goldwyn Meyer (MGM), estudios que enfrentaron una crítica situación financiera que le acercaba a la bancarrota, al no poder cubrir deudas por 3 mil 700 millones de dólares, y se mantenían a la espera de socios o compradores que le ayudaran a solventarlas, lo que detuvo, además del proyecto de El Hobbit, la siguiente aventura de James Bond.

Esta situación de incertidumbre impidió a Del Toro iniciar las filmaciones de la cinta, y peor aún, no contar con ninguna fecha probable de arranque –cada seis meses se proponía una nueva–, lo que le orilló a  tomar la terrible decisión de renunciar al proyecto, misma que dio a conocer el 31 de mayo de 2010.

“A causa de la demora en el comienzo de El Hobbit, me enfrento con la decisión más dura de mi vida. Luego de estar respirando, viviendo y diseñando durante dos largos años un mundo tan rico como lo es La Tierra Media de Tolkien, debo, con gran dolor, abandonarlo todo. Le agradezco a Peter, Fran y Philippa Boyens, New Line y Warner Brothers, y a todo mi grupo de trabajo en Nueva Zelanda. Soy un privilegiado por haber trabajado en uno de los más maravillosos países y con la mejor gente, me han cambiado la vida. La falta de una fecha me genera éste conflicto que ya sobrepasó el tiempo que podía dedicarle a éste filme. Pero como co-escritor y director, no puedo hacer otra cosa más que desearles la mejor de las suertes, y les aseguro que seré el primero de la fila para ver el trabajo final. Sigo siendo su aliado, de los realizadores presentes y de quien lo sea en el futuro, y les daré mi apoyo para poder crear una suave transición hacia un nuevo director”.

Los fans también filman

En contraste, mientras los problemas financieros impidieron la realización de esta magna producción cinematográfica, los seguidores de Tolkien y de las cintas de Jackson, decidieron que no tenían que esperar tanto tiempo y se procuraron su propio entretenimiento. El 3 de mayo de 2009, en el Festival Internacional de Ciencia Ficción de Londres, se estrenó The Hunt for Gollum (La cacería de Gollum), dirigida por Chris Bouchard, un cortometraje de 40 minutos que ejemplifica a la perfección el género de los filmes amateurs de gran producción, pues involucró a cientos de voluntarios y un corto presupuesto de 4 mil 700 dólares. Además, al ofrecerse de manera gratuita en la Internet y no perseguir fines de lucro, les permitió utilizar a los personajes de Tolkien sin infringir el derecho de autor.

“Fue realmente motivado por nuestro amor a este material. No podíamos esperar por El Hobbit y queríamos intentar añadir material a la saga. Filmamos cada fin de semana durante un año y realmente intentamos imitar el proceso cinematográfico profesional tanto como fuera posible dentro de nuestro apretado presupuesto. El resultado final es muy impresionante”.

Pocos meses después, el 2 de octubre del 2009, en la convención alemana dedicada al género fantástico Ring*Con, en Bonn, se realizó el estreno mundial de Born of Hope (El nacimiento de la esperanza), otra película realizada por los seguidores de El Señor de los Anillos ­­–llamados comúnmente fanfilms–, producida y dirigida por Kate Madison, que ya era un largometraje de 71 minutos de duración y con un costo menor a los 35 mil dólares –recaudado mediante donaciones privadas–, que también circula de manera libre por Internet y ha logrado más de un millón de espectadores.

La propia Madison declaró en una entrevista ofrecida al Festival in the Shire Journal: “Un fanfilm es una película que utiliza los cimientos de un trabajo ya existente, sea una cinta o un libro, sin las licencias específicas y sin interés comercial, con calidades muy variadas. Supongo que los fanfilms son simplemente otra forma para que los seguidores se sientan parte de algo que les gusta y disfrutan. Nuestro guión podría llamarse un fragmento de ficción de fan, en realidad. Tomamos unos cuantos nombres de personajes y una línea de acontecimientos y las expandimos hacia nuestra propia historia original”.

Zapatero a tus zapatos

El final de esta historia es de todos conocido. Tras su salida del proyecto de El Hobbit, varios estudios le ofrecieron propuestas a Guillermo del Toro. Pero unas semanas más tarde se conoció su decisión final: aceptar la propuesta de la Universal Pictures ­–compañía que le financió Hellboy– de filmar una adaptación de la novela de Howard Phillips LovecraftEn las montañas de la locura (At the Mountains of Madness ), y tendrá como productor a James Cameron (Avatar, Titanic) y como protagonista al actor que lo ha acompañado desde las épocas de Cronos, Ron Perlman.

En tanto, el proyecto de El Hobbit no le fue asignado a ningún otro director en reemplazo del mexicano, y el propio Peter Jackson deberá encargarse de realizar las dos cintas, en una producción que ya corre contra reloj pues deben estrenarse en 2012 y 2013, y sigue enfrentando obstáculos diversos como un amago de boicot por parte de la asociación de cineastas de Nueva Zelanda, que probablemente provoque el cambio de locaciones de la producción, además de los otros proyectos en los que el cineasta está comprometidos.

El propio Cameron recomendó al realizador tapatío, como amigo, abandonar el proyecto, como declaró al Sunday Herald Sun el 14 de agosto pasado: “Durante largo tiempo le aconsejé salirse de esa cosa porque sólo hay lugar para un capitán en esa nave. Instintivamente supe que Peter iba a hacerse cargo y hacer la película. Claro que hubiera hecho un trabajo espectacular, pero ¿no queremos todos ver que lo haga Peter? Él debía filmarlo y Guillermo hacer lo que sabe. Es lo que le dije a ambos: cada uno debería quedarse en su esquina”.

Realizar una adaptación cinematográfica que haga justicia al terror cósmico descrito por Lovecraft ha sido uno de los proyectos más anhelados de del Toro, quien tras el estreno de El Laberinto del Fauno, lo planteaba como una de sus metas a futuro: “Ya llevo tres o cuatro años con ella –decía del Toro en entrevista con el autor en 2006–, pero es una película muy cara y muy difícil, me parece que voy a tener que financiarla independientemente porque los estudios no están reaccionando ya que es una película muy cara con un final no feliz.

“Mi película trataría de hacer la gran escala de Lovecraft, que es cósmica, donde el hombre es una creación pequeñita e insignificante. Creo que utilizaría una mezcla de varios tipos de técnica pero lo digital me parece que sirve para representar su universo. Creo que Lovecraft principalmente está muy bien plasmado en los cortometrajes de los fans y en alguna que otra película que no es oficialmente de Lovecraft como el Alien de Ridley Scott o La Cosa de John Carpenter”.

Ahora, conseguirá hacer realidad sus deseos. Lo que le permitirá continuar en la línea de proyectos que le permiten abordar sus profundas convicciones sobre el género: “el cine fantástico resulta útil  para permitirnos hablar de nuestros defectos y hacer la paz con ellos, en lugar de hablar de virtudes y tratar de alcanzar la perfección.  Sirve para hablar de la imperfección y celebrarla. Justamente la gente que no tiene imaginación ni sentido del humor es la que provoca las guerras, las culpas y todos los malos rollos en la vida”.

“Creo profundamente que el monstruo es la exteriorización de algo con lo que nos cuesta mucho trabajo hacer las paces: es difícil aceptar que la regamos, que fuimos malos o que hicimos algo negativo. Es parte de la naturaleza humana cometer errores y ser imperfectos. Y el monstruo representa aceptar la responsabilidad de ser una mezcla del doctor Jekyll y Mr. Hyde; es decir que todos pretendemos ser Jeckyll y negamos a Hyde, y el monstruo nos ayuda a recordar que es una parte del ser humano. Justamente los seres más abominables son como el capitán Vidal de mi película (El laberinto del Fauno) o como muchas organizaciones políticas y religiosas tratan simplemente de darse baños de pureza. El fascismo siempre viene acompañado de ideas de hombres nuevos, puros, más fuertes, es decir, parámetros imposibles de cumplir. Y lo mismo sucede cuando la religión, en lugar de fomentar nuestra humanidad, afirma que cualquier rasgo de ella es pecado, malvado o condenable. Yo tengo muchísimas sospechas de todas las organizaciones que promulgan la perfección, en cambio celebro todo aquello que abraza, permite y acoge la imperfección”, resumió del Toro en la entrevista.

Este artículo forma parte de los contenidos del  número 13 de la revista cine TOMA, de noviembre-diciembre 2010 (ya en circulación). ConsultaAQUI dónde conseguirla.

 

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Abre convocatoria para el tercer Rally Universitario

diciembre 9, 2010

Abierta, la convocatoria del Tercer Rally Universitario “Expresión en Corto”

Desde ayer se abrió la convocatoria mediante la cual se invita a las universidades de toda la República Mexicana a convocar a sus estudiantes cinéfilos para representarlas en el  Tercer Rally Universitario “Expresión en Corto”, a realizarse durante el XIV Festival Internacional de Cine  de Guanajuato,Expresión en Corto, del 22 al 31 de julio de 2011. La filmación sucederá, para esta edición, en San Miguel de Allende, Guanajuato, en 48 horas. Las universidades deberán enviar sus proyectos preseleccionados antes del 15 de Febrero del 2011, podrán ser varios proyectos por universidad, pero los ocho finalistas solamente podrán participar uno por escuela. Los guiones deberán ser inéditos.

La información puede encontrarse en la página del festival: www.expresionencorto.com

Sexto Festival Internacional de Cine de Acapulco

diciembre 9, 2010

La sexta edición del Festival Internacional de Cine de Acapulco (FICA) inició el día de ayer, en el Museo Histórico Fuerte de San Diego, con la entrega del premio Jaguar de Plata, por trayectoria, una de la figuras representativas del cine de la década de los 70, la actriz Lorena Velázquez. En la ceremonia se proyectó la película Mas alla del Muro, de Luis Eduardo Reyes.
Además se ha programado Cartas a Elena, de Llorent Barajas, la cinta más reciente de Lorena Velázquez, en la que comparte créditos con Xavier López Chabelo y Ana Luisa Pelufo.
El otro homenajeado será el actor Jorge Luján, de quien se proyectará la multipremiada cinta Cinco días sin Nora.

El festival, dirigido por Víctor Sotomayor, durara tres dias, del 7 al 10 de diciembre, y se exhibiran peliculas de diferentes distribuidores y productores reconocidos.

La sede principal sera en las instalaciones de Cinepolis, ubicado en el Centro Comercial Galerias Diana, sobre la avenida Costera Miguel Aleman.

Ademas se proyectaran peliculas en escenarios naturales, como las playas de Caleta y Tamarindos, del 8 al 10 de diciembre, en dos horarios, 20:00 a 22:00 y 22:00 a 24:00 horas.

Ventas navideñas de cine y libros

diciembre 8, 2010

Nos han llegado, a la redacción de cine TOMA, tres invitaciones para adquirir, a precios de remate, tanto libros como películas en DVD en estos días previos a las vacaciones finanuales. Una es del Instituto Mexicano de Cinematografía y se realizará en la Cineteca Nacional, la otra es de la distribuidora de cine y video Artecinema y será en sus propias instalaciones (saliendo del metro Constituyentes), la tercera es de la brigada Para leer en libertad, y se efectuará sobre Paseo de la Reforma. Aquí  las compartimos:

 

Presunto Culpable gana en Dubai, además del premio Humanitas IDA

diciembre 7, 2010

El documental mexicano Presunto Culpable (2009), de Roberto Hernández y Geoffrey Smith, prosigue su racha ganadora. Ahora fue declarado Mejor Película del premio Human Rights Film Network en el séptimo Festival Internacional de Cine de Dubai, el domingo 19 de diciembre.

Hace unas semanas, el documental ganó este el premio IDA Humanitas, durante la décima entrega de premios IDA (la Asociación Internacional de Documental, por sus siglas en inglés), realizada el 3 de diciembre pasado en Los Ángeles, Californa. El premio fue entregado también de manera ex aequo al documental estadounidense The Oath (2010), de Laura Poitras. Estos reconocimiento se entregan anualmente a la cinematografía que “rompe el muro de la ignorancia y el temor que separa a los seres humanos”. La cinta ya había ganado el premio a Mejor Documental en los festivales mexicanos de Morelia, en 2009, y Guadalajara, a principios de este año.